Guiones y guionistas

El artículo 697. Analizando los desafíos de Mr. Beast: Concursantes se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿Qué tienen los desafíos de Mr. Beast para conseguir millones de visionados en pocas horas? En el pódcast anterior analizamos la figura del rol de presentador y sus amigos. En este veremos la figura de los concursantes, de dónde vienen, qué tienen que hacer y cuáles son sus funciones. En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana publicamos una nueva clase del Curso de Final Draft. Una clase dedica a la actualización del programa a Final Draft 13. Hoy veremos cómo funcionan las nuevas líneas de estructura y cómo imprimir el guion en colores. Si estás pensando si merece la pena o no ampliar a Final Draft 13, no te pierdas estas clases. El Rol de Concursante en los desafíos de Mr. Beast El rol de concursante es desempeñado por una variedad de personas, que pueden incluir amigos de Mr. Beast, personas anónimas, suscriptores o incluso celebridades. Los concursantes de los desafíos de Mr. Beast participan activamente en los retos, enfrentándose a obstáculos, resistiendo condiciones difíciles o compitiendo entre ellos por grandes premios. La participación de diferentes tipos de concursantes le da a los retos una gran diversidad y frescura. En retos como “Last to take hand off Lamborghini keeps it” (El último en quitar la mano del Lamborghini se lo queda), los amigos cercanos de Mr. Beast, como Chandler, Chris, Karl, y Nolan, suelen ser los concursantes principales. A menudo, ellos aportan humor, emoción y rivalidad amistosa, lo que hace que los desafíos sean más entretenidos. En otros casos, Mr. Beast involucra a suscriptores o personas anónimas, como en “I gave my credit card to strangers” (Le di mi tarjeta de crédito a extraños), donde el foco está en cómo personas al azar aprovechan la oportunidad de participar en un reto inesperado. En algunos desafíos de Mr. Beast, los concursantes se dividen en grupos por categorías como sexo, edad o procedencia, lo que añade una dinámica competitiva y estratégica al desafío. Estas divisiones no solo sirven para equilibrar la competición, sino que también generan una narrativa más clara, donde diferentes grupos compiten entre sí, intensificando la rivalidad y fomentando alianzas internas. Por ejemplo, en el reto “100 Boys Vs. 100 Girls” (100 chicos contra 100 chicas), los concursantes se dividieron en equipos según su género, lo que permitió a cada grupo desarrollar sus propias estrategias de cooperación para superar al otro equipo. Este tipo de divisiones crean expectativas entre la audiencia, que puede alinear sus simpatías con un equipo determinado. Además, estas divisiones ayudan a crear diversidad en la competencia, destacando las habilidades o características particulares de cada grupo. En desafíos donde se dividen por edad, por ejemplo, los concursantes más jóvenes podrían depender de su energía, mientras que los mayores podrían usar su experiencia para tomar decisiones estratégicas. Este tipo de segmentación también fomenta la interacción entre diferentes grupos y puede generar situaciones inesperadas, como rivalidades intensas o alianzas entre equipos, lo que añade variedad y entretenimiento al desarrollo del reto. Los anónimos que participan en los desafíos de Mr. Beast son seleccionados mediante diferentes métodos, dependiendo de la naturaleza del reto y la escala del proyecto. En algunos casos, se elige a los concursantes entre suscriptores de su canal de YouTube, utilizando sorteos o convocatorias abiertas para que cualquiera tenga la oportunidad de participar. Esto permite que personas comunes puedan tener la oportunidad de competir por grandes premios y ser parte de los retos masivos de Mr. Beast. A menudo, Mr. Beast anuncia en sus videos o redes sociales que está buscando participantes, y los interesados se inscriben para ser elegidos. Esta estrategia no solo fomenta la participación activa de sus seguidores, sino que también refuerza la conexión entre el creador y su audiencia. En otros casos, los anónimos son seleccionados al azar en lugares públicos, como se ha visto en algunos desafíos de Mr. Beast donde aborda a personas en la calle o en tiendas, invitándolos a participar espontáneamente. Esto añade un componente inesperado y emocionante a los videos, ya que las personas elegidas no siempre están preparadas para lo que se les viene. Esta selección aleatoria también da lugar a momentos espontáneos y auténticos, ya que los concursantes suelen estar sorprendidos y emocionados por la oportunidad de competir. En ambos métodos, la selección de anónimos contribuye a la diversidad y frescura de los retos, manteniendo a la audiencia interesada en ver cómo reaccionan personas comunes ante situaciones extraordinarias. Los concursantes famosos que participan en los retos de Mr. Beast, como celebridades o influencers, suelen desempeñar un papel clave

El artículo 696. Analizando los retos de Mr. Beast: Presentador y amigos se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿Quién no conoce a Mr. Beast, el youtuber más famoso del mundo con más de 300 millones de seguidores? ¿Cómo consigue tener retos y desafíos tan adictivos y entretenidos? Con este pódcast en Guiones y guionistas inicio una serie en la que voy a analizar los retos y desafíos de Mr. Beast para ver cuál es el secreto de su éxito. Los analizaré desde el punto de vista de un guionista. Os recuerdo que una nueva versión del taller estrella de la casa, Vomit Draft. Y esta vez viene con novedades porque van a ser dos talleres. Uno para escribir una película en 90 días y otro para escribir una serie en 90 días. Tú eliges qué escribir, si una peli o una serie. Empezaremos esta semana. En la web cursosdeguion está el enlace de Vomit Draft en la parte inferior para que veas toda la información sobre el taller: contenido (vídeos y PDFs), días de conexiones, grupo de apoyo, costo… Si te interesa corre porque comenzamos el miércoles el de pelis y el viernes el de series. Es un taller en el que todas las semanas tienes acceso a un vídeo que te dice qué hacer, un PDF que te propone ejercicios y una conexión en la que yo personalmente me implicaré para que saques adelante tu historia. Los roles de los personajes: Presentar y concursar En los retos de Mr. Beast, dos roles principales definen la dinámica de sus videos: el presentador y los concursantes. Cada uno de estos roles tiene una función específica que contribuye al desarrollo de los desafíos. Aunque Mr. Beast generalmente ejerce el rol de presentador, en algunos casos también se involucra como concursante, lo que añade una capa adicional de interés y emoción a los retos. Vamos a explorar cómo se dividen estos roles y quién los desempeña en diferentes situaciones. El Rol de Presentador El presentador en los videos de Mr. Beast es casi siempre Jimmy Donaldson (Mr. Beast). Como presentador, su papel es fundamental para establecer las reglas del reto, introducir a los concursantes y guiar al espectador a lo largo del video. Mr. Beast actúa como el hilo conductor de la narrativa, asegurándose de que la audiencia entienda lo que está en juego y proporcionando actualizaciones a medida que el reto avanza. Jimmy Donaldson, conocido como Mr. Beast, es el creador y el centro de todo el contenido del canal. Comenzó su carrera en YouTube con videos más simples, pero saltó a la fama con sus extravagantes retos y actos de filantropía. Mr. Beast es conocido por sus desafíos que ofrecen grandes premios en efectivo y por su generosidad, a menudo regalando millones de dólares a sus amigos, suscriptores o personas al azar. Su enfoque en la producción de contenido masivo y su capacidad para innovar constantemente en la creación de videos lo han convertido en una de las figuras más influyentes en YouTube. Funciones del presentador en los retos 1. Establecimiento de las reglas y contexto del reto La primera función del presentador es explicar el reto a los participantes y a la audiencia. Esto implica detallar las reglas, los premios y las condiciones en las que se desarrollará el desafío. La claridad en la explicación de las reglas es crucial, ya que muchos de los retos de Mr. Beast involucran elementos complejos o tienen varios pasos. Por ejemplo, en retos como “El último en salir del círculo gana”, Mr. Beast comienza explicando cuántos concursantes están participando, cuánto tiempo estimado podría durar el reto y qué está en juego. Su capacidad para comunicar claramente las reglas asegura que tanto los concursantes como los espectadores entiendan lo que está ocurriendo. 2. Supervisión del desarrollo del reto El presentador también actúa como el supervisor del reto, asegurándose de que todo se esté ejecutando conforme a las reglas establecidas. Durante el desafío, el presentador se mantiene involucrado, vigilando a los participantes y verificando que no haya trampas o incumplimientos de las reglas. En retos como “Last to take hand off Lamborghini keeps it” (El último en quitar la mano del Lamborghini se lo queda), donde los participantes deben mantener una mano sobre un coche durante horas o días, Mr. Beast supervisa constantemente para asegurarse de que nadie rompa las reglas. Si un participante quita la mano, es el presentador quien anuncia la descalificación. 3. Creación de sorpresas y giros inesperados Una de las funciones más interesantes del presentador en los retos de Mr. Beast es la introducción de giros inesperados o sorpresas que cambian la dinámica del juego. Estos giros mantienen tanto a los concursantes como a los espectadores en vilo y añaden emoción al desafío. Por ejemplo, en algunos retos de resistencia, como “Last to leave pool of $20,000″(El último en abandonar la piscina gana $20,000), Mr. Beast puede añadir nuevos desafíos dentro del reto principal, como reducir el espacio disponible o aumentar la dificultad par

El artículo 695. Cómo usar la Ventana de Johari para crear personajes se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿Cómo podemos crear personajes más profundos, que puedan evolucionar de una forma sorprendente y acaben siendo inolvidables? Hoy en Guiones y guionistas os voy a presentar una herramienta que viene de la psicología, pero que puede ser muy útil para nosotros: La Ventana de Johari. Y os recuerdo que una nueva versión del taller estrella de la casa, Vomit Draft. Y esta vez viene con novedades porque van a ser dos talleres. Uno para escribir una película en 90 días y otro para escribir una serie en 90 días. Tú eliges qué escribir, si una peli o una serie. Empezaremos la segunda semana de septiembre y los dos tienen las plazas limitadas, por lo que si te interesa no lo dejes para más tarde. En la web cursosdeguion está el enlace de Vomit Draft en la parte inferior para que veas toda la información sobre el taller: contenido (vídeos y PDFs), días de conexiones, grupo de apoyo, costo… Es un taller en el que todas las semanas tienes acceso a un vídeo que te dice qué hacer, un PDF que te propone ejercicios y una conexión en la que yo personalmente me implicaré para que saques adelante tu historia. Qué es La Ventana de Johari La Ventana de Johari es una herramienta psicológica que se utiliza para mejorar la comprensión de uno mismo y de las relaciones interpersonales. Fue creada por los psicólogos Joseph Luft y Harrington Ingham en 1955. El nombre “Johari” proviene de la combinación de las primeras sílabas de los nombres de los autores. La ventana de Johari está dividida en cuatro cuadrantes, que representan diferentes aspectos de la identidad personal en relación con la percepción de los demás: Área abierta (o pública): Lo que es conocido tanto por uno mismo como por los demás. Incluye comportamientos, pensamientos y sentimientos que compartimos abiertamente. Área ciega: Lo que es conocido por los demás, pero que uno mismo no conoce. Aquí se encuentran aspectos de nuestra personalidad o comportamientos que los demás perciben, pero que nosotros no notamos. Área oculta (o secreta): Lo que uno conoce de sí mismo, pero que no es conocido por los demás. Incluye pensamientos, sentimientos, y experiencias que decidimos no compartir. Área desconocida: Lo que no es conocido ni por uno mismo ni por los demás. Aquí se encuentran aspectos de nuestra personalidad o potenciales que aún no han salido a la luz. La ventana de Johari se utiliza frecuentemente en dinámicas de grupo y en sesiones de coaching o terapia para ayudar a las personas a aumentar su autoconocimiento y mejorar la comunicación y la confianza con los demás. Al compartir más información sobre uno mismo y recibir retroalimentación, se puede reducir el área oculta y la ciega, lo que puede conducir a una mayor apertura y comprensión en las relaciones. Los guionistas podemos utilizar esta herramienta para crear nuestros personajes de una forma más profunda, desarrollando sus cuatro áreas. Ejemplos de la ventana de Johari en personajes famosos de cine o televisión Walter White – Breaking Bad Área abierta: Walter es conocido por ser un profesor de química con una vida aparentemente tranquila y común. Todos, incluidos él mismo, reconocen esta faceta. Área ciega: Al inicio, Walter no se da cuenta de cómo su orgullo y ego están impulsando sus decisiones más que su necesidad de dinero para su familia. Los espectadores y otros personajes comienzan a notar este cambio antes que él mismo. Área oculta: Walter esconde su creciente ambición y el hecho de que, en realidad, disfruta del poder que le otorga su nueva vida como Heisenberg. Este secreto lo consume cada vez más a lo largo de la serie. Área desconocida: Al principio, ni Walter ni los demás saben hasta qué punto él es capaz de descender moralmente. Su transformación completa en un villano despiadado es algo que ni él mismo anticipa. Forrest Gump – Forrest Gump Área abierta: Forrest es conocido por su simpleza, inocencia y bondad. Todos, incluido él mismo, ven estas características claramente. Área ciega: Forrest no es consciente de cuánto impacta en la vida de los demás con su sencillez y pureza. Aunque su inteligencia es limitada, su influencia en otros personajes y en eventos históricos es enorme, algo que otros reconocen más que él. Área oculta: Forrest oculta su profundo amor por Jenny y sus sentimientos de tristeza por no ser como los demás. Aunque es un personaje transparente, sus deseos más íntimos no siempre son expresados abiertamente. Área desconocida: Ni Forrest ni los demás entienden completamente cómo su vida, aunque aparentemente ordinaria, será tan extraordinaria e inspiradora. Sus logros y experiencias no son algo que él o los demás anticipen. Michael Corleone – El Padrino Área abierta: Michael es conocido por ser el hijo menor de Vito Corleone, que inicialmente no desea involucrarse en los negocios familiares. Es un veterano de guerra que busca una vida h

El artículo 694. Cómo escribir un drama deportivo se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. El deporte se ha convertido en uno de los mayores espectáculos del mundo: mundiales de fútbol, finales de la Superball, juegos Olímpicos… son actividades y temas que están adaptándose con mucho éxito a películas y series en la actualidad. Hoy en Guiones y guionistas veremos las claves para escribir un drama deportivo. En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana publicamos una nueva clase del Curso de Final Draft. Una clase dedica a la actualización del programa a Final Draft 13. Hoy veremos las nuevas prestaciones del Navegador y del nuevo modo nocturno. Si estás pensando si merece la pena o no ampliar a Final Draft 13, no te pierdas estas clases. Y por fin tengo el placer de anunciar una nueva versión del taller estrella de la casa, Vomit Draft. Y esta vez viene con novedades porque van a ser dos talleres. Uno para escribir una película en 90 días y otro para escribir una serie en 90 días. Tú eliges qué escribir, si una peli o una serie. Empezaremos la segunda semana de septiembre y los dos tienen las plazas limitadas, por lo que si te interesa no lo dejes para más tarde. En la web cursosdeguion está el enlace de Vomit Draft en la parte inferior para que veas toda la información sobre el taller: contenido (vídeos y PDFs), días de conexiones, grupo de apoyo, costo… En qué consiste el subgénero cinematográfico del Drama deportivo El drama deportivo es un subgénero cinematográfico que se centra en historias relacionadas con el mundo del deporte. Este tipo de películas generalmente exploran temas como el esfuerzo, la perseverancia, la superación personal, el trabajo en equipo, la rivalidad, la presión, y a menudo también abordan aspectos sociales o personales de los personajes, como las dificultades en la vida personal, problemas familiares o conflictos internos. Evolución del cine de subgénero Drama deportivo El subgénero del drama deportivo ha evolucionado considerablemente a lo largo de la historia del cine, reflejando no solo los cambios en la sociedad, sino también la evolución de los deportes como un elemento central en la cultura popular. Los inicios: Años 1920-1940 El drama deportivo comenzó a tomar forma en las primeras décadas del cine, especialmente en los años 1920 y 1930, cuando los deportes empezaron a ganar popularidad masiva en la sociedad. Películas como The Champ (El Campeón, 1931), dirigida por King Vidor, marcaron el inicio de este subgénero. The Champ se centra en la relación entre un ex campeón de boxeo y su hijo, mezclando el melodrama con elementos deportivos. Durante esta época, los deportes eran presentados como metáforas de la lucha personal y el esfuerzo individual, en consonancia con los valores de la época, donde la Gran Depresión había impactado profundamente a la sociedad y el cine se convirtió en un medio para ofrecer esperanza y modelos de perseverancia. La Edad de Oro del boxeo: Años 1940-1950 En los años 1940 y 1950, el boxeo se convirtió en el deporte más representado en el cine dramático. Este periodo vio el surgimiento de películas que exploraban la dureza del deporte y sus efectos en los individuos, como Body and Soul (1947) y The Set-Up (1949). Estas películas no solo mostraban el aspecto físico del deporte, sino que también exploraban temas como la corrupción, la ambición y el sacrificio personal. El boxeo, con su naturaleza brutal y su enfoque en la lucha individual, proporcionó un terreno fértil para los dramas introspectivos que reflejaban las tensiones y los dilemas morales de la época. Expansión temática y diversificación: Años 1960-1980 A partir de los años 1960, el drama deportivo comenzó a diversificarse, abordando una variedad de deportes y temáticas más amplias. The Hustler ((El buscavidas en España o El audaz en Argentina y México, 1961) trajo el billar a la pantalla grande, enfocándose en los aspectos psicológicos del deporte y la lucha interna del protagonista. En los años 1970, la franquicia de Rocky (1976) no solo revitalizó el subgénero del boxeo, sino que también estableció un arquetipo para las películas deportivas, combinando el drama personal con el triunfo bajo presión. Rocky Balboa se convirtió en un símbolo de la perseverancia y la lucha contra las probabilidades, reflejando el espíritu de superación que caracterizaba a la sociedad estadounidense de la época. Además, durante estos años, comenzaron a aparecer dramas deportivos que abordaban deportes de equipo, como Brian’s Song (1971), que tocaba temas de amistad, enfermedad y racismo dentro del contexto del fútbol americano. La inclusión de temáticas más diversas y la representación de deportes colectivos reflejaron un cambio en la sociedad hacia una mayor conciencia sobre los problemas sociales y la importancia de la colaboración y la unidad. La era del profesionalismo y los biopics: Años 1990-2000 Los años 1990 y 2000 marcar

El artículo 693. 10 claves de Alien: Romulus recuperadas del Alien original se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Alien: Romulus, la nueva entrega de la franquicia Alien ha sido la película más vista en el mundo el fin de semana de su estreno, superando los 100 millones de recaudación. Su director, Fede Álvarez, hizo una apuesta por volver a los inicios de la franquicia. Hoy veremos 10 claves de Alien: Romulus que recupera del Alien original. En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana publicamos una nueva clase del Curso de Final Draft. Una clase dedica a la actualización del programa a Final Draft 13. Hoy veremos lagunas innovaciones como la inclusión de emojis en los textos o la nueva forma de escribir en modo Typewriter como las máquinas de escribir antiguas en las que el foco de escritura se mantiene fijo. Claves de Alien: Romulus que recupera de Alien, el octavo pasajero Hace dos semanas Fede Álvarez y su coguionista Rodo Sayagues estuvieron dando una charla en Montevideo para estudiantes de cine. Allí contaron que la idea de esta nueva Alien se les ocurrió a ellos y en una reunión con el productor de Ridley Scott, le dijeron hace años que debían volver a la esencia de la primera de las películas. Años después, Ridley Scott recordó esa charla y comenzaron las conversaciones para ver qué proponían… así se gestó Alien: Romulus. Partiendo de la idea de Fede y Rodo de volver a la cinta original de Alien, me he visto las dos películas y voy a analizar 10 claves de Alien: Romulus que surgen de la película original. Obviamente, el pódcast estará plagado de spoilers. El género Si vemos la entrada en IMDB, Alien era de género “Horror Sci-Fi Thriller”. Además del género de ciencia ficción, el primer alien era de terror. El tagline con el que venderon la historia fue: esta película es Tiburón en el espacio. En Alien: Romulus, el terror vuelve a ser protagonista. Las películas de terror apelan a la necesidad más básica: la supervivencia. En Alien: Romulus, los personajes no comen, no beben, no van al baño, no duermen. Solo luchan por su vida. El monstruo es lo suficiente peligroso y repugnante para infundir terror y miedo a los espectadores, que temen por los personajes, pero también reaccionan a los sustos y golpes de sonido. Alien: Romulus vuelve a ser un producto de entretenimiento e intriga con sus buenas dosis de body horror como la original: el miedo a lo desconocido, a lo distinto, a lo que no podemos comprender y un monstruo ensangrentado reventando el pecho de alguien de vez en cuando. En Alien, el octavo pasajero, el terror y la peligrosidad del monstruo llegan poco apoco. Son trabajadores espaciales y científicos que se encuentran con un ser desconocido. En Romulus, los monstruos aparecen a los 30 minutos y, como ya se conoce su peligrosidad por otros films de la franquicia, no tardan en mostrar su carácter agresivo y letal desde el principio. Argumento: El monstruo en casa Alien: Romulus es una “Monster movie”. Según Blake Snyder hay diez argumentos que se repiten en el cine. Uno de ellos es “Un monstruo en casa”. Aunque podamos encontrarlo en películas como Tiburón, Alien, Scream, Saw, El resplandor o series como Stranger Things, el argumento de “un monstruo en casa” se remonta al Minotauro y el laberinto de la antigua Grecia o las leyendas de caballos y dragones de la Edad Media. Para que una película se pueda incluir en este epígrafe debe tener tres elementos: Un monstruo. Este monstruo tiene poderes sobrenaturales y puede ser “de verdad”, como en Tiburón, Alien, Parque Jurásico o Stranger Things; puede ser “doméstico”, como los muy humanos de La mano que mece la cuna y De repente un extraño; puede ser “un monstruo en serie”, como los psicópatas de las películas de terror como Scream y Psicosis; o también uno “sobrenatural” que simbolice el mal como en El exorcista y The Ring. Una casa. Este monstruo ataca o invade una “casa”, es decir un espacio cerrado donde habita una familia, un pueblo o “el mundo”. Este espacio puede ser muy reducido y asfixiante, como el sótano de Saw o la base submarina de Abyss; aislado como el hotel de El resplandor o la nave de Alien; o un pueblo entero como en Scream o Stranger Things. Un pecado. El monstruo es atraído a la casa gracias al pecado de alguno de sus habitantes: la infidelidad de Atracción fatal, anteponer el bien personal al común en Tiburón, hacer experimentos poco éticos en Stranger Things o poner por delante la carrera profesional a la familia en El exorcista. En los dos Alien el pecado es la codicia, que hace que la compañía quiera mantener el monstruo y conseguir que llegue a ellos para crear al humano perfecto. No les importa el riesgo. Eso se materializa en la primera entrega cuando dejan pasar al compañero herido sin respetar el período de cuarenta de rigor. Se saltan las normas y lo pagan. Las dos películas incorporan también un dead line final. Además del monstruo, hay

El artículo 692. Nuevo libro: 21 guiones de cortometraje finalistas del concurso se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hay que leer guiones. Lo digo siempre, si quieres ser guionista no basta con ver películas, hay que leer guiones para saber cómo se escriben. Por eso creé el Concurso de Guion de Cortometraje de Guiones y Guionistas y por eso he publicado el libro que presento hoy: 21 guiones de Cortometraje, Finalistas del Concurso Guiones y Guionistas. Una muestra de lo mejor que pasó por el concurso en las 5 ediciones. En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana publicamos una clase nueva del Curso de Final Draft. Una clase dedica a la actualización del programa a Final Draft 13. Hoy veremos las nuevas herramientas de productividad que incorpora y que nos ayudan a controlar las páginas y el tiempo que dedicamos a escribir cada día. 21 guiones de cortometraje. Finalistas del Concurso Guiones y Guionistas Aunque puedan tener mala prensa, siempre he sido un firme defensor de los concursos de guion. Entiendo que poner a competir disciplinas artísticas puede ser polémico y el resultado siempre estará sujeto a la subjetividad, pero sus beneficios superan ampliamente sus desventajas. Dediqué un capítulo de mi libro “Ser Guionista. Cómo ganarte la vida escribiendo guiones” a las bondades de participar en concursos de guion: el premio, imponerse fechas de entrega, ponerse a prueba como guionista, validar nuestro proyecto, motivarnos a producir más obra, calibrar el mercado… pero hay también un motivo personal: a mí me funcionaron. El primer largometraje que escribí y se produjo, Entre Esquelas, fue desarrollado gracias a un concurso de guion. También escribí algunos guiones y obras de teatro para presentarme a más concursos a lo largo de mi carrera. La mayoría no ganaron, pero de todos obtuve experiencias valiosas o, al menos, aprendí mientras desarrollaba los proyectos. Creo firmemente que los concursos son un elemento que ayuda a los guionistas en su trayectoria, por eso cuando tuve la oportunidad, organicé uno. El pódcast Guiones y Guionistas siempre tuvo como propósito crear un espacio donde aprender y reflexionar sobre la escritura de guiones. Pero también quería que fuera un lugar para visibilizar a los guionistas y sus trabajos. Por eso invité a los autores para entrevistarlos. Quería que compartieran sus experiencias, de dónde surgían sus ideas y cómo había sido su proceso de escritura. Aunque el alcance de un guion de cortometraje sea pequeño, quería escucharlos y que fueran protagonistas de su éxito. El objetivo no era solo darles el crédito de su trabajo, sino que los oyentes del pódcast escucharan sus experiencias para aprender de ellas. Hay un aspecto en la difusión de los concursos de guion que no suele recibir la atención que merece: los guiones en sí. Estamos acostumbrados a que en estos concursos solo se den a conocer los títulos y sinopsis de los guiones premiados. La mayoría de ellos nunca llegan a producirse, y esas historias no ven la luz. Por eso, decidí hacer públicos los guiones de los finalistas del concurso. Además, aprovechando que el concurso era organizado por un pódcast, pensé en leer los guiones al aire. Aunque sabía que leer en voz alta guiones diseñados para ser filmados podría resultar inusual, creí que valía la pena intentarlo. Este libro es el paso final de este proyecto. Al reunir y publicar todos los guiones finalistas, ofrecemos un espacio donde se pueden consultar, ya sea para conocer el trabajo de los autores o para aprender de guiones que han pasado el filtro de calidad de un concurso. No es fácil encontrar guiones de cortometraje de calidad y este libro ofrece 21 muy diversos. Los textos que tienes en tus manos han sido escritos por guionistas de España, México, Argentina, Colombia, Chile y El Salvador, y fueron seleccionados entre más de 500 guiones. Aunque entre los guiones no seleccionados pueda haber algunos de calidad suficiente para estar en este libro, no tengo dudas de que estos 21 guiones merecen la pena. Entre estos guiones encontrarás dramas familiares, comedias románticas, historias con conflictos sociales, relaciones trágicas, monólogos emocionantes y finales sorprendentes. Estos textos reflejan las múltiples realidades de los países de habla hispana y las diversas formas de narrar que existen. El formato cortometraje ofrece una gran libertad creativa para experimentar con maneras originales de contar historias. Como dice la cineasta Jane Campion, “El cortometraje no es inferior, solo diferente. Le da más libertad al cineasta, ya que no tienes tanta responsabilidad con la narrativa ni el argumento; puede ser más como un retrato o un poema”. Algunos de los guiones de este libro ya han tenido distintos destinos. La verdadera identidad de los gusanos de seda de Javier del Álamo se produjo como fin de trabajo del autor en la EICTV de San Antonio de los baños (Cuba). Adiós, Berta de Án

