REBELION SONICA

Esta semana, dedicamos el capítulo 2 de la temporada 2023 de Rebelión Sónica, al nuevo trabajo del legendario músico galés, John Cale, “Mercy”, además de viajar al pasado para escucharlo con el álbum en vivo “Circus Live” de 2007. “Mercy” fue lanzado el 20 de enero por los sellos Double Six y Domino y se trata del primer álbum de canciones originales en once años del legendario cantante, cuerdista y compositor, pues es el sucesor de “Shifty Adventures in Nookie Wood” de 2012. De las doce nuevas canciones del próximo disco, siete son colaboraciones con artistas de la actualidad, definidos por el texto de difusión, como “algunas de las mentes jóvenes más curiosas de la música”: Animal Collective, Sylvan Esso, Laurel Halo, Tei Shi, Actress, Weyes Blood y Fat White Family. Ellos, continúa la declaración publicada en Domino, “son parte del asombroso elenco que se suman a la visión consumada del mundo de Cale y lo ayudan a redecorarlo”. La disquera también señala que “Mercy”, con un Cale de actuales 81 años, es la continuación del trabajo de una larga carrera que ha buscado nuevas formas de explorar viejas ideas de alienación, dolor y alegría (…). Agrega que en sus doce pistas, “Mercy” “se mueve a través de una verdadera electrónica de la noche oscura del alma - dark-night-of-the-soul- hacia canciones de amor vulnerables y consideraciones esperanzadoras para el futuro”. Los escritos y grabaciones que dieron forma al nuevo disco se acumularon durante años, mientras Cale observaba cómo la sociedad se tambaleaba al borde de la distopía. “Trump y el Brexit, el Covid y el cambio climático, los derechos civiles y extremismo de derecha: Cale dejó que las malas noticias del día se filtraran en sus líneas (…)”.

Esta semana, inauguramos una nueva temporada de Rebelión Sónica, tributando al recientemente fallecido saxofonista y compositor estadounidense Wayne Shorter, con tres momentos de su prolífico catálogo. Figura central de la historia del jazz y la música instrumental contemporánea, Shorter falleció a los 89 años el 02 de marzo pasado, dejando una obra que se remonta a fines de la década 50 en The Jazz Messengers, para luego integrar el célebre Segundo Gran Quinteto de Miles Davis, con los que grabó algunos de los discos cruciales del jazz de todos los tiempos. En paralelo, iba grabando su obra como titular, con álbumes de la importancia de “Speak No Evil”, Juju” y “Super Nova”, solo por nombrar unos pocos, para luego profundizar en la música fusión contemporánea en un grupo fundamental: Weather Report. En este primer capítulo de Rebelión Sónica temporada 2023, lo escucharemos con material aparecido en tres discos de su extensa obra: su álbum solista “Speak No Evil”, grabado en 1964, pero editado por Blue Note en 1966, su colaboración con el cantante brasilero Milton Nascimento “Native Dancer” de 1975 y con “Heavy Weather”, el LP de 1977 de Weather Report.

Esta semana, en el último capítulo de la temporada 2022 de Rebelión Sónica, escucharemos el álbum más reciente del importante guitarrista estadounidense, Bill Orcutt, “Music For Four Guitars”. Lanzado por el sello Palilalia Records 02 de septiembre, el LP fue grabado a mediados de 2021 en la sala The Living Room de San Francisco, California, como lo dice su título, con Orcutt interpretando cuatro guitarras. Según la disquera, “en una trayectoria llena de cambios, “Music for Four Guitars” empalma las innovaciones formales de la música basada en el software del hiperimpulsor Fender, que revienta los lóbulos de sus entrenamientos más frenéticos con los bateristas Chris Corsano o Adris Hoyos. Y aunque el tono de la guitarra aquí es decididamente agudo, o, como dice Orcutt, "una pastilla de puente en lugar de un disco de pastilla de cuello", todavía cruza las mismas corrientes melódicas que sus LP’s anteriores (sin embargo, como nos enseñó Heráclito, esa corriente es completamente diferente la segunda vez)”. Más adelante, el texto señala que “aparentemente filtrándose desde 2015 como una partitura vagamente concebida para un cuarteto de guitarras real, “Music for Four Guitars” es la culminación de años de rumiar sobre música clásica, miniaturas de Magic Band y (quizás) The League of Crafty Guitarists, aunque cuando Steve Reich se arroja en el brebaje es una incógnita”. Palilalia agrega que “la forma del álbum es sorprendentemente minimalista: cuatro guitarras, cada una asignada a una melodía parlante en contrapunto, repetidas en celdas a lo largo de la pista, entrando y saliendo selectivamente de la mezcla para construir un drama similar a una fuga en el transcurso de 14 breves tracks”. En la parte final del programa, escuchamos a Orcutt en el contexto de un trío en vivo, que completan el baterista Chris Corsano y el bajista y cantate Alan Bishop (Sun City Girls), registrado en el disco Thurston Moore & John Moloney, “Caught On Tape / Bishop*, Orcutt*, Corsano*” de la serie Parallelogram, de la que también fueron parte músicos y bandas como Six Organs Of Admittance, Bardo Pond, Yo La Tengo y Kurt Vile.

Esta semana, no podría haber sido otro el especial de Rebelión Sónica. La sorpresiva muerte del fundamental guitarrista británico Jeff Beck, nos obliga a homenajearlo. El músico falleció a los 78 años el 10 de enero pasado, tras contraer repentinamente una meningitis bacteriana. La triste noticia fue a dada a conocer por su familia a través de las redes oficiales del guitarrista. “On behalf of his family, it is with deep and profound sadness that we share the news of Jeff Beck’s passing”, se pudo leer en la sentida declaración. Jeff Beck es, simplemente, uno de los guitarristas más importantes de la historia de la música. Comenzó su carrera bien a principios de la década 60 del siglo pasado en The Yarbirds, para luego volar con alas propias con su Jeff Beck Group y como solista, además de otros proyectos y colaboraciones. Su relevancia en el blues eléctrico, el rock, en la guitarra contemporánea, pero también en el jazz, es incalculable. En este capítulo de homenaje, lo escucharemos con material de tres de sus discos más orientados a la fusión, todos de gran importancia para la música instrumental moderna: “Blow by Blow” de 1975, “Wired” de 1976 y “There And Back” de 1980.

