Civilcinema

Son dos películas gemelas en recursos, ritmo y estructura, y sin embargo no pueden ser más diferentes. Una retrata a un político inconmovible en un entorno propio de película de mafiosos, envuelto en unas tinieblas donde todo es cambiante, sinuoso y peligroso. La otra es un carnavalesco híbrido entre Fellini y Proust, más preocupado de Roma que de Italia y al mismo tiempo con una vocación internacional que la primera no tiene. No en vano, La Grande Bellezza se ganó el Óscar.

Todavía no está del todo clara la verdadera estatura del danés Lars von Trier en la transición del cine del siglo 20 al 21. Está bien, ha ganado Cannes, ha desatado escándalos y ha removido conciencias con sus películas; pero parte del mérito está en haberse parado en los titánicos hombros de Dreyer, Bergman y Tarkovsky. Su última película es otra expresión más de su vocación cosmopolita, su gigantesca ambición artística y comercial, y de su instinto provocador, pero ¿le resultó? De eso hablamos en el podcast.

Cuando Pixote fue estrenada en EE.UU. desató el doble escándalo por dar a conocer una realidad aberrante y porque esa realidad, bueno, era realidad. Es decir, existía. Y existe. Este relato de un cuasi adolescente que entra a una moledora de carne con el nombre de "reformatorio" en el pórtico supera todas las atrocidades que el cine había infligido a los niños pobres de países pobres, y para colmo convirtió a su actor protagonista en la gran víctima de su tremendo impacto. De esto y más hablamos en el podcast.

Sin ser la mejor de la batería de películas animadas que convirtió a Walt Disney en uno de los personajes clave del siglo 20, Pinocho tiene un soporte mítico e icónico que ha permanecido por décadas e inspirado películas superiores a ella misma. A diferencia del rocambolesco cuento del italiano Carlo Collodi, la versión de Disney es más condescendiente con el sentido común conservador y disciplinador de los niños, además de hablar sutilmente de la relación del propio Disney con sus propias creaciones. De eso y más hablamos en el podcast.

El día de la marmota es un clásico sin quererlo, y por esa falta de pretensión se ha ganado la simpatía y el respeto de una generación de cinéfilos treintocuarentones. Y muy merecidamente. A partir de su premisa genial y de un desarrollo inteligente y cada vez más revelador de las complejidades de la vida, tenemos una comedia divertida, romántica y terapéutica que se hace cargo de grandes temas casi por accidente, o al menos eso parece. El otro gran activo de esta cinta es Bill Murray, un gran agujero negro que absorbe energía y que atrae magnéticamente las fuerzas de las películas que participa para disolverlas en nada. O al menos eso es también lo que parece. De eso y más hablamos en este podcast.

En este podcast solemos tratar de una película o de muchas películas, si es que son de un mismo realizador. Por primera vez hablaremos de dos obras de directores distintos, pero hay una buena razón para ello. Son dos cintas británicas estrenadas en la misma época y que se enfrentan con los fantasmas de las guerras pasadas, presentes y futuras, como en el cuento de Dickens. Flirteando visualmente con el periodismo y con el documental, estas películas de Peter Watkins y de Kevin Brownlow (con Andrew Mollo) producen extrañeza, inquietud, horror y no poca desconfianza hacia toda forma de autoridad. De esto y más hablamos en el podcast.

Esta película es un monumento. Por el tema que aborda –el Holocausto judío–; por la forma en que lo aborda –sin imágenes de archivo y sin música incidental–; por el propósito que la anima: explicarse cómo fue posible un exterminio de tales magnitudes a partir de los detalles técnicos e ingenieriles que movieron esta maquinaria macabra. Preguntando por las minucias, Lanzmann llega a grandes respuestas que buscan servir de testimonio de lo atroz, convencido de que incluso lo más infame es prontamente olvidado si no se hace algo al respecto. Un fresco gigante, lleno de historia oral, de relatos y de persona(je)s inolvidables.

