Civilcinema

La mirada perdida, aturdida e inocente del protagonista Milos no cuadra con la locución en off con la que este personaje se presenta a él mismo y a la película que protagoniza. Esas líneas mordaces no cuadran con el animalito cuya impavidez natural se ve turbada por las hormonas aceleradas en un contexto bélico y de ocupación nazi, es decir, amoral hasta la médula. Milos se hará hombre y en el proceso se dejará arrastrar por otras fuerzas, como después pasó en mayo del 68 y acá en Latinoamérica. De eso y más hablamos en el podcast.

Aardman se equivoca poco, y cuando lo hace tampoco se nota tanto ni termina de desmerecer obras movidas por la buena intención, la exaltación de la solidaridad y -por sobre todo- del trato digno a los animales. Dotadas de guiones apretados y eficaces (dada la ardua tarea de hacer stop-motion con plasticina), las películas de este estudio británico equilibran las historias directas y reconocibles con la complejidad técnica y un humor esencialmente blanco, pero no carente de mensajes humanitarios y políticos. La cinta con la oveja Shaun tiene mucho de eso pero también se aparta un poco, y de eso y más hablamos en el podcast.

El cineasta ruso Aleksei German pensaba al revés y filmaba al revés. Ignorado, incomprendido y censurado por el Estado soviético, primero, y por el mercado capitalista, después, se atrevió a filmar lo que le dio la gana: películas sin tramas aparentes y con una puesta en escena donde todo se mueve, se mezcla y explota, como en la mirada de un niño asustado ante un caos absoluto. Una historia semiautobiográfica y una cinta de ciencia ficción fueron las últimas obras de este artista único y capaz como pocos de estampar imágenes y sensaciones en la conciencia de un público que ya no necesita entender. De esto y más hablamos en el podcast.

Estas películas supuestamente son las últimas de los colosos de la animación Takahata y Miyazaki, los pilares del estudio Ghibli. Los temas, tramas e imágenes de estas cintas hacen creíble un posible final de sus carreras y de su estudio, pues la muerte y la expectativa de la muerte tienen un rol importante por sí misma como catalizador de un balance acerca de lo obtenido y lo sacrificado en ese lapso indescifrable que se suele conocer como vida. De eso y más hablamos en el podcast.

El manido subgénero de las comedias adolescentes da acá varios giros brillantes que convierten esta película y un ejemplo de las cintas de gratificación: pone el ojo y la mirada en una protagonista disruptiva que destruye un orden social a su pesar; la antagonista es emblemáticamente carismática; la fauna de adultos -que rodea esta historia de un golpe de estado en una escuela secundaria- aporta variedad y diversas dosis de patetismo. Hay más cosas, claro, y prácticamente todas salen de la cabeza de la guionista y actriz Tina Fey. De esto y más hablamos en el podcast.

El "segundo tiempo" de Mad Men se aboca menos a la insatisfacción de Don Draper que a la constatación de su origen: la certeza del personaje de no sentirse amado y de no merecer ser amado. Incólume en esa certeza, Draper es acompañado por sus socios en esa "nave de los locos" que era su agencia boutique, donde todos ellos resuelven sus trayectorias a su manera, pero cambiando. Aunque sea un poco. Don, por su parte, vuelve a nacer (por tercera vez) para seguir siendo el de siempre. De esto, del cambio de década, y de mucho más, hablamos en el podcast. Link de la parte 1: www.soundcloud.com/civilcinema/71-mad-men-2007-matthew-weiner

Este es el primero de nuestros podcast que tiene como invitado al autor de la película por tratar. Con Alberto Fuguet hablamos de Invierno, de sus otras películas, de su documental, de sus libros y de muchas otras películas de las cuales tomó recursos, soluciones, miradas... y algo más. Todo esto compone un mundo creativo y personal, pero que al mismo tiempo es público porque son muchos los que comparten y atesoran esos elementos. De eso y más tratamos -largamente- en este podcast.

La segunda de las tres películas que a la fecha tiene Jeff Nichols, es una fábula de tintes bíblicos que muestra la evolución de la mente de un hombre hacia una vocación profética, tan contagiosa como disolvente. Comparte con las otras cintas el entorno rural donde la naturaleza se entromete siempre, personajes masculinos que no calzan con lo que se espera de ellos, y una ambicioso alcance que contrasta con la aparente modestia de sus medios. De eso y más hablamos en el podcast.