Esta semana, en una nueva sesión de Rebelión Sónica, seguimos revisando algunos importantes álbumes editados en 2022, en esta ocasión encausados en la tradición jazzística. En primer lugar, escucharemos el nuevo disco de la clásica banda de la fusión estadounidense Yellowjackets, “Parallel Motion”. Editado el 26 de agosto por el sello Mack Avenue, el álbum de nueve composiciones “es un verdadero testimonio de la longevidad y la resistencia de una banda que debutó hace más de 40 años”. “Reinventándose constantemente a sí mismos a través de una elevada instrumentación en su característica firma sonoro electroacústico, la formación actual compuesta por Bob Mintzer (saxo tenor y soprano/EWI), Russell Ferrante (piano/teclados), Will Kennedy (batería, teclados) y Dane Alderson (bajo y secuencias MIDI) muestra un colectivo en su mejor momento”, señala la disquera. En la segunda parte del programa, destacamos el disco 2022 de la chelista estadounidense Jane Leppin junto a su Ensemble Volcanic Ash, otro de los lanzamientos del género, pero que amplia su campo de acción a la música docta, la improvisación y la música de cámara. Publicado por el sello Cuneiform, “el álbum captura la visión musical muy personal de Leppin, un sonido estilísticamente polimorfo que el Washington Post describe acertadamente como el ‘que encarna toda la complejidad y la gracia de la cooperación humana: ese trabajo en equipo intuitivo, empático y semitelepático (…). Ensemble Volcanic Ash, está integradao por Leppin en chelo, el bajista Luke Stewart, la harpista Kim Sator, el reconocido guitarrista Anthony Pirog -además esposo de Leppin-, Sarah Hughes en el saxo alto, Brian Settles en el saxo tenor y el baterista Larry Ferguson.

Esta semana, en un nuevo capítulo de Rebelión Sónica, los invitamos a escuchar algunas de las piezas que conforman el disco homenaje al fundamental compositor japonés Ryuichi Sakamoto, “A Tribute to Ryuichi Sakamoto - To the Moon and Back”. Editado el 16 de diciembre por el sello Milan Records, el álbum celebra los 70 años del fundamental músico nipón, con rendiciones para canciones de su vasto catálogo de Thundercat, Devonté Hynes, Hildur Guðnadóttir, David Sylvian, Alva Noto, Cornelius, Fennesz, Lim Giong, Gabrial Wek, 404.zero y Otomo Yoshihide, entre otros. Concebido por el equipo de trabajo de Sakamoto y Milan Records, el álbum presenta artistas de todas las generaciones y géneros, cada uno con su propia conexión con el icónico músico: antiguos colaboradores, amigos, admiradores o artistas favoritos personales del mismo creador nipón, que reflejan la amplitud de la influencia de Sakamoto en la música contemporánea. Con acceso completo al extenso catálogo de lanzamientos en solitario y bandas sonoras de películas del músico, cada artista seleccionó personalmente su contribución y le dio su toque único a los originales de Sakamoto. El resultado es una colección que refleja las múltiples dimensiones de la carrera del fundador de Yellow Magic Orchestra, desde la diversidad de sonidos que el consumado músico ha atravesado, hasta el legado continuo de su trabajo con artistas de todos los orígenes. Recordemos además que Sakamoto sufre un cáncer en etapa 4 y que para el próximo 17 de enero, está agendado su nuevo disco, “12”.

Esta semana, en Rebelión Sónica, los invitamos al segundo capítulo dedicado a la obra de Maneul Göttsching, figura clave del rock alemán y líder de Ash Ra Tempel, quien murió a los 70 años el 04 de diciembre pasado. “Rodeado de su familia, Manuel Göttsching falleció en paz el 4 de diciembre de 2022”, se puede leer en la declaración. “El vacío que deja atrás lo queremos llenar con su música y recuerdos amorosos. Cuando tus dedos tocaron las cuerdas de una guitarra, el mundo se detuvo. Que se detenga y te traiga de vuelta cada vez que te escuchemos tocar”. Göttsching es uno de los guitarristas más influyentes e importantes de su generación. Su estilo y técnica es una referencia para docenas de artistas en el ambient posterior a Brian Eno y su figura es central en la mayoría de las escenas de música electrónica que le precedieron. Luego de su debut en solitario “Inventions for Electric Guitar” de 1975, que lleva por subtituló Ash Ra Tempel VI, Göttsching comenzó a editar discos solistas como Ashra o con su propio nombre. Con el primer proyecto, publicó álbumes de gran influencia para la electrónica. Entre ellos, “New Age of Earth” (1976), “Blackouts “(1977) y “Belle Alliance” (1980). Sin embargo, su disco “E2-E4” de 1984, es considerado uno de los pilares de la electrónica moderna, post krautrock y uno de los iniciadores de tendencias más actuales como el house y el techno. El álbum consta de una pista electrónica minimalista de una hora de duración que Göttsching grabó en una sola toma usando un secuenciador, con teclados improvisados, percusión y guitarra. En este segundo capítulo y final homenaje a su obra, escucharemos material de tres de sus álbumes. “New Age of Earth” de 1976, “E2-E4” de 1984 y su colaboración con el también músico germano Michael Hoening, “Early Water” de 1995.

