Civilcinema

Este cineasta debe ser uno de los más talentosos y consistentes del cine actual, uno que periódicamente usa este medio para llegar donde otras películas no llegan, o mostrar aquello que otras formas de arte solo pueden vislumbrar. En su última obra, la estructura de Pigmalion y la pista falsa de Rebecca (Hitchcock, 1940), preparan y despistan para orquestar un inesperado e inédito romance, a la vez genuino en el afecto y fríamente manipulador de las menguantes energías de la vejez. Obra maestra.

Afortunadamente no mufamos a Sebastián Lelio, y Una mujer fantástica le dio al país su primer Oscar a mejor película en idioma no inglés, y a la vez reinstaló la premura por legislar sobre identidad de género. Logros importantísimos, sin duda, que si bien trascienden los logros inherentemente artísticos de la cinta, no los opacan en absoluto. Eso sí, la cinta sí se ve un poco desmejorada ante su predecesora, Gloria, y en el podcast hablamos por qué.

En sus cinco películas, el portugués Joao Pedro Rodrigues se centra en el tópico del deseo de ser otro, pero con personajes radicalmente variados: desde un marginal semianimalesco, pasando por una mujer enloquecida, un travesti que no se atreve a convertirse en mujer, hasta el mismísimo San Antonio de Padua al seguir la senda de San Francisco de Asís. La homosexualidad está siempre presente, pero no necesariamente como tema sino como una mirada y como supuesto, sobre el que se construye una puesta en cuestión de los límites de la mutabilidad humana. De eso y más hablamos en el podcast.

Cuando le confías el timón de un barco a un loco, lo más probable es que la nave encalle o se hunda. Cuando uno está fuera del barco, el espectáculo puede ser conmovedor, sublime o también muy divertido si las maniobras del capitán exhiben una torpeza inhabitual para esos menesteres. Eso es lo que ocurre con The Room, importante pedazo de porquería que se sumerge en los clichés del softcore, para arrancar de las estructuras y normas (del género, del cine y de la narrativa en general) de formas tan graciosas como inesperadas. Franco homenajea a The Room, identificándose con el perfil errático de Wiseau y con las grandes historias de amor y lealtad que han sido sepultadas bajo las olas.

¿Cuál es la regla del juego, la norma única –según el título en francés– cuya transgresión lo puede subvertir todo y debe ser pagada con sangre? ¿Será la manifestación desembozada de los propios sentimientos? ¿El olvido momentáneo del propio lugar en una jerarquía rígida y a la vez tambaleante? ¿El salirse del libreto de la interminable representación que es la vida de corte (con o sin rey)? Esta cinta manifiesta su deuda con el pasado y esconde (o no parece consciente de) su proyección hacia el futuro, pero sigue disfrutándose como una danza coreografiada e interpretada por los mejores.

Con apenas dos películas, este director se ha vuelto un nombre a seguir gracias a la virtud de montarse impecablemente en los códigos de un género (o más de uno), y empujarlo más allá con: chispazos de drama, la detención en el detalle (de carácter o de proceso), y una medida y muy bien situada irrupción de la ultraviolencia. Una ultraviolencia que es el resultado de algo, el choque de algo cuando cae; jamás la trivialización de una mirada muy sombría del mundo. De esto y más hablamos en el podcast.

Con apenas 100 mil dólares, y un rodaje presto y de incógnito, David Lowery lanza al mundo una cinta absolutamente singular, contraintuitiva en casi todas sus decisiones, igualmente asombrosa en su montaje como en su puesta en escena, y todo esto al servicio de las grandes preguntas y las grandes fracturas: vida-muerte; pasado-presente-futuro; urbe-suburbio; cuerpo-espíritu; línea-ciclo. De esto y más hablamos en el podcast.

La década prodigiosa de William Friedkin contiene dos joyas absolutas e indiscutibles de entonces y de hoy (Contacto en Francia y el Exorcista); una joya vapuleada en su época pero que funciona estupendamente (Sorcerer); una película ambiciosa pero fallida (Cruising); una cinta pionera en términos culturales (The Boys in the Band); y otra más pequeña (The Brink's Job), mientras pasaba el chaparrón tras un traspié comercial. De estas películas, y algo más, hablamos en el podcast.