Este es el primer largometraje documental de la dupla compuesta por Carolina Adriazola y José Luis Sepúlveda, tras dos grandes cintas de ficción que se paraban sobre los pies y miraban el mundo con el ojo del documental. Ambas cintas se situaban en la marginalidad o en el trayecto hacia ella, mientras que la cinta que nos ocupa trata de un trayecto hacia el centro: de la ciudad, del país, del poder y de la atención, pero para lograr un fin utópico y con un enorme costo en energía y recursos. Un metáfora transparente del movimiento social del 2011. De eso y más hablamos en el podcast.

Esta es por lejos una de las mejores películas latinoamericanas de la historia. Así nomás. Discípula aventajada del cine del joven Godard, este ejercicio trasplantado sobre un burgués cubano (que es también un europeo trasplantado) se identifica permanentemente como un artificio mientras oscila entre la enajenación absoluta de su protagonista y los trozos de una realidad efervescente que este no es capaz de compartir ni entender. A veces hablando con la distancia de los muertos, esta voz inútilmente lúcida se conoce y reconoce a ella misma mientras va cayendo en la irrelevancia a medida que la situación externa se pone más y más álgida. De eso y más hablamos en el podcast.

Canciones del segundo piso (2000), Ustedes los vivos (2007) y Una paloma se sentó en una rama a reflexionar sobre la existencia (2014), son tres películas que a rato parecen ser una sola que se hizo por entregas. Decimos "parecen" porque en rigor cada una tiene un afán distinto, y un esqueleto de trama propio envuelto en estos gags parecidos a los comerciales con que el realizador, el sueco Roy Andersson, financia su extraña y premiada obra. El pasado nazi, el fin del estado de bienestar y el abandono existencial son algunos de los tópicos de la trilogía y de este podcast.

Arrasó con los Óscar pese a casi no contar con estrellas en el elenco; fue creada a partes iguales por un coreógrafo, un músico, un dramaturgo, un libretista, donde el director de cine del lote (Robert Wise) se dedicó a contener a todos los demás; es un Romeo y Julieta sin adultos, que avanza más en los números musicales que en los diálogos. De estas rarezas y de las razones de por qué es un tesoro del arte estadounidense hablamos en el podcast.

Las tres películas que tratamos en esta ocasión forman parte de un corpus importantísimo en la historia del cine mexicano e hispanoparlante en general. Forjado al alero de los ideales de una revolución que luchaba por mantener su vigencia y su valor, este cine visualmente atractivo, de vocación educadora y popular, proyectó su sombra hacia el sur y también hacia el norte; por ejemplo, exportando a Hollywood a Gabriel Figueroa, uno de los grandes DP de todos los tiempos. De esto y más hablamos en este podcast.

El noble e incomprendido arte de la machaca debe algunas de sus cumbres más excelsas a la imaginación del australiano George Miller, quien se las arregló igual de bien con la pobreza de la industria australiana de los años 80 y con la superabundancia de la producción de Hollywood que acaba de estrenar. En este podcast hablamos de estas dos películas hermanas con 34 años de diferencia, y de los que las une y separa como evidencia de aquello que ha cambiado y de lo que no en el mundo del cine y la cultura en todos estos años.

Esta es una gran película de terror, pero porque el terror no es más que la caja de resonancia de las pasiones, rencores y afectos con que se nutre el melodrama. En este caso, un melodrama basado en la relación entre una madre y un hijo unidos y separados a la vez por una tragedia fundacional que tiene muchas formas de hacer notar su presencia: una casa avejentada y convertida en un museo, un cumpleaños que no se celebra como corresponde y finalmente una extraña sombra de capa negra. El Babadook es eso y más, y en la película vemos las formas que toma y los cuerpos termina invadiendo. De esto y más hablamos en el podcast.

Claude Chabrol filmó mucho. Cosas muy buenas, otras buenas, unas cuantas más o menos, y algunas de mitad de tabla para abajo. En general se movió con coordenadas reconocibles como la admiración por Balzac, la fijación en la vida de provincia, el interés por cierta forma de demencia que se vuelca a la brutalidad primigenia y un colorido característico en su puesta en escena. Entre lo mejor que filmó, está El carnicero, historia de amor revestida de thriller, cuyos márgenes son mucho más amplios que los del pequeño pueblo en que transcurre. De eso y más hablamos en el podcast.