Esta semana, dedicamos un nuevo capítulo de Rebelión Sónica, al fundamental guitarrista, experimentador y compositor germano, líder de Ash Ra Tempel y figura mayor del Krautrock, Manuel Göttsching, quien lamentablemente falleció el 04 de diciembre pasado a los 70 años. La triste noticia para los amantes del rock alemán, la electrónica y la música cósmica, fue a dada a conocer en un comunicado en sus redes sociales oficiales el 12 de diciembre. “Rodeado de su familia, Manuel Göttsching falleció en paz el 4 de diciembre de 2022”, se puede leer en la declaración. “El vacío que deja atrás lo queremos llenar con su música y recuerdos amorosos. Cuando tus dedos tocaron las cuerdas de una guitarra, el mundo se detuvo. Que se detenga y te traiga de vuelta cada vez que te escuchemos tocar”. Göttsching es uno de los guitarristas más influyentes e importantes de su generación. Su estilo y técnica es una referencia para docenas de artistas en el ambient posterior a Brian Eno y su figura es central en la mayoría de las escenas de música electrónica que le precedieron. Göttsching se hizo un nombre en el movimiento underground de Berlín Occidental a finales de la década de 1960 y principios de la de 1970. Fue un miembro central de Ash Ra Tempel, una pieza clave del krautrock con miembros rotativos, incluido Klaus Schulze. El conjunto lanzó cinco álbumes de gran influencia entre 1971 y 1973: “Ash Ra Tempel” de 1971, “Schwingungen” de 1972, “Seven Up” con Timothy Leary de 1972, “Join Inn” de 1973 y “Starring Rosi” de 1973. El músico también participó en las sesiones de la mítica agrupación, The Cosmic Jokers. Luego de su debut en solitario “Inventions for Electric Guitar” de 1975, que lleva por subtituló Ash Ra Tempel VI, Göttsching comenzó a editar discos solistas como Ashra o con su propio nombre. Con el primer proyecto, publicó álbumes de gran influencia para la electrónica. Entre ellos, “New Age of Earth” (1976), “Blackouts “(1977) y “Belle Alliance” (1980). En este primer capítulo de dos que haremos en homenaje a su obra, escucharemos música de “Inventions for Electric Guitar”, para en la próxima sesión, escucharlo con material posterior.

Esta semana, en una nueva edición de Rebelión Sónica, seguimos revisando, en el último de dos capítulos, el gigantesco box set de la banda del avant-garde estadounidense The Muffins, “Baker’s Dozen”. Lanzado el 15 de noviembre por el sello Cuneiform Records, la producción incluye 13 discos con material inédito en estudio y en vivo grabado entre 1975 y 2010, repartidos en 14 horas de música. Además, la caja contiene un DVD de la actuación completa del grupo en el NEARFest 2005 y un cuadernillo de 76 páginas con una historia de la banda contada por todos los integrantes, fotos y documentos nunca vistos. The Muffins fue un grupo del área de Washington, D.C. que existió entre 1974 y 1981 y luego, nuevamente con su formación más conocida aún intacta, entre 1993 y 2015. Fueron llamados “la banda progresiva más fina de Estados Unidos” por Fred Frith, quien agregó que “incluso en su forma más complicada, sonaban sin esfuerzo y convincentes”. El conjunto fue además la banda soporte de “Gravity” (1980), el primer disco en solitario de Frith tras la disolución de Henry Cow. Cuneiform agrega que “es muy raro que una banda, a lo largo de su carrera, cree música que continuamente trascienda los límites y transforme el paisaje. Es aún más raro que una banda de este tipo se reúna después de una larga separación y se embarque en una segunda carrera musical que siguió siendo tan innovadora como la primera”. The Muffins, un grupo igualmente influenciado por los sonidos de rock progresivo británico de bandas como Henry Cow, National Health y Soft Machine, así como por artistas contemporáneos de jazz estadounidense y de improvisación como Anthony Braxton, The Art Ensemble of Chicago, Sun Ra y Miles Davis, se formaron en Washington, DC a principios de la década de 1970 y grabaron tres álbumes antes de disolverse en 1981. En 1998, el grupo se reformó y grabó otros seis álbumes. La disquera remata haciendo ver que The Muffins fue una fuerza enormemente creativa durante ambos períodos, combinando composiciones intensas y con una manera de tocar libre y enérgica, moviéndose sin esfuerzo entre límites y géneros musicales. “Fueron uno de los grandes conjuntos de música contemporánea estadounidense de nuestro tiempo”, concluye el sello.

Esta semana, en una nueva edición de Rebelión Sónica, los invitamos al primer capítulo de dos que dedicaremos el gigantesco box set de la banda del avant-garde estadounidense The Muffins, “Baker’s Dozen”. Lanzado el 15 de noviembre por el sello Cuneiform Records, la producción incluye 13 discos con material inédito en estudio y en vivo grabado entre 1975 y 2010, repartidos en 14 horas de música. Además, la caja contiene un DVD de la actuación completa del grupo en el NEARFest 2005 y un cuadernillo de 76 páginas con una historia de la banda contada por todos los integrantes, fotos y documentos nunca vistos. The Muffins fue un grupo del área de Washington, D.C. que existió entre 1974 y 1981 y luego, nuevamente con su formación más conocida aún intacta, entre 1993 y 2015. Fueron llamados “la banda progresiva más fina de Estados Unidos” por Fred Frith, quien agregó que “incluso en su forma más complicada, sonaban sin esfuerzo y convincentes”. El conjunto fue además la banda soporte de “Gravity” (1980), el primer disco en solitario de Frith tras la disolución de Henry Cow. Cuneiform agrega que “es muy raro que una banda, a lo largo de su carrera, cree música que continuamente trascienda los límites y transforme el paisaje. Es aún más raro que una banda de este tipo se reúna después de una larga separación y se embarque en una segunda carrera musical que siguió siendo tan innovadora como la primera”. The Muffins, un grupo igualmente influenciado por los sonidos de rock progresivo británico de bandas como Henry Cow, National Health y Soft Machine, así como por artistas contemporáneos de jazz estadounidense y de improvisación como Anthony Braxton, The Art Ensemble of Chicago, Sun Ra y Miles Davis, se formaron en Washington, DC a principios de la década de 1970 y grabaron tres álbumes antes de disolverse en 1981. En 1998, el grupo se reformó y grabó otros seis álbumes. La disquera remata haciendo ver que The Muffins fue una fuerza enormemente creativa durante ambos períodos, combinando composiciones intensas y con una manera de tocar libre y enérgica, moviéndose sin esfuerzo entre límites y géneros musicales. “Fueron uno de los grandes conjuntos de música contemporánea estadounidense de nuestro tiempo”, concluye el sello.