El artículo 691. El nuevo Viaje de la heroína en Barbie (y Ken) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. La semana pasada expliqué en qué consisten los 10 pasos del Viaje de la Heroína según Maureen Murdock tomando el ejemplo de Brave. Hoy lo haré analizando la película Barbie y voy a tomar dos puntos de vista, el de Barbie y el de Ken. ¿Cumplirá Ken el viaje de la heroína también? Hoy en Guiones y guionistas analizamos el viaje de la heroína en Barbie… y Ken. En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana seguimos con una masterclass nueva: Cómo elegir el título perfecto. Una masterclass en el que veremos los diez consejos definitivos para elegir el título definitivo para nuestra película o serie y en la que hago un experimento con Inteligencia Artificial para ayudarnos a encontrar título. Y recordar que hago este pódcast sobre el viaje de la heroína en Barbie porque hace una semana recibí este mail de Carolina: “David, buenos días. ¿Qué tal? Quería preguntarte sobre el capítulo del Viaje de la Heroína en Barbie. ¿No te planteas que pueda ser el Viaje de la Heroína (Maureen Murdock) y no el del Héroe? Estoy trabajando en un guion sobre esto y quería saber tu opinión. Gracias.” Viaje de la heroína de Barbie y Ken Como vimos en el pódcast anterior, Maureen Murdock propuso una estructura narrativa específica para las historias de mujeres, diferente del “Viaje del Héroe” de Joseph Campbell, estructurada en 10 etapas, no necesariamente secuenciales. Analizaremos el viaje de la heroína en Barbie y Ken, que también tiene su propio viaje. Separación del mundo femenino En esta primera etapa, la heroína se siente insatisfecha o incómoda con su vida actual y el rol que ha asumido dentro del mundo femenino tradicional. Es una fase de despertar y reconocimiento de que hay algo más allá de las expectativas y roles impuestos por la sociedad. Este descontento inicial la impulsa a buscar un cambio significativo en su vida. Este proceso puede estar marcado por una ruptura simbólica o real con el entorno familiar o social que la ha definido hasta ahora. La heroína comienza a cuestionar las normas y valores que ha aceptado como propios, preparándose para emprender un viaje hacia lo desconocido. La Barbie estereotipada y sus compañeras residen en Barbieland, una sociedad matriarcal poblada por diferentes versiones de Barbies, Kens y un grupo de modelos descatalogadas, que son tratadas como raras debido a sus rasgos poco convencionales. Mientras los Kens se pasan el día jugando en la playa, considerándola su profesión, las Barbies desempeñan trabajos de prestigio como médico, abogado y político. Ken solo es feliz cuando está con Barbie y busca una relación más estrecha, pero Barbie lo rechaza en favor de otras actividades y amistades femeninas. Una noche, en una fiesta de baile, Barbie se siente repentinamente preocupada por la muerte. De la noche a la mañana, desarrolla mal aliento, celulitis y pies planos, lo que altera sus rutinas habituales al día siguiente. Algo en su naturaleza femenina ha cambiado. La Barbie rara, marginada debido a su desfiguración, le dice que debe encontrar a la niña que juega con ella en el mundo real para curar sus aflicciones. Su separación del mundo femenino perfecto de las muñecas Barbie, le llega cuando se pregunta por la muerte. Identificación con el masculino y el viaje La heroína se embarca en una búsqueda para definir su identidad, adoptando características y valores tradicionalmente asociados con lo masculino. Este es un período de aprendizaje y descubrimiento en el que la heroína se esfuerza por alcanzar éxito y reconocimiento en un mundo dominado por hombres. Esta etapa puede incluir la asunción de roles de liderazgo, la búsqueda de independencia económica o la competencia en ámbitos tradicionalmente masculinos. Sin embargo, este proceso también puede llevar a la alienación y a una crisis de identidad, ya que la heroína se da cuenta de que simplemente adoptar lo masculino no la satisface plenamente. Esta etapa es diferente en la película Barbie, como Barbiland es un matriarcado ya asume profesiones y roles masculinos. Pero al ser un juguete, es demasiado perfecta en su rol femenino. Pero asumir esos roles masculinos no le hace feliz. Su “quiebre” tiene que ver con no ser real. Ese es su viaje. Y por asumir que ser mujer es algo más que los estereotipos que se ven en las muñecas. El que sí vivirá esta etapa es Ken. Acostumbrado a vivir en un matriarcado, cuando llega a la vida real aprende sobre el sistema patriarcal y se siente respetado por primera vez. Cruza el umbral Sin la seguridad del hogar, busca reafirmarse en lo masculino para ser reconocida por lo masculino. En el mundo interior, su tarea involucra superar los mitos de dependencia, la inferioridad femenina o déficit en pensamiento y amor romántico. La mujer busca sobrevivir. La heroína enfrenta pruebas y se encuentra con personas que intentan di

El artículo 690. En qué consiste el Viaje de la heroína de Maureen Murdock se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿Existe un Viaje de la Heroína diferente del Viaje del Héroe clásico y centrado en las mujeres? Maureen Murdock es una psicoterapeuta y escritora que le preguntó a Joseph Campbell sobre las mujeres y el Viaje del Héroe, él respondió con su famosa frase: “Las mujeres no necesitan hacer el viaje. En toda la tradición mitológica, la mujer [ya] está ahí. Todo lo que tiene que hacer es darse cuenta de que ella es el lugar al que la gente está tratando de llegar”. A partir de su respuesta, Maureen desarrolló su propia estructura en 10 etapas centrada en el mundo femenino que sirve como contrapunto a El héroe de las mil caras de Joseph Campbell y que veremos en el pódcast de Guiones y guionistas de hoy. En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana seguimos con una masterclass nueva: Cómo elegir el título perfecto. Una masterclass en el que veremos los diez consejos definitivos para elegir el título definitivo para nuestra película o serie y en la que hago un experimento con Inteligencia Artificial para ayudarnos a encontrar título. Hace unos días recibí este mail de Carolina: “David, buenos días. ¿Qué tal? Quería preguntarte sobre el capítulo del Viaje de la Heroína en Barbie. ¿No te planteas que pueda ser el Viaje de la Heroína (Maureen Murdock) y no el del Héroe? Estoy trabajando en un guion sobre esto y quería saber tu opinión. Gracias.” Y recordé que nunca había hablado en el pódcast del Viaje de la heroína de Maureen Murdock. Por lo que hoy lo haré, tomando como ejemplo la película “Valiente” (Brave). En el próximo pódcast analizaré Barbie. Viaje de la heroína de Maureen Murdock Maureen Murdock es una psicoterapeuta junguiana y escritora reconocida por su trabajo en la narratología y el desarrollo personal. Es conocida principalmente por su libro “Ser mujer, un viaje heroico”, en el que propone una estructura narrativa específica para las historias de mujeres, diferente del “Viaje del Héroe” de Joseph Campbell Murdock desarrolló el concepto del “viaje de la heroína” porque sentía que el modelo de Campbell no capturaba adecuadamente la experiencia femenina. En su práctica como terapeuta y en sus estudios, observó que las mujeres enfrentan desafíos y procesos de crecimiento que no se ajustaban al arquetipo heroico tradicional. Su objetivo era crear un marco que reflejara mejor la búsqueda de identidad, la reconciliación con lo femenino, y el equilibrio entre los aspectos masculinos y femeninos de la psique. Este viaje, articulado en diez etapas, busca ayudar a las mujeres a sanar y a encontrar un sentido de totalidad y empoderamiento personal. Mientras que el viaje iniciático del héroe masculino es un descubrimiento, el de la heroína es un redescubrimiento, no la búsqueda de algo nuevo en lo que convertirse. La heroína avanza hacia algo que ya ha sido y sigue siendo en esencia, pero que ha olvidado o tenido que ocultar. Etapas del Viaje de la heroína Ahora vemos cómo Murdock ha imaginado el viaje en diez etapas, no necesariamente secuenciales, organizadas en un ‘círculo sagrado’. Lo analizaré con el ejemplo de la película Brave (Valiente) y el personaje de su protagonista Mérida. Separación del mundo femenino En esta primera etapa, la heroína se siente insatisfecha o incómoda con su vida actual y el rol que ha asumido dentro del mundo femenino tradicional. Es una fase de despertar y reconocimiento de que hay algo más allá de las expectativas y roles impuestos por la sociedad. Este descontento inicial la impulsa a buscar un cambio significativo en su vida. Este proceso puede estar marcado por una ruptura simbólica o real con el entorno familiar o social que la ha definido hasta ahora. La heroína comienza a cuestionar las normas y valores que ha aceptado como propios, preparándose para emprender un viaje hacia lo desconocido. El trayecto de Mérida en “Valiente” comienza con su rechazo a las expectativas tradicionales de feminidad impuestas por su madre, la Reina Elinor. La pasividad, la emotividad y la sumisión no encajan con la personalidad de Mérida, quien prefiere la aventura, la arquería y la independencia. Este rechazo se manifiesta claramente cuando Mérida se niega a aceptar el matrimonio arreglado que su madre ha planeado para ella, optando por buscar su propio destino en lugar de conformarse con los roles tradicionales de género. En una escena crucial, Mérida corta su propio vestido, símbolo de las restricciones femeninas, para poder disparar su arco con mayor libertad durante la competencia de arquería. Identificación con el masculino y el viaje La heroína se embarca en una búsqueda para definir su identidad, adoptando características y valores tradicionalmente asociados con lo masculino. Este es un período de aprendizaje y descubrimiento en el que la heroína se esfuerza por alcanz

El artículo 689. Cómo escribir una película del subgénero Postapocalipsis Ambiental se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. En estos últimos años vemos muchas películas y series en las que nos hablan del fin del mundo o de parte de la población producidos por desastres ecológicos. ¿En qué consiste el subgénero postapocalipsis ambiental y cuáles son sus características? Y sobre todo, ¿qué pasos debemos seguir si queremos escribir un guion sobre este tema? En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana lanzamos una masterclass nueva: Cómo elegir el título perfecto. Una masterclass en el que veremos los diez consejos definitivos para elegir el título definitivo para nuestra película o serie y en la que hago un experimento con Inteligencia Artificial para ayudarnos a encontrar título. En qué consiste el subgénero Postapocalipsis Ambiental El subgénero postapocalipsis ambiental es una variación del género postapocalíptico, centrado en la representación de mundos devastados por desastres ecológicos o ambientales. Este subgénero se enfoca en las consecuencias de eventos como el cambio climático, la contaminación extrema, desastres naturales, pandemias biológicas, o la extinción masiva, y cómo estos afectan a la humanidad y el planeta. Ya dediqué un pódcast al Test de Bechdel del Cambio Climático. Evolución del cine de subgénero Postapocalipsis ambiental El cine postapocalíptico ambiental ha evolucionado significativamente desde sus primeros días, reflejando tanto las preocupaciones de la sociedad como los avances en la tecnología cinematográfica. Orígenes y Primeras Representaciones Las primeras representaciones del apocalipsis en el cine se centraban más en desastres globales generales, como guerras nucleares o invasiones extraterrestres. Con el tiempo, la atención se desplazó hacia desastres ecológicos específicos. Películas como “Soylent Green” (Cuando el destino nos alcance, 1973) comenzaron a explorar temas de sobrepoblación y escasez de recursos, marcando el inicio de la preocupación por el medio ambiente en el género apocalíptico. Auge en los Años 80 y 90 Durante los años 80 y 90, el género de postapocalipsis ambiental ganó popularidad con títulos icónicos como “Mad Max” (1979) y sus secuelas. Estas películas presentaban un mundo devastado por la guerra y la falta de recursos naturales, destacando la supervivencia en un entorno hostil y árido. En los años 90, “Waterworld” (1995) imaginó un futuro donde la Tierra estaba completamente inundada, llevando el concepto de desastres ecológicos a nuevas alturas. Siglo XXI y Realismo Aumentado En el siglo XXI, las películas postapocalípticas ambientales comenzaron a presentar escenarios más realistas y científicamente plausibles. “The Day After Tomorrow” (2004) y “An Inconvenient Truth” (2006) reflejaron preocupaciones contemporáneas sobre el cambio climático, utilizando efectos especiales avanzados para ilustrar las consecuencias devastadoras de la inacción ambiental. Estas películas no solo entretuvieron, sino que también sirvieron como llamados a la acción para el público. Evolución Reciente y Nuevas Perspectivas En la última década, el género ha continuado evolucionando, integrando narrativas más complejas y diversas. Películas como “Snowpiercer” (2013) y “Mad Max: Fury Road” (2015) han combinado acción intensa con comentarios sociales y ambientales profundos. La serie “The Rain” (2018) en Netflix ha llevado el género a la televisión, explorando un mundo postapocalíptico afectado por un virus transmitido por la lluvia, subrayando la interconexión entre la salud humana y el medio ambiente. El cine postapocalíptico ambiental sigue siendo un espejo de nuestras preocupaciones contemporáneas, evolucionando para reflejar las amenazas ecológicas actuales y futuras. Características de las películas del subgénero Postapocalíptico Ambiental 1. Contexto de Desastre Ambiental El subgénero postapocalíptico ambiental se distingue por desarrollar sus historias en mundos que han sido devastados por desastres ecológicos. Estos desastres pueden ser consecuencia del cambio climático, la contaminación, la deforestación masiva, la escasez de recursos naturales, o pandemias que afectan tanto al medio ambiente como a la humanidad. Estos entornos hostiles suelen presentar paisajes desolados, ciudades abandonadas y ecosistemas radicalmente alterados que desafían la capacidad de supervivencia de los personajes. Ejemplos notables incluyen películas como “Waterworld” (1995), donde la Tierra ha sido inundada completamente debido al deshielo polar, y “Mad Max: Fury Road” (2015), donde la escasez de agua y la desertificación han convertido al planeta en un páramo inhóspito. En series, “The Rain” (2018) de Netflix muestra un mundo donde un virus transportado por la lluvia ha diezmado a la po

El artículo 688. Técnicas de inicio: Introducción en Secuencia se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿Cómo presentar los personajes de tu película o serie cuando tienes un elenco grupal? Hoy comenzamos una nueva serie de pódcast en la que analizaremos diferentes formas de comenzar una historia. Y lo hacemos con la que he denominado “introducción en secuencia”. Veremos en qué consiste esta técnica narrativa y qué pasos debemos seguir para utilizarla en nuestros guiones. Y esta semana continuamos con un nuevo Reto en cursosdeguion.com: Cortos latinoamericanos. A lo largo de 10 días, los que se inscriban recibirán un mail diario con una propuesta para ver un corto latinoamericano. Será una selección con los mejores. En el mail explicamos por qué verlo, qué podemos aprender de él y damos el enlace para verlo. Es un reto solo para los suscriptores de la plataforma de cursos. Y para apuntarse al reto tan solo hay que dejar tus datos en la página del reto. antes del viernes 19 de julio. Los mails comenzarán a enviarse el sábado 20. ¿Qué es la introducción en secuencia? Hay historias que tienen como protagonistas a un elenco coral de personajes. Y la “Introducción en secuencia” es una táctica de los escritores y guionistas para reunir a todos antes de que comience la trama real y que el público sienta que puede comenzar a prestar atención. Unas veces se produce porque estos personajes forman un grupo que tienen una misión común, como en “Los Siete Samuráis” o “La Casa de Papel”. En “Los siete samuráis”, Akira Kurosawa introduce a cada samurái de forma individual, mostrando sus habilidades, personalidades y motivaciones. Esto no solo enriquece la narrativa al proporcionar una comprensión profunda de cada personaje, sino que también construye anticipación y curiosidad sobre cómo cada uno contribuirá a la defensa del pueblo. La estructura secuencial permite que los espectadores formen una relación emocional con los personajes, lo que aumenta el impacto dramático de sus interacciones y sacrificios. En la serie “La casa de papel”, cada miembro del equipo de atracadores es presentado con un alias y una historia de fondo que explica su papel y motivaciones para unirse al plan. Esta estrategia narrativa no solo ayuda a establecer la identidad y el propósito de cada personaje, sino que también facilita la comprensión de las dinámicas internas del grupo. Al conocer a los personajes de manera individual, el público puede seguir mejor las complejidades de sus relaciones y conflictos, lo que mantiene el interés y la tensión a lo largo de la serie. La presentación secuencial asegura que cada personaje tenga un peso narrativo significativo y contribuye a una narrativa más rica y cohesionada. La presentación secuencial en historias donde los personajes son desconocidos y se encuentran repentinamente en un lugar común, como en “Lost” y “Cube”, funciona para crear una atmósfera de misterio y tensión. Al presentar a los personajes uno por uno, el público tiene la oportunidad de conocer sus historias de fondo y motivaciones individuales. En “Lost”, los flashbacks son utilizados para revelar las vidas de los personajes antes del accidente, proporcionando contexto y enriqueciendo sus personalidades. Este método ayuda a los espectadores a entender mejor las reacciones y decisiones de cada personaje en situaciones de alta tensión y supervivencia. En “Cube”, los personajes se encuentran atrapados en un laberinto mortal sin conocerse entre sí. La presentación secuencial permite explorar sus habilidades y personalidades únicas, lo que eventualmente revela sus roles en el grupo y cómo pueden o no colaborar para sobrevivir. Este enfoque no solo mantiene al público intrigado, sino que también desarrolla una dinámica de grupo rica y multifacética. La presentación secuencial en los reencuentros de personajes en segundas partes, como en “Ocean’s Twelve” y la segunda temporada de “La Casa de Papel”, funciona para reintroducir al público a personajes ya conocidos y establecer la nueva dinámica de la trama. En “Ocean’s Twelve”, cada miembro del equipo es reintroducido a medida que el personaje interpretado por Andy García les amenaza, obligándolos a una nueva misión. Este enfoque permite a los espectadores recordar las habilidades y personalidades únicas de cada personaje mientras se revela cómo han cambiado desde la última vez que los vimos. Además, estas reintroducciones ayudan a establecer el contexto de la nueva misión y cómo cada personaje contribuirá a ella, lo que mantiene el interés del público y refuerza la conexión emocional con los personajes. En la segunda temporada de “La Casa de Papel”, los reencuentros de los personajes también se manejan de manera secuencial para resaltar los cambios en sus relaciones y motivaciones. A medida que los personajes se reúnen para un nuevo atraco, se revelan sus

El artículo 687. Por qué publicar un libro siendo guionista (con Ana Nieto) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Los guionistas somos antes que nada escritores. Nos ganamos la vida escribiendo. De hecho, en la industria anglosajona el término más utilizado para un guionista es “writers”. ¿Podemos aprovechar el oficio para escribir y publicar libros? ¿Por qué debemos publicar libros? ¿Cómo hacerlo? Hoy hablamos de todo ello con una experta en el tema, Ana Nieto. Y esta semana comenzamos un nuevo Reto en cursosdeguion.com: Cortos latinoamericanos. A lo largo de 10 días, los que se inscriban recibirán un mail diario con una propuesta para ver un corto latinoamericano. Será una selección con los mejores. En el mail explicamos por qué verlo, qué podemos aprender de él y damos el enlace para verlo. Es un reto solo para los suscriptores de la plataforma de cursos. Y para apuntarse al reto tan solo hay que dejar tus datos en la página del reto antes del viernes 19 de julio. Los mails comenzarán a enviarse el sábado 20. Publicar un libro siendo guionista Como os decía antes, hoy tenemos en el honor de charlar con Ana Nieto. Autora, coach de escritura, experta en marketing digital y fundadora del pódcast Triunfa con tu libro, nos ayudará a entender las ventajas de publicar un libro siendo guionista. Ana nos explica por qué empezó el pódcast Triunfa con tu libro y el programa de escritura “Escribe tu bestseller en 60 días”. También hablamos de por qué debe un guionista publicar un libro y sus ventajas tiene. Y del tipo de libros podría escribir un guionista. Y de dudas como los mayores retos a la hora de escribir un primer libro o si publicar en editorial tradicional o autopublicar. Si quieres autopublicar un libro tengo el Curso de Autopublicación en Amazon que puede interesarte. Por último, como no vale solo con publicar, Ana Nieto también nos comenta cómo puede un guionista promocionar un libro para llegar a la mayor audiencia posible. Si estás interesado en la propuesta de Ana Nieto puedas encontrarla en su web https://triunfacontulibro.com/ Y si quieres ver los libros que publicado de los que hablo en el pódcast. Están aquí: Libros de David Esteban Cubero. El artículo 687. Por qué publicar un libro siendo guionista (con Ana Nieto) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 686. Así vendí mi guion: Bailando con lobos se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy continuamos con la serie de pódcast “Así vendí mi guion”, dedicada a ver cómo se escribieron y vendieron los guiones más famosos. Ya vimos El indomable Will Hunting, Rocky, Juno, Pulp Fiction, Being John Malkovich y Little Miss Sunshine. Hoy veremos otro clásico que ganó el Óscar con su guion: Bailando con Lobos. Y, como venimos haciendo en la serie, nos lo va a contar su propio guionista, Michael Blake. En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana estamos con una masterclass nueva “Cómo crear un dosier de venta con Inteligencia Artificial”. En esta masterclass muestro cómo generar textos e imágenes para hacer tu dosier de venta a partir de un guion. También muestro dónde encontrar plantillas de presentaciones y voy a hacer en directo un dosier con el material que he generado antes. Y lo hago todo con un ejemplo real: el guion de largometraje que escribí en el anterior Vomit Draft. Así vendí mi guion: Bailando con lobos. Por Michael Blake Me llamo Michael Blake y esta es la historia de cómo escribí y vendí el guion de “Bailando con lobos”. Durante mi infancia, mi familia y yo vivimos un tiempo en Texas antes de trasladarnos al sur de California, donde comenzamos a mudarnos frecuentemente. Me fui de casa cuando tenía 17 años y empecé a empacar alimentos por $1.82 la hora. Nunca gané mucho dinero, pero pude hacer lo que quería. Mi carrera como escritor comenzó en la base de la Fuerza Aérea Walker, donde escribía para el periódico de la base. Me encantaba escribir y decidí seguir una carrera en periodismo, lo que me llevó a ocupar un puesto editorial en Free Press, un semanario clandestino de Los Ángeles. Escribía para un periódico, pero quería hacer algo que fuera duradero, por lo que pensé en dedicarme a escribir libros y guiones para películas. A finales de la década de 1970, me mudé a Los Ángeles y comencé a escribir guiones. A principios de los años 80, uno de mis guiones llegó a la pantalla grande como una película independiente de bajo presupuesto llamada “Stacey’s Knights”. El papel principal fue interpretado por un joven actor llamado Kevin Costner, y así comenzó una larga y próspera amistad. Pero el camino no era fácil, y cuando me sentí frustrado con la industria cinematográfica, fue Kevin quien me animó a comenzar a escribir libros. Por esa época, leí “Bury My Heart at Wounded Knee” de Dee Brown, un libro que cambió el curso de mi vida. No podía dejar de leer sobre la historia de los indios. Me di cuenta de que tenía una conexión con ellos… Mucha gente todavía tiene una visión del mundo que el hombre blanco extraña. Hay un creador y todo en la tierra es sagrado. Las raíces de mis antepasados están en la historia del oeste. Mi bisabuelo vino a Arizona cuando era un territorio en 1880; era teniente del Sexto de Caballería. Perseguía a los apaches. Mi abuelo vino a Nuevo México por razones de salud y acabó conociendo a su mujer en un extraño pueblecito antes de final de siglo. Mi tío escribía novelas del oeste y conoció a su mujer en una obra de teatro en Santa Fe. Debe de haber alguna clase de vibración, algún tipo de conexión presente en el inconsciente colectivo de nuestra familia. Después leí un libro llamado Plain Indian Raiders, sobre los kiowas y los comanches y sus guerras contra los hombres blancos. Y mientras estaba leyendo ese libro, dio la casualidad de que leí una anécdota sobre un conductor de una carreta que había ido a reaprovisionar un puesto fronterizo al oeste de Kansas. Pero cuando llegó allí se encontró con que no había nadie; la única señal de vida era un trozo de lona ondeando al viento. Esa imagen me conmovió y empecé a pensar en ella, completándola con otras. Pensé: bueno, si yo estuviera en esa carreta y estuviera destinado a ese puesto, ¿qué ocurriría entonces? Como estaba pasando una mala época, le pedí ayuda a Kevin, quien de alguna manera me aseguraba trabajos de escritura. Pero casi siempre recibía comentarios negativos sobre mi trabajo. Hacía enojar a todo el mundo. Un buen día, aireé mis frustraciones: “Odio Hollywood, los odio a todos ustedes”. Y dije algo malo sobre un par de personas que eran amigos de Kevin, tan buenos amigos como yo. Y la cosa se puso fea. Recuerdo que estaba enojado conmigo, me levantó y me puso contra la pared. Me dijo: “Basta, basta, carajo”. Y miró hacia abajo y había como cuatro guiones bajo mis pies. Y entonces pateó los guiones y me dijo: “Si odias tanto los guiones, deja de escribirlos”. Deja de escribirlos. Eres escritor, ¿verdad? Sí, soy escritor, dije. Bueno, deja de escribir guiones. Especialmente si odias tanto Hollywood. Y escribe una historia que termine en la página 88 u 888. Si eres escritor, escribe esa historia. Deja de intentar escribir estas cosas que tienen 120 páginas.