Hirokazu Koreeda es uno de los realizadores japoneses contemporáneos más regulares y merecedores de seguimiento. Su cine sostiene sus tiempos lentos y sus dramas calladamente intensos sobre los gigantescos hombros de Ozu, pero no teme -de cuando en cuando- situar sus historias en extremos sobrenaturales (After Life) o en premisas aparentemente absurdas (Air Doll) para referirse al intento humano -y particularmente adulto- de situarse en la vida de una manera que lo satisfaga o lo realice. No hay nada de sobrenatural y absurdo en De tal padre, tal hijo, sino todo lo contrario. De esto y más hablamos en el podcast.

Los hermanos Maysles mostraron muchas cosas, a veces volviéndose invisibles para las personas retratadas, a veces convirtiéndose en el público que sus sujetos necesitaban para expresarse. De una u otra manera, el resultados son obras expresivas, algo trabajosas y con un nivel de exposición de las personas que llega a parecer inverosímil, algo que ni siquiera un buen guión de ficción se atrevería a mostrar. Más allá de eso, los Maysles siempre intentaron -y casi siempre pudieron- retratar personas moviéndose en un mundo que ellas mismas crearon, aunque no siempre estén cómodas en él. De eso y más hablamos en el podcast.

Podríamos decir que esta película tiene dos mitades. La primera combina la personalización del gusto y del estilo de vida que se dieron en los años 80, junto con una atmósfera social y de consumo con ecos de Douglas Sirk en los que la protagonista, Carol White, nunca se siente demasiado cómoda. La segunda mitad es la consecuencia del propio solipsismo de la protagonista, un viaje con destino incierto que toma ribetes de cinta de terror. De eso y más hablamos en el podcast.

Un buen camino para hablar de esta película es decir lo que no es: no es un selectivo recuento de "hechos importantes" en la vida del pintor inglés J.M.W Turner; no es una romantización de la "fascinante vida" de un hombre talentoso; no es la adaptación de una vida al formato de historia, con un desenlace o apoteosis. Las cápsulas en que son abordadas alternadamente las dimensiones personales, afectivas, artísticas y epocales de la vida del pintor son discontinuas, elocuentes y engañosamente gratuitas, aclarando y oscureciendo la evolución del artista hacia el estilo que lo convirtió en un pionero. De eso y más hablamos en el podcast.

Una de las grandes películas icónicas del siglo 20. Imitada, citada, releída y reelaborada en circunstancias muy distintas al contexto de New Deal en que fue creada, pero siempre hurgando en su carga psicológica, la que no hace ningún esfuerzo por ocultarse. Muy concisa en su narración, fluida en sus movimientos y magnífica en su vestuario y escenografía, esta película sigue siendo muy placentera de mirar porque la parte sepia es elocuente y la parte en colores es derechamente despampanante. De eso y más hablamos en el podcast.

Si durante parte importante del siglo 20 el cine fue considerado un arte menor para entretener a las masas, los cortos que solían dar antes de las películas probablemente ni siquiera eran considerados una forma artística. Tan ninguneado como los cómics, este género resultó igual de prolífico en obras maestras y grandes maestros que otras artes, y con la ventaja de haber dejado una huella tremenda en la cultura popular que se extiende a otros géneros como sitcoms, películas y a la distorsionada oferta para el entretenimiento infantil que se ve por estos días. Porque, no hay que olvidarlo, los cortos clásicos nunca fueron para niños. De esto y más hablamos en el podcast.

La cuarta película de este director ruso retoma la vocación rural y contemplativa de sus dos primeras cintas (El regreso, 2004, y El destierro, 2007) y le agrega la denuncia social de su tercera cinta (Elena, 2011), para conformar una obra mayor. Perfecta en lo formal, eficaz en lo narrativo (aunque se le pasa la mano con la caricaturización de ciertos personajes)y punzante a nivel discursivo, su denuncia contra la corrupción de la iglesia, el Estado y la justicia de su país se expande incluso hacia una indagación feroz sobre el sentido de la propia existencia de la humanidad como especie. Ambición gigante sostenida sobre sólidos cimientos bíblicos, literarios y cinematográficos. De esto y más hablamos en el podcast.