Esta semana, dedicamos una nueva sesión de Rebelión Sónica, al destacado cantante, compositor, multiinstrumentista y productor estadounidense, Todd Rundgren. En gran parte del programa, nos enfocaremos en su nuevo disco “Space Force”, colaboración con numerosos músicos de distintos estilos, como Adrian Belew, Steve Vai, Sparks, Thomas Dolby, Rick Nielsen de Cheap Trick, el dúo The Lemon Twigs, el artista de hip-hop iraquí / canadiense Narcy y el líder de Weezer, Rivers Cuomo, entre otros. Editado el 14 de octubre por Cleopatra Records, el álbum estaba originalmente programado para 2021, pero finalmente se retrasó hasta fines de 2022, fecha en que salió publicado en cedé, casete y una variedad de colores y configuraciones de vinilo. En la última parte del especial, viajamos 50 años en la carrera del multifacético artista, para escucharlo con material de su tercer disco solista de 1972: el celebrado “Something/Anything?”.

Esta semana, en una nueva sesión de Rebelión Sónica, destacamos los discos que editaron en octubre de este año, dos bandas muy importantes de la música experimental contemporánea: “Expansion” de Ahleuchatistas y “Sèances” de Trevor Dunn’s Trio-Convulsant que, en este álbum, se unió al cuarteto Folie à Quatre. El primero de ellos, fue editado el 21 de octubre por el sello Riverworm Records y se trata del noveno título en estudio del grupo liderado por el guitarrista estadounidense Shane Parish, que en esta ocasión llega en formación renovada de trío on Trevor Dunn (Mr. Bungle, Fantomas, John Zorn) en bajo y Danny Piechocki (Terms) en batería. De acuerdo al texto de difusión, “a lo largo de sus 20 años de historia, Ahleuchatistas ha traspasado los límites estilísticos y técnicos de lo que puede hacer un trío/dúo de poder instrumental”. Tras el disco anterior “Arrebato” de 2014, Parish se concentró en su carrera como solista acústico, deconstruyendo y reorganizando música folclórica y mantuvo en un hiato a su agrupación. De este modo, 2022 marca el “esperado regreso de una de las bandas más creativas del siglo XXI”. El texto agrega que “en sus inicios, alrededor de 2002, Ahleuchatistas adoptó un espíritu situacionista que estaba abiertamente comprometido con la disrupción sónica: la estrategia era tocar riffs melódicos épicos pegadizos llenos de emoción, pero luego cambiar abruptamente a algo aparentemente no relacionado, antes de que el oyente tuviese la oportunidad de lograr algún tipo de catarsis que indujera a la complacencia (…)”. ““Expansion” es un avance de este enfoque radical”, continúa la declaración. “Sumar a la mezcla a los virtuosos y singularmente creativos Dunn y Piechocki ha impulsado las posibilidades rítmicas y compositivas de Ahleuchatistas más allá de cualquier cosa que hayan creado antes”. En tanto, “Sèances” fue lanzado el 28 de octubre por el sello Convulsive Beauty Music y exhibe a la formación estable de Trio-Convulsant, con Dunn en bajo, Mary Halvorson en guitarra y Ches Smith en batería, pero en esta oportunidad, unidos al cuarteto de música acústica Folie à Quatre, integrado por la reconocida Carla Kihlstedt (Sleepytime Gorilla Museum, Fred Frith, Tom Waits) en viola y violín, Oscar Noriega en clarinete, Mariel Roberts en chelo y Anna Webber en flauta.

Esta semana, en un nuevo capítulo de Rebelión Sónica, celebramos la participación de la destacada banda nacional Familea Miranda, en el aniversario número 22 de Rockaxis, con un recorrido cronológico con material de cuatro de sus álbumes: “Familia Miranda” de 2001, “Ensayo ≠ error” de 2006, “Dramones” de 2010 y “Radiopharm” de 2016. Integrados actualmente por Katafú en guitarra y voz, Rodrigo Gomberoff, en bajo y voz y José Junemann en batería, el trío estará presentando material de su extensa trayectoria -que es paralela a la historia de Rockaxis pues se formaron en 1999- en el festejo que se realizará este sábado 19 de noviembre desde las 18 horas en el Teatro Cariola de Santiago. Familea Miranda fue el último grupo en anunciarse para la celebración de Rockaxis y, de este modo, se suman a los anteriormente confirmados Dorso, quienes tocarán íntegramente su segundo álbum “Romance”, Los Mox, Lapsus Dei y Mawiza. Entradas disponibles vía Eventrid.

Esta semana, dedicamos una nueva sesión de Rebelión Sónica a la banda instrumental canadiense Miriodor, sobre todo con música de su nuevo disco “Elements”, pero también con material del pasado. Lanzado por el sello Cuneiform Records el 28 de octubre, se trata del décimo álbum de estudio del grupo formado en 1980 en Québec y en esta ocasión, llega en formato de trío con los históricos Bernard Falaise en guitarras, bajo, teclados, banjo y tornamesa; Pascal Globensky en teclados, sintetizador y piano y Rémi Leclerc en batería, percusión y electrónicos. De acuerdo al texto de Cuneiform, “no hay otras bandas en América del Norte que suenen ni remotamente como Miriodor (…) Esto probablemente tiene que ver con que con que sus integrantes son de Quebec, una región que se inclina fuertemente hacia su propia larga historia como una cultura única dentro de la Norteamérica de habla inglesa”. Los cambios rápidos de tono y ritmo son una marca registrada de Miriodor. “Hay muchos paisajes diferentes en la misma pieza”, coincide Globensky. “A veces vamos a ver un concierto y alguna banda mantiene el mismo ritmo durante 10 o 12 o 15 minutos, y nos miramos y decimos '¿Por qué nos complicamos la vida así, cambiando todo el tiempo?’ Pero esa es la forma en que estamos haciendo nuestra música”. La disquera agrega que es importante destacar que, aunque Miriodor es estrictamente un conjunto instrumental, sus melodías siempre cuentan una historia. “La música tiene que transmitir algunas imágenes, o algún aspecto cinematográfico”, aclara Globensky, quien remata señalando que “a medida que envejecemos, aprendemos cosas de la vida y aprendemos cosas sobre la música, y creo que estamos mejorando en eso”. En la parte final del programa, viajamos al pasado en la historia de la agrupación experimental, con influencias del jazz, el progresivo y el Rock in Opposition, para escucharlos con material de su disco “Mekano” de 2001.