El artículo 685. Guionistas protagonistas: Encuentro en París se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Continuamos con la serie de pódcast en la que analizo películas o series donde los guionistas son los personajes principales. Hoy hablo de una película maravillosa protagonizada por William Holden. Pero en esta no muere, como cuando interpretó a un guionista en Sunset Boulevard, sino que se enamora de Audrey Hepburn: Paris When It Sizzles (Encuentro en París en España y París, tú y yo en Hispanoamérica). En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana estamos con una masterclass nueva “Cómo crear un dosier de venta con Inteligencia Artificial”. En esta masterclass muestro cómo generar textos e imágenes para hacer tu dosier de venta a partir de un guion. También muestro dónde encontrar plantillas de presentaciones y voy a hacer en directo un dosier con el material que he generado antes. Y lo hago todo con un ejemplo real: el guion de largometraje que escribí en el anterior Vomit Draft. “Encuentro en París” Paris When It Sizzles (Encuentro en París en España y París, tú y yo en Hispanoamérica) es una película del año 1964 dirigida por Richard Quine y protagonizada por William Holden y Audrey Hepburn. A pesar de parecer una historia original, la película de Richard Quine se inspira en una película francesa de Julien Duvivier, La fête à Henriette, 1952. En ella se narran las tribulaciones de dos guionistas cuyo libreto es censurado, lo tienen que volver a escribir y, a pesar de estar estancados, deben crear una historia que llevar a la pantalla de cine. La idea surgió de Duvivier y su guionista Henri Jeanson. Y La fête à Henriette tiene como inspiración lejana la auténtica historia de amor que surgió entre el novelista ruso Fiódor Dostoyevski y la joven Anna Grigorievna Snitkina. Para pagar una deuda de juego, el novelista contrató y dictó en 26 días su novela El jugador a esta joven estenógrafa, durante los cuales se enamoró de ella. Más tarde, Snitkina se convertiría en su segunda mujer. Ficha Título original: Paris When It Sizzles (Encuentro en París en España y París, tú y yo en Hispanoamérica) Año: 1964 País: Estados Unidos Dirección: Richard Quine Guion: George Axelrod, Julien Duvivier, Henri Jeanson Reparto: Audrey Hepburn, William Holden, Grégoire Aslan Productora: Paramount Pictures Sinopsis Richard Benson es un guionista de Hollywood que se encuentra en París para escribir un guion en un plazo muy ajustado. En lugar de trabajar, Benson se entrega a la buena vida parisina hasta que se da cuenta de que solo le quedan dos días para cumplir su compromiso. Desesperado, contrata a Gabrielle Simpson, una joven secretaria, para que le ayude a escribir el guion a contrarreloj. A medida que Benson y Simpson trabajan juntos, imaginan diversas tramas y escenarios posibles para la película que están creando, parodiando los clichés de los géneros cinematográficos. Esta colaboración lleva a una serie de situaciones cómicas y románticas, mientras ambos personajes desarrollan una conexión personal. La película es conocida por su enfoque meta-cinematográfico y su tono ligero, convirtiéndose en una encantadora sátira del mundo del cine. Tráiler de Encuentro en París El título El título “Paris When It Sizzles” hace referencia a la vibrante y emocionante atmósfera de París durante el verano, cuando la ciudad está llena de vida y efervescencia. La palabra “sizzles” (chisporrotea) sugiere una sensación de calor y energía, capturando la esencia de una ciudad en su momento más dinámico y atractivo. Este título no solo evoca el ambiente parisino, sino que también juega con la idea de que la creatividad y la inspiración pueden “chisporrotear” en el entorno adecuado, algo que resulta clave en la trama de la película, donde los personajes principales se embarcan en la creación de un guion lleno de imaginación y aventuras en la ciudad de la luz. La elección del título también refleja el tono ligero y humorístico de la película, que parodia los clichés y tropos de las películas de Hollywood mientras se desarrolla en una ciudad emblemática para el cine y el romance. El juego de palabras en inglés aporta un toque ingenioso que resuena con la naturaleza metacinematográfica de la historia, donde los personajes imaginan y escenifican diferentes posibilidades para su guion. El contexto La historia se desarrolla en París y sigue a Richard Benson, un guionista de Hollywood que debe entregar un guion en un plazo muy ajustado. En lugar de trabajar, Benson disfruta de la vida parisina hasta que se da cuenta de que solo le quedan dos días para completar su tarea. En su desesperación, contrata a Gabrielle Simpson, una joven secretaria, para que le ayude a escribir el guion a contrarreloj. La película parodia los clichés y tropos del cine de Hollywood, utilizando el vibrante entorno parisino para explorar la creatividad y la i

El artículo 684. Cómo mejorar la postura para escribir guiones se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Cuando estás muchas horas delante del ordenador escribiendo tus guiones, es normal que los músculos se empiecen a entumecer, baje tu atención y después te duela la espalda o la cabeza. Todo esto se puede solucionar si conseguimos mejorar la postura. Hoy en Guiones y guionistas veremos cómo hacerlo y cómo configurar nuestro espacio de trabajo para que mejore nuestra calidad de vida y nunca más tengamos dolores. En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana tenemos una masterclass nueva “Cómo crear un dosier de venta con Inteligencia Artificial”. En esta masterclass voy a mostrar cómo generar textos e imágenes para hacer tu dosier de venta a partir de un guion. También voy a mostrar dónde encontrar plantillas de presentaciones y voy a hacer en directo un dosier con el material que he generado antes. Y lo voy a hacer todo con un ejemplo real: el guion de largometraje que escribí en el anterior Vomit Draft. A. La postura correcta El cuerpo humano no está hecho para estar sentado horas delante de un ordenador. A lo largo de milenios hemos corrido, cazado, plantado y muchas actividades que requieren de cierto esfuerzo físico. Ahora nos sentamos delante de una pantalla durante horas. Eso tiene sus consecuencias. Efectos en la salud de una mala postura al escribir Dolor crónico: Una mala postura puede causar dolor crónico en áreas como el cuello, la espalda y los hombros. Esto es resultado de la tensión constante en los músculos y las articulaciones debido a una alineación incorrecta del cuerpo. Desgaste de las articulaciones: El mantener una postura incorrecta durante largos periodos puede llevar a un desgaste prematuro de las articulaciones, especialmente en la columna vertebral. Esto puede derivar en condiciones como la osteoartritis. Problemas respiratorios y digestivos: Una postura encorvada puede comprimir el diafragma, dificultando la respiración profunda y eficiente. También puede afectar la digestión al comprimir los órganos abdominales. Nervios comprimidos: La mala alineación de la columna vertebral puede llevar a la compresión de los nervios, resultando en dolor, hormigueo o entumecimiento en las extremidades. Fatiga y disminución de la concentración: Mantener una mala postura requiere un esfuerzo muscular adicional, lo que puede llevar a una mayor fatiga y a una disminución de la capacidad de concentración y productividad. Mejores prácticas para mantener una postura correcta al escribir Posición de la espalda y la silla Mantén la espalda recta y bien apoyada en el respaldo de la silla. Usa una silla que ofrezca soporte lumbar adecuado. Ajusta la altura de la silla para que tus pies estén completamente apoyados en el suelo y tus rodillas formen un ángulo de 90 grados. Posición de los brazos y muñecas Mantén los brazos cerca de los costados del cuerpo y los codos en un ángulo de 90 grados. Las muñecas deben estar relajadas y alineadas con los antebrazos, evitando desviaciones o posiciones no naturales. Altura y posición del monitor Coloca el monitor a la altura de los ojos para evitar forzar el cuello. La parte superior de la pantalla debe estar a la altura de tus ojos. Mantén una distancia de aproximadamente un brazo entre tus ojos y la pantalla. Distribución del peso y movimiento Evita estar en la misma posición durante largos periodos. Levántate y muévete cada 30 minutos para reducir la tensión muscular. Utiliza un reposapiés si es necesario para mantener una postura cómoda y reducir la presión en la parte baja de la espalda. B. Las pausas activas Las pausas activas son breves descansos que se toman durante la jornada laboral para realizar ejercicios físicos ligeros. Estas pausas tienen como objetivo principal reducir la tensión muscular, mejorar la circulación sanguínea y prevenir problemas osteomusculares. Durante largas sesiones de escritura, es especialmente importante implementar pausas activas para mantener la salud y el bienestar general. Beneficios de las pausas activas Reducción de la tensión muscular: Realizar ejercicios de estiramiento y movimientos suaves ayuda a aliviar la tensión acumulada en los músculos, especialmente en el cuello, los hombros y la espalda, áreas que suelen estar más afectadas por la escritura prolongada. Prevención de lesiones osteomusculares: Las pausas activas pueden prevenir lesiones como el síndrome del túnel carpiano y la tendinitis, que son comunes entre quienes pasan mucho tiempo escribiendo. Mejora de la circulación sanguínea: Moverse y estirarse durante las pausas activas favorece la circulación sanguínea, lo cual es esencial para evitar la hinchazón y la fatiga en las piernas y los pies. Reducción del estrés: Estos descansos breves también ayudan a reducir el estrés y la ansiedad, mejorando el estado de ánimo y la capacidad de concentración. Aumento de la creatividad y la productivida

El artículo 683. Claves para escribir 20 subgéneros de terror (2º parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Y hoy continuamos analizando el género de terror a través de sus subgéneros. En el pódcast anterior de Guiones y guionistas vimos 10 subgéneros de terror y hoy analizamos otros 10 y sus claves de escritura. Y esta semana continuamos con un nuevo Reto en cursosdeguion.com: Training de estructuras. A lo largo de 7 días los que se inscriban recibirán un mail diario con la propuesta de un ejercicio para mejorar la estructura de tu guion. Son ejercicios propuestos por grandes guionistas o profesores de guion. Es un reto solo para los suscriptores de la plataforma de cursos. Y para apuntarse al reto tan solo hay que dejar tus datos en la página del reto antes del viernes 14 de junio. El sábado 15 comienza el reto. Los subgéneros de terror en cine y televisión Found Footage El subgénero found footage utiliza el formato de material encontrado para crear una sensación de realismo e inmediatez. “El proyecto de la bruja de Blair” (1999) y “Actividad paranormal” (2007) son ejemplos notables. Este estilo simula ser un montaje de grabaciones reales, aumentando la inmersión y el impacto del horror. Clave de guion: La autenticidad es clave. El guion debe estructurarse como un montaje de videos, con diálogos naturales y eventos que se desarrollan de manera aparentemente espontánea. La tensión debe incrementarse gradualmente hasta un clímax impactante. Home Invasion El terror de invasión doméstica se centra en intrusos que irrumpen en el hogar de los protagonistas, creando una atmósfera de claustrofobia y terror. Películas como “The Strangers” (2008) y “Hush” (2016) son ejemplos destacados. Este subgénero explora el miedo a la violación de la seguridad personal y el santuario del hogar. Clave de guion: La creación de tensión a través del confinamiento espacial y la amenaza constante de los intrusos es esencial. El guion debe desarrollar personajes empáticos y situaciones de alto riesgo que mantengan al espectador en suspenso. Horror Lovecraftiano Inspirado por los trabajos de H.P. Lovecraft, este subgénero explora horrores cósmicos y la insignificancia del ser humano en el universo. Películas como “The Call of Cthulhu” (2005) y “The Color Out of Space” (2019) son representativas. El horror proviene de lo desconocido y lo incomprensible, a menudo relacionado con entidades ancestrales y poderes más allá de la comprensión humana. Clave de guion: La atmósfera es crucial, con descripciones detalladas de lo inexplicable y lo monstruoso. El guion debe evocar una sensación de misterio y terror cósmico, explorando la fragilidad de la mente humana frente a lo desconocido. Body Swap Horror Este subgénero explora el intercambio de cuerpos y las consecuencias aterradoras que esto conlleva. “Get Out” (2017) y “Freaky” (2020) son ejemplos destacados. La trama generalmente involucra personajes que experimentan una disociación entre su identidad y su cuerpo, creando situaciones tanto cómicas como aterradoras. Clave de guion: El guion debe explorar las implicaciones psicológicas y emocionales del intercambio de cuerpos, utilizando la premisa para crear situaciones de tensión y horror. Los personajes deben enfrentar desafíos únicos que surgen de su nueva identidad y el conflicto interno que esto genera. Terror Científico El terror científico se basa en experimentos científicos que salen mal o en descubrimientos que llevan a consecuencias horribles. Películas como “Frankenstein” (1931) y “The Fly” (1986) son ejemplos emblemáticos. Este subgénero explora los límites de la ciencia y la ética, así como el miedo a lo desconocido y a los resultados impredecibles de la manipulación científica. Clave de guion: La narrativa debe centrarse en la creación y el resultado de un experimento que desafía las leyes de la naturaleza. La trama debe abordar los dilemas éticos y morales que enfrentan los personajes, así como las consecuencias imprevistas y aterradoras de sus acciones científicas. Horror Gótico El horror gótico combina elementos románticos y sobrenaturales en ambientes oscuros y misteriosos. Películas como “Drácula” (1992) y “Crimson Peak” (2015) son representativas de este subgénero. Las tramas suelen involucrar castillos antiguos, secretos familiares y criaturas sobrenaturales. Clave de guion: El guion debe enfatizar la atmósfera y el ambiente, utilizando descripciones detalladas de escenarios oscuros y lúgubres. Los personajes suelen estar atrapados en conflictos internos y externos, y la narrativa debe tejer una historia de amor trágica o un misterio profundo. Eco-Horror El eco-horror se enfoca en la naturaleza que se vuelve contra la humanidad debido a los abusos ecológicos. Películas como “The Happening” (2008) y “Annihilation” (2018) son ejemplos notabl

El artículo 682. Claves para escribir 20 subgéneros de terror (1º parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. El género de terror es uno de los más exitosos en la actualidad. Pero es un género que tiene muchas variantes según incida en un miedo u otro. En el pódcast Guiones y guionistas vamos a analizar 20 subgéneros de terror y enumerar las claves de cada uno. Hoy analizamos 10 y en el próximo pódcast otros 10. Y esta semana comenzamos un nuevo Reto en cursosdeguion.com: Training de estructuras. A lo largo de 7 días los que se inscriban recibirán un mail diario con la propuesta de un ejercicio para mejorar la estructura de tu guion. Son ejercicios propuestos por grandes guionistas o profesores de guion. Es un reto solo para los suscriptores de la plataforma de cursos. Y para apuntarse al reto tan solo hay que dejar tus datos en la página del reto. Apuntarse hasta el viernes 14. Sábado 15. Los subgéneros de terror en cine y televisión Terror Psicológico El terror psicológico se enfoca en el miedo mental y emocional, utilizando atmósferas inquietantes y situaciones perturbadoras para crear una sensación de angustia y paranoia. Películas como “El resplandor” (1980) y “Cisne negro” (2010) son ejemplos icónicos de este subgénero. La tensión y el misterio son elementos clave, y a menudo, el horror surge de la propia mente del protagonista o de sus percepciones distorsionadas de la realidad. Clave de guion: El desarrollo de personajes complejos y la creación de una atmósfera opresiva son esenciales. El guion debe centrarse en la desintegración mental y emocional del protagonista, llevando al espectador a cuestionar lo que es real y lo que es imaginado. Slasher El subgénero slasher se caracteriza por un asesino que acecha y mata sistemáticamente a un grupo de personas, generalmente adolescentes. Películas como “Halloween” (1978) y “Viernes 13” (1980) definieron este subgénero. La violencia gráfica y los sustos repentinos son elementos comunes, junto con un antagonista casi invencible que a menudo tiene una motivación oculta o una historia trágica. Clave de guion: El guion debe construir una serie de escenas de suspense y terror que culminan en enfrentamientos brutales. El uso de pistas falsas y giros inesperados mantiene al público al borde de su asiento. Folk Horror El folk horror se basa en leyendas y folclore, ambientado frecuentemente en zonas rurales donde ocurren sucesos sobrenaturales o rituales paganos. “El hombre de mimbre” (1973) y “Midsommar” (2019) son ejemplos representativos. Este subgénero explora la tensión entre lo moderno y lo antiguo, lo conocido y lo desconocido, a menudo revelando terrores ocultos en tradiciones olvidadas. Clave de guion: La ambientación es crucial, utilizando paisajes rurales y elementos del folclore para construir una atmósfera inquietante. Los personajes suelen enfrentarse a comunidades aisladas con creencias y prácticas perturbadoras. Maldición Este subgénero gira en torno a maldiciones sobrenaturales que afectan a los personajes principales. Películas como “The Ring” (2002) y “La maldición” (2004) son ejemplos clásicos. Las maldiciones pueden estar vinculadas a objetos, lugares o personas, y la narrativa suele involucrar la lucha del protagonista para deshacerse de la maldición antes de que sea demasiado tarde. Clave de guion: La creación de una mitología detallada y la construcción de la amenaza progresiva son esenciales. El guion debe generar una sensación de urgencia y peligro inminente mientras los personajes buscan desesperadamente una solución. Gore El cine gore se centra en la violencia extrema y el derramamiento de sangre explícito. Películas como “Saw” (2004) y “Hostel” (2005) son ejemplos notables. Este subgénero busca provocar repulsión y horror a través de escenas gráficas y explícitas de mutilación y tortura. Clave de guion: Las descripciones detalladas de las escenas violentas y el enfoque en los aspectos más oscuros de la naturaleza humana son fundamentales. El guion debe mantener un equilibrio entre la violencia gráfica y una trama que justifique la brutalidad. Paranormal Historias de fantasmas, espíritus y fenómenos sobrenaturales son el centro del subgénero paranormal. “El conjuro” (2013) y “Poltergeist” (1982) son ejemplos destacados. Este subgénero se basa en la presencia de entidades sobrenaturales que causan terror a los personajes principales. Clave de guion: La construcción gradual de la tensión y el uso de elementos sobrenaturales para crear miedo son esenciales. El guion debe integrar experiencias paranormales creíbles y detalladas que lleven a una confrontación climática con las entidades. Terror Corporal (Body Horror) El terror corporal explora la transformación física y la mutilación del cuerpo humano. Películas como “La mosca” (1986) y “Tusk” (2014) son ejemplos

El artículo 681. 4 Claves para hacer la investigación en un documental se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Cuando decidimos el tema para hacer un documental, una de las cosas que debemos plantearnos primero es la investigación. ¿Qué fuentes utilizar? ¿Cómo seleccionar las entrevistas? ¿Cómo verificar esas fuentes? Hoy en Guiones y guionistas analizamos 4 claves para hacer la investigación de un documental. Lo primero recordaros que esta semana comenzamos el taller de Vomit Draft dedicado a cortometrajes. La idea es que escribáis un cortometraje en tan solo tres semanas. El taller tiene un formato “bootcamp”, limitado a 20 personas, que combina vídeos y PDFs con conexiones donde poder analizar los guiones y hacer ejercicios en directo. Las tres conexiones en directo de 3 horas cada una serán el 1, 8 y 15 de junio. En ellas analizaremos los guiones en grupo y haremos ejercicios. Estarán grabadas para consultarse posteriormente. Tan solo una mentoría, y que me lea lo que escribes, ya vale más que el taller. Aquí podrás ver qué opino de tu idea en directo y recibir feedback de la historia con tus compañeros. Puedes encontrar la información del taller y reservar tu plaza en la sección de Vomit Draft que hay en la parte baja de la web cursosdeguion.com. Si te interesa no lo dejes para el último día porque hay plazas limitadas y ya muchas varias cubiertas. La fecha límite para apuntarse es el jueves 30 de mayo. Cómo preparar la investigación de un documental. 4 claves Antes de ver las claves para la investigación de un documental, recordar que tengo dos pódcast dedicados a los documentales, uno sobre el guion documental genérico y otro sobre cómo buscar ideas para un documental por si quieres escucharlos. Elegir diversas fuentes de información para investigar sobre el tema Cuando nos enfrentamos a un tema para investigar en nuestro documental, debemos tener en cuenta tanto las fuentes primarias como las secundarias, además de las fuentes digitales que nos proporciona internet. Fuentes Primarias Las fuentes primarias son aquellas que proporcionan datos directos y no interpretados sobre el tema del documental. Estas incluyen entrevistas, documentos originales, fotografías, diarios, grabaciones de audio y video, y cualquier otra evidencia que se genere de primera mano. Por ejemplo, en el documental “Citizenfour” (2014), sobre Edward Snowden y la vigilancia masiva, se utilizaron grabaciones originales y entrevistas directas con Snowden como fuentes primarias. Estas fuentes son cruciales porque aportan autenticidad y permiten a los espectadores tener una conexión directa con los eventos y personas reales involucradas. Las fuentes primarias también pueden incluir material encontrado en archivos y bibliotecas, como cartas, manuscritos y otros documentos históricos. Estas fuentes son especialmente valiosas en documentales históricos. En Jamás llegarán a viejos (They Shall Not Grow Old) (2018), que utiliza imágenes de archivo de la Primera Guerra Mundial, las grabaciones originales y las entrevistas con veteranos aportaron una perspectiva íntima y auténtica del conflicto. Fuentes Secundarias Las fuentes secundarias son aquellas que analizan, interpretan y resumen la información de las fuentes primarias. Estas incluyen libros, artículos académicos, tesis, reseñas, críticas y documentales previos sobre el tema. Por ejemplo, en la creación de “13th” (Enmienda XIII) (2016), que explora la historia del racismo en el sistema de justicia penal de EE. UU., se utilizaron numerosos estudios académicos y artículos para contextualizar y apoyar la narrativa presentada en el documental. Estas fuentes ayudan a los realizadores a construir una base sólida de conocimiento y a asegurar la precisión de la información presentada. Las fuentes secundarias también permiten a los cineastas identificar patrones, tendencias y contextos más amplios que pueden no ser evidentes a partir de las fuentes primarias por sí solas. En el documental “The Social Dilemma” (2020), sobre los impactos de las redes sociales, se usaron artículos académicos y estudios de casos previos para apoyar las entrevistas y datos presentados. Utilizar fuentes secundarias es esencial para proporcionar una perspectiva bien informada y equilibrada, ayudando a los espectadores a comprender mejor el tema tratado. Fuentes Digitales y Bases de Datos En la era digital, las fuentes en línea y las bases de datos electrónicas han revolucionado la manera de realizar investigaciones documentales. Plataformas como Google Scholar, JSTOR y bases de datos especializadas en cine y televisión ofrecen acceso a una amplia gama de artículos académicos, tesis, reseñas y estadísticas. Además, los sitios web de organizaciones gubernamentales y no gubernamentales, archivos digitales y bibliotecas en línea son recursos cruciales para obtener datos actuales y relevantes. En “An Inconvenient Truth” (2006), que trata sobre el cambio climático

El artículo 680. Cómo utilizar una Voice Over en el guion de una película (parte 2) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿Qué es una “Voice Over”? ¿Qué diferentes tipos de Voice Over hay y cuándo utilizarlas según nuestra narración? La semana pasada vimos la primera parte de este análisis y esta semana lo terminamos. Lo primero, informaros de que por fin ha salido algo que me estabais pidiendo mucho. Un taller de Vomit Draft dedicado a cortometrajes. La idea es que escribáis un cortometraje en tan solo tres semanas. El taller tiene un formato “bootcamp”, limitado a 20 personas, que combina vídeos y PDFs con conexiones donde poder analizar los guiones y hacer ejercicios en directo. Las tres conexiones en directo de 3 horas cada una serán el 1, 8 y 15 de junio. En ellas analizaremos los guiones en grupo y haremos ejercicios. Estarán grabadas para consultarse posteriormente. Tan solo una mentoría, y que me lea lo que escribes, ya vale más que el taller. Aquí podrás ver qué opino de tu idea en directo y recibir feedback de la historia con tus compañeros. Puedes encontrar la información del taller y reservar tu plaza en la sección de Vomit Draft que hay en la parte baja de la web cursosdeguion.com. Si te interesa no lo dejes para el último día porque hay plazas limitadas y ya hay varias cubiertas. En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana continuamos con una masterclass nueva “Cómo montar tu historia”: Una tercera masterclass intensiva para introducirse en la realización de cortometrajes low cost. A partir de lo visto en las masterclasses “Cómo Planear un Rodaje” y “Cómo Filmar tu Guion”, vamos a estudiar los conceptos fundamentales que sostienen al arte del montaje y que necesitamos aplicar a la hora de postproducir, más allá del software o app que utilicemos. Voice Over intradiegética o interna El emisor de esta voz es uno de los personajes de la película. Puede que esa voz sea su voz interior, que esté rememorando algo del pasado, que tenga una ensoñación… Esta narración en Voice Over puede ir dirigida al espectador directamente o a otros personajes de la historia. Vemos el ejemplo de uno de los clásicos del cine: La Voice Over de Apocalypse Now: Willard está en una mesa que contiene las pertenencias de Kurtz. En su uniforme, condecoraciones militares, fotografías de familia de Kurtz, una biblia y otros libros que hay sobre la mesa. WILLARD (V.O.) En el río, pensé que en el minuto que lo miré, sabría qué hacer. Pero no fue así. Estuve allí con él durante días. No bajo vigilancia. Era libre. Pero él sabía que yo no iba a ninguna parte. Él sabía más sobre lo que iba a hacer que yo. Si los generales en Nah Trang pudieran ver lo que yo vi, ¿aún querrían que lo matara a él? Más que nunca, probablemente. Y ¿qué querría su gente en casa, si alguna vez supieran lo lejos de ellos que había ido realmente. Él se separó de ellos, y luego se separó de sí mismo. Nunca había visto a un hombre tan destrozado y desgarrado. Veamos algunos ejemplos de uso de narraciones en off de los personajes. A. Voz interior Esta voz en off refleja los pensamientos internos de un personaje, permitiendo a la audiencia acceder a sus reflexiones privadas y emociones que no se expresan abiertamente. Son los pensamientos no expresados de un personaje en el pasado y el presente de la ficción, no dirigidos a ningún otro personaje y generalmente escuchados solo por el espectador, quien observa al personaje pensando esos pensamientos. En casos excepcionales, como en Wings of Desire (El Cielo sobre Berlín), los ángeles u otros personajes especiales pueden escuchar esos pensamientos interiores. En todos estos casos, los primeros planos frontales son esenciales para que el espectador vea que los labios del personaje no se mueven. Una variante de esta versión es cuando el personaje rompe la cuarta pared y habla a cámara, como en Fleebag, pero los demás personajes no pueden escuchar lo que dice. Salvo en la segunda temporada, donde el cura sí puede hacerlo excepcionalmente. Con este recurso el narrador puede ofrecer una visión profunda del mundo interior del protagonista, revelaciones que quizás no se hagan tan bien a través de la acción y el diálogo. Películas como La naranja mecánica, El Club de la lucha o Apocalypse Now, nos muestran un viaje profundo a lugares psicológicos oscuros, donde la narración es a la vez reveladora en contenido y evocadora en tono. O también para revelar los verdaderos sentimientos y pensamientos del protagonista, aquello que no puede mostrar a los demás: El hombre que nunca estuvo allí, American Psycho, Dexter, El cuento de la criada. Como se ve, apropiado para personajes que viven tras una máscara. Vemos un ejemplo en la película de Sam Wood Por quién doblan las campanas. En la escena final de esta historia sobre la guerra civil española, el protagonista ha sido herido y se queda en un puerto de montaña con una ametralladora para contener a los

El artículo 679. Cómo utilizar la Voice Over en un guion de película (parte 1) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿Qué es una “Voice Over”? ¿En qué se diferencia de una “Voz en Off” o de una “Off Screen”? ¿Qué diferentes tipos de Voice Over hay y cuándo utilizarlas según nuestra narración? Hoy desentraño todos los secretos de la Voice Over en un guion para ti. En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana subimos una masterclass nueva: Cómo Montar tus Historias. Una tercera masterclass intensiva para introducirse en la realización de cortometrajes low cost. A partir de lo visto en las masterclasses “Cómo Planear un Rodaje” y “Cómo Filmar tu Guion”, vamos a estudiar los conceptos fundamentales que sostienen al arte del montaje y que necesitamos aplicar a la hora de postproducir, más allá del software o app que utilicemos. Cómo diferenciar Voz en Off, Off Screen y Voice Over MCKEE/COX  “¡Y pobre de aquel, que use voces en off! ¡Pobre de aquel! ¡Resulta blando y sensiblero! Cualquier idiota puede explicar los pensamientos de los personajes con la voz en off.” El ladrón de orquídeas (Adaptation) El primer concepto que tenemos que tener claro es los guionistas hispanos llamamos “Voz en Off”. Si miramos el Diccionario técnico Akal de cine, es una voz que se escucha en el transcurso de una escena, pero que no pertenece sincrónicamente a ningún personaje que esté hablando en pantalla.  Como explico en mi libro “El formato de Guion. Guía para escribir como un guionista profesional”, este término en el formato estándar de Hollywood se subdivide en dos términos diferentes: Por un lado, está “Off Screen” (O.S.), que son las voces que se escuchan y no se ve a los personajes que las pronuncian. Cuando un personaje está físicamente presente en una escena, pero simplemente está fuera de la vista de la cámara mientras habla, está “fuera de la pantalla” y se aplica la abreviatura (O.S). En la película producida escucharíamos su voz, pero no lo veríamos, a pesar de que él está allí en la ubicación principal de la escena y pueden escucharlo los personajes.  Por otro lado, está “Voice Over” (V.O.), que se podría traducir de forma literal como “Voz superpuesta” y se usa cuando la voz que escuchamos no es de un personaje que esté físicamente en la escena, sino que se escucha a través de: teléfonos, contestadores automáticos, grabadoras, televisores, altavoces y las radios, las voces de narradores, voces que se superponen de las escenas anteriores o posteriores y voces originadas en la memoria, la imaginación o la alucinación. En el pódcast de hoy vamos a hablar solo de las Voice Over que tienen que ver con los narradores, ya sean de personajes que aparecen en la historia como de narradores extradiegéticos. Dejaremos de lado las Voice Over que tienen como origen un aparato tecnológico como teléfonos, contestadores automáticos, grabadoras, televisores, altavoces y radios. Tipos de Voice Over (V.O.) de narradores La primera diferenciación de Voice Over en un guion me va a remitir al origen de esta voz, y nos diferencia a las voces que surgen de personajes de la historia o a narradores externos. 1. Voice Over extradiegética o externa El emisor es indeterminado y no se corresponde con ninguno de los personajes de la película. Puede ser un narrador omnisciente, como un dios, que conoce toda la historia y nos la cuenta, o la voz del propio autor del relato. A. Narrador anónimo e invisible Este tipo de voz en off es proporcionado por un narrador que no participa en la trama y cuya identidad puede o no ser revelada. Su función es contar la historia desde una perspectiva externa. Puede tener dos tipos de cercanías: Enmarcando la historia, una voz impersonal que no pertenece a ningún personaje y que no es en absoluto autorreferencial, prepara el escenario para el espectador al comienzo de la película. Utilizado con frecuencia en los documentales del siglo XX, donde a veces se le llama “la voz de Dios”, es mucho menos habitual en las películas de ficción. Uno de los ejemplos más conocidos de narrador anónimo e invisible es la Voice Over inicial de Casablanca. NARRADOR (V.O.):  Con la llegada de la Segunda Guerra Mundial, muchos ojos de la Europa prisionera se volvieron esperanzados, o desesperados, hacia la libertad de las Américas. Lisboa se convirtió en el gran punto de embarque. Pero no todos podían llegar directamente a Lisboa, por lo que surgió un tortuoso camino de refugiados. De París a Marsella, cruzando el Mediterráneo hasta Orán, y luego en tren, en coche o a pie, cruzando el borde de África hasta Casablanca, en el Marruecos francés. Allí, los afortunados, por dinero, influencia o suerte, podían obtener visados de salida y correr a Lisboa, y de Lisboa al Nuevo Mundo. Pero los demás esperan en Casablanca, y esperan, y esperan, y esperan. b) Enmarcando la historia, una voz no identificada, pero más personal y autorreferencial