Comercializada erróneamente por la Warner como un filme bélico menor, esta película se metió de lleno en la pelea por el Oscar gracias a un éxito tan arrollador como inesperado. Vista por algunos como la hagiografía reaccionaria de un reaccionario recalcitrante, vista por otros como la evidencia del daño que el modelo estadounidense inflige hasta en sus más convencidos defensores, la cinta se la juega a la vez por la velocidad y la omisión. De esto y más hablamos en el podcast.

Una película sobre películas. O más bien una película sobre la imagen que las películas proyectan de una ciudad. La ciudad más fotografiada del mundo es a la vez la menos fotogénica, dice su autor, lo que es el resultado de procesos político-económicos como la desindustrialización de Los Angeles, y también de rol de comodín como escenario de cualquier cosa, un ciudad que borra su rostro para convertirse en cualquier otra cosa. Los mitos urbanos, la relación con la arquitectura moderna, la vida de las minorías, la degradación de los espacios y servicios públicos, son algunos de los temas que mencionamos y desarrollamos en el podcast.

Esta cinta nocturna, como lo era Taxi Driver, chapotea en el esperpento de un país en crisis económica y en una bancarrota moral intelectual que hace posible el singular emprendimiento de Lou Bloom. No sabemos si este personaje pasará a la historia al igual que el taxista de DeNiro (probablemente no), pero sí sabemos que fue una gran vitrina para que Jake Gyllenhaal tratara de acercarse al Oscar. Y si bien no le resultó, su trabajo encarnando a un escuálido y maquinal sociópata es uno de los puntos altos del acorralado "cine adulto" (por ponerle un nombre) estadounidense. De eso y más hablamos en el podcast.

El Óscar a la Mejor Película Extranjera fue creado para entregárselo a Vittorio De Sica y su equipo por Lustrabotas. La Academia no tenía en aquel entonces una forma oficial de reconocer a los realizadores de un filme que removió al mundo entero y que tenía muy desarrollado el germen de lo que después se conocería como "Neorrealismo italiano". Dos años después, De Sica volvió a recibir un Oscar por Los ladrones de bicicletas, cinta que incluso figuró en el primer lugar de la lista Sight and Sound de las mejores películas de la historia. Cuatro años después, Umberto D. cierra esta fase de la obra del director, porque simplemente no se podía retratar la desesperación con más detalle. De eso y más hablamos en el podcast.

Esta película se pensó como un entretenimiento gigante y completo, que tenía acción, romance, música, comedia y principalmente un drama que hoy llamarían un "bromance", los vaivenes de la amistad entre dos iguales, dos machos calados como John Wayne y Dean Martin. Con una fluidez que suelen tener los filmes orientales, esta película se pasea por todos los géneros nombrados dejando cierta sensación de ligereza y de depuración al mismo tiempo, de simplificar ciertas cosas para complejizar otras. De esto y más hablamos en el podcast.

La última película de este maestro danés del cine mundial tiene el aspecto exterior de un drama declamatorio, un poco como las películas de los Straub, y una trama de telenovela con personajes rimbombantes. Gertrud es una musa cuyo único contenido es el deseo de amor absoluto, que le sirve para inspirar a poetas, políticos y músicos, pero que recibe a cambio de una insatisfacción radical cuyo despliegue se mueve en el mundo de las palabras... pero es mostrado con recursos fílmicos. Depurados, discretos, perfectos. Sin embargo su deliberado aspecto anticuado se come en parte a esta película, un gran cierre que no opaca a la verdadera obra maestra de Dreyer: La pasión de Juana de Arco (1928). De esto y más hablamos en el podcast.

Antes de Charlie Wilson, de Secretaria ejecutiva y de Silkwood, Mike Nichols se forjó un nombre parándose en los hombros de una tradición teatral que conocía bien, y de una literatura deudora de Salinger y también de europeos como Arthur Schnitzler y Robert Walser. En cinco años filmó cuatro importantes películas que cubrieron la programación social de los deseos íntimos, la desorientación de los jóvenes ante aquello que heredan y, también, el carácter opresivo que estaba adquiriendo la vida en sociedad a los ojos de sus miembros más lúcidos y descreídos. El hecho de que esto fuera un callejón sin salida en términos intelectuales y narrativos podría explicar en parte que la carrera de Nichols después adquirió un rumbo completamente diferente. De esto y más hablamos en el podcast.