Hay películas cuya realización las convierte en una epopeya que se empieza a parecer al tema que quieren abordar. Ya sea por la ambición artística de sus creadores, por las dificultades enfrentadas y por la urgencia del tema en cuestión, cintas como Napoleón adquieren una vida propia, que trasciende a sus autores y restauradores, prolongándose por décadas y en las que siempre aparece alguien que quiere presentarla con una nueva cara. De eso y más trata este podcast.

Este cineasta está en boca de todo el mundo por haber dirigido SW8: The Last Jedi, con no poca controversia sobre su resultado. Nosotros aprovechamos la contingencia para hablar de su debut, un pequeño clásico de lo que va del siglo; su segunda cinta, un inmerecido desastre comercial; y Looper, la que lo llevó al circuito Blockbuster. Todas se apoyan impenitentemente en el pastiche; todas versan sobre alguien que se niega a ser funcional a una narrativa ajena. De esto (y un poco de SW8) versa este podcast.

La sátira sobre la revolución que fue (o no fue) inauguró la irrupción en la escena mundial de una talentosa generación de cineastas rumanos, quienes a su manera han venido ajustando cuentas a la dictadura comunista, a la revolución que la derribó y a la progresiva inclusión de Rumania en el capitalismo global a través de la Unión Europea. Porumboiu, en particular, parece ser el cineasta de estilo más simple y depurado entre su camada, y sus dos primeras películas están ahí para confirmarlo

Ver estas películas es como ver una cámara oculta de amigos carreteando y pasándola bien, siendo ellos mismos y soltándose de a poco para decir lo que realmente piensan sobre la sociedad en que viven y el entorno en el que trabajan. Cómicas, estilizadas, sofisticadas, sorpresivas y autoconscientes, estas películas son pura gratificación para quienes las hicieron y para quienes las ven una y otra vez.

Durante los 21 años de colaboración artística entre el realizador y su alter ego en pantalla, surgieron seis películas que recorren géneros, registros y hasta países distintos, pero con cierto hilo común asociado a la figura del recientemente fallecido actor: una izquierda que sobrelleva la derrota realizando grandes gestos pequeños, parejas monógamas sin tensión sexual, la preocupación por el legado a la generación siguiente... y Tulsaco, naturalmente. De eso y más hablamos en el podcast.

La única película soviética que ganó el Festival de Cannes es un drama bélico, intenso y conciso, que recorre los lugares emocionales de Lo que el viento se llevó, pero con mucha más determinación y economía. Apoyada por igual en la magnética presencia de su protagonista, y en el asertivo uso de los cortes y de largos y elocuentes travellings, esta cinta surgida con la explosión de creatividad contenida tras la muerte de Stalin, se sigue viendo moderna y pertinente; sigue siendo un modelo del cual aprender.

La única película prohibida durante la Glasnost retrata al agonizante país como un gigantesco sanatorio de almas en pena, deprivadas de toda energía. El más deprivado de todos es Nikolai, un profesor narcoléptico que, entre sueño y sueno, deambula mirando la descomposición irreversible de su país en un páramo donde ningún gesto resuena ni trasciende la esfera de quien lo emite. Párrafo aparte merece el comienzo falso de la cinta, un ejercicio extremo de discontinuidad en un contexto donde todo está fracturado.

Este cineasta ucraniano es uno de los creadores del llamado "estilo trascendental", y sigue siendo una fuente de la que siguen bebiendo los cineastas de hoy. Navegando con cuidado para responder a su doble lealtad como bolchevique y ucraniano en un momento complejo, su cine aparentemente propagandista esconde y convive con nociones más complejas sobre el sentido de la historia, sobre el modo de ser de su país y sobre la humanidad de los enemigos de clase, entre otras cosas, lo que le valió no pocos problemas bajo la administración de Stalin.

Una acción tan afortunada como heroica del joven Alyosha, le valen unos pocos días de franco para ir a ver a su madre y reparar el techo de su casa. Lo que viene es un despliegue de su carácter virtuoso, exhibiendo lo mejor de un niño y lo mejor de un adulto para ayudar a quienes pueda, incluso en desmedro del poco tiempo que tiene para ver a su madre. Pese a glorificar la Gran Guerra Patriótica contra los nazis, la película sobrevuela por las grandezas y no pocas miserias de ese periodo de esfuerzos desesperados y de peligro permanente y extremo.