El artículo 678. Cómo reescribir un guion con el método SCAMPER se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Ya sabemos que el arte de escribir guiones es el arte de reescribir guiones. Por eso hoy vamos a ver la aplicación de un método de creatividad conocido como SCAMPER para reescribir un guion. Porque, como decía la gran Nora Ephron: “Reescribe ahora, antes de que sea demasiado tarde”. En cursosdeguion.com va a comenzar un nuevo reto: Training de personajes. Los que se apunten al reto recibirán 7 correos, uno cada día, proponiéndoles ejercicios para desarrollar sus personajes. En cada mail se incluyen ejercicios sugeridos por grandes guionistas que nos ayudarán a profundizar y evolucionar nuestros personajes. El reto comenzará el día 10 de mayo. Por lo que los suscriptores a la plataforma cursosdeguion.com tienen hasta el día 9 de mayo para apuntarse. Qué es el método SCAMPER El método SCAMPER fue desarrollado por Bob Eberle en la década de 1970, pensado como una herramienta educativa para fomentar la creatividad y el pensamiento innovador en los estudiantes. La estructura de SCAMPER se basa en las ideas de Alex Osborn, quien es conocido por ser uno de los pioneros del brainstorming y las técnicas de creatividad en el ámbito empresarial y educativo. Osborn propuso el concepto de “pensamiento imaginativo” que sugiere diversas estrategias para modificar y mejorar productos o procesos existentes. Eberle, aprovechando estas ideas, formuló el acrónimo SCAMPER, que resume diferentes enfoques que pueden ser usados para explorar nuevas posibilidades y generar ideas. Cada letra del acrónimo representa una técnica específica: Sustituir, Combinar, Adaptar, Modificar, Poner en otros usos, Eliminar y Reordenar (o Revertir), haciendo que el proceso de creatividad para reescribir un guion sea más accesible y sistemático. Cómo reescribir un guion con el método SCAMPER Sustituir (Substitute) Consiste en cambiar elementos clave de tu guion para explorar nuevas direcciones en la trama o en el desarrollo de los personajes. Por ejemplo, podrías sustituir el tiempo o el lugar donde ocurre la historia. Si tu guion está ambientado en la actualidad, podrías considerar ubicarlo en el pasado o futuro para ver cómo los cambios temporales afectan la narrativa. También podrías sustituir el objetivo de un personaje principal: si su motivación original es el amor, podrías cambiarla por ambición o venganza para dar un nuevo giro a las interacciones y el conflicto. Combinar (Combine) Este paso invita a fusionar diferentes géneros, personajes o tramas. Podrías combinar una historia de amor con elementos de ciencia ficción, creando un romance que se desarrolla en un contexto de viajes en el tiempo, donde las decisiones en el pasado y el futuro complican la relación. Otra opción sería combinar dos personajes secundarios en uno solo, fortaleciendo su arco narrativo y su impacto en la historia principal, lo cual puede resultar en un personaje más complejo y una trama más densa. Adaptar (Adapt) Aquí, puedes tomar ideas de otras obras, como clásicos literarios o películas famosas, y adaptarlas a un nuevo contexto. Imagina adaptar la trama de “Romeo y Julieta” a un futuro distópico donde dos inteligencias artificiales se enamoran a pesar de la programación de sus clanes enemigos. También puedes adaptar soluciones de otros campos; por ejemplo, usar estrategias de un juego de ajedrez para estructurar los movimientos estratégicos de tus personajes en un thriller político. Modificar (Modify) Este paso te permite alterar aspectos de tu guion para explorar nuevas dimensiones. Podrías modificar la personalidad o el trasfondo de un personaje para añadir profundidad o crear mayor conflicto. Por ejemplo, un personaje que inicialmente es un héroe inmaculado podría tener un pasado oscuro que influye en sus decisiones actuales. También podrías modificar la escala de la historia, transformando un drama familiar íntimo en una saga familiar épica que abarca varias generaciones. Poner en otros usos (Put to another use) Piensa en cómo podrías usar elementos de tu guion de manera diferente. Un escenario principal, como un bar que los personajes frecuentan, podría convertirse en el lugar de un importante giro narrativo o revelación. Además, podrías reutilizar un diálogo aparentemente trivial de las primeras escenas para revelar su significado más profundo más adelante, enriqueciendo la experiencia del espectador y añadiendo capas a la narrativa. Eliminar (Eliminate) Simplifica tu guion eliminando personajes, subtramas o diálogos que no aporten a la trama principal. Esto puede hacer que la historia sea más ágil y centrada. Por ejemplo, si una subtrama romántica no afecta el desarrollo general ni la resolución del conflicto principal, podría eliminarse para concentrar la atención en las relaciones y conflictos que verdaderamente impulsan la narrativa. Reordenar (Rearrange/Reverse) Cambiar el orden de los eventos o la estru

El artículo 677. Cómo escribir historias de gemelos para cine y televisión se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Desde el inicio del cine se han utilizado a los personajes de gemelos para generar comedia y confusiones en las historias. Pero el recurso de los dobles da para mucho más, ya que se pueden explorar temas de identidad y conexión humana. En el pódcast de hoy vamos a analizar cómo escribir historias de gemelos para cine y televisión. En cursosdeguion.com va a comenzar un nuevo reto: Training de personajes. Los que se apunten al reto recibirán 7 correos, uno cada día, proponiéndoles ejercicios para desarrollar sus personajes. En cada mail se incluyen ejercicios sugeridos por grandes guionistas que nos ayudarán a profundizar y evolucionar nuestros personajes. El reto comenzará el día 10 de mayo. Por lo que los suscriptores a la plataforma cursosdeguion.com tienen hasta el día 9 de mayo para apuntarse. Ejemplo de historias de gemelos en el cine y la televisión Los gemelos han sido utilizados en películas y series de televisión de diversas maneras, a menudo para crear intriga, explorar la identidad o como un dispositivo narrativo que permite desarrollar tramas complejas. Aquí te pongo algunos ejemplos icónicos: “The Parent Trap” (Juego de Gemelas): En esta película, gemelas separadas al nacer se reencuentran accidentalmente en un campamento y traman un plan para reunir a sus padres divorciados. El uso de gemelos aquí sirve para explorar temas como la familia y la identidad. “The Prestige”: En este thriller de Christopher Nolan, el uso de gemelos es central para el giro argumental de la historia. Los gemelos, que se hacen pasar por una sola persona, exploran temas de sacrificio, obsesión y el precio del engaño en el mundo de la magia. “Friends”: Phoebe y su hermana gemela Ursula proporcionan humor y conflictos a la serie. Aunque no son el centro de la trama principal, su relación destaca cómo los gemelos pueden ser completamente diferentes en personalidad y valores, lo que genera situaciones cómicas y a veces tensas. “Dead Ringers”: En este filme, Jeremy Irons interpreta a gemelos idénticos en el campo de la ginecología, lo que lleva a una exploración perturbadora de la identidad, la intimidad y el deterioro mental. Aquí, los gemelos son usados para profundizar en la psique humana y sus oscuridades. “Orphan Black”: Esta serie de ciencia ficción utiliza clones, que en esencia funcionan como gemelos, para explorar profundamente cuestiones de identidad personal, derechos humanos y bioética. Cada clon tiene su propia vida y personalidad, lo que enriquece la trama con múltiples perspectivas sobre los mismos temas genéticos y morales. Evolución del uso de gemelos en la narrativa audiovisual a lo largo del tiempo Inicios del cine y uso de gemelos En los primeros días del cine, el uso de gemelos se limitaba a trucos visuales y artilugios narrativos, aprovechando la sorpresa y la curiosidad del público hacia la semejanza idéntica. Los gemelos se utilizaban principalmente en comedias y cortometrajes mudos, donde las confusas situaciones de intercambio de identidades proporcionaban humor fácil y entretenimiento ligero. Esto reflejaba limitaciones técnicas de la época, donde el cine exploraba más las posibilidades visuales que las profundidades narrativas. Desarrollo tecnológico y narrativo Con el avance de la tecnología cinematográfica y los efectos especiales, los gemelos comenzaron a utilizarse de manera más creativa en la pantalla. La habilidad para filmar a un mismo actor en roles duales con la ayuda de efectos de pantalla dividida y otras técnicas permitió que los gemelos se integraran en la trama de maneras más complejas. Películas como The Parent Trap en sus versiones de 1961 y 1998 (Juego de gemelas en Hispanoamérica y Tú a Londres y yo a California en España), demostraron cómo los gemelos podían ser centrales en la trama, explorando relaciones familiares y conflictos personales. Estos desarrollos coincidieron con un período de experimentación narrativa en el cine y la televisión, donde las historias de gemelos comenzaron a abordar temas más oscuros y psicológicos. Películas como Dead Ringers (Inseparables) de David Cronenberg exploraron la simbiosis psicológica y la dependencia tóxica entre gemelos, utilizando la relación para indagar en la psique y las obsesiones de los personajes. Era moderna y diversidad temática En la era moderna del cine y la televisión, los gemelos han sido utilizados para una variedad aún mayor de propósitos narrativos y temáticos. Series como Orphan Black, donde los clones funcionan como una variante de los gemelos, utilizan esta premisa para explorar cuestiones de identidad, autonomía y ética en la ciencia. Esto refleja una evolución hacia tramas más complejas y matizadas, donde los gemelos no son solo un truco, sino catalizadores de profundas exploraciones temáticas. Técnicas narrativas para escribir histo

El artículo 676. Así vendí mi guion: Little Miss Sunshine se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy continuamos con la serie de pódcast “Así vendí mi guion”, dedicada a ver cómo se escribieron y vendieron los guiones más famosos. Ya vimos El indomable Will Hunting, Rocky, Juno, Pulp Fiction y Being John Malkovich. Hoy veremos otro clásico cuyo guion ganó el Óscar: Little Miss Sunshine. Y, como venimos haciendo en la serie, nos lo va a contar su propio guionista, Michael Arndt. En la plataforma cursosdeguion.com terminamos el Curso: El arte de la elipsis mostrando cómo funcionan las elipsis en diferentes medios como cine, televisión, teatro, pódcast o redes sociales. Os recuerdo que los suscriptores acceden a la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos, masterclass, retos… Gracias a los que habéis comprado mi último libro, Del MacGuffin al Cliffhanger, y sobre todo a los que estáis haciendo valoraciones y comentarios en Amazon, porque me ayudáis mucho a llegar a más gente. Así vendí mi guion: Little Miss Sunshine. Por Michael Arndt. Después de graduarme en la Universidad de Nueva York, pasé un tiempo como lector de guiones antes de decidirme a escribir los míos propios. Little Miss Sunshine, mi primer guion, acabó siendo un reconocido éxito que me valió varios premios, incluyendo el Óscar al mejor guion original. Cuando comencé a escribir este guion, estaba desempleado. Nunca antes había escrito o dirigido profesionalmente, no tenía créditos ni reconocimientos. Dejé mi trabajo de lector de guiones a propósito, dedicando un año entero a escribir, confiando en que podía hacerlo bien. Sentía que nadie prestaba atención a lo que estaba haciendo, casi como si estuviera susurrándome a mí mismo que podía lograrlo. Antes de Little Miss Sunshine, había intentado escribir otras historias, pero resultaban ser tramas sombrías donde todos morían al final. Nadie parecía interesado en ese tipo de guiones. Así que decidí que mi próximo proyecto tendría un final feliz, pero no uno cualquiera; quería un final espectacular que realmente impactara y funcionara. Al leer muchos guiones de comedia durante mi etapa como lector, me di cuenta de que la mayoría fallaban porque no tenían sustancia. Si la historia no trataba sobre algo significativo, o si solo seguía a un personaje en busca de riqueza o romance sin profundidad, simplemente no funcionaba. Estos guiones podían ser divertidos al principio, pero perdían fuerza y se desmoronaban hacia el final. Yo quería evitar eso con Little Miss Sunshine; deseaba que tuviera un clímax potente y memorable al final. La idea de Little Miss Sunshine La idea se me ocurrió después de ver un fragmento de un concurso de belleza infantil en televisión. Pensé en el drama y la tensión que podría generar una situación donde todo parece que va a terminar terriblemente mal, pero luego se transforma de manera sorprendente y positiva. Imaginé a una niña que, contra todo pronóstico, transforma lo que prometía ser un completo desastre en un triunfo espectacular, dejando a todos asombrados. Así fue como quería que se sintiera el final de la película: como un verdadero momento de felicidad y victoria. Antes de escribir el guion de Little Miss Sunshine, leí en un periódico unas declaraciones de Arnold Schwarzenegger, quien, siendo actor y gobernador de California, dijo en un discurso a un grupo de niños que lo que más desprecia en este mundo son los perdedores. Esa actitud me impactó profundamente por lo errada que me parecía. Decidí que quería satirizar esa visión de la vida, esa obsesión con los ganadores y perdedores que me parece tan destructiva. Confirmé que un concurso de belleza infantil, con toda su competitividad absurda y a menudo cruel, sería el escenario perfecto para explorar y criticar esa mentalidad. En la película, Richard, el padre de la familia, encarna esa filosofía de que en la vida solo importa ganar o perder, ascender o caer, una perspectiva que refleja una obsesión tóxica por el estatus y por impresionar a los demás. Esta idea es un reflejo distorsionado de la cultura competitiva impulsada por la publicidad y los reality shows como “El Aprendiz” y “Survivor”, donde solo el ganador obtiene el premio y todos los demás son vistos como perdedores. Desprecio profundamente esa mentalidad y quería desafiarla en mi guion. Contrapuse a Richard con el abuelo, quien representaba valores más auténticos y genuinos, mostrando que no le importaba lo que los demás pensaran y simplemente quería ser él mismo. Estos son los valores que, aunque parecían desvanecerse con la muerte del abuelo, finalmente prevalecen en la historia. Cuando estaba escribiendo el guion, elegí la Volkswagen Combi para el viaje por carretera basándome en mi propia experiencia con ese vehículo. Pensé que era perfecta para un viaje así debido a sus techos altos y los amplios retrovisores, ideales para colocar la cámara y capturar a todos los personajes. Incluí en el guion pro

El artículo 675. Cómo escribir una película del subgénero de cine de identidad se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿Qué forma nuestra identidad? La raza, la nacionalidad, el género, la sexualidad, la clase social… Desde el principio del cine hay un subgénero que actualmente está más en boga que nunca: el cine de identidad. ¿En qué consiste este tipo de cine? ¿Cuáles son sus características? ¿Qué debemos tener en cuenta para hacer una película de este tipo? En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana continuamos con una masterclass nueva: “Cómo filmar tu guion”. Una segunda masterclass intensiva para introducirse en la realización de cortometrajes low cost. A partir de lo visto en la masterclass anterior, “Cómo planear un rodaje”, vamos a estudiar la división de funciones en un día de filmación y qué etapas se atraviesan al rodar. Qué se conoce como cine de identidad El cine de identidad es un subgénero cinematográfico que explora las preguntas y temas relacionados con la identidad personal, social y cultural de los individuos y las comunidades. Este tipo de cine suele enfocarse en cómo los individuos o grupos se definen a sí mismos y son definidos por otros a través de diversas dimensiones como la raza, la etnia, la nacionalidad, el género, la sexualidad, y la clase social. Este subgénero se enfoca en narrativas que profundizan en las cuestiones de quiénes somos, de dónde venimos y qué factores contribuyen a conformar nuestra percepción de nosotros mismos y de los demás. Las obras dentro de este subgénero suelen tener un fuerte componente introspectivo y reflexivo, buscando generar empatía, comprensión y debate en torno a las diversas identidades y experiencias de vida. Las películas de este tipo a menudo utilizan la narrativa para explorar la diversidad y la complejidad de las sociedades humanas, destacando las luchas, los logros, las tradiciones y las transformaciones de diferentes grupos e individuos. A través de historias personales o colectivas, el cine de identidad busca visibilizar realidades a menudo marginadas o incomprendidas, promoviendo un mayor entendimiento y apreciación de la rica diversidad humana. Los temas principales que aborda el cine de identidad incluyen: Identidad nacional: Cómo las películas reflejan o cuestionan lo que significa ser parte de una nación o cultura particular. Esto puede incluir la exploración de historias nacionales, la representación de rituales culturales y la influencia de la historia política en la identidad colectiva. Diversidad cultural: La representación y exploración de diferentes culturas y cómo estas interacciones culturales afectan la identidad individual y colectiva. Identidad de género y sexualidad: Exploración de las experiencias de individuos de diversas orientaciones sexuales e identidades de género, abordando temas de aceptación, discriminación y autoaceptación. Interseccionalidad: Cómo diferentes aspectos de la identidad (como raza, género, clase social) interactúan entre sí, afectando las experiencias y percepciones de los individuos. Transformación y conflicto: Las luchas personales o colectivas relacionadas con cambios en la identidad, ya sea por migración, cambios sociales o personales cruciales. Evolución del cine de identidad El cine de identidad ha evolucionado significativamente a lo largo de las décadas, adaptándose a los cambios sociales, políticos y tecnológicos que han influido en su producción y recepción. Os muestro de forma resumida cómo ha evolucionado este cine desde sus inicios hasta la actualidad: Orígenes y primeras expresiones: Durante las primeras décadas del siglo XX, el cine comenzó a explorar temas de identidad nacional y cultural, a menudo en el contexto de construir o afirmar identidades nacionales después de conflictos o en periodos de formación nacional. Años 1960-1970: Esta época vio el surgimiento de movimientos de derechos civiles y de liberación en muchas partes del mundo, lo que llevó a una mayor representación de identidades raciales, étnicas y de género en el cine. Los cineastas comenzaron a usar el cine como una herramienta para desafiar las narrativas dominantes y ofrecer nuevas perspectivas sobre la identidad y la experiencia marginal. Años 1980-1990: El cine de identidad se diversifica aún más con el surgimiento de cineastas de comunidades subrepresentadas que exploran temas de diáspora, migración y la interseccionalidad de la identidad. Películas de esta época empezaron a cuestionar y explorar la complejidad de las identidades individuales y colectivas. Siglo XXI: En las últimas décadas, ha habido un aumento en la globalización del cine, lo que permite que películas y cineastas de diversas partes del mundo accedan a audiencias globales. Esto ha llevado a un intercambio más rico y variado de historias de identidad, con un enfoque particular en la exploración de identidades transnacionales, multiculturales y de género fluido. Era di

El artículo 674. Qué es el Test de Bechdel del cambio climático se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hace ya siete años expliqué por primera vez en el pódcast qué era el Test de Bechdel y cómo podemos aplicarlo a nuestros guiones para reducir la brecha de género. Hoy os traigo una nueva variante del test de Bechdel del cambio climático conocido como Climate Reality Check por si queréis aplicarla en vuestras historias. En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo con más de 100 cursos de guion, esta semana continuamos con una masterclass nueva: “Cómo filmar tu guion”. Una segunda masterclass intensiva para introducirse en la realización de cortometrajes low cost. A partir de lo visto en la masterclass anterior, “Cómo planear un rodaje”, vamos a estudiar la división de funciones en un día de filmación y qué etapas se atraviesan al rodar. El Test de Bechdel de la brecha de género En el pódcast nº 44, hace siete años, expliqué lo que era el Test de Bechdel, también conocido como test Bechdel-Wallace o the rule: un método para evaluar si un guion de película, serie, cómic u otra representación artística cumple con los estándares mínimos para evitar la brecha de género. Se originó en el cómic Unas lesbianas de cuidado, obra de Alison Bechdel, pero la invención del test se atribuye a Liz Wallace, una amiga de la autora del cómic. El objetivo era identificar la falta de representación femenina en películas y series de televisión en los que dos mujeres ni siquiera se hablan. A pesar de ser un test poco exigente, el resultado de aplicarlo a las películas más populares es sorprendente y existen numerosas webs de crítica de cine, proyectos feministas y sitios web que realizan listas de películas conforme a si pasan o no el test. Para pasarlo hay que cumplir estas tres normas: En la película aparecen al menos dos personajes femeninos. Una variante exige que, además, las dos mujeres sean personajes con nombre. Dichos personajes hablan una a la otra en algún momento. Da igual que haya personajes masculinos presentes cuando los personajes femeninos hablan, lo importante es que ellas hablen entre sí en algún momento de la película. Dicha conversación trata de algo distinto a un hombre. Y con un hombre no se refiere solo en el sentido romántico. Los personajes masculinos de los que hablan las mujeres no pueden ser ni sus padres, hijos, hermanos, amigos platónicos, enemigos mortales, pacientes que están tratando de salvar o asesinos que están tratando de atrapar… simplemente no pueden ser hombres. Listado de películas famosas que no lo pasan es incalculable. Te pongo algunas: El Padrino, Toy Story, Shrek, Gladiator, o las películas de El Señor de los Anillos, Harry Potter, Star Wars, Indiana Jones o Piratas del Caribe. El Test de Bechdel del cambio climático En un artículo de Brian Welk en el portal Indiewire he leído que ahora hay un Test de Bechdel del cambio climático en el cine que dice que solo un puñado de las películas nominadas al Óscar de este año reconocen que el cambio climático existe y tienen personajes conscientes de su impacto. La organización sin fines de lucro Good Energy ha lanzado lo que llama un “Climate Reality Check”, presentando un estudio y sus criterios para una prueba tipo Bechdel que evalúa si algunas películas recientes reconocen la existencia del cambio climático en su texto. Podemos encontrar la información en https://www.theclimaterealitycheck.com/ La prueba pretende ser una guía para que los guionistas y profesionales de la industria “interroguen sus propias historias” y vean si Hollywood está representando la sombría realidad del cambio climático en la pantalla. Y la organización lo llama una revisión de la realidad porque cree que si una película está ambientada en la actualidad, donde el cambio climático es un problema persistente e inminente, al menos debería reconocer esa realidad y “reflejar el mundo tal como es”. Para pasar esta prueba, Good Energy dice que una historia debe demostrar dos cosas: “el cambio climático existe” y “un personaje lo sabe”. El cambio climático existe: Puedes medir si la crisis climática existe en el mundo de la historia a través de sus impactos y soluciones. Quizás la historia retrata una ola de calor sin precedentes, una noticia sobre el aumento del nivel del mar o un graffiti sobre el cambio climático. Un personaje lo sabe: La conciencia de un personaje sobre el cambio climático se puede demostrar a través del diálogo, la narración, las acciones o las imágenes visuales. Quizás la narración de un personaje establece el contexto climático, se muestra a un personaje leyendo un artículo de noticias sobre el cambio climático o hay una conversación sobre el clima extremo. No parece un listón tan alto, pero hay algunos matices en términos de lo que se está rastreando. Los investigadores, como parte del estudio, buscaban las frases “cambio climático”, “un clima cambiante”, “la crisis climática”, “calentamiento global”, “un mundo en c

El artículo 673. Guionistas protagonistas: Studio 60 se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Continuamos con la serie de pódcast en la que analizo películas o series donde los guionistas son los personajes principales. Hoy hablo de una serie maravillosa creada por Aaron Sorkin en la que Matthew Perry interpreta a un ingenioso guionista: “Studio 60 on the Sunset Strip”. En cursosdeguion.com, la academia de guion más grande del mundo, esta semana sacamos una masterclass nueva: “Cómo filmar tu guion”. Una segunda masterclass intensiva para introducirse en la realización de cortometrajes low cost. A partir de lo visto en la masterclass anterior, “Cómo planear un rodaje”, vamos a estudiar la división de funciones en un día de filmación y qué etapas se atraviesan al rodar.Guionistas protagonistas: “Studio 60 on the Sunset Strip” “Studio 60 on the Sunset Strip” es una serie de televisión estadounidense creada por Aaron Sorkin, conocido por su trabajo en otras series y películas de gran éxito como “The West Wing” y “The Social Network”. La serie se centra en los entresijos de un programa de televisión de comedia y variedades, mostrando tanto los desafíos profesionales como personales a los que se enfrentan sus creadores y el elenco. A pesar de tener críticas excelentes, la serie fue cancelada después de la primera temporada. Ficha Título original: “Studio 60 on the Sunset Strip” Año: 2006 País: Estados Unidos Creador: Aaron Sorkin Reparto: Amanda Peet, Matthew Perry, Bradley Whitford, Sarah Paulson, Steven Weber. Productora: NBC Sinopsis En el primer episodio de Studio 60 On Sunset Strip, el director del programa enloquece frente a cámaras. No puede soportar que la directiva del canal haya censurado uno de sus sketch por cuestiones políticas; entonces, mirando a la cámara frente a millones de televidentes, realiza una exhaustiva crítica de la televisión actual, tanto de su decadencia moral como de su sumisión ante lo políticamente correcto. Después de que los ejecutivos del canal despidan a su anterior director, Jordan McDeere, apasionada presidenta de la cadena NBS, pide al sarcástico Matt Albie, antiguo jefe de guionistas del programa, y a Danny Tripp, antiguo productor/director del programa, que devuelvan al show sus noches más memorables. Studio 60 es una serie que nos muestra el backstage de un exitoso programa de televisión y las complicadas relaciones de los que se encargan de llevarlo a cabo. Tráiler de Studio 60 Guion de Studio 60 (piloto) El título Sunset Strip es un tramo de la famosa Sunset Boulevard en West Hollywood, California. Es conocido por su vibrante vida nocturna, clubes de música, bares, restaurantes de lujo y billboards luminosos. Esta área ha sido históricamente un epicentro de la cultura y la vida nocturna de Los Ángeles, atrayendo a turistas y famosos por igual. Además, Sunset Strip ha jugado un papel significativo en la industria del entretenimiento, con varios estudios de grabación y clubs que han sido el lanzamiento de carreras para numerosos artistas y bandas. La serie “Studio 60 on the Sunset Strip” lleva este nombre porque se centra en los entresijos de un programa de comedia y variedades ficticio (similar a “Saturday Night Live”) que se produce en un estudio ubicado en este icónico tramo de Sunset Boulevard. El nombre captura la esencia del glamour y la intensidad de la industria del entretenimiento asociada con la ubicación, mientras que al mismo tiempo se adentra en las complejidades, desafíos y la dinámica detrás de cámaras de la producción televisiva. La elección del nombre “Studio 60 on the Sunset Strip” refleja no solo la ubicación física de la serie dentro del corazón de Hollywood, sino también evoca el espíritu creativo y a veces tumultuoso de la vida detrás de la pantalla. La serie originalmente iba a llamarse “Studio 7 on the Sunset Strip”. Sin embargo, el título tuvo que ser cambiado a “Studio 60” debido a que se descubrió que ya existía un nombre similar para otro proyecto. El contexto El contexto de esta serie gira en torno al mundo detrás de cámaras de un programa de comedia y variedades ficticio que se emite en horario estelar, similar en formato a programas reales como “Saturday Night Live”. Se centra en los desafíos, tanto personales como profesionales, que enfrentan los productores, guionistas y el elenco para llevar a cabo cada episodio semanal. A través de sus personajes complejos y diálogos agudos, Sorkin explora temas como la presión de trabajar en la industria del entretenimiento, la integridad creativa versus las demandas comerciales, y las dinámicas de poder dentro de un estudio de televisión. En un nivel más profundo, “Studio 60” aborda cuestiones de censura, el papel de los medios en la sociedad y cómo la política influye en el contenido televisivo. La serie, aunque ficticia, refleja muchos