Luis García Berlanga, o Berlanga no más, no solo fue un maestro del sainete, sino de la navegación creativa en tiempos de censura y de flagrante omisión del recuerdo de los vencidos y de sus ideas. Tras la apariencia de una comedia mordaz, pero no necesariamente mal intencionada, se filtra un despliegue de estupidez y descontrol que parece arrasar con todo, partiendo por los pocos personajes que encarnan el sentido común y que podrían generar identificación con los espectadores. Ya después, en democracia, filmó La Vaquilla como una manifestación algo estéril del deseo de que la Guerra Civil jamás hubiera ocurrido, y donde los personajes importantes se mimetizan con sus enemigos, revelando el absurdo que dejó a España herida para siempre. De eso y más hablamos en el podcast.

Este clásico del cine sueco basado en la novela homónima de Selma Lagerloff remeció el cine de su época y dejó cierta descendencia bastante más célebre que su realizador, Victor Sjöstrom. El uso del racconto y el efecto con que se logró la fantasmal presencia del carretero de la muerte significaron un enorme avance en las posibilidades del cine, haciendo creíble y eficaz la presencia del horror sobrenatural como en espejo del horror moral. Ingmar Bergman y Stanley Kubrick son dos maestros que aprendieron del casi olvidado maestro Sjöstrom. De esto y más hablamos en el podcast.

El italiano Sergio Leone filmó apenas siete películas en sus 60 años de vida. Aparte de su primera cinta –un peplum no muy conocido– su trayectoria puede dividirse en tres "spaghetti westerns" de magistral factura y de crecientes dimensiones y ambición, y en tres obras ya de mayores dimensiones que culminan con la cinta de la que hablamos hoy. Su productor la encontró demasiado larga y le cercenó 25 minutos. Los distribuidores estadounidenses la encontraron demasiado enredada y la montaron cronológicamente y le cortaron una hora y media. Por suerte, el corte europeo permitió que la película tuviera el impacto que se merecía y por suerte también salió una versión en Blu-Ray con los 25 minutos cortados originalmente. Así se puede apreciar a esta obra maestra en toda su dimensión.

Esta película es una semilla, una partícula pequeña y densa de materia de cuyo interior surge un ser vivo que crece y se ramifica pero que no pierde nunca su vínculo con ese pequeño granito del cual salió. Los aclamados cineastas iraníes que ganaron y ganan festivales y admiración salieron todos de este "capote de Gogol", solo que esta vez el capote era un breve documental por encargo sobre un leprosario, y el Gogol iraní es una poeta/cineasta que murió a los 32 años en un accidente automovilístico. Todo lo que rodea a esta película parece extremo y milagroso. Todo lo que está dentro de ella, lo es. De esto y más hablamos en el podcast.

En 2006, el filósofo y pensador político esloveno Slavoj Žižek creó un interesante paseo audiovisual por algunas películas famosas y otras no tanto, con el fin de mostrarnos cómo el cine no solo nos insta a desear sino que también nos enseña a hacerlo. Cinco años después, los disturbios y protestas en Egipto, Grecia, EEUU, Reino Unido y Chile (también) hicieron evidente que algo faltaba en la ecuación, por lo que Žižek reincidió con la misma colaboradora (la directora británica Sophie Fiennes) para mostrarnos la capacidad del cine de transmitir y develar ideologías, en otro paseo igual de fascinante e igual de denso. De esto y más hablamos en este podcast con nuestro invitado, el psicoanalista Miguel Reyes.

Esta película se suma a una parentela ilustre de obras únicas surgidas a pesar y gracias a la precariedad. Lo mismo que estuvo a punto de liquidar el proyecto le dio su carácter artesanal, desesperado y principalmente incontinente a la hora de meter en la juguera imágenes e ideas en la que pudo haber sido la primera y última película de David Lynch. Por suerte no lo fue. De eso y más hablamos en este podcast que usa a Eraserhead como ancla para abordar toda la obra de este cineasta, aparentemente retirado.