Esta semana, dedicamos una nueva sesión de Rebelión Sónica, a la influyente banda alemana Can, con material de dos de sus discos: ““Live In Cuxhaven 1976” de 2022 y “Future Days” de 1973. Lanzado por los sellos Mute y Spoon Records el 14 de octubre, “Live In Cuxhaven 1976”, es el tercer disco en vivo de la serie de documentos patrimoniales “The Can Live Series”. Como lo dice su nombre, el registro fue grabado en la ciudad del norte de Alemania Cuxhaven en 1976 y se trata del sucesor de “Live In Stuttgart 1975” y “Live In Brighton 1975”, ambos de 2021. De acuerdo a Mute, originalmente grabado en cinta, la grabación en vivo cuidadosamente restaurada, comprende un espectáculo pensado como una historia con un principio, un medio y un final. La serie fue supervisada por el miembro fundador Irmin Schmidt y el productor/ingeniero René Tinner, quienes trabajaron delicadamente para restaurar las grabaciones de archivo a la mejor calidad para la tecnología actual. En la parte final del programa, viajamos al pasado en el glorioso catálogo de los germanos, para escucharlos con música de su fundamental álbum de 1973, “Future Days”.

Esta semana, en una nueva sesión de Rebelión Sónica, los invitamos a escuchar parte del disco debut del dúo nacional Irreales del monte, “Historia natural”. Publicado el 13 de septiembre, se trata del proyecto de música ambient y experimental integrado por Cristian Sánchez (Asunción, diAblo) en sintetizadores, sampler y grabaciones de campo y Antonio Aldunate en guitarra acústica. La dupla explicó que se trata de un disco grabado íntegramente en formato casero y con composiciones que se compartieron y complementaron a la distancia entre enero y julio de 2022. Las grabaciones de campo incluidas en el disco fueron capturadas en el Humedal Batuco y en Las Rocas de Santo Domingo en el mes de julio del 2022. El disco, que fue producido por los mismos titulares, cuenta además con el invitado especial Juan Rosales en el violonchelo en la canción ‘Rocas negras’. En la parte final del programa, viajamos al pasado en la historia de ambos músicos, para escucharlos como parte de la banda experimental diablo, más tarde, El diablo es un magnífico, y música de su recientemente reeditado álbum de 2004, “Coma”. El disco fue publicado en Bandcamp después de 18 años de su lanzamiento original, gracias al trabajo de rescate Ignacio Moreno Fluxà -alias ihä-, quien ripeó el audio desde un cedé de la época y además escaneo y restauró todo el arte original del disco junto a los promocionales asociados a este lanzamient”. En esa época diAblo estaba formado por Gonzalo Stuardo en batería, Antonio Aldunate en guitarra, Daniel Llermaly en bajo, el mencionado Cristian Sánchez en teclado y Ervo Pérez en sampler. El disco fue grabado en el Espacioabiertoexperimental -Av. España 375- por Daniel Llermaly el domingo 31 de octubre y el lunes 1 de noviembre de 2004, y lanzado originalmente el 04 de diciembre de aquel año.

Esta semana, en una nueva sesión de Rebelión Sónica, destacamos el flamante álbum del fundamental músico, productor, compositor, cantante y artista visual con una influencia incalculable en el rock, el pop y la música electrónica, Brian Eno. Titulado “ForeverAndEverNoMore” y editado el recién pasado 14 de octubre por UMC, se trata del disco número 22 del fundador de la música ambient y el primero que edita como solista desde “Reflection” de 2017. El LP incluye diez nuevas composiciones que fueron grabadas y producidas por el mismo Eno en su estudio en el Oeste de Londres. Además, llama la atención porque es el primer trabajo con casi todas las pistas cantadas por el titular, desde “Another Day On Earth” de 2005. De acuerdo al sitio oficial del artista, “ForeverAndEverNoMore” es una exploración sónicamente seductora y, en última instancia, optimista del precario y cada vez más estrecho futuro de la humanidad y de nuestro planeta. En propio Eno señaló: “En pocas palabras, necesitamos volver a enamorarnos, pero esta vez de la Naturaleza, de la Civilización y de nuestras esperanzas para el futuro. Como todas las demás personas, excepto, aparentemente, la mayoría de los gobiernos del mundo, he estado pensando en nuestro futuro precario y limitado, y esta música surgió de esos pensamientos”. El creador agrega: “Estas no son canciones de propaganda para decirte qué creer y cómo actuar. En cambio, son mi propia exploración de mis sentimientos. La esperanza es que al oyente, a compartir esas experiencias y exploraciones. Me tomó mucho tiempo aceptar la idea de que los artistas somos en realidad comerciantes de sentimientos. Los sentimientos son subjetivos. La ciencia los evita porque son difíciles de cuantificar y comparar. Pero los 'sentimientos' son los comienzos de los pensamientos, y también sus acompañantes a largo plazo. Los sentimientos son la reacción de todo el cuerpo, a menudo antes de que el cerebro consciente se haya puesto en marcha, y a menudo con una lente amplia que abarca más de lo que el cerebro es consciente”. En la última parte del programa, viajamos al pasado en la inmensa obra del Eno, para escuchar material de su segundo disco solista tras su salida de Roxy Music, “Taking Tiger Mountain (By Strategy)” de 1974.