El artículo 672. Cómo escribir un logline de seis palabras se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy vengo a hablarte de un concepto que puede ayudarnos a entender y vender nuestras historias: el logline de seis palabras. ¿Para qué reducir nuestra historia en seis palabras? ¿Cómo capturar la esencia de una historia en seis palabras? Hoy veremos en qué consiste este recurso y cómo podemos utilizarlo para vender nuestra historia. Y va a comenzar un nuevo reto para los suscriptores de cursosdeguion.com: Cortos de Óscar. Durante este mes, los que se apunten al reto recibirán 10 correos, uno cada día, proponiéndoles ver un cortometraje. Una selección de cortos que han sido nominados o ganadores en los Óscar. En cada mail se incluye la sinopsis, se explica por qué verlo y se da un enlace para verlo. El reto comenzará el día 1 de abril. Por lo que los suscriptores a la plataforma cursosdeguion.com tienen hasta el día 31 de marzo para apuntarse. Muchas gracias a todos los que habéis comprado ya mi nuevo libro “Del MacGuffin al Cliffhanger. 25 recursos narrativos de la caja de herramientas del guionista”. Y algunos me habéis dicho que ya habéis descargado las cartas y estáis usándolas para vuestras historias. Genial. Os recuerdo que el bonus del vídeo que te enseña a usarlas solo estará este mes, por lo que si piensas en comprarte el libro aprovecha. Muchas gracias a Angelo por escribir la primera reseña del libro. A los que lo tengan y quieran hacer una reseña, serán bienvenidas porque me ayudan mucho a llegar a más gente. Qué es el logline de seis palabras Llegué al concepto de “logline de seis palabras” gracias a un artículo del guionista y profesor de guion Scott Myers en https://gointothestory.blcklst.com/. Scott sugiere una técnica efectiva para enfocar el logline de un guion. Esta regla implica resumir la esencia de una historia en solo seis palabras, lo que no solo ayuda a clarificar el concepto central para el escritor sino que también facilita la comunicación de la idea a otros, como asistentes, productores y equipos de marketing. El logline de las seis palabras se promueve como una herramienta valiosa tanto para probar la comerciabilidad de una idea como para desarrollar la narrativa, obligando al guionista a destilar su historia a su núcleo más impactante y comunicable. Scott cuenta que escuchó por primera vez este concepto gracias a una broma del productor Max Millimeter en 2012: “Por eso tengo la regla de las seis palabras. Tienes seis palabras… cuéntalas… una, dos, tres, cuatro, cinco, seis… seis palabras en tu logline para llamar mi atención. Si seis palabras en tu logline no vienen directamente hacia mí, altas y fuertes, y me golpean en el trasero, entonces no estás llamando mi atención. Tienes seis palabras. Seis. Para derribarme. ¿Haces eso? Tienes mi maldita atención.” Un año después, Scott Myers entrevistó al guionista Daniel Kunka, que dijo esto sobre el logline en seis palabras: “Sé que a la gente no le gusta ese concepto. Como si pensaran que eso disminuye una idea o disminuye lo que haces como guionista, pero nuevamente, este es el juego al que estamos jugando. Si quieres escribir a nivel de estudio, debes poder comunicar grandes ideas en términos simples. Así es como los guiones spec ascienden en la cadena alimentaria. Si un asistente lee tu guion y le encanta, esa idea de seis palabras hará que sea mucho más fácil para el asistente venderlo a su jefe, y luego para ese productor venderlo al estudio y ese estudio venderlo al de marketing y, con suerte, al marketing para venderlo en un avance de tres minutos a todo el mundo para que la gente venga a ver tu película. Incluso si estás intentando escribir una película con una mentalidad más independiente, ¿cuáles son las seis palabras que hacen que tu película independiente sea diferente de cualquier otra película independiente? No quiero disminuir el arte real de contar tu historia y crear personajes, diálogos, conflictos y emociones memorables, pero también creo que los escritores más jóvenes no necesariamente piensan en el panorama más amplio.” Buceando en internet, he encontrado un popular ejercicio creativo online conocido como historias de seis palabras (https://www.sixwordmemoirs.com). Todos esos esfuerzos por producir uno de los cuentos más breves («ficción flash», como algunos lo describen) están inspirados en un momento de la tradición literaria en el que, según cuenta la leyenda, Ernest Hemingway fue desafiado a escribir una historia de seis palabras y respondió: “Para vender: zapatos de bebé, nunca usados.” Ejemplos de logline de seis palabras Lo primero, vamos a familiarizarnos con esta técnica viendo algunos ejemplos de loglines de películas famosas en tan solo seis palabras: En busca del arca perdida – Aventurero arqueólogo lucha nazis, halla arca. Blade Runner – Cazador androides cuestiona existencia y realidad. Alien – Terror espacial, tripulación enfrentada xenomorf

El artículo 671. Cómo autopublicar un libro (con Joan Boluda) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿Publicar con una editorial o autopublicar? Escribir un libro es una de las salidas que tenemos los guionistas para nuestras historias. Aprovechando que va a autopublicar un libro, hoy hablamos con Joan Boluda sobre si autopublicar un libro es la mejor forma de convertir nuestras historias en papel. Y va a comenzar un nuevo reto para los suscriptores de cursosdeguion.com: Cortos de Óscar. Durante este mes, los que se apunten al reto recibirán 10 correos, uno cada día, proponiéndoles ver un cortometraje. Una selección de cortos que han sido nominados o ganadores en los Óscar. En cada mail se incluye la sinopsis, se explica por qué verlo y se da un enlace para verlo. El reto comenzará el día 1 de abril. Por lo que los suscriptores a la plataforma cursosdeguion.com tienen hasta el día 31 de marzo para apuntarse. Muchas gracias a todos los que habéis comprado ya mi nuevo libro “Del MacGuffin al Cliffhanger. 25 recursos narrativos de la caja de herramientas del guionista”. Y algunos me habéis dicho que ya habéis descargado las cartas y estáis usándolas para vuestras historias. Genial. Os recuerdo que el bonus del vídeo que te enseña a usarlas solo estará este mes, por lo que si piensas en comprarte el libro aprovecha. Hablando de autopublicar un libro con Joan Boluda Hoy estamos con Joan Boluda, empresario, emprendedor, gurú del marketing digital con un podcast, Marketing Online, que es de los más escuchados en español y una academia online de Marketing y desarrollo web: Boluda.com Viene porque va a autopublicar un libro y, ya que acaba de salir uno mío también autopublicado creo que es una buena oportunidad para hablar de la autopublicación. En esta charla, Joan nos explica cómo se le ocurrió escribir una novela, de qué va y por qué ha decidido autopublicar en Amazon aunque tenía varias ofertas para publicar con una editorial tradicional. También hablamos de las ventajas y desventajas de autopublicar en Amazon respecto a las editoriales tradicionales, y de la estrategia de lanzamiento tras la publicación. Su libro lleva por título “El día que nos encontramos un muerto en la puerta de la oficina” y saldrá el 13 de abril en Amazon. El nombre con el que publicará será Joan Llongueras. Si estás interesado en autopublicación, te recuerdo que en cursosdeguion.com hice un curso de autopublicación en Amazon donde explico cómo he publicado y promocionado mis otros libros. El artículo 671. Cómo autopublicar un libro (con Joan Boluda) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 670. Del MacGuffin al Cliffhanger [nuevo libro] se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy estamos de fiesta porque presento mi nuevo libro titulado “Del MacGuffin al Cliffhanger. 25 recursos narrativos de la caja de herramientas de un guionista”. Como siempre digo, un guionista debe tener una buena colección de recursos en su cartera para escribir sus historias y hacerlas interesantes. En el libro muestro 25 y doy un enlace para descargarse unas cartas imprimibles con todos los recursos. En la plataforma cursosdeguion.com continuamos con el Curso: El arte de la elipsis en el que veremos para qué sirven las elipsis narrativas y cómo podemos utilizarlas para escribir nuestras historias. Continuamos con una clase en la que veremos las diferentes técnicas y herramientas para hacer elipsis. Y también te informo de un nuevo concurso de guion de series de televisión que te puede interesar. Lleva por nombre “Caminos de la Libertad” y tiene como premio 20.000 dólares. Si estás escuchando esto, puedes participar, porque pueden hacerlo los autores mayores de edad, de cualquier lugar del mundo que presenten su obra en español. El plazo de presentación es el 15 de julio, por lo que tienes tiempo. Si quieres ver las bases, están aquí: https://www.centroricardobsalinaspliego.org/cdl-concursos/ Los recursos narrativos en Pulp Fiction En el libro que acabo de publicar analizo 25 recursos narrativos y tropos de trama que utilizan los guionistas y los novelistas para elaborar sus historias. Alguno de estos recursos es milenario, y otros han surgido las últimas décadas a raíz de las series televisivas. Pero todos ayudan a contar historias más interesantes. Como ejemplo de lo que te hablo, voy a analizar una película conocida por todos que está repleta de recursos narrativos: Pulp Fiction. La película emplea la técnica de la ‘narración enmarcada’ en la historia del reloj de oro contada al personaje de Butch, añadiendo así una capa de profundidad a la historia​​. Utiliza ‘in medias res’ comenzando escenas en mitad de la acción, como en la secuencia inicial del atraco en la cafetería, con la que mantiene a la audiencia enganchada desde el principio​​. El final de esta escena es un ‘cliffhanger’ que tan solo se resuelve al final de la película. También es famoso el uso del ‘MacGuffin’ en Pulp Fiction: El maletín con su misterioso contenido luminoso sirve como un motor para la trama, manteniendo la atención del espectador sin ser esencial para el desarrollo de la historia. Este elemento despierta la curiosidad y mantiene a los personajes en movimiento, pero su verdadera naturaleza nunca se revela​​. La película también utiliza la técnica del ‘sujetalibros’: la escena de apertura establece el tema y el tono que se desarrollará a lo largo del film, una técnica que brinda cohesión y estructura a la narrativa general​​, y que cierra en la última escena. Cuando Butch se encuentra a Vincent en el baño, tiene varias opciones para resolver la situación. Intentar convencerlo, atarlo, huir… pero decide cortar el ‘nudo gordiano’ con la solución más sencilla: disparar a quemarropa. Muerto el perro, se acabó la rabia. La muerte de Vincent es un evento impactante y sorpresivo en la película, similar en algunos aspectos a la ‘boda roja’ de Game of Thrones. Subvierte las expectativas de los espectadores, ya que es un personaje importante que se esperaría que sobreviva a través de la película. En el arte de la escritura de guiones, podemos distinguir entre técnicas narrativas y tropos de trama. Las técnicas narrativas son los métodos y estrategias que los escritores emplean para contar una historia. Incluyen elementos como el uso de elipsis, flashbacks, o narradores no confiables, y son fundamentales para estructurar el relato y darle ritmo y profundidad. Por otro lado, los tropos de trama son esos motivos recurrentes o temas que aparecen en diversas historias. Son como patrones reconocibles que ayudan a dar forma a la trama, pero a diferencia de las técnicas narrativas, no dictan cómo se cuenta la historia, sino más bien qué elementos comunes se pueden encontrar en ella. Ejemplos de tropos de trama incluyen el MacGuffin, que es un objeto que impulsa la trama, pero que en sí mismo no es significativo, o el cliffhanger, que mantiene a los espectadores en vilo entre episodios o partes de la obra. Ambos, técnicas narrativas y tropos de trama, son herramientas cruciales en la caja de herramientas de un guionista, cada una aportando su propio valor único en la creación de una narrativa cautivadora y bien estructurada. En este libro, exploramos en profundidad cada una de estas herramientas, para que los guionistas tengamos más recursos para construir nuestras historias. “Del MacGuffin al Cliffhanger. 25 recursos narrativos de la caja de herramientas de un guionista”. Os leo la contraportada del libro: Aprender a utilizar recursos narrativos es el hackeo definitivo para escribir historias interesantes ¿Qué técnicas narrativas ay

El artículo 669. Cómo financiar un cortometraje con crowdfunding se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Cuando queremos financiar un corto siempre se nos ocurren los mismos caminos, o pedir subvenciones al ministerio de turno o poner el dinero nosotros o nuestros familiares. ¿Hay otros caminos? Hoy tenemos un caso de financiación que os puede interesar a muchos, un cortometraje por crowdfunding. Veremos cómo su directora Andrea Treszczan está sacando adelante su proyecto titulado “Adiós a mi teta”. En la plataforma cursosdeguion.com continuamos con el Curso: El arte de la elipsis en el que veremos para qué sirven las elipsis narrativas y cómo podemos utilizarlas para escribir nuestras historias. Continuamos con una clase en la que veremos los diferentes tipos de elipsis. Y también te informo de un nuevo concurso de guion de series de televisión que te puede interesar. Lleva por nombre “Caminos de la Libertad” y tiene como premio 20.000 dólares. Si estás escuchando esto, puedes participar, porque pueden hacerlo los autores mayores de edad, de cualquier lugar del mundo que presenten su obra en español. El plazo de presentación es el 15 de julio, por lo que tienes tiempo. Si quieres ver las bases, están aquí: https://www.centroricardobsalinaspliego.org/cdl-concursos/ Un cortometraje por crowdfunding: Adiós a mi teta Hoy hablamos con Andrea Treszczan sobre cómo está financiado un cortometraje por crowdfunding: su proyecto “Adiós a mi teta”. Andrea nos explica en qué consiste el proyecto Adiós a mi teta y cómo surgió la idea. De qué habla la película y por qué debería producirse su historia. También nos explica cómo produjo su primer cortometraje, Clara de Huevo. Y cómo se le ocurrió producir su segundo proyecto por crowdfunding en la plataforma Vaki. El dinero que se aporta en el proyecto no es a cambio de nada. Andrea nos explica en qué consisten las recompensas de la campaña: pueden ver el corto con anterioridad, agradecimientos en créditos, remeras, estreno y hasta convertirse en productor asociado. Pues desde aquí os animo a colaborar con que este proyecto salga adelante. Puedes hacerlo en la plataforma Vaki desde aquí. O ser el proyecto en Instagram desde aquí. El artículo 669. Cómo financiar un cortometraje con crowdfunding se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 668. Cómo escribir una película mumblecore se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Películas que rebosan naturalidad, tanto en las actuaciones como en los diálogos, a menudo improvisados, y que cuentan presupuestos bajos y producciones de estilo “hazlo tú mismo”. Hoy en Guiones y guionistas vemos en qué consiste el subgénero mumblecore, cómo surge y, lo que más nos interesa, qué debemos hacer si queremos escribir una película mumblecore. Esta semana continuamos con la masterclass para los suscriptores de cursosdeguion.com: “Cómo planear un rodaje”. Una masterclass intensiva para introducirse en la realización de cortometrajes low cost impartida por el cineasta Dani Aramayo. En ella explica cómo está formado el proceso audiovisual, qué roles entran en juego y las funciones de cada uno, con el objetivo de preparar nuestro guion para ser filmado. Además, explica una serie de herramientas gratuitas y de código abierto para que todos los que deseen acercarse al mundo de la realización, puedan hacerlo. Y también te informo de un nuevo concurso de guion de series de televisión que te puede interesar. Lleva por nombre “Caminos de la Libertad” y tiene como premio 20.000 dólares. Si estás escuchando esto, puedes participar, porque pueden hacerlo los autores mayores de edad, de cualquier lugar del mundo que presenten su obra en español. El plazo de presentación es el 15 de julio, por lo que tienes tiempo. Si quieres ver las bases, están aquí: https://www.centroricardobsalinaspliego.org/cdl-concursos/ Qué es el subgénero de película mumblecore El Mumblecore es un subgénero cinematográfico que surge como una corriente dentro del cine independiente, destacándose principalmente a partir del año 2002. Se caracteriza por su enfoque en la naturalidad, tanto en las actuaciones como en los diálogos, a menudo improvisados, y por contar con presupuestos bajos y producciones de estilo “hazlo tú mismo” (DIY). Las tramas se centran en las relaciones personales, los dilemas existenciales y las experiencias cotidianas de personajes, principalmente jóvenes adultos, utilizando sus propias vivencias como inspiración. Este enfoque busca generar una sensación de autenticidad y conexión con la audiencia a través de situaciones y emociones realistas. A diferencia de grandes producciones, el Mumblecore prioriza el desarrollo de personajes y la exploración de sus interacciones sobre la acción o efectos especiales espectaculare​s. Cómo surgió el subgénero mumblecore El término “mumblecore” proviene de la combinación de “mumble” (murmurar) y “core” (núcleo), reflejando el estilo de diálogo naturalista y a veces ininteligible de estas películas. El origen del mumblecore se asocia con cineastas como Andrew Bujalski, cuya película “Funny Ha Ha” (2002) es frecuentemente citada como la primera del género. En 2005 el South by Southwest Film Festival exhibió varias películas consideradas parte del movimiento mumblecore, incluyendo la segunda película de Bujalski, Mutual Appreciation; The Puffy Chair, de Mark Duplass & Jay Duplass; y Kissin on the Mouth, de Joe Swanberg. Este festival fue también el origen del término”mumblecore”: Eric Masunaga, un editor de sonido que ha trabajado con Bujalski, acuñó el término una noche en la barra de un bar durante el festival cuando le preguntaron cómo describiría las semejanzas entre aquellas tres películas. El término fue utilizado públicamente por primera vez por Bujalski en una entrevista con indieWIRE. Características distintivas del mumblecore Actuaciones y diálogos naturalistas, a menudo improvisados El mumblecore pone un gran énfasis en la naturalidad y el realismo, tanto en las actuaciones como en los diálogo​s. Esta aproximación busca capturar la esencia de las interacciones humanas cotidianas, lo que a menudo lleva a diálogos que parecen improvisados o que realmente lo están. Este enfoque permite una mayor autenticidad en las representaciones, haciéndolas más identificables y cercanas al espectador. Bajos presupuestos y producción independiente Una señal distintiva del mumblecore es su realización con recursos limitados, lo que implica menores presupuestos y, por lo tanto, una producción más independient​e. Esta característica no solo define el enfoque práctico y económico del subgénero, sino que también influye en su estética, donde la sencillez en la producción y la creatividad en la narrativa se vuelven centrales. La falta de medios se convierte en un signo distintivo ético y estético, fomentando la innovación y la intimidad en las historias contada​s. Enfoque en temas cotidianos y relaciones personales Los filmes mumblecore suelen centrarse en las dinámicas de las relaciones personales y los desafíos cotidianos de los personaje​s. Este enfoque temático resalta las experiencias universales, como las amistades, las relaciones amorosas, y las búsquedas personales, presentándolas de manera ínt

El artículo 667. 30 aprendizajes de 30 años de guionista (3ª década) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. En 2024 se cumplen 30 años de mi primer trabajo profesional como guionista. Para celebrarlo estoy haciendo unos pódcast en que reflexiono sobre los aprendizajes que he hecho en estos 30 años de guionista. Estoy eligiendo un trabajo por año, y pensando aprendizajes que hice a partir de él. Como son muchos años, estoy haciendo tres pódcast, uno por cada década. Ya vimos la primera década, llamada de aprendizaje y la segunda de asentamiento. Hoy analizaré la tercera de la autonomía y diversificación a partir de 10 trabajos y 10 aprendizajes. Hoy tenemos una nueva masterclass para los suscriptores de cursosdeguion.com: “Cómo planear un rodaje”. Una masterclass intensiva para introducirse en la realización de cortometrajes low cost impartida por el cineasta Dani Aramayo. En ella explica cómo está formado el proceso audiovisual, qué roles entran en juego y las funciones de cada uno, con el objetivo de preparar nuestro guion para ser filmado. Además, explica una serie de herramientas gratuitas y de código abierto para que todos los que deseen acercarse al mundo de la realización, puedan hacerlo. Y también te informo de un nuevo concurso de guion de series de televisión que te puede interesar. Lleva por nombre “Caminos de la Libertad” y tiene como premio 20.000 dólares. Si estás escuchando esto, puedes participar, porque pueden hacerlo los autores mayores de edad, de cualquier lugar del mundo que presenten su obra en español. El plazo de presentación es el 15 de julio, por lo que tienes tiempo. Si quieres ver las bases, están aquí: https://www.centroricardobsalinaspliego.org/cdl-concursos/ La década de la autonomía y diversificación (2014-2023) Con mi traslado a vivir a Uruguay comenzó mi década de autonomía y diversificación. Tuve que comenzar de cero en Montevideo, en una ciudad donde la industria audiovisual estaba menos desarrollada que en España. Eso me llevó a tener que reinventarme gracias a internet para seguir evolucionando como guionista y profesor de guion. 2014 Rotos y descosidos A mi llegada a Montevideo impartí un curso sobre formatos televisivos. Allí fue donde conocí a Edu Navarro, quien se convertiría en mi coguionista en varios proyectos desde entonces. El primero fue escribir los guiones de una serie televisiva llamada Rotos y descosidos para TNU. Había ya unos guiones escritos, pero teníamos que reescribir todo de nuevo y adaptar los guiones a una duración mucho menor, eliminando tramas y personajes. Con Rotos y descosidos también aprendí algo de futuro. Estamos hablando de un proyecto que costó varios años sacar adelante y al final se consiguió hacer gracias a un concurso del canal emisor. Cuando vi el presupuesto dedicado a guion comprendí que me iba a costar mucho subsistir trabajando como guionista y debía buscarme otras fuentes de ingresos. 2015 Parentela Este año fue un año movido. A los cuatro meses de nacer mi hijo Bruno, me surgió la oportunidad de trabajar en un programa de televisión uruguaya llamado Parentela. Era un magazine en prime time con entrevistas, sketches humorísticos y una sitcom incluida. Para mí era mi experiencia muy estimulante, pues debía incorporarme a un equipo en otro país, con una cultura y formas de hacer diferentes a donde había estado hasta la fecha. También era complejo, porque había muchas referencias a los personajes de actualidad del país y yo casi no conocía a nadie. Mi contrato era por media jornada, y lo curioso es que no había un sitio fijo en la productora donde trabajar. Quedábamos algunos días para hacer reuniones y los demás días trabajábamos cada uno en nuestra casa. Y cuando quedábamos, íbamos con nuestros ordenadores portátiles. El viernes a la noche hacíamos el programa en directo. Fue una forma de meterme a la cultura uruguaya muy “de golpe”, pero fue una gran experiencia. 2016 Premios Platino Punta del Este Este año lo comencé trabajando en España. En mi visita navideña para estar con la familia me salió un trabajo desarrollando un proyecto y me quedé en España dos meses más. Allí fue cuando vi a Álvaro García Moro, que trabajaba en el programa, y me habló por primera vez de que iba a dirigir los Premios Platino que se iban a producir en Punta del Este, Uruguay. Me ofrecí a trabajar en ellos, pero me dijo que el equipo de guion estaba completo. Volví a Uruguay, seguí mi vida, hasta que un día recibí un mensaje de Álvaro. Un guionista no pudo subirse al avión por un problema médico y me preguntaba si estaba dispuesto a irme con ellos una semana a Punta del Este a ayudar con el guion de la gala. Así fue como me incorporé a la gala y adapté el guion junto a Marta González de Vega. En la gala volví a vivir la adrenalina de las macrogalas en directo y los múltiples cambios hasta el último minuto. Y recordé lo importante que son las relaciones porque nunca sabes dónde te pueden llevar. En esa gala Marta conoció a Santiago Segura,

El artículo 666. Cómo escribir un episodio botella en una serie se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Son episodios asfixiantes, muy “de personajes”, con conflictos que se explotan con profundidad y donde suele haber confinamiento. ¿Sabes de qué te hablo? Hoy veremos qué es un episodio de botella en una serie y qué pasos debemos seguir para escribir uno. Te recuerdo que va a comenzar un reto nuevo en cursosdeguion.com: Un corto al día. Durante este mes, los que se apunten al reto recibirán 10 correos, uno cada día, proponiéndoles ver un cortometraje. Una selección de los cortos más famosos y premiados de la historia. En cada mail se incluye la sinopsis, se explica por qué verlo y se da un enlace para verlo. Este reto será de cortos españoles. Más adelante habrá otro reto de cortos latinoamericanos. El reto comenzará el día 15 de febrero. Por lo que los suscriptores a la plataforma cursosdeguion.com tienen hasta el día 14 para apuntarse. Y también te informo de un nuevo concurso de guion de series de televisión que te puede interesar. Lleva por nombre “Caminos de la Libertad” y tiene como premio 20.000 dólares. Si estás escuchando esto, puedes participar, porque pueden hacerlo los autores mayores de edad, de cualquier lugar del mundo que presenten su obra en español. El plazo de presentación es el 15 de julio, por lo que tienes tiempo. Si quieres ver las bases, están aquí: https://www.centroricardobsalinaspliego.org/cdl-concursos/ Qué es un episodio botella en una serie Un episodio botella (o “bottle episode” en inglés) es un término utilizado en la industria de la televisión para describir un tipo de episodio diseñado para ser producido con un presupuesto muy reducido. La característica principal de estos episodios es que suelen estar confinados a uno o muy pocos escenarios, y frecuentemente se centran en el elenco principal, con pocos o ningún actor invitado o extras. La idea detrás de un episodio botella es economizar recursos, reutilizando sets existentes y minimizando los costos de producción. Estos episodios surgen, en parte, por necesidades presupuestarias, especialmente en series de televisión con presupuestos ajustados o cuando se ha gastado una parte significativa del presupuesto en otros episodios más ambiciosos. Sin embargo, lejos de ser una limitación meramente económica, los episodios botella a menudo ofrecen oportunidades creativas únicas, permitiendo un enfoque más profundo en el desarrollo de personajes, la exploración de las dinámicas de las relaciones entre ellos, y la narración de historias más intensas y centradas. Algunos episodios botella son especialmente memorables y están entre los favoritos de los fans, ya que la restricción de recursos puede incentivar a los guionistas a ser especialmente creativos en su enfoque narrativo. A menudo, estos episodios utilizan el diálogo y la interacción entre personajes como mecanismos principales para impulsar la trama, lo que puede resultar en un estudio de personajes rico y detallado. Cuál es el origen del término “episodio botella” El término “episodio botella” proviene de la frase “ship in a bottle” (barco en una botella). La metáfora describe cómo estos episodios están contenidos dentro de un espacio limitado, similar a cómo un modelo detallado de un barco está confinado dentro del vidrio de una botella. Esta analogía subraya las restricciones físicas y narrativas que caracterizan a estos episodios, donde la acción y el desarrollo se limitan a uno o unos pocos escenarios. La evolución del concepto de episodio botella en la industria televisiva refleja tanto cambios en las prácticas de producción como en las expectativas del público. Originalmente, los episodios botella surgieron como una solución práctica a restricciones presupuestarias, permitiendo a los productores ahorrar dinero para otros episodios de la temporada que requerían efectos especiales costosos o locaciones exteriores. En las primeras décadas de la televisión, estos episodios eran a menudo menos valorados tanto por los creadores como por el público, percibidos como limitantes desde el punto de vista creativo. Sin embargo, con el tiempo, los creadores comenzaron a ver los episodios botella como oportunidades únicas para el desarrollo de personajes y la exploración de la dinámica entre ellos. Esto se debe en parte a la naturaleza íntima de estos episodios, que a menudo obligan a los personajes a interactuar en profundidades mayores que en episodios más convencionales. Así, lo que era una limitación presupuestaria se convirtió en una herramienta narrativa poderosa. En las últimas décadas, con el auge de la televisión de calidad y las series con presupuestos más altos, los episodios botella han ganado una nueva apreciación. Se han utilizado de manera innovadora para crear episodios memorables y críticamente aclamados en muchas series. La evolución de las plataformas de visualización y la forma en que el público consume contenido tam