Esta es una película comercial, hecha para comunicarse con su público y que probablemente sorprendió a sus realizadores porque se ha comunicados con otros públicos de otras partes del mundo. ¿Cómo lo logró? Con calidad técnica y de guión, y también con cierta apelación a lo animal y a lo primario, como primaria son las carcajadas que esta cinta despierta. Un bestializo como Los monstruos, de Risi, pero en clave yiddish dentro de una Argentina que se acostumbra a y asume las consecuencias cotidianas de ser un Estado cuasi fallido. De esto y más hablamos en este podcast.

El terreno por el que camina Richard Linklater ha sido transitado por otros. Por muchos otros. En París, Taipei y en distintas partes del Reino Unido, ha habido gente empeñada en mostrar a niños creciendo en cámara, dedicando varias películas a registrar cada etapa de dicho crecimiento. Lo de Linklater, si bien no es único, tiene la radical diferencia de colocar todo en una sola película... y el resultado se confunde con la vida, pues no requiere del relato ni de su estructura profunda para resonar fuerte en la conciencia de cualquiera que se recuerde a sí mismo desde los 5 hasta los 18 años. De eso y más hablamos en este podcast.

Terry Gilliam llevó a su cinematografía buena parte del bagaje iconoclasta, esperpéntico y colorido que desarrolló como dibujante en su EE.UU. natal y que perfeccionó como animador de las transiciones de los Monty Python. Entre una obra desigual pero siempre estimulante, probablemente la expresión más perfecta sea Brazil, una versión barroca de 1984 y heredera de Metropolis que está en el panteón de las grandes direcciones de arte de la historia. En este podcast, usaremos como ancla este clásico de los 80 para ir y volver al resto de la cinematografía de este director.

En el segundo podcast dedicado a Chris Marker, hablamos principalmente de su obra canónica, Sans Soleil (1982), y de toda la fecunda obra que el cineasta creó a partir de su huella. Documental atravesado por una trama de ciencia ficción, donde la realidad del presente es vista por los impostados ojos de un viajero del futuro, o de un muerto, que mira velozmente las fracturas humanas: ricos y pobres, hombres y mujeres, jóvenes y viejos, humanos y animales, dioses y hombres. Acompañados por nuestro invitado especial Daniel Villalobos, hablamos de Marker como recolector y resignificador de imágenes ajenas... entre muchas otras cosas.

Chris Marker es grande, enorme. Falleció nonagenario después de más de cincuenta años de actividad en los que rodeó y abordó desde distintos lados la epopeya revolucionaria del siglo 20. Con nuestro invitado especial Daniel Villalobos -periodista, crítico y amigo de este podcast-, hablamos principalmente de Le Fond de l'Air est Rouge, documental montado en 1977 y revisado en los 90, en el que habla de los procesos libertarios de fines de los 60 y principios de los 70 que terminaron en estrepitosos y dolorosos fracasos. Un réquiem sin cinismo, una respuesta a la también épica La batalla de Chile, y que se plantea como una "batalla en el mundo entero".

Hace un par de semanas falleció este cineasta alemán. Su obra abarcó más de cuatro décadas, donde cubrió cortos conceptuales de agitación política como los que hacía Godard con el grupo Dziga Vertov; pasó por los desvariados ensayos visuales y conceptuales al estilo Marker, y terminó con obras más simples y despojadas donde registró ciertos procedimientos clave de las modernas sociedades capitalistas. La imagen como simulación, como registro de lo que será destruido, como herramienta de propaganda e incluso como forma de gobierno son algunos de los muchos temas que aborda Farocki, con un distanciado talante cerebral que pone a sus cintas a medio camino entre el documental y la instalación. De eso y más hablamos en el podcast.

No se puede exagerar la importancia de los Python. Es derechamente imposible, porque los programas cómicos influyentes del mundo han plagiado, homenajeado y se han inspirado de esta contingente y tensa constelación de astros del humor, pero de un humor arraigado en una cultura vastísima y polimorfa. Con ese sustrato cuajado en el Oxbridge, los seis británicos (cinco de nacimiento y uno por adopción) se dedicaron a demoler el sentido común, los remanentes del conservadurismo victoriano, la función pública de la TV para la que trabajaban y un sinnúmero de convenciones de la comedia, la televisión y el cine, por cierto. Usando como eje a La vida de Brian, hablaremos de esto y más en el podcast.