Esta semana, en una nueva sesión de Rebelión Sónica, destacamos el nuevo disco que unió a los músicos Panda Bear (Noah Lennox) y Sonic Boom (Peter Kember), “Reset”. Lanzado el 12 de agosto en digital y agendado para el 18 de noviembre en formatos físicos, el álbum, a cargo del sello Domino, es la primera colaboración discográfica entre el integrante de Animal Collective y del fundador de Spacemen 3. Sin embargo, la relación artística entre ambos es de larga data, pues Kember produjo los discos solistas de Lennox “Tomboy” de 2011 y “Panda Bear Meets the Grim Reaper” de 2015. Inspirado en la colección de discos de doo-wop y rock and roll estadounidense de los años 50 y 60 de Sonic Boom, de acuerdo a Domino, “las canciones de “Reset” son tan pegadizas y brillantes como cualquier cosa que Panda Bear o Sonic Boom hayan hecho en sus propias carreras y sirven como un testimonio del poder de la comunión y la colaboración entre ambos”. Al final del programa, viajamos al pasado en la historia de la relación de ambos artistas, con material del cuarto disco solista de Panda Bear “Tomboy” (2011), como mencionábamos más arriba, producido por Sonic Boom.

Esta semana, dedicamos una nueva edición de Rebelión Sónica, al importante saxofonista y compositor estadounidense y uno de los principales exponentes del jazz espiritual, Pharoah Sanders. El importante músico falleció el 24 de septiembre pasado a los 81 años de edad. La noticia fue confirmada por su actual sello Luaka Bop. “Estamos devastados de compartir que Pharoah Sanders falleció”, señala la etiqueta en una declaración. “Murió en paz rodeado de familiares y amigos amorosos en Los Ángeles esta mañana. Por siempre y para siempre el más bello ser humano, que en paz descanse”. Lee nuestro obituario en el siguiente enlace. A manera de tributo de su obra y figura, lo escucharemos en tres períodos de su extensa carrera: a principios de los 70, con material de su disco “Thembi” de 1971 y en su colaboración con Alice Coltrane, en el álbum “Journey In Satchidananda” del mismo año; luego en la década 90, con música del LP “Save Our Children” de 1998 y, finalmente, en 2021, con uno de los movimientos del celebrado trabajo “Promises”, en conjunto con el músico inglés Floating Point y la Orquesta Sinfónica de Londres.

Esta semana, dedicamos un nuevo capítulo de Rebelión Sónica, a la memoria del recientemente fallecido baterista, compositor y productor estadounidense, Anton Fier. El músico, sobre todo recordado por ser el líder de la banda The Golden Palominos, murió el pasado 21 de septiembre a los 66 años de edad. Lean nuestro completo obituario en el siguiente vínculo. A modo de homenaje a una inmensa carrera dentro del rock experimental, el jazz y el rock alternativo y que pasó por las más variadas formaciones como Swans, Pere Ubu, John Zorn, The Peter Brötzmann Tentet y un largo etcétera, lo escucharemos con material de dos discos de The Golden Palominos: el homónimo de 1983 y “Visions Of Excess” de 1985, además de en el álbum debut de The Lounge Lizards de 1981.

Esta semana, en una nueva sesión de Rebelión Sónica, destacamos el nuevo soundtrack que la banda escocesa Mogwai, realizó para la nueva serie de Apple TV+, “Black Bird”. Estrenada el 08 de julio de manera paralela, se trata de una serie dramática producida y escrita por Dennis Lehane (“Shutter Island”, “Gone Baby Gone”) y protagonizada por Taron Egerton (“Rocketman”, “Kingsman: The Secret Service”), que ha sido descrito como un “thriller psicológico crudo y lleno de suspenso”. La historia es una adaptación de las memorias sobre crímenes reales “In with the Devil: A Fallen Hero, a Serial Killer, and a Dangerous Bargain for Redemption” de James Keene y Hillel Levin. De acuerdo a la sinopsis: “Inspirada en hechos reales, cuando un héroe del fútbol americano de la escuela secundaria e hijo de un policía condecorado, es sentenciado a 10 años en una prisión de mínima seguridad, se le da la elección de su vida: ingresar a una prisión de máxima seguridad para criminales dementes y hacerse amigo del presunto asesino en serie Larry Hall o quedarse donde está y cumplir su sentencia completa sin posibilidad de libertad condicional”. Hablando sobre la banda sonora, el guitarrista de Mogwai Stuart Braithwaite dijo: “Trabajar en “Black Bird” fue un verdadero honor y un desafío. La historia es increíblemente intensa y maravillosamente interpretada. Estamos emocionados de que todos puedan verla”. Al final del programa, viajamos al pasado en el copioso catálogo del ahora cuarteto, para escucharlos con material de su quinto disco de estudio de 2006, “Mr. Beast”.

Esta semana, dedicamos un nuevo capítulo de Rebelión Sónica, al destacado tecladista y compositor checo-estadounidense Jan Hammer, con material de tres álbumes: su nuevo trabajo “Seasons Pt.2”, su participación en el disco “Timeless” (1975) junto al guitarrista John Abercrombie y el baterista Jack DeJohnette y, finalmente, con música del LP “Jeff Beck with the Jan Hammer Group Live” de 1977. El primero de ellos, fue lanzado el 19 de agosto por el sello Red Gate Records y es el sucesor de “Seasons Pt.1” de 2018. En ambos casos, Hammer recopila numerosas piezas de su longeva trayectoria, con piezas personales o material que compuso para cine y televisión Según el texto de promoción: “Rico en matices y profundo en contexto, “Seasons Pt. 2” se inspira en gran medida en muchas de las mismas fuentes que se reflejan en el trabajo de Jan anterior a “Miami Vice””, música de la que es su célebre autor. De este modo, el álbum de 14 tracks combina piezas meditativas y cósmicas y otras, inspiradas en la preocupación de Hammer por el medio ambiente. “Cuanto más veo los efectos del calentamiento global, más me alarmo y no puedo evitar expresar eso en mi música”, señaló el tecladista, agregando que “la música es abstracta para mí. No me propongo escribir una pieza sobre olas, tormentas o el solsticio de verano. Una vez que siento que la estructura de una composición se une, es cuando sé de qué se trata, qué significa y, por lo tanto, cómo titularla”. En el segundo y tercer bloque del programa, viajamos al pasado en la historia musical de Hammer, para escucharlo en dos discos de gran importancia en la historia del jazz y la fusión eléctrica: el álbum “Timeless” que en 1975 lo unió al guitarrista John Abercrombie y al baterista Jack DeJohnette y el disco en vivo “Jeff Beck with the Jan Hammer Group Live” de 1977.