El artículo 665. Así vendí mi guion: Cómo ser John Malkovich se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy continuamos con la serie de pódcast “Así vendí mi guion”, dedicada a ver cómo se escribieron y vendieron los guiones más famosos. Ya vimos El indomable Will Hunting, Rocky, Juno y Pulp Fiction. Hoy veremos otro clásico cuyo guion fue nominado al Óscar: Being John Malkovich (titulada Cómo ser John Malkovich en España y ¿Quieres ser John Malkovich?, en América) . Y, como venimos haciendo en la serie, nos lo va a contar su propio guionista, Charlie Kauffman. Hoy presentamos un reto nuevo en cursosdeguion.com: Un corto al día. Durante este mes, los que se apunten al reto recibirán 10 correos, uno cada día, proponiéndoles ver un cortometraje. Una selección de los cortos más famosos y premiados de la historia. En cada mail se incluye la sinopsis, se explica por qué verlo y se da un enlace para verlo. Este reto será de cortos españoles. Más adelante habrá otro reto de cortos latinoamericanos. El reto comenzará el día 15 de febrero. Por lo que los suscriptores a la plataforma cursosdeguion.com tienen hasta el día 14 para apuntarse. Así vendí mi guion: Cómo ser John Malkovich. Por Charlie Kaufman. La cuestión era contar historias, pero siempre a mi manera. Ya desde pequeño hacía obras de teatro en casa para mis padres y cortometrajes. Para ellos eran fantásticos, pero claro, qué van a decir, eran mis padres. Bueno, aunque suene raro que lo diga yo, la verdad es que mis padres tenían razón. Eran muy buenos. En el instituto fui buen estudiante, pero no sobresaliente. Era antisistema, la escuela no era mi prioridad, y pasé los tres años en una materia optativa que se llamaba “Compañía de Televisión” y en el club de teatro. Allí me di cuenta de mi gusto por la comedia y mi amor por los hermanos Marx y Woody Allen. Después de graduarme, me dirigí a la Universidad de Boston, pero como no me gustó y me fui a la Universidad de Nueva York a estudiar cine. Ahí, entre mis compañeros, estaba Chris Columbus, quien más tarde se convertiría en un reconocido director. Sin embargo, fue con Paul Proch con quien realmente encontré una conexión. Compartíamos un sentido del humor peculiar y eso nos llevó a escribir juntos un sinfín de guiones y obras de teatro que, en esos momentos, nadie quería producir. Nuestro primer logro fue conseguir que nos pagaran por escribir cartas ficticias al editor para la revista National Lampoon. Cuando escribimos nuestro primer artículo, y nos dimos cuenta de que pagaban 25 centavos por palabra, aquello nos pareció una fortuna. El primer cheque grande que recibí de Lampoon fue de mil dólares. Incluso lo fotografié, inmortalizando aquel momento de triunfo juvenil. La colaboración entre Paul y yo no terminó con la universidad. Seguimos escribiendo juntos, creando guiones y obras como “Purely Coincidental”. Este guion era un reflejo de nuestros días en la escuela de cine: extraño y extenso, con 204 páginas. Con la ingenuidad de aquellos que sueñan en grande, llegamos a enviarlo a lo que creíamos era la casa de Steven Spielberg. Como era de esperarse, enfrentamos constantemente la política de los manuscritos no solicitados. A finales de los 80, vivía en Minneapolis, trabajando en el departamento de distribución del Star Tribune. Levantarse a las 4 de la mañana, tomar el autobús en el frío invernal hacia un trabajo que comenzaba a las 5 AM, no era precisamente lo que había soñado hacer con mi vida. Las caras tristes en el autobús eran un recordatorio diario de esa realidad. También trabajé en un museo de arte, donde mi mayor responsabilidad era anunciar el cierre del museo por el altavoz. Durante esos años, Paul me visitaba y juntos seguimos intentando abrirnos camino en la industria, escribiendo guiones para televisión en un intento fallido de atraer la atención de algún agente. Nos atrevimos con todo, desde un episodio “spec” para “Married… With Children”, hasta uno para “Newhart”, hecho completamente a nuestro estilo, que nada tenía que ver con los episodios reales de la serie. Esta etapa de mi vida, llena de rechazos, aprendizaje y pequeñas victorias, fue fundamental para forjar el guionista que eventualmente me convertiría. Cada uno de estos momentos, desde la primera vez que recibí un cheque por escribir hasta las madrugadas frías esperando el autobús, contribuyó a mi visión del mundo y a mi voz como escritor. Era un camino largo y, a menudo, solitario hacia “¿Cómo ser John Malkovich?”, pero cada paso me enseñó algo valioso sobre la perseverancia, la creatividad y la importancia de encontrar tu propia voz, por extraña o poco convencional que pudiera ser. El traslado a Los Ángeles En 1991, con una mezcla de determinación y desesperanza, me mudé a Los Ángeles sin trabajo ni perspectivas claras. Mis únicos créditos profesionales eran algunos artículos para National Lampoon, y la ciudad de las estrellas parecía más un espejismo que una re

El artículo 664. 30 aprendizajes de 30 años de guionista (2ª década) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. En 2024 se cumplen 30 años de mi primer trabajo profesional como guionista. Para celebrarlo voy a hacer unos pódcast en que voy a reflexionar sobre los aprendizajes que he hecho en estos 30 años de guionista. Voy a elegir un trabajo por año, y pensar aprendizajes que hice a partir de él. Como son muchos años, estoy haciendo tres pódcast, uno por cada década. Ya vimos la primera década, llamada de aprendizaje. Esta segunda es de asentamiento y analizaré también 10 trabajos y 10 aprendizajes. Y esta es la última semana para apuntarse a “Operación Vomit Draft, escribe tu película en 90 días”. El miércoles 31 cierran las inscripciones y comenzamos las conexiones el viernes 2 de febrero. Ya sabes, cada semana tendremos vídeos con teoría, PDFs con práctica, conexiones para dudas y un grupo en Telegram. Si quieres escribir una película en tan solo tres meses anímate porque no habrá más oportunidades este año. En la plataforma cursosdeguion.com continuamos con el Curso: El arte de la elipsis en el que veremos para qué sirven las elipsis narrativas y cómo podemos utilizarlas para escribir nuestras historias. Continuamos con una clase en la que veremos el uso narrativo de las elipsis. La década del asentamiento (2004-2013) Década de asentamiento como guionista y en la que seguí viviendo aventuras grabando programas por diferentes partes del mundo. También vi cómo se producía la primera película de un guion mío y me lancé a escribir un nuevo guion spec. Además de continuar impartiendo clases en la universidad durante 10 años. 2004. La Selva de los Famosos. Supervivientes en Amazonas En 2004 continuamos con Supervivientes cambiando de país y escenario. El lugar elegido fue el Amazonas brasileño, una zona en medio de la selva cerca de Manaos. Con La Isla de los Famosos habíamos sido los primeros en el mundo que hacíamos el formato de Supervivientes en directo, pero con esta edición conseguimos la excelencia en el formato. Con este programa aprendí cómo se puede buscar siempre sorprender con un formato e intentar hacer cosas nuevas. No hay que conformarse con repetir las fórmulas que funcionan. También que edición a edición vas aprendiendo del formato y resolviendo problemas con más facilidad y encontrando mejores soluciones. Mi gran momento fue en la final. Queríamos realizar una prueba en la que utilizásemos hormigas tucandeiras, que eran las que usaban los indios en sus ceremonias de iniciación, dejándose picar en un acto muy doloroso. Pero uno de los finalistas tenía alergia a las hormigas, por lo que su picadura podía ser mortal. Al final ideé una prueba que tenía dos fases, en la primera debían adivinar un número mágico entre los indígenas de la tribu. La comprobación era con un guante con hormigas que debían probarse. Si acertaban, las hormigas no picaban, si no acertaban, sí. Así nos garantizábamos que podíamos parar antes de que lo picasen. La prueba fue muy emocionante y quedó perfecta. 2005. Aventura en África El año siguiente volvimos a cambiar de escenario y fuimos al interior de África. El Parque Nacional de Tsavo, en Kenia, fue la localización elegida para grabar Aventura en África. Lo que parecía una elección exótica fue el hundimiento del formato. La sabana africana es un lugar maravilloso para visitar o filmar, con animales salvajes impresionantes… pero un lugar inútil para grabar este programa. No había agua, donde los concursantes pudieran bañarse, los animales salvajes no podían ser cazados y no se podía interactuar con ellos… en fin, que los participantes no tenían casi nada que hacer. El error en la localización tuvo sus consecuencias en la audiencia. Por lo que Antena 3 desechó el formato y Globomedia perdió los derechos. Después se retomaría en Telecinco con otra productora y otra filosofía, más centrada en la composición de los famosos participantes y su sinergia con los demás programas de la cadena. 2006. El Traidor Mi participación como guionista en estos programas me llevó a vivir otra gran experiencia en el rodaje de El Traidor, una versión española del formato The Mole que produjo Four Luck Banana. Estuvimos dos meses en Sevilla en el verano rodando el programa por todo Andalucía. Un formato de pruebas en el que había una incógnita, uno de los concursantes era un infiltrado del programa y los demás debían adivinar quién era. El formato agregaba este elemento misterioso y psicológico que lo hacía más interesante: cuando una prueba no se conseguía no se sabía si el infiltrado lo había boicoteado o no. En el programa aprendí la importancia del equipo y las relaciones personales. La grabación fue excepcional, creamos mucho vínculo y todavía mantengo amigos y amigas de aquel programa a los que veo todos los años. ¿Quién dice lo de “aquí vengo a trabajar, no a hacer amigos”? 2007. Estoy por ti Parafraseando al gran William Goldman en el clásico Aventuras de un guionista en Hol

El artículo 663. El viaje del héroe en La sociedad de la nieve se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. La Sociedad de la nieve es el nuevo éxito de Netflix que está batiendo récords en la plataforma. El tema de las historias de supervivencia siempre me ha atraído mucho, sobre desde mi trabajo en el programa Supervivientes, y esta historia es una de las más épicas. Y por si fuera poco, vivo en Uruguay desde hace 10 años, por lo que aquí la siento más cercana. Ayer vi la película por segunda vez y me di cuenta de que puedo hacer un análisis el viaje del héroe en La sociedad de la nieve. Ya sea que los guionistas lo hayan hecho de una forma consciente, o inconsciente, podemos encontrar en la película los 12 pasos de esta estructura famosa. Te los muestro. Antes de comenzar quiero informarte que estamos en pleno lanzamiento del taller “Operación Vomit Draft, escribe tu película en 90 días”. En el reto que comienza el día 2 de febrero vamos a tener 12 semanas para escribir vuestra película. Cada semana tendréis vídeos y PDFs que os muestren el camino y una conexión conmigo para solucionar dudas. Y un grupo en Telegram donde comunicarnos entre todos, mostrar nuestro trabajo y darnos apoyo. Tenéis 8 días hasta que comience, “Operación Vomit Draft, escribe tu película en 90 días”, pero si te apuntas antes del 26 de enero recibirás una Masterclass en la que explico cómo hacer un dosier de venta de una película con Inteligencia Artificial. Textos, imágenes, presentaciones… nos puede ayudar mucho, y explico cómo. Si quieres apuntarte, ve a la web. En el pie de la página está la información y la forma para meterse en el taller de escritura. Este año va a tener una novedad. Que es que yo también voy a hacerlo al mismo ritmo que todos y voy a escribir mi largometraje. Y lo iré contando en las conexiones. La idea es que todos lo experimentemos a la vez. A los interesados comentaros que no lo dejéis para el último día porque hay plazas limitadas. Y para los suscriptores de la plataforma cursosdeguion.com comienza nuevo Curso: El arte de la elipsis en el que veremos para qué sirven las elipsis narrativas y cómo podemos utilizarlas para escribir nuestras historias. Comenzamos con la primera clase sobre el origen y uso de las elipsis. El viaje del héroe en La sociedad de la nieve La sociedad de la nieve es una película española de 2023, dirigida y escrita por J. A. Bayona, basada en el libro homónimo de Pablo Vierci, que a su vez se basa en el documental homónimo de Gonzalo Arijón que relata el accidente del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya en la cordillera de los Andes en 1972. Los guionistas junto a J. A. Bayona son Bernat Vilaplana, Jaime Marques y Nicolás Casariego Os dejo el tráiler para recordar la pelíula. Trailer de la Sociedad de la nieve Sinopsis Cuando el avión uruguayo que transportaba a jugadores del equipo de rugby del Old Christians Club de Montevideo se estrella en el remoto corazón de la cordillera de los Andes, los sobrevivientes se ven obligados a depender unos de otros para sobrevivir. El héroe Lo primero, como siempre, es determinar quién es el héroe. Es una película coral basada en una hazaña coral. Pero el director y guionista eligió contar la historia desde el punto de vista de uno de ellos Numa Turcatti. El motivo es que es el último fallecido antes de la salvación. Bayona quería prestar más atención a aquellos personajes que no habían sobrevivido y que no tenían tanto reconocimiento. La historia de los que sobrevivieron ya la conocemos por sus entrevistas, conferencias y libros. Por eso toma el recurso narrativo de usar la voz en off de un muerto, técnica que ya vimos en películas como Sunset Boulevard o American Beauty. Con esa voz nos presenta preguntas que resuenan en el espectador: “¿Qué pasa cuando el mundo te abandona?” Etapas del viaje del héroe en La sociedad de la nieve Mundo ordinario. El mundo ordinario es el mundo normal del héroe antes de que la historia comience. Numa Turcatti es un estudiante de derecho uruguayo, amigo de unos jugadores del equipo de rugby Old Christians. Es muy católico, juega en un equipo de fútbol llamado Loyola FC. y tiene toda la vida por delante. Llamada a la aventura. Al héroe se le presenta un problema, desafío o aventura. La llamada de la aventura establece las reglas del juego, plantea la contienda y define el objetivo del héroe. Este paso coincide con lo que otros teóricos del guion denominan como el detonante o el incidente desencadenante. Numa es invitado a viajar a Santiago de Chile por sus amigos Alfredo Daniel “Pancho” Delgado y Gastón Costemalle. Son integrantes del equipo de rugby del Colegio Old Christians y van a competir contra un equipo de Santiago. Han fletado un avión para el viaje y hay plazas de sobra. Intentan convencerle en un bar, pero él está reacio. Rechazo de la llamada. El héroe rechaza el desafío o aventura, principalmente por miedo al cambio. Numa se lo piensa, no conoce a los demás estudiantes e integran

El artículo 662. Cómo escribí mi película en 90 días se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Esta semana estamos de estreno porque se abre la convocatoria de una nueva edición de “Operación Vomit Draft, escribe tu película en 90 días”. Comenzaremos el 2 de febrero. Y para celebrarlo, qué mejor que hablar con alguien que participó en la primera edición… y cuenta “cómo escribí mi película en 90 días”: Angelo Olivier. Charlo con Angelo Olivier para que nos cuente cómo consiguió escribir su película en 90 días… bueno, la verdad es que Angelo lo hizo en menos. Pero antes informaros que el que tenga alguna idea para escribir, y quiera ver en qué consiste esto de “Operación Vomit Draft, escribe tu película en 90 días”, puede ir a la web. En el pie de la página está la información y la forma para meterse en el taller de escritura. Este año va a tener una novedad. Que es que yo también voy a hacerlo al mismo ritmo que todos y voy a escribir mi largometraje. Y lo iré contando en las conexiones. La idea es que todos lo experimentemos a la vez. A los interesados comentaros que no lo dejéis para el último día porque hay plazas limitadas. En la primera edición hubo gente que se quedó fuera, por lo que he pensado este año hacer dos grupos para que pueda hacerlo más gente. Pero ya hay varias plazas ocupadas, porque a los que se habían apuntado en una lista de interesados les envié la información hace tres días y ya coparon uno de los grupos. Angelo Olivier nos cuenta en el pódcast cuál es su relación con la escritura y por qué decidió apuntarse a “Operación Vomit Draft”. También nos da consejos para los que quieran escribir un guion de largometraje, las mayores dificultades que tuvo en la escritura de su guion y cómo consiguió terminarla a tiempo. Puedes seguir el trabajo de Angelo como actor aquí: IMDB de Angelo Olivier El artículo 662. Cómo escribí mi película en 90 días se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 661. 30 aprendizajes de 30 años de guionista (1ª década) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. En 2024 se cumplen 30 años de mi primer trabajo profesional como guionista. Para celebrarlo voy a hacer unos pódcast en que voy a reflexionar sobre los aprendizajes que he hecho en estos 30 años de guionista. Voy a elegir un trabajo por año, y pensar aprendizajes que hice a partir de él. Como son muchos años, voy a hacer tres pódcast, uno por cada década. En cada uno de ellos analizaré 10 trabajos y 10 aprendizajes. En la plataforma de cursosdeguion.com hoy sale la última clase del curso de Autopublicación en Amazon en el que enseño cómo publicar tus propios libros en Amazon. Y lo hago mostrando desde dentro cómo he publicado yo tres libros en tres años. Cómo elegir categorías, precios, royalties. Lo cuento todo. En la última clase muestro cómo ser un autor longseller. Es decir, como seguir vendiendo durante años. La década del aprendizaje (1994-2003) La década del aprendizaje comienza cuando estaba terminando los cursos de doctorado y pensando en el tema de la tesis doctoral. Entonces, quien iba a ser mi tutor en la tesis, José Miguel Contreras, me habló de una entrevista para trabajar en la productora Globomedia. Me hizo la entrevista Juan Carlos Cueto y así fue como entré en el mundo de la televisión. El contrato era como ayudante de guionista de un programa llamado La vuelta de la Fama que duraba un mes. Cuando acabó me pasaron a El gran juego de la Oca. 1994. El gran juego de la Oca (concurso televisivo) En televisión lo que determina un programa es el formato, que son las características de cada programa que lo diferencian de otro y lo hacen ser replicable en otras culturas. El Gran Juego de la Oca Por ejemplo, la forma con la que se determina el ganador y la distribución de las pruebas en el programa. Una cosa es el juego de la Oca en sí, que da el origen al programa, y otra la adaptación televisiva del juego de mesa. Hay que adaptar mecánicas, rondas, tiempos, formas de puntuación, ganadores… por ejemplo, la forma con que se determinó cómo desarrollar 20 pruebas por programa sin depender del azar de unos dados. 1995. Boinas Verdes (guion de largometraje) En 1995 Canal + Guiones sacó un concurso para escribir guiones de largometrajes. Decidí presentarme junto a Ángel Pariente. Teníamos que escribir una sinopsis de cuatro páginas. ¿Cómo escribir un largometraje sin saber cómo se escribe? ¿Por dónde empezar? Ángel me contó una historia real de unos boinas verdes que se habían fugado de su cuartel en Mallorca y habían ido a la televisión a denunciar malos tratos. Una historia al estilo Algunos hombres buenos, la película de Jack Nicholson y Tom Cruise. Viajamos a Barcelona para hacer entrevistas y buscamos toda la información del caso que pudimos. Pero, ¿por dónde empezar a escribir? Así fue como fuimos a la FNAC y compramos dos libros que acababan de salir sobre guion: El libro del guion de Syd Field y Cómo convertir un buen guion en un guion excelente de Linda Seger. En estos libros escuchamos por primera vez el paradigma de Field, los tres actos y la importancia de la estructura. Antes de comenzar a escribir, decidimos el inicio y final de nuestra historia, y plot points importantes como los puntos de giro. Eso nos ayudó a completar la trama. Fuimos unos de los 14 seleccionados por Canal + Guiones para escribir el tratamiento de la historia. Después pasamos la siguiente criba y fuimos uno de los 7 elegidos para escribir el guion. Así terminamos nuestro primer guion de largometraje por el que cobramos. La película nunca se hizo. Sin los consejos extraídos de los libros de Field y Seger sobre la estructura hubiera sido difícil llegar ahí. 1996. Entre esquelas (guion de largometraje) El año anterior había aprendido la importancia de los concursos como impulso para desarrollar proyectos. Canal + Guiones volvió a presentar una convocatoria del concurso. Una amiga actriz, Mercedes Carrillo, me contó una idea para una película, pero, ¿Cómo presentarse dos veces al mismo concurso, teniendo en cuenta que ya lo había ganado una?  Superamos los prejuicios por los que no sería aceptado una segunda vez y presentamos el proyecto de Entre Esquelas. Prevalecieron las ganas de escribir la historia. Nos seleccionaron entre los 14 que pasaron a tratamiento y después entre los 7 que escribimos el guion. Así aprendí que encontraremos muchas excusas para no seguir adelante con un proyecto, pero solo si sigues adelante y no haces caso a los prejuicios y excusas puedes conseguir sacar adelante tus historias. El guion de Entre Esquelas se cobró, se escribió… y acabó en un cajón durante 10 años.  En el siguiente pódcast contaré cómo llegó a convertirse en película. 1997. Zip zap (concurso televisivo) Uno de los programas televisivos en los que trabajé en 1997 fue Zip Zap, un concurso televisivo presentado por Belén Rueda que se basaba en imágenes. Uno de los trabajos de los guionistas era bucear

El artículo 660. De Startups a Guiones: Guía para aplicar el Lean Startup en la escritura se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Escribir el guion de una película es un proyecto complejo, que tiene un objetivo claro: que se consiga producir y llegue al mayor número de personas posible. ¿Se puede encarar el reto como si el guionista fuera un empresario? ¿Qué podemos aprender de las empresas que sacan productos al mercado? Hoy vamos a hablar de Lean startup, un método para desarrollar empresas y productos y cómo podemos aplicar Lean startup en la escritura de guiones. Y para comenzar el 2024 con buen rumbo, voy a plantear un nuevo reto en cursosdeguion.com: “Planifica tu año como guionista en 7 días”. Los que se apunten, recibirán siete correos, uno al día, con indicaciones para hacer una planificación del año eficiente. La idea es dejar de tener solo propósitos de año nuevo y comenzar a organizarnos para que se cumplan desde el inicio. El reto comenzará el 5 de enero, que es el día nacional del guionista. Solo pueden participar los suscriptores de la plataforma. Tenéis que apuntaros en la página de retos. Ahí viene el “Reto planifica tu año como guionista en 7 días”, donde podéis dejar vuestro mail. Qué es el método Lean startup El método Lean startup, desarrollado por Eric Ries, es una metodología para desarrollar negocios y productos que busca acortar los ciclos de desarrollo, adoptando una combinación de experimentación basada en hipótesis, iteraciones de productos, y aprendizaje validado. En términos simples, se trata de: Construir un Producto Mínimo Viable (PMV): Crea una versión básica de tu idea de producto o negocio para iniciar el proceso de aprendizaje lo más rápido posible. Medir: Utiliza el PMV para recopilar datos sobre cómo responde el mercado o los usuarios a tu producto. La clave es medir el comportamiento de los clientes para obtener retroalimentación. Aprender: Analiza los datos recolectados para entender si tu idea está teniendo éxito o no. Aprende de los resultados para tomar decisiones informadas sobre qué hacer a continuación. Iterar o Pivote: Basándote en lo que has aprendido, realiza ajustes. Si tu idea está funcionando, continúa desarrollándola (iterar). Si no, considera hacer cambios significativos en el producto o en el enfoque del negocio (pivotar). La idea principal es minimizar el tiempo y los recursos gastados en el desarrollo de productos o negocios que no satisfacen las necesidades del mercado, aprendiendo rápidamente de los errores y adaptando la estrategia en consecuencia. Cómo aplicar el método Lean Startup a la escritura La propuesta de hoy es ver cómo adaptar el método Lean startup a la escritura de guiones. Aprovechar las características como el desarrollo ágil, la iteración constante basada en retroalimentación, y la minimización de los recursos hasta encontrar un modelo viable. Aquí te explico cómo podrías aplicar sus principios en la escritura de guiones: Construye Empieza escribiendo un “producto mínimo viable” (PMV) de tu guion. Esto significa crear una versión simplificada, quizás una sinopsis detallada o un tratamiento, que incluya los elementos esenciales de tu historia: personajes principales, arco argumental, y puntos clave de la trama. Debes decidir qué es para ti el “producto mínimo viable” (PMV). El más pequeño de todos sería una logline. Podrías escribir varias loglines y testearlas con personas para ver cuál funciona mejor. Pero si quieres más información de tu historia, puedes crear un “producto mínimo viable” más extenso. Puedes escribir una sinopsis corta, de una página máximo, o desarrollarla más, pero que no pase de cinco páginas, que incluya la premisa, el desarrollo de los personajes principales, y un esquema de la trama. Escribir un tratamiento de 20 o 30 páginas no sería un producto mínimo viable porque llevaría mucho tiempo y trabajo desarrollarlo, la idea es testear tu historia en sus primeras fases. Mide Una vez que tengas tu PMV, preséntalo a un grupo de lectores confiables. Estos podrían ser otros guionistas, mentores, o incluso tu audiencia objetivo. Recoge sus opiniones y observaciones. No solo preguntes si les gustó, sino que busca comentarios específicos sobre personajes, diálogos, ritmo de la trama, etc. Define primero quiénes serán tu grupo de lectores objetivo. Puede ser un grupo de guionistas, estudiantes, o un club de cine. Después organiza una mesa redonda donde los participantes lean tu sinopsis y discutan sus impresiones. Para que el encuentro sea más útil, prepara un cuestionario específico para tus lectores, preguntando sobre aspectos concretos de tu historia. Aprende Analiza la retroalimentación. ¿Qué elementos resonaron más con los lectores? ¿Qué partes fueron confusas o menos atractivas? Usa esta información para aprender sobre las fortalezas y debilidades de tu guion. Por ejemplo, supongamos que los lectores no entendieron la motivación del protagonista. Usa esta retroalimentación para revisar y cl