Esta película no es muy conocida a nivel mainstream pero es un verdadero monumento a la energía que lo sacudió todo en los 60 para que todo quedara más o menos igual. Incluso este documental falso –uno de los primeros de la historia– fue precursor al retratar al tipo humano que le dio la espalda a lo público y se dedicó a deambular y enloquecer en soledad en el enorme territorio estadounidense. Pero a la vez es una versión del Peeping Tom de Michael Powell y de la Crónica de un verano de Rouch y Morin. Es también un insano despliegue de autoconciencia de un individuo y su tecnología, como también una declaración sobre la imposible neutralidad de esa tecnología. De eso y más hablamos en el podcast

Será discutible pero es un hecho: The Shawshank Redemption (1994) figura en la cumbre de las mejores películas de la historia según la valoración del público en IMDB. ¿Es mejor que El padrino, Vértigo o Las reglas del juego? No, pero... Hay algo que en esta película que la hace funcionar como un reloj, donde no parece sobrar nada y donde fluye el intelecto en función de la emoción y de una mirada optimista y compasiva hacia el mundo y sus habitantes. Y hay más que eso, y lo tratamos de desentrañar en este podcast.

Al ver estas películas del trío Frears-Morgan-Sheen uno siente que aún hay algo incompleto en esto y que está por decir la última palabra sobre el rol de Tony Blair en la historia del Reino Unido. En las dos primeras películas, el real peso de la trama no está en Blair sino en sus "víctimas" (Gordon Brown y su Graciosa Majestad), que deben soportarlo como un espíritu entre travieso y maligno que los acorrala con astucia y un hábil uso de los medios. La tercera película, es algo más equilibrada, pero solo hasta cierto punto, pues el resultado es el más pobre de la trilogía. De esto y más hablamos en el podcast.

Este documental ganó el Arqfilmfest (un festival de cine y arquitectura) de 2013 gracias a sus ideas. O mejor dicho, a las ideas de los arquitectos y urbanistas que plantean salidas posibles y de diversas escalas a uno de los desafíos más grandes que puede tener el urbanismo contemporáneo: el crecimiento de Ciudad de México. Mega proyectos, prótesis móviles, el rescate de utopía pasadas o el servicio a los más desposeídos son algunas de las soluciones que algunos arquitectos mexicanos proponen para impedir o retardar el destino sin nombre de una ciudad que no para de crecer.

Jim Jarmusch acaba de sacar una película con vampiros que está lejos de ser una película de vampiros. Sus aristócratas no muertos no buscan causar susto sino mostrar la vida matrimonial del realizador, así como el progresivo distanciamiento con el público al que supuestamente debería complacer. ¿Es la primera vez? No, hizo un western que no parecía western (Dead Man); y un thriller de acción que no era thriller ni tenía acción (Limits of Control). En suma, Jarmusch es antes que nada un individuo singular que se monta en los géneros para mostrar su mundo de silencios, gestos recurrentes, quietudes y cierta pertinacia. De eso y más hablamos en el podcast.

El coreano Bong Joon-ho es uno de los pocos directores del mundo que puede llegar al público masivo con obras consistentes en su forma, osadas en sus tesis y eclécticas en cuanto su desfile por más de un género, incluso dentro de la misma película. A esa gracia se le puede agregar la de haber encontrado la manera de aterrizar en Occidente y salir más que bien librado, y esa fue un comic francés de los 70 que resultó particularmente adecuado para hablar del súbito estallido mundial que hoy vivimos contra la desigualdad. Eso es Snowpiercer y de ello hablamos en el podcast.

Tres películas prácticamente consecutivas, en las que al menos podemos ver dos cosas: a) una evolución velocísima en cuanto a estilo visual del realizador polaco Andrzej Wajda, desde los clásicos soviéticos del cine mudo hasta los barrocos experimentos de Orson Welles; b) el desarrollo de tres aristas amargas en torno a la guerra y a la resistencia de los polacos contra los nazis, tres aristas que están lejos de la propaganda y la complacencia y que ya anuncian el éxodo de muchos polacos a Occidente y el malestar ante el comunismo que fue aplastado en 1968, en Praga. De esto y más hablamos en el podcast.