Para los que se preguntan de dónde sacó Wong Kar-wai la atmósfera de contención sexual que dejaba a sus personajes como entes suspendidos en el aire; bueno, la respuesta está acá: una película china de 1948, rodada con mínimos recursos, entre el fin de la II Guerra Mundial y el triunfo de la Revolución. Tiene algo de teatro, mucho de teleserie y bastante de gran cine. Bastante. Con sólo cinco personajes y unos cuantos escenarios asociados a cada uno de ellos, se arma una tremenda y sentida historia que tiene un lugar seminal en la historia del cine chino, honkonés y taiwanés. De eso y más hablamos en el podcast.

Se murió Philip Seymour Hoffman. Flor de cagada. Tenía 46 años, y su muerte en estos momentos es como si DeNiro se hubiera muerto a esa edad. La pérdida es incalculable porque este sujeto solía hacer películas importantes, ¿cuántas quedaron en el tintero? Mejor ni pensar en eso. Mejor recordar y agradecer lo que nos dejó, y dentro de ese legado generoso nos vamos con esta cinta de Charlie Kaufman, llena de ambición y de una desmesura. En la cara de Hoffman, esa desmesura desgarra, hunde, cierra puertas y abre otras a lugares todavía peores. Un muestra pequeña de la vida en general.

Esta película ganó Cannes y sin embargo no llegó a la lista corta de nominadas a la Mejor Película Extranjera de los Óscares. Y no llegó porque el Estado francés prefirió no postularla, en parte debido a una seguidilla de escándalos y polémicas surgidas por su poca o mucha fidelidad con el comic original, y sobre todo por las acusaciones de violencia y manipulación hacia su director, Abdellatif Kechiche, de parte de las protagonistas de la cinta. En este podcast, hablamos de las polémicas, pero sobre todo hablamos de los muchos méritos de esta película y de las difíciles cosas que trata de lograr.

Teoría de la mente expandida, singularidad, inteligencia artificial, rapture y varios conceptos más aparecen por primera vez en la larga vida de este podcast. ¿Por qué? Porque Her, de Spike Jonze, se zambulle de cabeza a hablar de temas del siglo 21 desde un humanismo que mira de frente al abismo del posthumanismo para después salir arrancando. Si aparecen todas esas palabrejas es porque en este podcast estuvo invitado Ricardo Martínez, uno de los dos lóbulos de Tercera Cultura, quien le dio un tremendo empujón a la conversación sobre esta película.

Es uno de los grandes clásicos del cine soviético y mundial, una película hecha con el mismo "guión de hierro" de las de Einsenstein pero sobre personajes de carne y hueso. La madre es una versión de la novela homónima de Gorki, y replica varios de los recursos de Griffith para darle amplitud literaria al entonces nuevo arte audiovisual: planos generales alternados con primeros planos, cruces entre las geometrías de la arquitectura moderna e imágenes naturales como metáforas políticas. Todo esto conforma una cinta veloz y muy emocionante. De eso y más hablamos en el podcast.

David Lean se convirtió en un referente cinematográfico por usar las imágenes, los sonidos y la música para mostrar la compleja relación de las historias humanas con los entornos naturales. Las primeras son las que nos interesan y a veces nos atañen, pero son los segundos los que perduran y seguirán estando allí, conteniendo, enmarcando y dando forma a los efímeros dramas de los efímeros personajes que somos nosotros. Esta película muestra la construcción y la disolución de uno de estos personajes, y alude a la imposibilidad de que vuelva a aparecer otro igual. Lo mismo se podría decir de esta película. De esto y más hablamos en el podcast.