El cineasta armenio Sergei Parajanov encontró su voz a través de otra voz, aquella con que Andrei Tarkovsky dio vida a La infancia de Iván (1962). A partir de ahí, Parajanov fue un cineasta de culturas nacionales (en un momento en que el concepto podía ser problemático), de historias contadas a través de objetos y posturas, y de una intensidad vital que canalizó de diversas maneras en los cuatro largometrajes que realizó entre 1965 y 1990. Acá abordamos los dos primeros, quedando los restantes como promesa para el futuro.

Empezamos el "octubre rojo", con que conmemoramos el centenario de la Revolución Bolchevique, con El acorazado Potemkin, clásico indiscutible de Eisenstein, pero con el rabillo puesto en Huelga (1925) y Octubre (1928). En esta ocasión hablamos del montaje, de la relación del cineasta con Stalin y del extraña disonancia entre el mito libre del tiempo y del espacio del "acorazado", y del confinamiento de Octubre a una realidad que terminó por sustituir. Entre muchas otras cosas.

En la primera aparición televisiva en su ya larga y legendaria carrera, Sir Alec Guinness encarna al monacal agente de inteligencia George Smiley, vehículo a través del cual John le Carré despliega los grandes temas que cruzan su obra: el factor humano como debilidad y fortaleza; las labores de inteligencia como misión y vocación; y el cuestionamiento radical al valor de la "causa" por la que tanto y tantos se sacrifican. Mucho de puzzle, algo de thriller y bastante de tragedia hicieron del libro del libro una cumbre en la obra de su autor, cuya densidad rebalsa generosamente a esta adaptación y a otra posterior con Gary Oldman.

Tras diez años colaborando con Dean Martin, y algunas películas olvidables por cumplir, Jerry Lewis se reveló al mundo como un genio de enorme imaginación, rigor analítico y una autoconciencia atormentada. Sus películas parecen respuestas inacabadas a preguntas radicales sobre su propia persona, su lugar en la industria, sus merecimientos artísticos y el retorcido entorno que le dio fama, riqueza, éxito y un estatus del que parece estar sospechando siempre. De esto y más hablamos en el podcast.

Después de caer en la lista negra del Senador McCarthy y sus esbirros, de irse de EE.UU. para llegar a Francia y de ver proyectos boicoteados por el gobierno estadounidense, Jules Dassin dio el gran golpe. Basándose en una novela de mitad de tabla para abajo, usó su experiencia en el noir para crear una de las obras cumbres del género, en torno a la milimétrica descripción de un robo milimétrico, y el turbulento bajo mundo con sus férreos códigos. De eso y más hablamos en el podcast.

Esta película es a la vez un vórtice dentro de un subgénero muy particular, y un hito en cuando a lo permitido y lo permisible en la industria del cine. Salido del noir y de la Depresión, el género de los amantes en fuga conjugaba sexo y violencia, aunque fuera de manera no siempre explícita, pero en la película de Penn el género alcanzó nuevas alturas y honduras, haciéndose cargo de Vietnam y de la fractura cultural que se estaba produciendo en EE. UU. Todo lo que se hizo después en este género fue en respuesta a Bonnie and Clyde.

De la conjunción de estrellas, talentos, egos y alianzas que giran en torno a Judd Apatow y Seth Rogen, probablemente esta (junto con el virgen de 40 años) sean las obras más inspiradas y perdurables. Vestida con la estética y valores de los setenta, esta aventura nocturna no es más que el preludio de una saludable liberación de una cultura tóxica para sus protagonistas, y el emotivo comienzo de una nueva etapa de la vida. Y todo esto sale desde la más baja escatología. Inquieta el retrato que realiza de la fuerza policial y del perfil de individuo que trabaja en ella. De eso y más hablamos en el podcast.

Estas tres cintas consecutivas de Carol Reed son clásicos de lo que podríamos llamar el "noir británico". Deudora del expresionismo alemán, de los experimentos visuales de Orson Welles y sobre todo de la sombría visión de la humanidad que dejaron la guerra y sus ruinas, esta sensibilidad adoptada por Reed dio pie a dramas magníficos y singulares. Estos cimentaron la posterior carrera del director, pero nunca volvió a filmar películas tan potentes como estas. De esto y más hablamos en el podcast.

Llegamos al gesto fundador de lo que hoy conocemos como cine a través de dos obras intermediarias. Una es un programa filmado para la televisión francesa por Eric Rohmer en 1968; otra es un documental de Thierry Frémeaux sobre las películas de los Lumière, restauradas en 4K (de 2016). Una y la otra se plantean las decisiones artísticas detrás de las tomas de 50 segundos aparentemente inocentes que le dieron al siglo XXsu lenguaje propio, así como los valores que las animaban. Tanto los que nos parecen obsoletos y ajenos, como los que nos siguen interpelando hasta hoy.