El artículo 659. La receta para escribir películas navideñas inolvidables se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Estamos en la semana donde las películas navideñas lo copan todo. Hay algunos clásicos que se repiten desde hace décadas y ya los sabemos de memoria. ¿Pero cómo se escriben estas películas? ¿Cuáles son las características que debe tener una buena película navideña?  Si quieres escribir el próximo clásico navideño no te pierdas el pódcast de esta semana. Si lo consigues cobrarás derechos de autor todos los años y serás tan feliz como los personajes de estas películas al final… porque sí, te adelanto… siempre acaban bien. Y para terminar el año 2023 con energías renovadas y comenzar el 2024 con buen rumbo, voy a plantear un nuevo reto en cursosdeguion.com: “Planifica tu año como guionista en 7 días”. Los que se apunten, recibirán siete correos, uno al día, con indicaciones para hacer una planificación del año eficiente. La idea es dejar de tener solo propósitos de año nuevo y comenzar a organizarnos para que se cumplan desde el inicio. El reto comenzará el 5 de enero, que es el día internacional del guionista. Solo pueden participar los suscriptores de la plataforma. Tenéis que apuntaros en la página de retos. Ahí viene el “Reto planifica tu año como guionista en 7 días”, donde podéis dejar vuestro mail. Características de las películas navideñas Temática navideña La historia debe girar en torno a la Navidad o incorporar elementos significativos de esta festividad, como la decoración navideña, música, y tradiciones. Películas como “Elf” nos sumergen en un mundo donde la Navidad es central, mostrando a un elfo humano criado en el Polo Norte buscando a su familia en la vibrante Nueva York. “Love Actually”, desde el Reino Unido, entrelaza varias historias de amor en el contexto navideño. Mientras tanto, “Tokyo Godfathers” ofrece una perspectiva japonesa, con una conmovedora aventura nocturna cuando tres personas sin hogar encuentran un bebé en Nochebuena Ambiente festivo Las películas navideñas suelen ambientarse en lugares que evocan el espíritu de la Navidad, como ciudades cubiertas de nieve, mercados navideños, u hogares decorados festivamente. “Home Alone” destaca por la casa de la familia McCallister que está bellamente decorada para la Navidad. “Joyeux Noël”, ambientada en la Primera Guerra Mundial durante una tregua navideña, muestra cómo los soldados celebran la Navidad en las trincheras. Incluso en la guerra, el espíritu navideño se hace presente. “Joulutarina”, desde Finlandia, nos sumerge en un paisaje invernal, cuna de la leyenda de Santa Claus, de quien nos cuentan el origen. Mensaje positivo Estas películas suelen transmitir mensajes de amor, bondad, generosidad, y el valor de la familia y la comunidad. A menudo resaltan la importancia del espíritu navideño. En el mensaje positivo, “It’s a Wonderful Life” es un clásico que resalta el valor de la vida y el impacto positivo que una persona puede tener en su comunidad. “A Christmas Carol”, basada en el cuento de Dickens, muestra la transformación de Ebenezer Scrooge en una persona más generosa y bondadosa. “Klaus”, una producción española de animación que subraya la importancia de la amistad y la bondad en una remota ciudad. Es una versión original del origen del personaje de Santa Klaus a la que dediqué un análisis en un podcast pasado. Transformación personal Muchos protagonistas experimentan un cambio significativo en su carácter o perspectiva de vida, aprendiendo lecciones valiosas sobre la importancia de dar, compartir y amar. “The Grinch” sigue la evolución de un personaje que pasa de odiar la Navidad a apreciar su verdadero significado y el valor de la comunidad. “The Holiday”, una comedia romántica, muestra a sus personajes experimentando un crecimiento personal durante las vacaciones navideñas. “Un Conte de Noël” presenta una familia francesa disfuncional que supera sus diferencias en una reunión navideña. Elementos fantásticos Algunas películas incorporan elementos mágicos o sobrenaturales relacionados con la Navidad, como Santa Claus, duendes, o milagros navideños. “The Polar Express” nos muestra un tren mágico que lleva a los niños al Polo Norte para conocer a Santa Claus. “The Christmas Chronicles” es una aventura donde hermanos ayudan a Santa Claus en una aventura mágica en Nochebuena. “Rare Exports: A Christmas Tale”, de Finlandia, nos presenta una versión mítica y antigua de Santa Claus en un entorno fantástico. Final feliz La mayoría de las películas navideñas concluyen con un final feliz, resolviendo conflictos y restaurando la armonía y la alegría. En “Miracle on 34th Street” un hombre que afirma ser el verdadero Santa Claus trae felicidad y magia a Nueva York. “Serendipity” es una com

El artículo 658. Escribiendo ‘In medias res’: claves para guionistas se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Comenzar una película en medio de una discusión, una escena sexual o una persecución. Los inicios in medias res son una estrategia narrativa que incluye al espectador en la historia de forma drástica y repentina. Después entenderemos quiénes son los personajes y qué está pasando, pero de momento ya estamos dentro. Hoy os hablaré de en qué consiste la técnica in media res y cuáles son las claves para utilizarla en nuestras historias. Si quieres conocer más técnicas narrativas, las encontrarás en mi libro “Del MacGuffin al Cliffhanger. 25 técnicas narrativas de la caja de herramientas de un guionista”. Y hoy tenemos un nuevo contenido para los suscriptores de cursosdeguion.com, la Masterclass Cómo describir personajes en la que explico las claves para describir personajes inolvidables cuando aparecen. También tenéis disponible un libro de más de 100 páginas con las 100 presentaciones más icónicas del cine y la televisión. Esta semana llegan las navidades con antelación para los suscriptores. Comenzando en medio de la acción In medias res es una técnica literaria y narrativa que consiste en comenzar una historia desde el medio o en un punto crucial, en lugar de empezar desde el principio con una introducción gradual. Esta técnica se utiliza para captar inmediatamente el interés del espectador o lector, lanzándolo directamente a la acción o a un momento significativo de la trama. Al usar in medias res, el guionista o escritor salta los eventos preliminares o el desarrollo expositivo que normalmente establecerían el escenario, los personajes y el conflicto. Esto puede crear un sentido de misterio o urgencia, ya que el público se ve obligado a entender el contexto a medida que la historia se desarrolla.  Posteriormente, a través de flashbacks, diálogos o narraciones, se revelan los detalles sobre los antecedentes y los eventos que condujeron a la situación actual. Los lectores y espectadores actuales confían en que con el paso de la narración y el desarrollo de los personajes se irán comprendiendo todas las referencias al pasado.  Es un recurso al que estamos muy acostumbrados hoy en día. Como comentan Balló y Pérez en El mundo, un escenario, “En la actualidad tenemos la sensación gracias a internet y las redes sociales que todo puede suceder en cualquier momento. En un porcentaje muy alto de los productos audiovisuales que se fabrican actualmente, la primera secuencia ya muestra los personajes hablando entre sí como si la historia hubiera empezado. El espectador siente que la vida fluye, que todo existía antes de que conectáramos con la escena que acaba de aparecer entre nosotros, que el relato está en marcha y no nos espera, por mucho que nos reclame.” Origen del término In medias res El término in medias res proviene del latín y significa literalmente “en medio de las cosas”. Su origen se encuentra en la poética clásica, particularmente en la obra del poeta romano Horacio. En su Arte Poética (Ars Poetica), escrita alrededor del 19 a.C., Horacio aconsejaba a los poetas comenzar sus narrativas no desde el principio expositivo, sino en el meollo de la acción. Esta técnica ya era utilizada por poetas épicos griegos como Homero, mucho antes de Horacio. Por ejemplo, en La Ilíada, Homero comienza la historia en el décimo año de la Guerra de Troya, en lugar de empezar con las causas del conflicto. Esto permite al narrador ir directamente a los eventos y temas importantes, manteniendo el interés del lector o espectador. In medias res se convirtió en una técnica narrativa fundamental y ha sido ampliamente utilizada a lo largo de la historia en la literatura, el teatro y el cine. Su popularidad se debe a su eficacia para capturar la atención del público desde el principio, creando un sentido de intriga y permitiendo una exploración más profunda de los personajes y eventos a través de flashbacks y otras técnicas narrativas. In medias res es una técnica narrativa versátil que puede utilizarse tanto para comenzar una historia en su conjunto como para iniciar escenas individuales dentro de una narrativa más amplia. Cuando se usa al inicio de escenas individuales, el objetivo es mantener el ritmo de la narración y profundizar en la trama sin detenerse en detalles innecesarios.  Una escena específica dentro de la historia puede comenzar en un punto crucial o en medio de la acción, sin una introducción detallada. Por ejemplo, con los personajes ya en medio de una discusión acalorada, donde el diálogo y las interacciones inmediatas revelan los puntos clave sin necesidad de una preparación extensa. Este método acelera el ritmo narrativo, evita la monotonía y mantiene el interés del público. Además, es útil para resaltar momentos clave del desarrollo de personajes o de la trama. Características del uso de in medias res Esta técnica puede tener un gran impacto en la estructura general

El artículo 657. Cómo superar el bloqueo del escritor: 12 estrategias efectivas se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Escribir es una cuestión de rutinas. Crear tu espacio y tu tiempo para poder desplegar tu creatividad y sacar lo que llevas dentro. Pero es cierto que hay veces que la escritura no fluye. Que estás un tiempo dándole, pero no avanza. Hoy te voy a mostrar 12 estrategias que yo he probado para superar el bloqueo del escritor que a veces nos afecta a los guionistas. Pero antes te voy a dar una técnica extra: “Escritura de escenarios alternativos”: Si estás atascado en una parte particular de tu historia, intenta reescribir la escena desde diferentes ángulos o perspectivas. ¿Qué pasaría si un personaje tomara una decisión diferente? ¿Cómo cambiaría la historia si se eliminara un elemento clave? No te limites a las primeras ideas que vengan a tu mente. Desafíate a pensar en resultados inesperados o menos obvios. Esto puede abrir nuevas vías para tu narrativa. Después de explorar diferentes escenarios, evalúa cuál encaja mejor con la historia general que deseas contar. A veces, un cambio en una escena puede resolver bloqueos en otras partes del guion. En la plataforma de cursosdeguion.com hoy continuamos con el curso de Autopublicación en Amazon en el que enseño cómo publicar tus propios libros en Amazon. Y lo hago mostrando desde dentro cómo he publicado yo tres libros en tres años. Cómo elegir categorías, precios, royalties. Lo cuento todo. Hoy muestro cómo elaborar y ejecutar la estrategia de lanzamiento. El guionista bloqueado: cómo superar el bloqueo del escritor Superar el bloqueo del escritor puede ser un desafío, pero aquí tienes 12 consejos y técnicas que pueden ayudarte: 1. Cambia de entorno A veces, un cambio de ambiente puede estimular la creatividad. Prueba escribir en un café, un parque o cualquier otro lugar diferente a tu espacio habitual. Ejemplo: Si normalmente escribes en tu oficina o habitación, intenta ir a un parque local, una biblioteca o una cafetería. La nueva atmósfera y los sonidos pueden inspirarte. También puedes llevar el cambio más lejos y hacerte un viaje para escribir en otra ciudad.  2. Ejercicios de escritura libre Dedica un tiempo a escribir cualquier cosa que te venga a la mente, sin preocuparte por la calidad o la coherencia. Esto puede ayudar a desbloquear tus ideas. Actividad: Establece un temporizador por 10 minutos y escribe sin parar sobre cualquier cosa, incluso si es un flujo de conciencia sin sentido. La clave es no levantar el bolígrafo del papel o las manos del teclado. 3. Lee o ve algo inspirador A menudo, consumir otras obras creativas puede desencadenar ideas y motivarte a escribir. Ejemplo: Lee un libro de un género diferente al tuyo o mira una película aclamada por su guion. Analiza cómo construyen los personajes y la trama. 4. Establece metas pequeñas En lugar de enfocarte en grandes objetivos, establece metas pequeñas y manejables, como escribir una página o desarrollar un personaje. Actividad: Proponte escribir 200 palabras al día o desarrollar la descripción de un personaje. Estas pequeñas metas son más fáciles de lograr y pueden llevarte a un progreso mayor. 5. Meditación y mindfulness La meditación puede ayudar a despejar la mente y a reducir el estrés, lo que puede ser beneficioso para superar el bloqueo del escritor. La pizarra limpia en tu cabeza puede inspirarte cuando te enfrentas a la pizarra limpia de la página. Ejercicio: Dedica 10 minutos al día para meditar. Concéntrate en tu respiración y trata de vaciar tu mente de preocupaciones. Esto puede ayudar a reducir la ansiedad relacionada con la escritura. 6. Habla sobre tus ideas Discutir tus ideas con amigos, familiares o colegas puede proporcionar una nueva perspectiva y estimular la creatividad. Actividad: Organiza una cena o una videollamada con amigos y comparte tus ideas de guion. Escucha sus opiniones y observa qué reacciones generan tus historias. 7. Escribe a mano Cambiar de escribir en un teclado a escribir a mano puede ayudar a activar diferentes partes de tu cerebro. Ejemplo: Toma un cuaderno y escribe tus ideas o una escena a mano. A menudo, el ritmo más lento de escribir a mano puede ayudar a pensar de manera más reflexiva. 8. Haz ejercicio La actividad física puede aumentar la circulación sanguínea al cerebro y mejorar la función cognitiva, lo que puede ayudar a superar el bloqueo. Actividad: Incorpora una rutina de ejercicio diario, incluso si es una caminata de 20 minutos. A menudo, las ideas llegan cuando estás físicamente activo y alejado del trabajo de escritura. Por algo los filósofos griegos desarrollaban su pensamiento mientras andaban. 9. Usa técnicas de visualización Imagina la historia en tu mente como una película. Esto puede ayudar a visualizar mejor los personajes y la trama.  Ejercicio: Cierra los ojos e imagina una escena de tu guion como si estuviera ocurriendo en una película. Observa los detalles del entorno, las expresiones d

El artículo 656. Guía completa para escribir sueños en guiones se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Escribir sueños en guiones… ¿Cómo se escribe un sueño, fantasía o espejismo en un guion? ¿Se anota en el encabezado o en la descripción? ¿Qué hacer cuando se desarrolla en varias escenas? ¿Hay que anotar cuando termina?  Escribir estas acciones especiales siempre genera dudas en un guionista. Porque sí, hay necesidad de informar de algún modo al lector del guion de que sucede un sueño. Pero puedes ver en guiones profesionales que hay diferentes lugares donde se puede escribir. Y cuando este sueño engloba varias escenas, siempre hay dudas de cómo escribirlo. Hoy os voy a explicar las diferentes formas de escribirlo y una guía de buenas prácticas. En la plataforma de cursosdeguion.com hoy continuamos con el curso de Autopublicación en Amazon en el que enseño cómo publicar tus propios libros en Amazon. Y lo hago mostrando desde dentro cómo he publicado yo tres libros en tres años. Cómo elegir categorías, precios, royalties. Lo cuento todo. Hoy muestro qué hay que tener en cuenta para hacer la portada. Estas semanas me llegaron varias preguntas por distintas redes. Edgar (Discord) Buenas tardes: ¿Podrían ayudarme? ¿Quién me podría compartir un ejemplo de cómo se escribe la secuencia de un sueño en un guion? Muchas gracias. José (Instagram) Hola profe, consulta si hay una escena en la cual se viene un recuerdo, es decir un Flashback, y luego retoma la escena principal, nuevamente se pondría de la siguiente manera, por hacer un ejemplo: INT. CEMENTERIO – DÍA INT. HOSPITAL – DÍA – FLASHBACK INT. CEMENTERIO – DÍA – CONTINUO Consejos para escribir un sueño, fantasía, visión, flashback Hay escenas que proponen unas imágenes que no se corresponden a la realidad. Unas veces son imágenes que corresponden al sueño de un personaje que está dormido o la fantasía que ve estando despierto. También es posible que tenga una visión o espejismo por la que ve unas imágenes que después comprendemos no son reales. La forma de señalizar estas escenas puede ser la misma que el guionista utilice para los flashbacks: mostrar en el encabezado el tipo de imagen y dejar claro cuándo se produce la finalización. Pero no es la única. Sea cual sea la forma elegida, es recomendable que se mantenga constante en todo el guion. Aquí te explico todas las variables para escribir sueños en guiones. Dónde escribir sueños en guiones 1. En el Encabezado Al inicio: Puedes comenzar el encabezado con “SUEÑO” o “FANTASÍA”, seguido de la descripción de la locación. Por ejemplo, “SUEÑO – INTERIOR – HABITACIÓN – NOCHE”. Esto establece inmediatamente que la escena es un sueño o fantasía. Al final: Otra opción es mencionar el sueño o la fantasía al final del encabezado, como “INTERIOR – HABITACIÓN – NOCHE – EN SUEÑO”. Esto puede ser útil si la transición al sueño o la fantasía es más fluida o surge dentro de la escena. 2. En Descripciones Puedes introducir la naturaleza onírica o fantástica en las descripciones de acción, justo después del encabezado. Aquí, puedes detallar cómo se ve y se siente el sueño o la fantasía, diferenciándolo del mundo real. Por ejemplo, “La habitación se distorsiona, las paredes ondulan – estamos en un sueño”. Ejemplo en el cambio final de la película La La Land: Solo está tocando el piano... pero, poco a poco, mientras su entorno parece volverse más oscuro... Lentamente, al principio, con solo cambios de iluminación, luego un cambio de perspectiva, el interior de la tienda de música… … CAMBIA. Poco a poco, orgánicamente. Muy pronto, nos encontramos de nuevo en el restaurante aquella noche de invierno... Cuando Mia puso los ojos en Sebastian por primera vez… Dentro de esta FANTASÍA-FLASHBACK, Sebastian termina su pieza. Nos quedamos con Mia, observándole mientras su Jefe le habla. Todo es como antes, como lo recordamos... Y efectivamente, Mia se acerca a Sebastian cuando éste camina cerca de ella, y pronuncia las mismas palabras que pronunció en la vida real aquella noche: MIA Perdona... yo... solo tengo que decir que fue increíble. Cómo manejar la continuidad en varias escenas Varias escenas: Si el sueño o la fantasía se extiende a través de varias escenas, mantén la consistencia en la forma de presentarlo. Puedes usar el mismo estilo en el encabezado para cada escena del sueño/fantasía o continuar describiéndolo en las acciones para mantener la continuidad y claridad para el lector. También puedes especificar en el encabezado de las escenas siguientes: CONTINÚA SUEÑO Cómo finalizar un sueño o flashback en un guion  No marcar finalización (una escena): Si el sueño o la fantasía es breve y contenido dentro de una sola escena, no es necesario marcar su finalización explícitamente. La transición de regreso a la realidad puede ser suave y natural, indicada por un cambio en el tono o la configuración. O simplemente al empezar en encabezad

El artículo 655. Cómo desarrollar un guion cinematográfico paso a paso se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Cuando te acercas al mundo del guion descubres que hay una terminología que a veces resulta confusa: logline, storyline, sinopsis, argumento… y cuando investigas ves que la misma palabra puede ser utilizada de forma diferente según el profesor o el guionista. Hoy veremos las definiciones que doy yo a cada una de estas etapas y voy a mostrar cómo desarrollar un guion cinematográfico paso a paso. Esta semana comenzamos un nuevo formato dentro de la suscripción de cursosdeguion.com, los retos. Y lo hacemos con el reto: “Escribe tu cortometraje en una semana”. Para participar hay que apuntarse antes del 1 de diciembre en que comienza el reto y rellenar el formulario con el mail. ¿Por qué el mail? Durante una semana, cada día te va a llegar un mail con las instrucciones de qué hacer. Siete mails. Si aceptas el reto y sigues las instrucciones, a la semana tendrás escrito un cortometraje. Solo para suscriptores que se apunten al reto antes del 1 de diciembre. El paso a paso para desarrollar un guion cinematográfico La semana pasada me llegó un mensaje de un suscriptor llamado Jorge, que decía así:  Hola David, ¡gracias! No he tenido mucho tiempo de explorar y disfrutar del curso. Y por ello tal vez tenga una respuesta obvia… ¿Para ti o para la cinematografía española existen las definiciones de logline, sinopsis, argumento, escaleta, guion y guion técnico? Gracias, saludos. Jorge  Para la cinematografía española o latinoamericana no existe un estándar de definiciones. Hay profesionales que llaman logline a lo que otros llaman storyline y las sinopsis pueden ser de 20 líneas o de cuatro páginas. Pero yo voy a dar mis propias definiciones y lo que yo entiendo por cada uno de estos conceptos que nos ayuda a desarrollar un guion y entender sus diferentes etapas de escritura. Etapas de desarrollo de un guion 1. Idea Es el concepto inicial de la historia, algo breve y general. Puede ser tan simple como una situación, un personaje, o un evento. La idea es el germen de lo que se convertirá en una historia más desarrollada. La idea es algo genérico que no se puede registrar, por lo que hay que desarrollarla más para tener una historia. De una idea se pueden escribir muchos guiones diferentes. Dependerá del autor, del género, del público al que quieras dirigirte, del medio… 2. Logline Una vez que la idea está un poco más desarrollada, se crea el logline, que es la mínima expresión a la que puede reducirse una historia. Este es un resumen muy breve de la trama, generalmente no más de una o dos oraciones, que busca captar la esencia de la historia y generar interés. Debe incluir los elementos principales como el protagonista, el conflicto y el entorno. En el logline se puede ver si la historia falla, si no se entiende a la primera o si no tiene suficiente gancho. Si hay dudas, es el momento de seguir trabajándola hasta que estemos totalmente seguros de que funciona y de que esa es la historia que queremos contar. Algunos elementos que puede tener un logline son: El universo donde transcurre la historia (dónde y cuándo ocurre), el protagonista (rol social o profesional), el detonante o problema que activa la trama, el objetivo que tiene que conseguir, el antagonista o fuerza antagónica que se lo impide y el riesgo o consecuencia si no lo consigue. Veamos un ejemplo. El brillante pero excéntrico matemático Alan Turing y un equipo de descifradores de código compiten contrarreloj para cambiar el rumbo de la Segunda Guerra Mundial haciendo lo imposible: descifrar el código nazi de las comunicaciones. (The Imitation Game) El longline tiene fundamentalmente dos tipos de usos. Por un lado, se utiliza en la fase inicial, en que el guionista escribe y desarrolla su historia, y por otro en la etapa en que comercializa primero el guion, y después la obra terminada. Dependiendo de quien vaya a ser la audiencia de nuestro logline lo reescribiremos, pues no es lo mismo usarlo para convencer a un productor en un elevator pitch que como contraportada de nuestro DVD o catálogo de Netflix. 3. Storyline El storyline es el término que se utiliza para designar el conflicto principal de una historia en tan solo cinco líneas. Da igual la longitud de nuestra obra, puede ser un cortometraje o una serie, el conflicto debe poder sintetizarse en un pequeño párrafo. Si el logline responde a la pregunta ¿de qué va? El storyline debe responder a la pregunta ¿Qué pasa? ¿Qué ocurre en nuestra historia? Y para ello debe aclarar también quién es el personaje protagonista y cuál es conflicto.  Y ese “qué pasa” hay que contarlo en tres partes: cómo empieza, cómo se desarrolla y cómo termina. Es decir, el clásico modelo aristotélico de planteamiento, núcleo y desenlace. Esto es importante y lo diferencia de la clásica sinopsis que vemos en los periódicos. En un storyline se explica cómo termina la historia. Hay que tener u

El artículo 654. Eleva tu guion: Cómo aplicar la técnica del Arma de Chejov se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. En la película “En busca del arca perdida”, Indiana Jones teme a las serpientes, hecho que se muestra en una escena al principio de la película. Más tarde, este miedo se convierte en un gran obstáculo cuando se encuentra atrapado en un pozo lleno de serpientes en el clímax. Esto es una utilización muy efectiva del arma de Chéjov, una técnica narrativa muy eficaz que veremos en el pódcast de hoy. También te mostraré qué es el Anti Chéjov. Y veremos un ejemplo de uso que no te esperas y te va a dar pistas de cómo usarlo. Y esta semana comenzamos un nuevo formato dentro de la suscripción de cursosdeguion.com, los retos. Y lo hacemos con el reto: “Escribe tu cortometraje en una semana”. Para participar hay que apuntarse antes del 1 de diciembre en que comienza el reto y rellenar el formulario con el mail. ¿Por qué el mail? Durante una semana, cada día te va a llegar un mail con las instrucciones de qué hacer. Siete mails. Si aceptas el reto y sigues las instrucciones, a la semana tendrás escrito un cortometraje. Solo para suscriptores. Comenzó la campaña de Black Friday de este año. Si estás comprometido con tu aprendizaje de escritura, la oferta de Black Friday de este año te brinda el mejor precio posible que habrá nunca en la plataforma. 20 suscripciones trimestrales con 23% descuento. (Quedan 15) 10 suscripciones anuales a con 40% descuento: Tienes cinco meses gratis. (Quedan 8) Si quieres aprovechar la oferta de Black Friday, no te relajes, la oferta de suscripciones dura hasta el lunes 27 de noviembre o hasta que se agoten existencias.  Chejov y su arma para las narraciones La teoría del Arma de Chejov (Chekhov’s Gun) es un principio dramático que postula que cada elemento en una historia debe ser necesario e irremplazable; si no es así, debería ser eliminado. Este principio se llama “la pistola o arma de Chéjov” porque proviene del famoso autor ruso Anton Chekhov, que decía que si hay una pistola colgada en una pared en el primer acto de la obra, esta debería ser utilizada en algún punto posterior de la historia. El principio sugiere que cada detalle en una historia debería tener un propósito y estar conectado con la trama principal. Si se introduce un objeto, personaje o evento en la narración, estos deben jugar un papel importante en la historia en algún momento. Si un elemento no tiene relevancia para la historia, se debe eliminar para no confundir o engañar a la audiencia. Por ejemplo, si en el primer acto de una obra se menciona un objeto, como una pistola, esta pistola debería tener un propósito en la historia más adelante. No tiene por qué ser algo dramático o trascendental, pero su inclusión debería tener algún tipo de significado o impacto en la trama o en el desarrollo de los personajes. Esto se puede jugar a favor, pero también se puede jugar en contra creando expectativas y después rompiéndolas. Origen del Arma de Chéjov El término “El arma de Chéjov” se origina de un consejo que el famoso dramaturgo y escritor ruso Antón Chéjov ofreció a los escritores. Este principio es una guía para la escritura dramática y la narrativa, enfatizando la importancia de la economía en la escritura. Chéjov, en varias cartas y comentarios, expresó una idea que ha sido resumida en el famoso axioma: “Si en el primer acto se muestra un rifle colgado en la pared, entonces en el segundo o tercer acto debe dispararse. Si no va a ser disparado, no debería estar allí”. Esta declaración resume el principio de que cada elemento en una narrativa debe ser necesario y tener un propósito. Hay otras versiones que afirman que lo que Chéjov dijo realmente es: “Si al comienzo de un relato se ha dicho que hay un clavo en la pared, ese clavo debe servir al final para que se cuelgue en él el protagonista.” Y otra versión en la que dice que puede servir “para colgar un cuadro”…. La frase “El arma de Chéjov” no fue acuñada por Chéjov mismo, sino que es una formulación posterior que resume sus consejos sobre la escritura. Chéjov enfatizó la importancia de no incluir elementos superfluos en una obra. Cualquier elemento introducido en una historia debe tener una función, ya sea para desarrollar la trama, profundizar en el carácter de los personajes, o contribuir de alguna otra manera significativa a la narrativa. Ejemplos del uso del Arma de Chéjov en cine “The Shawshank Redemption” (Cadena perpetua): A lo largo de la película, Andy Dufresne está trabajando en un proyecto de tallado de rocas, que se ve como un pasatiempo inocuo. Sin embargo, al final de la película, se revela que ha estado usando su cincel de roca para cavar un túnel y escapar de la prisión. “Star Wars”: En “Star Wars: Episode IV – A New Hope”, Luke Skywalker recibe un sable de luz al principio de la película. Este objeto, que inicialmente parece más