No sabemos el peso que tendrá esta película en la filmografía de Scorsese, ni sabremos en el corto plazo el lugar que tendrá en la historia de la industria. Sin embargo, por diversas razones, El lobo... empuja más allá de lo que se creía posible en un entorno crecientemente estandarizado, replanteando si tiene sentido estrenar en cine algo tan largo y tan ofensivo al mismo tiempo, y contestando que sí... si se tiene el poder de hacerlo. El estrellato de la estrella y el Óscar ganado por su director hicieron posible que esta película llegara a las salas y causara una monumental batahola que reactualiza la función pública del cine, sobre todo si se exhibe en cines. De esto (y de muchos spoilers) hablamos en el podcast.

Hal Ashby filmó en los años 70 un corpus cinematográfico vibrante, trangresor y comprometido políticamente. Si bien su obra de culto es Harold y Maude (1971), en Shampoo (1975) y Desde el jardín (1979) exploró más profundamente los cambios de marea en la sociedad estadounidense que hicieron posibles los triunfos de Nixon y de Reagan en sus respectivas elecciones. Interesantemente, ambos trabajos estaban centrados en personajes absolutamente vacíos y en lo que provocaban en los demás. De esto y mucho más hablamos en el podcast.

Al igual que Michel Houellebecq, Shane Carruth llegó al arte de narrar cosas desde una disciplina distinta (la computación y las matemáticas) y se notó. Su primera cinta (Primer, 2004) es algo absolutamente novedoso, fresco y desconcertante, lo que dejó al público con suficiente síndrome de abstinencia para aguantar ¡nueve años! hasta que llegó su segunda película (Upstream Color, 2013). Tienen en común ciertas cosas (en ambas Carruth hizo todo, sí, todo), pero la última entrega va por otro lado. Más cercano a Terrence Malick. De eso y más hablamos en el podcast.

Jem Cohen nació en Afganistán por esas cosas de la vida (y del Imperio) pero su hábitat es Nueva York, una Nueva York que nadie muestra y que tal vez incluso haya dejado de existir aplastada por la ciudad turística e inalcanzable para quienes hicieron que la ciudad fuera lo que es. Cohen creó una estética para el margen, de la ciudad, de la industria musical y de la misma "civilización estadounidense", que se expresa con alguna distorsión "Instrument", obra codirigida y realizada con la banda punk Fugazi. De esto y de muchos otros film,es de Cohen hablamos en el podcast.

Carlos Monsivais dijo alguna vez que las películas de Cuarón, González Iñarritu y Del Toro no eran para nada cintas mexicanas, sino productos estadounidenses para un público global, y cuyos directores eran, de casualidad, mexicanos. Como ejemplo contrastante, el fallecido escritor nombró a un cineasta llamado Carlos Reygadas, que podía gustar o no gustar, pero cuyas películas hablaban de México y para los mexicanos... aunque (y esto no lo dijo Monsivais) desde el alienado y enrarecido lugar de los hiperprivilegiados "güeros" de este país autodeclarado "mestizo". De eso y más hablamos en el podcast.

Ben Affleck debutó como cineasta con el que hasta ahora ha sido su mayor logro. Gone Baby Gone concentra y se sostiene en virtudes tan evidentes, que se eleva como lo mejor del cine estadounidense en años. Su atinada adaptación de la novela de Dennis Lehane, su conocimiento carnal del entorno empobrecido en los barrios bajos de Boston, su gran manejo del género detectivesco y la elección moral que el protagonista enfrenta al final conforman una cinta redonda que supera largamente a incursiones similares de realizadores más consagrados, como Río Místico.

Errol Morris es uno de los documentalistas más prestigiosos y con mayor relevancia pública que existen en la actualidad. Su notable capacidad de producción, la calidad de la evidencia que recolecta y su metódica forma de trabajar, lo han convertido en un cineasta cuya obra suele ser un acontecimiento cívico. En esta ocasión repasamos dos documentales sobre la guerra y sobre la gente que se ensucia con ella, tanto en el alto mando como en las filas.