A diez años de su estreno, esta película sigue fresca como una lechuga y se mantiene en la cumbre de la accidentada carrera de David Fincher. Formalmente impecable, su acelerada forma de abordar el paso del tiempo y el efecto disolvente de este en los vínculos, los intereses y la vida en general, la sigue colocando como una cinta singular y, tal vez, irrepetible. No por eso deja de ser también un gran juego, y tiene el buen gusto de invitar al espectador a que lo juegue. De eso y más hablamos en el podcast.

Como suele pasar con las películas largas (y buenas) las más de cuatro horas que dura esta cinta convierten el transcurrir de ese tiempo en una sensación de espacio, del que no se quiere salir. La narración omnipresente, ácida y no necesariamente confiable, obra de un escritor maduro (y parado en los hombros de hartos gigantes), se acompaña de una puesta en escena plástica y simple que funde el prodigio narrativo con el prodigio de producción. Cinta independiente con ambiciones faraónicas, que recomendamos encarecidamente ver (en Youtube) antes de escuchar este podcast.

Esta es de las pocas cintas que, siendo un pastiche que quiere parecerse a muchas cosas, termina no pareciéndose a nada. Filmada y montada en celuloide, usa y abusa de una estética vintage por sus colores, actuaciones y dirección de arte, mezclando además géneros variados, como el policial, la comedia romántica y algo de softcore. ¿Qué resulta de esto? Muchas cosas y muchas ideas sobre las minorías de todo tipo, el amor y el hipersegmentado mercado en el que vivimos, entramadas en una historia que no puede ser (ni parecer) más simple. De eso y más hablamos en el podcast.

Los escenarios suelen ser los mismos: departamentos de espacios relativamente abiertos para que la cámara se mueva con soltura y construya, bueno, un escenario marcado por lo transitorio. Las tramas suelen ser las mismas: parejas en disolución cuyos dramas nos empujan a vislumbrar otros dramas (a veces más terribles) de otras parejas. El motor de la acción suele ser el mismo: la detectivesca indagación de algo que pasó, una reconstrucción de un pasado para (no) curar el presente. Los resultados son incómodos, tristes y dotados de una intensidad pocas veces vista en el cine actual.

Cuando empezaban ocho años de hegemonía conservadora en EE.UU., la actriz Drew Barrymore produjo una cinta de un debutante llamado Richard Kelly, ambientada en un periodo anterior de hegemonía conservadora. Donnie Darko tiene nombre de superhéroe, pero no es más que un muchacho brillante y esquizofrénico que intenta resistir a la estrechez mental de un pueblo pequeño, próspero y mezquino. Donnie quiere viajar en el tiempo y así escapar de su tiempo y espacio, y la paradoja es que ni su director ni su protagonista (Gyllenhall) han podido salirse del todo de lo que lograron en este clásico del cambio de siglo.

La que puede ser la última cinta de la saga X-Men (por ahora) saca a sus superhéroes/mutantes de su hábitat natural para colocarlos en un escenario empobrecido, devastado y propicio para la desesperación. Montada en el western, la road movie y la distopia, esta película tiene como verdadero protagonista al dolor perpetuo (casi vocacional) del último sobreviviente de un mundo que se vino abajo hace tiempo y cuya debacle no pudo evitar, pese a su gran poder. Hay muchos spoilers en este podcast.

Formado como diseñador teatral y fogueado en la publicidad y los videoclips, este cineasta puso en su primera película la ética y estética brit pop más o menos en paralelo con Guy Ritchie, aunque rápidamente se desmarcó para seguir otros rumbos. Más abstractos, a veces; más dramáticos, otras veces; pero siempre con la intención de inquietar, colocando al espectador en situaciones atípicas donde debe poner de su parte y abrir los ojos más que los oídos. De eso y más hablamos en el podcast.