Esta semana, dedicamos un nuevo capítulo de Rebelión Sónica al grupo de pop/rock experimental Oneida (Brooklyn, Nueva York, 1997), sobre todo concentrándonos en su nuevo álbum “Success”, pero también en material del pasado. “Success” fue lanzado el 19 de agosto por el sello Joyful Noise Recordings y fue catalogado por la disquera como “el álbum de rock de la banda más centrado en la guitarra en décadas”. Por su parte, el baterista del grupo Kid Millions, señaló que “hemos estado en el bosque durante mucho tiempo, haciendo cosas muy desafiantes, jodidas y psicóticas y compartiéndolas con el mundo y esperando que la gente siga el ritmo. Honestamente, no intentamos hacer algo más sencillo, pero salió de esa manera”. “Una cosa que es importante para mí acerca de nuestra banda es que realmente creemos en seguir el impulso y el instinto”, complementó el tecladista, guitarrista y cantante Bobby Matador. “Eso no significa que no podamos ser conceptuales. A menudo tenemos ideas y perseguimos ideas. Simplemente tenemos mucha fe en el proceso de avanzar con cierta ceguera y tratar de permanecer abiertos a cualquier caos que nos dirija. Creo que es divertido e increíble que parece haber resultado en un montón de música accesible, que suena como si estuvieras en un espectáculo de rock”. En la parte final del programa, viajamos al pasado en el copioso catálogo de la agrupación, para escucharlos con música del álbum “Secret Wars” de 2004.

Esta semana, dedicamos un nuevo capítulo de Rebelión Sónica, a material 2022 de tres importantes bandas de la música experimental y el underground nacional: Thanatoloop, Tobías Alcayota y Fono Mental. En el primer caso, mostraremos “Vértigo”, el disco 2022 del proyecto de Michel Leroy, que fue editado el 13 de mayo pasado por el sello estadounidense Witch Cat Records. El álbum ha sido descrito por la disquera como una combinación de ambient, industrial, noise y pop, que “conforma una pieza maestra de psicodelia oscura”. Luego, podrán escuchar ‘Puzzle’, una pieza del trío Tobías Alcayota que no aparece en ninguno de sus discos regulares y que fue incluida en el compilado del sello colombiano Morfina Records, “Latinoamérica Suburbia II”. La recopilación incluye canciones de diversas bandas del rock experimental latinoamericano, con exponentes de Chile, Colombia, México y Perú. Finalmente, destacamos material del recientemente editado álbum debut de Fono Mental, “Fábulas”. Lanzado por el Netlabel Pueblo Nuevo, se trata del dúo de improvisación experimental conformado por Jorge Cabieses-Valdes y Marcelo Peña (Miopec), ambos miembros de Tobías Alcayota. De acuerdo al sello, Fono Mental nace con la idea de hacer uso del metalófono, un instrumento de carácter escolar, para generar piezas sonoras experimentales y decididamente ambientales. Con este instrumento cromático como punto de partida, ambos músicos realizaron dos sesiones de improvisación y experimentación durante el año 2020 en un pequeño y aislado pueblo de la Cuarta Región de Chile, a las afueras de la ciudad de Ovalle.

Esta semana, dedicamos una nueva sesión de Rebelión Sónica, a la legendaria banda inglesa Soft Machine, que luego de tres suspensiones de sus conciertos en Chile debido a la pandemia, al fin actúan este miércoles 24 de agosto en el Teatro Universidad de Concepción y el sábado 27 de agosto en el Teatro Caupolicán de Santiago, en ambos casos a las 20 horas. La formación de los Softs que llegará a nuestro país en el contexto del "Five Decades Celebration South American Tour 2022", está integrada por John Etheridge en guitarra, Theo Travis en saxo, piano y Fender Rhodes, Fred Thelonius Baker en bajo y Asaf Sirkis en batería. Lamentablemente, el baterista clásico John Marshall solo está actuando en el Reino Unido y Europa, mientras que, como habíamos informado, el bajista Roy Babbington se retiró oficialmente de la banda por problemas de salud. Ambos músicos, estarían presentes en las primeras fechas agendadas en Chile. Soft Machine es una banda que ha estado en continua transformación en casi seis décadas de trayectoria, manteniendo vivo el legado de una de las instituciones musicales británicas y mundiales. La importante celebración de la música de vanguardia, esperada por años por sus seguidores, contará también con la participación del bajista chileno Ernesto Holman y su proyecto Holman Trío. Para festejar la visita de la institución de la música británica, escucharemos material de tres de sus discos: los recientes “Hidden Details” de 2018 y “Live at The Baked Potato” de 2020, además de un viaje al pasado con música del crudo álbum en vivo “British Tour ’75”, editado en 2005, pero reflejo de la gira y la formación de la agrupación a mediados de los 1970.

Esta semana, en un nuevo capítulo de Rebelión Sónica, destacamos la música de la agrupación experimental británica Gnod, con material de dos de sus álbumes: “Hexen Valley” de 2022 y “Just Say No To The Psycho Right-Wing Capitalist Fascist Industrial Death Machine” de 2017. Editado el 01 de abril por el sello Rocket Recordings, “Hexen Valley” es el noveno larga duración de la extrema banda formado en 2006 en la localidad inglesa de Salford, Gran Mánchester. De acuerdo a las notas del disco, “el Valle de Calder es conocido desde hace décadas como enclave bohemio y epicentro de extrañas vibraciones. Es un área de West Yorkshire que se extiende aproximadamente entre Manchester y Leeds a través de un paisaje de aspecto accidentado y rico en encanto. Todmorden, una ciudad de ahí, ha sido el hogar de tantos avistamientos de OVNIs que ha sido apodada 'The UK's Roswell'. Sylvia Plath y Emily Brontë quedaron galvanizadas por su belleza natural. Y es donde Gnod se unió para crear “Hexen Valley”. El texto termina señalando que el nuevo disco es “una fuerza sónica monolítica, cargada por la energía de su entorno, que hace contacto con otros reinos. Es el sonido de una banda cuya temible intensidad solo es igualada por su impulso evolutivo. Es Gnod a pleno rendimiento, y es un lugar embrujado del que podrías tener dificultades para salir”.