Las cenizas de una historia de amor son el punto de partida de este relato sobre la degeneración intelectual que lleva a un desastre tan colosal como inevitable. El rumano Christian Mungiu (Cuatro meses, tres semanas y dos días, 2008) vuelve a mostrar personas acorraladas por un páramo inhóspito, tan acorraladas que apenas pueden decidir, y cuando lo hacen, lo hacen mal. De esto y más hablamos en el podcast.

Esto es ni más ni menos que una de las aristas más fascinantes de la historia del Siglo 20. En cuatro capítulos de una hora, el documentalista británico Adam Curtis instruye a sus conciudadanos y al mundo sobre las técnicas de control y manipulación social que han surgido casi como un negocio familiar de Freud, un sobrino y una hija. Todo esto fue plantado en el fértil suelo estadounidense, saltó hacia Reino Unido y... también a Chile. De eso y más hablamos en este podcast.

No sabemos si estas películas de Richard Linklater van a quedar como una trilogía, o funcionarán como el palito que cada nueve años nos dirá la hora en el reloj de la vida de dos personas (o tal vez más). Sí sabemos que el romanticismo de Antes del amanecer (1995) mutó hacia una especie de terapia para reparar una traición (Antes del atardecer, 2004) y que ahora, con Antes de la medianoche (2013) lo que tenemos es un matrimonio aparentemente estable y feliz, pero que debe lidiar con tensiones disolventes que en un comienzo no se ven. De esto, y de la carrera de Linklater, hablamos en este podcast.

La película chilena Miguel San Miguel (Matías Cruz) se parece a Control (Anton Corbijn)no en el sentido de que la plagia, sino de que toma algunas de sus ideas y recursos para traducirlos al insano contexto chileno de los 80, pero sin mistificarlo ni endulzarlo con la nostalgia. Puestas una al lado de la otra, son historias de ascenso y de muerte (en el caso de una de ellas) centradas en jóvenes en proceso de formación y definición de su propio lugar en el mundo, eso sí, dentro de los definidos confines de Manchester y San Miguel, respectivamente. De eso y más hablamos en este podcast.

Después de 25 años, Hayao Mizayaki e Isao Takahata estrenarán películas casi simultáneamente, como aquella vez en que remecieron a Japón y después al mundo con la combinación Totoro y La tumba de las luciérnagas, marcando el camino para muchos. Entre ellos, unos sujetos que después crearon Pixar. Estos directores japoneses están en la lista corta de los indiscutibles, ídolos nacionales y cinéfilos canónicos en vida. De esto y más hablamos en el podcast.

Si bien las películas que hicieron famoso a Jacques Demy fueron dos coloridos y - en apariencia- ingenuos musicales (Los paraguas de Cherburgo y Las damiselas de Rochefort), son sus producciones dramáticas las que parecen -hoy más que nunca- importantes y decidores testimonios acerca el espíritu de una década -la de los 60- que nos hemos acostumbrado a observar en retrospectiva, mistificándola hasta la exageración. El asunto se pone más interesante en la medida que nos damos cuenta que Lola (196o), La Baie des Anges (1963) y Model Shop (1968) conforman a su manera un ciclo interconectado y esencial, que comparte motivos, personajes y una visión de mundo que parte parroquial y pueblerina, pero acaba convertida en emoción de alcance global.

Esta película ha sido considerada la mejor que se ha realizado sobre el Medioevo, mientras que una encuesta en República Checa de 1998 la elevó como la mejor cinta realizada en ese país y en la antigua Checoslovaquia, y eso que coincidió con grandes obras maestras del cine checo que pertenecieron a un grupo de amigos (Forman, Passer, Menzel, Chitilová) que brilló con luces propias antes y después de la visita del ejército rojo en 1968, pero no pertenecía a esa generación. Sin embargo, compartió con ella una importante libertad formal y cierto afán subversor, aunque más sutil en su caso. De eso y más hablamos en el podcast. Ojo, la cinta se puede ver completa en YouTube.