Montado sobre la Nouvelle Vague y su propia vida, este cineasta francés contemporáneo ha elaborado una obra emocionante y divertida a la vez. De la generación de Truffaut et al. tomó el desenfado para usar recursos variados, arcaizantes y modernos, con cierto ánimo juguetón que compensa la intensidad de los odios y los amores que en su cinéfilo cine parecen llenar la vida y detener el paso del tiempo. De su propia biografía tomó lo que conoce bien: una ciudad pequeña, un grupo finito de tipos humanos y cierta fragilidad que -en sus propias palabras- le acompaña hasta hoy. De eso y más hablamos en el podcast.

Este documental es único por muchas razones. En primer lugar, versa sobre la célebre denuncia hecha por Edward Snowden, pero la registra en el momento y en el lugar en el que ocurre, haciéndose cargo con igual pericia (y simpleza)del proceso interior del denunciante y del huracán desatado por sus palabras, siempre en tiempo presente y muy real. También destaca por montarse en el thriller (y en parte en el terror) para retratar la amenaza que enfrentamos los ciudadanos del mundo, la que crece en osadía y también en estupidez... como lo muestra su final. De esto y más hablamos en el podcast.

Este cineasta francocanadiense es hoy uno de los grandes nombres de Hollywood, al punto de que le confiaron la secuela de Blade Runner y una versión de Duna. Si llegó hasta acá, es gracias principalmente a Incendies, una cinta tan magnífica como atroz, y Prisoners, con la que desembarcó en EE.UU. apelando a los códigos del thriller para sorprender y espantar al mismo tiempo. Al lado de estas cintas, Sicario y Arrival desmerecen y echan un manto de duda sobre lo que serán sus próximos pasos. De eso y más hablamos en el podcast.

Esta película consta de metraje que la camarógrafa y directora de fotografía estadounidense Kirsten Johnson captó para documentales de diversos directores en los últimos 25 años. Con ese material "ajeno", la ahora realizadora reflexiona desde y sobre sus experiencias, y lo que ellas pueden decir sobre la memoria, la imagen, el horror, el tiempo, su género y varios tópicos más, conciliando la intensidad de la mirada con la fragilidad de lo observado. De eso y más hablamos en el podcast.

Integrante conspicua de las listas de las mejores películas de la historia, esta cinta despliega con total frescura los elementos que suelen exhibir los clásicos. Sus historias están movidas por pasiones reconocibles, que involucran aquellos quiebres que unen y separan a las personas: vivos-muertos, hombres-mujeres, ricos-pobres, jóvenes-viejos, soldados-paisanos; todo con una fotografía al servicio de mostrar el enrarecido mundo donde conviven vivos y muertos, y con una cámara que se mueve al son de las sorpresas y las amenazas. De esto y más hablamos en el podcast.

Tras más de 25 años de espera, Scorsese se salió con la suya y finalmente pudo filmar y estrenar esta historia ambientada en la persecución que sufrieron los cristianos en Japón, durante el siglo XVII. Con un gran respeto por la novela original (la que, de paso, es excelente), esta cinta se divide en tres partes claramente definidas, que ilustran un drama comparable al de una vela que se niega a apagarse en la más feroz de las tormentas. El autor hace un auto de fe no necesariamente religiosa en un momento muy delicado para su país y para el mundo. De eso y más hablamos en el podcast.

Justo en el punto medio de la escueta filmografía de Tarkovsky, El espejo es su película más aparentemente inabordable y a la vez la más cercana a su propio autor. Tras décadas de justificado pirateo por parte de los cineastas que le siguieron (en todo el mundo), esta cinta hoy se revela claramente como la autobiografía de un espíritu en su encuentro con otros. Con aquellos más significativos para un artista que profesa haber aprendido a mirar y a hablar, como indica su enigmático comienzo. De eso y más hablamos en el podcast.

El diseñador de modas Tom Ford sorprendió a todo el mundo con A Single Man, el reposado retrato de un viudo jalonado al mismo tiempo por el amor, por la muerte y por la esperanza tenue de encontrar algo que le haga cambiar de opinión. Con Nocturnal Animals fundió dos historias y tres géneros para referirse a sí mismo, a su mundo, a Los Ángeles y a varias cosas más con un ensañamiento que termina debilitando su película. De esto y más hablamos (y discutimos) en el podcast.

Desde su primer e increíble plano-secuencia, esta película deja en claro que el color y el movimiento serán un envoltorio permanente de una historia autoconscientemente manida, la que a su vez envuelve un centro duro, oscuro y triste como el Rosebud del Charles Foster Kane. Los clásicos citados y homenajeados no están ahí para que escudarse en su grandeza sino para dar las pistas y el tono a una tragedia inevitable (privada y pública), cuya amargura es exacerbada por un perverso y perfecto "happy-ending". De eso, de Whiplash (2014) y de otras cosas, más hablamos en el podcast.