El artículo 653. Decálogo para tener un hijo guionista se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿Te gustaría tener un hijo guionista? Cuando yo era pequeño mi padre no sabía lo que era un guionista, incluso muchos años después de ganarme la vida escribiendo para televisión seguía sin saberlo. Pero la vida ha cambiado mucho desde entonces. Hace dos años, cuando mi hijo Bruno tenía seis, me dijo un día: – “Papá, cuando sea mayor no quiero ser guionista, quiero ser biólogo”. Tuve que contener la risa con la ocurrencia. E imaginé la de veces que se habría dado el comentario a la inversa. Niños que no querían tener carreras científicas, sino artísticas, y la de padres que se lo negaron. Bruno tiene el ejemplo en casa, madre y padre guionista, pero los dos tenemos claro que una profesión tan vocacional nunca podrá imponerse. Conseguir ganarte la vida escribiendo guiones es algo muy complicado y hay que ser muy resiliente, por lo que la vocación es fundamental. Pero la inquietud de mi hijo me hizo preguntarme. Si quisiera que mi hijo fuera guionista. ¿Qué debería hacer? ¿Hay formas de estimular la vocación o por lo menos de comprobar si la tiene? En la plataforma de cursosdeguion.com hoy continuamos con el curso de Autopublicación en Amazon en el que enseño cómo publicar tus propios libros en Amazon. Y lo hago mostrando desde dentro cómo he publicado yo tres libros en tres años. Cómo elegir categorías, precios, royalties. Lo cuento todo. Hoy muestro qué es la página de autor en Amazon y por qué deberíamos tener una. Decálogo del hijo guionista Para alentar a un hijo a seguir una carrera como guionista, hay varias estrategias y consejos que podrías tener en cuenta: Fomenta la creatividad desde temprana edad: Incentiva la imaginación y la creatividad en tu hijo. Esto puede incluir actividades como la lectura, la escritura de historias cortas, la dramatización y el dibujo. Actividades como leer juntos cuentos o ver películas animadas pueden estimular la imaginación. Ejercicio práctico: Crear juntos historias cortas basadas en dibujos que el niño haya hecho, dando vida a sus creaciones. Exposición a diversos medios narrativos: Presenta a tu hijo a una variedad de películas, programas de televisión y libros. Discute con él sobre diferentes géneros, estilos y técnicas narrativas. Ver diferentes géneros de películas y series, analizando juntos los elementos de la historia. Ejercicio práctico: Después de ver una película, pídele que imagine un final alternativo o escriba una breve secuela. Educación en escritura y literatura: Fomenta una educación sólida en escritura y literatura. Esto puede ser a través de la escuela o mediante cursos y talleres adicionales. Incluir libros apropiados para su edad que tengan una fuerte narrativa.  Ejercicio práctico: Escribir pequeñas reseñas o historias inspiradas en los libros leídos. Escritura como hábito: Anima a tu hijo a escribir regularmente, ya sean diarios, cuentos cortos o guiones. La práctica constante es clave en el desarrollo de habilidades de escritura. Establecer un tiempo diario o semanal para escribir, como diarios o historias cortas. Ejercicio práctico: Mantener un diario conjunto donde ambos contribuyan con historias o ideas. Crítica constructiva y apoyo: Ofrece retroalimentación constructiva sobre sus trabajos escritos. Es importante equilibrar la crítica con el apoyo para fomentar su confianza y crecimiento. Leer juntos lo que escriba y ofrecer retroalimentación equilibrada. Ejercicio práctico: Realizar sesiones donde se discutan sus historias, destacando tanto sus fortalezas como áreas de mejora. Estudio formal de guion: Si su interés persiste, considera apoyarlo en la búsqueda de una educación formal en escritura de guiones, ya sea en la universidad o en academias especializadas. Inscribirlo en talleres o cursos de escritura para jóvenes. La escuela online de cursosdeguion.com con decenas de cursos incluidos tanto para novatos como para profesionales es un lugar ideal para comenzar a recibir dichos cursos. Al estar formada por videotutoriales Ejercicio práctico: Participar en concursos de escritura para jóvenes guionistas. Conexiones con la industria: Ayúdale a establecer conexiones con profesionales del guion y la industria del cine y la televisión. Llevarlo a festivales de cine o eventos de guionistas. Puedes encontrar muchas ideas de cómo hacerlo en el libro “Ser guionista. Cómo ganarte la vida escribiendo guiones” que puedes encontrar en Amazon. Ejercicio práctico: Organizar encuentros o entrevistas con guionistas locales. Experiencia práctica: Anímalo a participar en proyectos de escritura, como la creación de cortometrajes, pódcast o teatro escolar. La experiencia práctica es invaluable. Fomentar la creación de proyectos propios como cortometrajes. Atento porque la semana que viene voy a presentar un reto de escritura de cortometraje que puede interesarte. Ejercicio práctico: Escribir y dirigir un cortometraje en familia o con amigos. Re

El artículo 652. Cómo utilizar la Navaja de Occam para escribir guiones se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Tramas enrevesadas, personajes secundarios que no aportan nada, giros y giros en la historia que la convierten en un laberinto… ¿Cómo escribir guiones más efectivos en los que no sobre nada? Hoy voy a hablar de un principio que puede ayudarnos con este problema: La navaja de Occam. Veremos en qué consiste y cómo podemos aplicarlo en nuestras historias. En la plataforma de cursosdeguion.com hoy continuamos con el curso de Autopublicación en Amazon en el que enseño cómo publicar tus propios libros en Amazon. Y lo hago mostrando desde dentro cómo he publicado yo tres libros en tres años. Cómo elegir categorías, precios, royalties. Lo contaré todo. Hoy muestro cómo elegir el precio de venta del libro, tanto en digital como en papel. Y cuántos royalties te corresponden por cada libro vendido. La explicación más sencilla suele ser la correcta La Navaja de Occam es un principio filosófico y metodológico que lleva el nombre de Guillermo de Ockham (1285-1349), un fraile, teólogo y filósofo inglés. Este principio se puede resumir en la frase “la explicación más sencilla suele ser la correcta”. En otras palabras, cuando tienes varias explicaciones posibles para un fenómeno, generalmente la más simple (la que asume menos cosas y tiene menos complicaciones) es la mejor. La Navaja de Occam se utiliza en una variedad de campos, incluyendo la ciencia, la filosofía y la medicina. Es una herramienta que ayuda a guiar a los investigadores hacia las teorías más probables y evita que se compliquen innecesariamente con explicaciones excesivamente complicadas o conjeturas innecesarias. Es importante aclarar que este principio no garantiza que la explicación más sencilla siempre sea la correcta. En la práctica, a veces la explicación más compleja resulta ser la correcta. Sin embargo, la Navaja de Occam es una pauta útil para comenzar a investigar y formar hipótesis. Y que nosotros podemos utilizar para nuestras historias. Origen del principio de la Navaja de Occam Guillermo de Ockham no formuló explícitamente el principio como tal, sino que se le atribuye por el uso frecuente que mostró a lo largo de su obra de la simplicidad en la explicación filosófica y teológica. Ockham utilizaba un método de análisis que eliminaba los conceptos innecesarios, las abstracciones y las entidades superfluas en sus argumentos, lo que reflejaba una preferencia por la simplicidad y la economía en el pensamiento. Esta idea no era completamente nueva en la época de Ockham; de hecho, se pueden encontrar nociones similares en la filosofía de Aristóteles y otros pensadores antiguos y medievales. Lo que hizo Ockham fue aplicarla de manera consistente en su trabajo, lo que lo hizo destacar y por lo cual el principio lleva su nombre. El término “Navaja” se utiliza metafóricamente para expresar cómo este principio corta las explicaciones innecesariamente complicadas, dejando solo lo que es esencial para entender y explicar el fenómeno. Ejemplos de cómo se ha usado la Navaja de Occam en películas y libros Un ejemplo clásico del uso de la Navaja de Occam en la cultura popular se puede encontrar en las historias de Sherlock Holmes, creadas por Sir Arthur Conan Doyle. En muchas de sus aventuras, el detective Holmes aplica un enfoque muy similar a la Navaja de Occam para resolver misterios. Un ejemplo particularmente icónico de esto se encuentra en la novela “El sabueso de los Baskerville”. Holmes se enfrenta a un misterio aparentemente sobrenatural, donde la leyenda de un perro fantasmal persigue a la familia Baskerville. A lo largo de la historia, hay muchas teorías y sospechas sobre el perro y cómo podría ser responsable de la muerte de Sir Charles Baskerville. Aplicando un razonamiento lógico y empírico, Holmes desecha las explicaciones sobrenaturales, a pesar de la atmósfera gótica y los rumores que rodean el caso. Él busca la explicación más sencilla y terrenal que puede adecuarse a los hechos conocidos. Al final, descubre que el “sabueso” es en realidad un perro real cubierto con una sustancia fosforescente para darle una apariencia espectral, utilizado por el verdadero culpable como parte de un plan para heredar la fortuna familiar. Holmes elige la solución que, aunque todavía es compleja, es la más basada en la realidad y no requiere la aceptación de lo sobrenatural. En el cine, un ejemplo puede ser la narrativa de “El sexto sentido” de M. Night Shyamalan. Durante toda la película, el personaje principal, el Dr. Malcolm Crowe (interpretado por Bruce Willis), está tratando de ayudar a un niño que dice ver gente muerta. La revelación final, que Crowe mismo es un fantasma, es una solución elegante que explica todos los misteriosos comportamientos y las interacciones fallidas que ha tenido con otros personajes a lo largo de la película. Hasta ese momento, se podrían haber formu

El artículo 651. El método Snowflake para escribir guiones se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿En qué consiste el método Snowflake o Copo de Nieve de escritura? ¿Cómo podemos aplicarlo los guionistas para escribir nuestras historias? Hoy explicaré la adaptación del método Snowflake para escribir guiones.  Esta semana para festejar que la plataforma cumple seis años vamos a hacer algunos cambios. El pódcast va a dejar de ser solo audio y va a comenzar a hacerse también en vídeo. A cambio pasa a ser semanal y se subirá los miércoles. Los contenidos de la escuela de guion también sufrirán cambios. Se va a abrir el abanico de los contenidos. Unas semanas se subirán clases de cursos y otras Masterclases u otros recursos como PDFs. Esta semana publicamos la Masterclass “Mi asistente es una IA” en la que explico cómo utilizar la Inteligencia Artificial para mejorar nuestra creatividad, inteligencia y productividad. Explico cómo lo hago yo y doy varios recursos y herramientas. En qué consiste el método Snowflake o copo de nieve El método Snowflake es una técnica popular para el desarrollo de historias que fue ideada por Randy Ingermanson, un físico teórico y autor galardonado de seis novelas. Aunque originalmente fue creado para novelistas, también puede ser útil para guionistas.  El nombre “método Snowflake” se deriva de la analogía con un copo de nieve real. Al igual que un copo de nieve comienza como una estructura simple y se expande en patrones cada vez más complejos a medida que se forman sus cristales, este método comienza con una idea simple y central y se desarrolla de manera iterativa en una historia más detallada y compleja. La naturaleza fractal de un copo de nieve es un buen símil para este proceso de escritura. En matemáticas, un fractal es una estructura que se repite a diferentes escalas. Si observas un copo de nieve bajo un microscopio, verás que tiene una estructura central desde la cual se ramifican patrones más pequeños, y esos patrones a su vez tienen ramificaciones aún más pequeñas, y así sucesivamente. De manera similar, el método Snowflake comienza con una premisa básica y luego se expande y se detalla en múltiples niveles. El proceso refleja la idea de comenzar desde lo general y avanzar hacia lo específico, al igual que un copo de nieve se forma a partir de una estructura simple y crece en complejidad. Por lo tanto, el nombre “método Snowflake” captura con precisión la esencia de este enfoque de escritura: comenzar con un núcleo central y expandirlo de manera iterativa hasta obtener una historia completa y bien desarrollada. Cómo utilizar el método Snowflake para escribir guiones 1. Idea Central: Comienza con una sola oración que resuma la premisa central de tu historia. Esta oración debe capturar la esencia de tu guion y servirá como guía durante todo el proceso.  Piensa en esta oración como el “logline” de tu guion, una breve descripción que captura la esencia de tu historia. 2. Expansión: Expande esa oración en un párrafo que describa los eventos principales de la historia, incluido el inicio, los puntos de conflicto y el desenlace.  Este párrafo puede servir como tu storyline o sinopsis inicial, delineando el inicio, el conflicto y el desenlace. 3. Personajes: Para cada personaje principal, escribe una línea que describa su historia personal. Luego, expande cada línea en un párrafo detallando los objetivos, conflictos y evolución del personaje. Cada personaje debe tener un arco definido que se entrelace con la trama principal. Piensa en cómo cada personaje evoluciona y cómo sus acciones impulsan la historia. 4. Detalles del Argumento: Expande el párrafo inicial en una página completa, dividiendo la historia en actos o segmentos. Esto te ayudará a visualizar la estructura general de tu guion. Aquí, puedes empezar a estructurar tu guion en los tradicionales tres actos: establecimiento, confrontación y resolución. 5. Descripción Detallada de Personajes: Para cada personaje, escribe una página que describa su historia, motivaciones, objetivos, conflictos y evolución a lo largo del guion. Esta etapa es crucial para la escritura de guiones, ya que unos personajes bien desarrollados son esenciales para una narrativa convincente. Puedes incluso escribir escenas clave que definan a cada personaje. 6. Expansión del Argumento: Toma cada párrafo de tu resumen de una página y expande cada uno en una página completa. Esto te proporcionará un esquema detallado de tu guion. Desarrolla aún más tu sinopsis, detallando cada acto y las transiciones entre ellos. Aquí, puedes definir los puntos de giro, las crisis y los clímax de cada acto, asegurándote de que cada escena conduzca a la siguiente de manera fluida. 7. Escenas en escaleta: Basándote en el esquema detallado, escribe una lista de todas las escenas que necesitas para contar tu historia. Piensa en cómo cada escena se conecta con la siguiente, asegurándote de que cada una ten

El artículo 650. Análisis del ganador del V Concurso de Guion de Cortometraje se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy vamos a desvelar quién es el ganador del V concurso de Guion de Cortometraje Guiones y guionistas. Y vamos a celebrarlo haciendo un análisis de dicho guion para ver qué lo ha hecho ganador del concurso. Como os adelanté en el programa anterior, os anuncio que va a haber un cambio de formato del pódcast. Guiones y guionistas se va a convertir en un videopodcast. Los que escuchan el pódcast seguirán escuchándolo en audio por el mismo canal en el que lo escuchan ahora. Pero los que quieran más, podrán disfrutar de las imágenes en Youtube. También aprovecharé para hacer cambios en la imagen del pódcast y, quién sabe, en las musiquitas y resto de contenidos. Ya veréis. Con este cambio también va a haber un cambio de frecuencia, va a pasar a ser uno a la semana. Así podré mimar más el contenido tanto en audio como en vídeo. Saldrá los miércoles. La plataforma de Guiones y guionistas también va a cambiar. Va a alternar las clases de los cursos con Masterclass y otros formatos como PDFs. La idea es que sea algo más variado, con recursos diferentes, siempre enfocados a lo que necesita un guionista. Pero antes os recuerdo que en la plataforma de cursosdeguion.com podéis aprender todo lo necesario para escribir guiones y convertiros en guionistas. Cada vez más productos necesitan un guion, no solo las series y las películas, y tener conocimientos de storytelling nos ayuda a contar historias en vídeos, redes sociales y hasta newsletters. Tenemos cursos que enseñan a escribir cortos, largos, series, webseries, documentales, cómics… Hay 95 cursos a día de hoy y cada semana salen clases nuevas. Hoy continuamos con el curso de Autopublicación en Amazon en el que enseño cómo publicar tus propios libros en Amazon. Y lo hago mostrando desde dentro cómo he publicado yo tres libros en tres años. Cómo elegir categorías, precios, royalties. Lo contaré todo. Hoy muestro cómo escribir la descripción del libro para llegar al mayor número de lectores posible. Resultado del V Concurso de Guion de Cortometraje Ha llegado el día en que conozcamos el resultado del V concurso de guion de cortometraje guiones y guionistas. Se presentaron 50 candidatos y fueron seleccionados cinco finalistas. Han pasado más de dos semanas en las que hemos recibido 682 votaciones que han decidido el orden de estos cinco finalistas. Comenzamos por el quinto finalista. Con el 4,7 % de los votos: Reducciones de Alex Bohn Ávila. Os recuerdo su sinopsis: “Gustavo (12) vive en una reducción mapuche, inmerso en conflictos sociales y plantaciones forestales. Una noche, tras enfrentamientos entre la policía y comuneros, su perro Sin Cola es abatido. Al intentar enterrarlo al día siguiente, rechaza la tierra erosionada cerca de su casa. Con su hermano detenido y su madre ausente, Gustavo lleva a Sin Cola en una carretilla, atravesando paisajes devastados hasta encontrar un lugar tranquilo junto a un río para darle un merecido descanso.” Continuamos por el cuarto finalista. Con el 4,8 % de los votos: Estamos muertas de Antonella Samaniego. Os recuerdo su sinopsis: “Camila, joven escritora, no entiende el fervor de su hermana Mildred por el Paro Nacional del 9 de marzo de 2020, donde las mujeres no deben generar ingresos. Mildred, intensamente comprometida, limita todas las actividades, causando tensiones entre ellas. Sin embargo, una conversación profunda sobre experiencias personales de abuso, incluida una revelación impactante de Mildred, lleva a Camila a comprender y solidarizarse con el movimiento y su hermana, reconociendo la gravedad simbólica del día.” Enhorabuena tanto a Antonella como a Álex por sus guiones. Os recuerdo que el cuarto y quinto puesto tenían como premio una suscripción mensual a cursosdeguion.com y un libro de guion a elegir entre “Ser guionista”, “El Formato de guion” o “Dominando Final Draft”. Ahora vamos con el tercer finalista. Con el 12 % de los votos: Ellos… de dIE Moyano. Os recuerdo su sinopsis: “Ella sabe que él va a dejarla. Él no sabe cómo decírselo. Ambos saben que esa es su última noche juntos. Ella también quiere dejarlo ir y a su vez quiere volver a verlo. La difícil decisión está ante ellos y a fuerza de voluntades se despiden.” Y quedan dos finalistas: El regalo y El jugador. El ganador del V Concurso Internacional de Guion de Cortometraje Guiones y guionistas con un 50,7 % de los votos es… El jugador de Benjamín Arce. Pero vayamos antes con el segundo finalista. Con el 27,7% de los votos: El regalo de Seth Álvarez. Os leo su sinopsis. “Manuel (15) es un joven que vive con su madre y sus dos hermanos en un barrio humilde de la Ciudad de México. En el día del cumpleaños de su madre, después de dejar a su hermano Rubén (6) en el kínder, Manuel y su hermano Carlos (17) se dirigen a una zapatería. En el trayecto, Carlos intenta persuadir sutilmente a Manuel, con sus acciones, a inclinarse

El artículo 649. Así vendí mi guion: Pulp Fiction se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy continuamos con la serie de pódcast “Así vendí mi guion”, dedicada a ver cómo se escribieron y vendieron los guiones más famosos. Ya vimos El indomable Will Hunting, Rocky y Juno. Hoy veremos otro clásico cuyo guion fue ganador del Óscar: Pulp Fiction. Y, como venimos haciendo en la serie, nos lo va a contar su propio guionista, Quentin Tarantino. Os recuerdo que en la plataforma de cursosdeguion.com podéis aprender todo lo necesario para escribir guiones y convertiros en guionistas. Cada vez más productos necesitan un guion, no solo las series y las películas, y tener conocimientos de storytelling nos ayuda a contar historias en vídeos, redes sociales y hasta newsletters. Tenemos cursos que enseñan a escribir cortos, largos, series, webseries, documentales, cómics… Hay más de 90 cursos a día de hoy y cada semana salen clases nuevas. Hoy terminamos el Curso de Recursos Narrativos en el que analizamos recursos como el cliffhanger, el Rabbit Hole o el MacGuffin que todos los guionistas o novelistas podemos utilizar en nuestras historias para generar más intriga, tensión o interés. Publicamos una clase dedicada a un recurso que puede desbloquear una historia: el nudo gordiano. En la clase veremos en qué consiste y cómo podemos usarlo en nuestras historias. Así vendí mi guion: Pulp Fiction. Por Quentin Tarantino Comenzamos con una adivinanza: ¿Sabes dónde escribí el guion de Pulp Fiction? Sí, soy Quentin Tarantino, ¿quién si no te haría esa pregunta? Te voy a dar dos pistas. La primera es que no fue en Estados Unidos. Y la segunda… está en las primeras escenas de la película y no es París. Te recuerdo el diálogo: VICENT: ¿Sabes qué es lo más divertido de Europa? JULES: ¿Qué? VICENT: Son las pequeñas diferencias. Mucha de la misma mierda que tenemos aquí, la tienen allá, pero allí son un poco diferentes. JULES: ¿Ejemplo? VICENT: Bueno, en Amsterdam puedes comprar cerveza en una sala de cine. Y tampoco me refiero a un vaso de papel. Te dan un vaso de cerveza, como en un bar. En París puedes comprar una cerveza en McDonald’s. Además, ¿sabes cómo llaman al cuarto de libra con queso en París? JULES: ¿No lo llaman cuarto de libra con queso? VICENT: No, tienen el sistema métrico ahí, no sabrían qué carajo es un cuarto de libra. JULES ¿Cómo lo llamaron? VICENT: Royale con queso. JULES: Royale con queso. ¿Cómo llamarían a un Big Mac? VICENT: Un Big Mac es un Big Mac, pero lo llaman Le Big Mac JULES ¿Cómo llaman a un Whopper? VICENT: No lo sé, no entré en Burger King. El viaje a Amsterdam A finales de 1992, pasé 3 meses en un apartamento de Amsterdam, sin teléfono ni fax, escribiendo el guion de Pulp Fiction. Tenía 30 años. El guion que llevé en el avión de vuelta a Los Angeles estaba escrito a mano y repartido en doce cuadernos, y era un auténtico follón. Para pasarlo a un formato «legible» para los agentes y productores de Hollywood, conté con la ayuda de mi amiga Linda Chen, mecanógrafa y secretaria de Robert Towne, el escritor de Chinatown. Chen recuerda que mi escritura era «desastrosa». «Era prácticamente analfabeto. Había unos 9000 errores ortográficos o gramaticales por página.» Cuando ella los corregía, yo intentaba volver a ponerlos, porque me gustaban. Chen no cobró nada por pasar a limpio el guion, solo trató de ponerme una condición: que cuidase de su mascota, un conejo llamado Honey Bunny, cuando ella no estaba en casa. Me negué, pero luego puse el nombre del conejo a uno de los personajes de Pulp Fiction. En mayo de 1993, acabamos una versión del guion que consideraba definitiva. Tenía 159 páginas – una osadía, ya que los estudios de Hollywood huyen de todo guion que se pase de la media acostumbrada, 115 páginas. Pero para que entiendas bien cómo fue el proceso de escritura, debo volver atrás, a marzo de 1992, dos meses antes de presentar Reservoir Dogs en Cannes, cuando volé a Holanda. Encontré un apartamento y, deliberadamente, escogí uno sin teléfono, aislándome de todos, excepto de unos pocos elegidos. A lo largo de las semanas siguientes, hice lo que hace la mayoría de la gente en Ámsterdam: frecuenté bares de hachís y bebí hasta altas horas de la madrugada. Durante el día, me encerraba en cines lúgubres, viendo oscuras películas francesas de gánsteres. También comencé una racha de lectura voraz, consumiendo libros como “No Good from a Corpse” de Leigh Brackett y los diarios de Anais Nin. Pasaba el rato, holgazaneando y todo eso. Y, para decirte la verdad, disfruté viviendo en Europa por primera vez. Era simplemente un tiempo estupendo para descansar. Veía películas todo el tiempo y luego, por la mañana, me levantaba, cogía un libro y caminaba por los canales. Pero había una razón para mi estancia: sin siquiera haber visto Reservoir Dogs, Stacey Sher, presidenta de Jersey Films, me había ofrecido casi un millón de dólares para escribir y dirigir una segunda película. Esto

El artículo 648. Guionistas protagonistas: Las tres noches de Susana se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Los guionistas estamos acostumbrados a escribir historias donde los protagonistas son otros: abogados, cantantes, oficinistas, espías o superhéroes. Pero a veces también escribimos historias con guionistas protagonistas. Hoy continuamos con la serie de pódcast en la que analizo películas donde los guionistas son los personajes principales y que tratan sobre sus dilemas y conflictos. Ya vimos Sunset Boulevard, Mank, Midnight in Paris y Barton Fink, The front, En un lugar solitario, Siete Psicópatas, Trumbo y Adaptation. Hoy analizamos Las tres noches de Susana, de Frank Tashlin. Una película donde el guionista interpretado por Dick Powel ha ganado un oscar. Pero antes os recuerdo que en la plataforma de cursosdeguion.com podéis aprender todo lo necesario para escribir guiones y convertiros en guionistas. Cada vez más productos necesitan un guion, no solo las series y las películas, y tener conocimientos de storytelling nos ayuda a contar historias en vídeos, redes sociales y hasta newsletters. Tenemos cursos que enseñan a escribir cortos, largos, series, webseries, documentales, cómics… Hay más de 90 cursos a día de hoy y cada semana salen clases nuevas. Hoy continuamos con el curso de Autopublicación en Amazon en el que enseño cómo publicar tus propios libros en Amazon. Y lo hago mostrando desde dentro cómo he publicado yo tres libros en tres años. Cómo elegir categorías, precios, royalties. Lo contaré todo. Hoy muestro cómo elegir categorías y palabras clave para llegar al mayor número de lectores posible. Las tres noches de Susan Las tres noches de Susana (Susan Slept Here) es una comedia romántica estadounidense de 1954 dirigida por Frank Tashlin y protagonizada por Dick Powell y Debbie Reynolds. La película está basada en la obra del mismo nombre de Steve Fisher y Alex Gottlieb, y el guion es de este último. Ficha Título original: Susan Slept Here “Las tres noches de Susana” Año: 1954 País: Estados Unidos Dirección: Frank Tashlin Guion: Alex Gottlieb, Basada en la obra de Steve Fisher y Alex Gottlieb Reparto: Dick Powell, Debbie Reynolds, Anne Francis y Alvy Moore. Productora: RKO Sinopsis Mark Christopher, un guionista de Hollywood, está escribiendo un guion sobre la delincuencia juvenil. El día de Nochebuena la policía le presenta a la joven Susan que va a ingresar en el reformatorio. Como es material de primera mano para su guion, Mark se hace cargo de ella. Más tarde, para que la policía no se la lleve al reformatorio, decide casarse con ella, pero con la idea de anular después el matrimonio, ya que él tiene novia. Tráiler de Las tres noches de Susana El título El título “Susan Slept Here” (literal en español, “Susan durmió aquí”) hace referencia al núcleo de la trama: Susan, una joven problemática, es llevada por la policía al apartamento de Mark Christopher, un escritor de guiones, donde termina pasando la noche. A partir de este evento, se desarrollan una serie de situaciones cómicas y románticas. El título captura la premisa inicial que desencadena todos los eventos y relaciones que se desarrollan durante el filme. Es un título que pone en marcha la curiosidad, ya que plantea preguntas inmediatas en la mente del espectador: ¿Quién es Susan? ¿Por qué durmió “aquí”? ¿Qué consecuencias tendrá esto? Estas preguntas sirven para atraer al público y son respondidas a lo largo del desarrollo de la película. El contexto “Susan Slept Here” fue lanzada en 1954, un período en el que Hollywood estaba produciendo una amplia gama de géneros, desde dramas hasta comedias románticas y musicales. La película se ubica en el contexto del Hollywood de la época dorada, y de hecho, su protagonista es un guionista, lo que ofrece una especie de “metanarrativa” sobre el propio mundo del cine. El filme también refleja las normas sociales y los valores de la década de 1950 en Estados Unidos, incluidas las actitudes hacia la juventud en riesgo, la delincuencia juvenil, y las relaciones de pareja con grandes diferencias de edad. La forma en que estos temas se manejan en la película puede parecer anticuada para los estándares contemporáneos, pero en su momento, eran representativos de las preocupaciones y sensibilidades de la sociedad estadounidense. Personaje: el guionista El personaje protagonista es Mark Christopher, interpretado por Dick Powell. Mark es un exitoso escritor de guiones de Hollywood que se encuentra en una especie de encrucijada personal y profesional al comienzo de la película. Aunque ha tenido éxito en su carrera, se siente algo estancado y busca inspiración para su próximo proyecto. La llegada inesperada de Susan Landis, una joven problemática interpretada por Debbie Reynolds, pone su vida patas arriba. Mark es un personaje complejo en el sentido de que es tanto un hombre de éxito como alguien que lucha con di