Apenas conocido dentro de su país, Ramin Bahrani es uno de los grandes nombres de la nueva camada del cine estadounidense. La razón, quizás, está en las cosas que le interesan: el trabajo, las minorías, las vidas comunes y corrientes. Todos temas que el cine gringo rara vez se da el lujo de tocar... Este podcast está dedicado a sus primeras tres películas: - Man Push Cart (2005) - Chop Shop (2007) - Goodbye Solo (2009)

#146 My dinner with Andre (1981), de Louis Malle by Civilcinema

#145 La grande bouffe (1973), de Marco Ferreri by Civilcinema

#144 Silver Linings Playbook (2012), de David O. Russell by Civilcinema

#143 Underground/Érase una vez un país (1995), de Emir Kusturica by Civilcinema

#142 Virales, memes y el otro audiovisual by Civilcinema

#141 Inglorious Basterds (2009) y Django unchained (2012), de Quentin Tarantino by Civilcinema

Nominada en 2012 entre las 10 mejores películas de la historia, El hombre de la cámara (1929) es mucho más que un documental sobre la vida en la ciudad. También es un registro único de los inicios del Siglo XX y de la marea de cambios que llamamos "modernidad"; pero sobre todo un examen frontal de la condición humana, y de nuestra capacidad, voluntad y deseo de mirar, mirar sin parar. De eso y otras cosas trata este podcast.

Difícil imaginar una película que haya apuntado más alto que The master en la temporada 2012; pero P.T. Anderson solo quiere compararse con los más grandes. ¿Sobre eso, y mucho más, es este podcast en el que participa como invitado nuestro amigo Daniel Villalobos.

#138 Érase una vez en Anatolia (2011), de Nuri Bilge Ceylan by Civilcinema

#137 Magic Mike (2012), de Steven Soderbergh by Civilcinema

En la primera mitad de los años 70, mientras Estados Unidos trataba de escapar de la Guerra de Vietnam y se encaminaba hacia el bicentenario, el cineasta Alan J. Pakula y su director de fotografía Gordon Willis, crearon tres de los mejores testimonios de paranoia fílmica de los que tengamos memoria. ¿Cómo es que un país se hunde en la desconfianza, en la duda y finalmente en la oscuridad? La respuesta esta contenida en: Klute (1971) The Parallax View (1974) All the president's men (1976)

#135 Red Hook Summer (2012), de Spike Lee by Civilcinema

#134 Killer Joe (2011), de William Friedkin by Civilcinema

#133 Two Lovers (2009), de James Gray by Civilcinema

#132 The apartment (1960), de Billy Wilder by Civilcinema

#131 El hobbit: un viaje inesperado (2012), de Peter Jackson by Civilcinema

José Luis Torres Leiva debutó en la ficción con El cielo, la tierra y la lluvia (2008), cinta dedicada a exaltar una naturaleza tan exuberante que llegaba a amenazar a los seres humanos con la disolución de la personalidad, la cultura, de todo. Verano también trata del influjo natural en la psiquis humana (aunque más amable), sobre todo en periodos enrarecidos de ocio e introspección en los que el pensamiento corre por carriles invisibles y comprensibles al mismo tiempo. Se trata de un solo día en las Termas de Cauquenes, uno en el que el realizador hace caber muchas cosas. De esto y más hablamos en el podcast.

#129 La serie Bond y Skyfall (2012), de Sam Mendes by Civilcinema

Aunque por estos lados siempre se lo ubicó más como cantante, el estatus de Leonardo Favio como uno de los grandes realizadores de América latina cada día parece más inamovible. Hijas del neorrealismo y el peronismo a partes iguales, Crónica de un niño solo (1964), El romance del Aniceto y la Francisca (1966), El dependiente (1969) y Juan Moreira (1973), se han convertido en clásicos del cine en español, igual que su director, a quien rendimos de homenaje en este podcast.

#127 George A. Romero y los Zombies by Civilcinema

#126 Crank, Salt, Taken y el cine de ultra acción by Civilcinema

#125 El mundo (2004), de Jia Zhangke by Civilcinema