Coraline (2009), ParaNorman (2012), The Boxtrolls (2014)y Kubo and the Two Strings (2016) conforman una filmografía pareja, contundente y con una vocación pública de una profundidad casi inédita en el género, pero que nunca eclipsa el peso emocional ni el perfilamiento de sus personajes. Realizadas con un stop-motion que tiende a confundirse con la animación digital, estas películas partieron siendo recargadas fantasías góticas, pero en Kubo esto fue reemplazado por un arte más desnudo, pero con un trasfondo más denso en lo conceptual. Todo esto salió de una productora de Portland, llamada Laika.

Si bien Kenneth Lonergan está al borde de la consagración con la estupenda Manchester by the Sea (2016), centramos este podcast en Margaret. Esta cinta de protagonista infuriante, trama inicialmente dispersa y longitud atípica para un drama madre-hija, trata tanto sobre la relación de dos mujeres, como también sobre lo que ambas imaginan es su relación con una ciudad que no puede evitar servir de audiencia para sus fascinantes vidas. Los movimientos de cámara, las tomas a los rascacielos y las mezcla de sonido están ahí para probarlo... y desmentirlo.

Las tres películas de la alemana Maren Ade funcionan sobre la ineptitud o la inadecuación de personajes enfrentados finalmente a un límite, del que solo pueden salir curvando la realidad. Con una puesta en escena al servicio de las tensiones, la última de sus películas (Toni Erdmann, 2016) ha despertado atención mundial por su capacidad de agregar nuevos recursos al género del drama familiar y por abrir la mirada hacia otros elementos. De eso y más hablamos en el podcast.

La salamandra, La mitad del mundo y Jonás, que tendrá 25 años el año 2000, constituyen la trilogía en que colaboraron el cineasta suizo Alain Tanner con el ensayista y crítico británico John Berger. Las tres películas abordan experimentos fallidos, situaciones en que seres mutuamente diferentes construyen relaciones significativas pero también efímeras e inviables dentro del siempre opresivo orden suizo, donde los personajes y los realizadores -todos náufragos de Mayo del 68- hacen de la inadaptación un arte. De esto y más hablamos en el podcast.

En 1972, un crítico de arte y ensayista relativamente conocido y bastante respetado en el medio inglés, realizó un programa pionero en lo que se refiere a divulgación cultural. El expintor John Berger, armado con el marxismo, el feminismo y las ideas de Walter Benjamin (entre otras), hizo una relectura radical de la historia de la pintura moderna (1400-1900) no con el afán de entregar conocimiento sino herramientas críticas, aplicables también al propio programa. Así de grande y generoso era John Berger.

Tras un ensayo, demasiado basado en las cintas Dogma y en lo que hacía los cineastas franceses en la década pasada (Kinetta, 2005), el griego Yorgos Lanthimos redefinió algunas de sus premisas y elementos estilísticos para volver con Kynodontas (2009), cinta mayor que causó un merecido revuelo por plantear una situación que puede aludir a la familia, la religión, el Estado y hasta la industria cultural, como un espacio de opresión destinado al desequilibrio y a un final... que no es necesariamente mejor. Eso dio a pie a una carrera internacional (Alpeis, 2011; The Lobster, 2015) aún en desarrollo. De eso y más hablamos en el podcast.

La disolución de una familia es el hilo central de este obra inclasificable entre el teatro y la sitcom, que además mezcla la hilaridad, el absurdo, la inadecuación y el profundo sentido de la tragedia que su creador, Louis C.K., ha venido desarrollando con los años. El gesto de encerrarse y reconcentrarse en un espacio restringido -un bar- le permitió identificar y retratar las mismas fuerzas disolventes que están barriendo con su país en la actualidad. De eso y más hablamos en el podcast.

Esta película recorre y profundiza algunas de las líneas trazadas por Tres tristes Tigres (1968), como el peso de la oralidad y los espacios no reconocibles, para hacerse cargo de un tipo humano y del país que habita, sometidos a una tensión sorda e invencible. El progresivo deterioro mental y moral de su protagonista arrastran deliberadamente a la película y a un país completo, el cual solo puede ser habitado mediante un férreo solipsismo. De eso y más hablamos en el podcast.