Esta semana, en una nueva sesión de Rebelión Sónica, revisamos parte de la nueva banda de sonido del cuarteto japonés Mono, titulada “My Story, The Buraku Story”. El soundtrack, editado el 27 de mayo por el sello Temporary Residence, musicaliza un documental que explora la discriminación contra un colectivo de personas, comúnmente llamados “los burakumin”, que fueron clasificados en grupos humildes y segregados del resto de la sociedad japonesa durante siglos. Según la declaración de la banda: “Cuando el director de la película Yusaku Mitsuwaka se acercó a nosotros para crear la partitura ejemplar para un tema tan culturalmente sensible y significativo, nos inspiramos y tuvimos que aceptarlo”. La discográfica señaló que “siguiendo sus experimentos recientes con texturas electrónicas infundidas en sus composiciones dinámicas de rock, “My Story, The Buraku Story encuentra a Mono en su forma más discreta y elegíaca”. En la parte final del programa, viajamos al pasado en la historia de Mono, para escucharlos con material de su tercer disco de 2004, “Walking Cloud and Deep Red Sky, Flag Fluttered and the Sun Shined”.

Esta semana, dedicamos un nuevo capítulo de Rebelión Sónica al cantante británico Arthur Brown, con música de dos álbumes: su nuevo trabajo solista “Long Long Road” y “Journey”, el tercer y último disco que editó junto a su banda de rock psicodélico Kingdom Come en 1973. “Long Long Road” fue publicado el 24 de junio, justo en el día del cumpleaños número 80 del vocalista y artista performático. A cargo del sello Magnetic Eye Records, el álbum presenta a Brown en voz, guitarra y piano junto al multiinstrumentista Rik Patten, quien también trabajó con el músico en el álbum “The Magician’s Hat” de 2012. De acuerdo a la información de prensa, el nuevo disco “cambia sin esfuerzo del rock progresivo y el soul a un rock blues prístino, con el amado cantante reuniendo su rango vocal completo con un dominio maduro que solo viene con la experiencia única en la vida. Salvaje, vibrante y repleto de ricas texturas musicales, este álbum es la quintaesencia de Arthur Brown, y puede interpretarse fácilmente como la cúspide y el resumen de una carrera fascinante que se ha extendido por varias décadas”. Agrega que “Arthur es ampliamente reconocido como un pionero del shock rock y el rock progresivo, y una influencia significativa en el heavy metal. Sus presentaciones en vivo incluyen clásicos icónicos, danza, poesía, visuales y una banda sonora subliminal de nueva música electrónica. Cada vez que toca, Arthur todavía trae su estilo dramáticamente elegante y siempre extravagante que estableció como un estándar dorado en el escenario. Con cada nota de "Long Long Road", Brown hace unala declaración impresionante: que sigue siendo tan auténtico, desafiante, creativo y convincente como lo fue al comienzo de su carrera”. En la parte final del programa, viajamos al pasado en la historia del cantante, para escucharlo en su banda de los 70 Kingdom Come, específicamente con material del tercer disco: “Journey” de 1973. Además, recordamos que a mediados del año pasado, el sello Esoteric Recordings publicó el box set “Arthur Brown’s Kingdom Come: Eternal Messenger – An Anthology 1970-1973”, caja recopilatoria quíntuple del grupo británico.

Esta semana, dedicamos una nueva sesión de Rebelión Sónica, a la celebrada banda británica Black Midi, enfocándonos principalmente en su nuevo álbum “Hellfire”. Editado el 15 de julio por el sello Rough Trade, se trata del tercer álbum del conjunto experimental, integrado actualmente por Geordie Greep (voz, guitarra), Cameron Picton (voz, bajo, sintetizador y Morgan Simpson (batería), a quienes se les suman Seth Evans en teclados y Kaidi Akinnibi en saxo. Según la información entregada por el conjunto, el trabajo de diez pistas se escribió de forma aislada en Londres, poco después del lanzamiento del segundo álbum de la banda, “Cavalcade” de mediados de 2021. Geordie Greep señaló que “si “Cavalcade” era un drama, “Hellfire” es como una película de acción épica”. Greep agregó en una declaración que el nuevo álbum cuenta “las historias de personajes moralmente sospechosos y que cada historia se presenta con una narración en primera persona. Casi todos los representados son una especie de escoria”, concluyó el músico. “Casi todo lo que escribo es de algo real, algo que experimenté, exageré y escribí. No creo en el infierno, pero toda esa locura del viejo mundo es genial para las canciones. Siempre me han gustado las películas y cualquier otra cosa con una representación del infierno: el infierno de Dante, cuando Homero va al infierno en Los Simpson. También hay un infierno de robots en Futurama o Isaac Bashevis Singer, el escritor judío, retrata a un Satanás que interfiere en la vida de las personas. Hay un montón”. En la parte final del programa, viajamos al pasado en el catálogo de Black Midi, para escucharlos con material de su disco debut “Schlagenheim” de 2019.

Esta semana, dedicamos de manera íntegra el capítulo 20 de Rebelión Sónica, a “Deus Arrakis”, el disco 2022 y último del importantísimo músico alemán, fallecido a los 74 años el 26 de abril pasado, Klaus Schulze. Editado el 01 de julio por el sello SPV Recordings, el LP en estudio número 47 del fundamental compositor e instrumentista alemán, está inspirado en las novelas y películas de Frank Herbert, “Dune”. “Me atraparon nuevamente los desiertos de “Dune” y necesitaba más spice”, señaló Schulze. “Emocionado, regresé a mi estudio y encontré una grabación de violonchelo de Wolfgang Tiepold. A partir de ahí me sentí completamente liberado y solo toqué y toqué… al final de ese segundo viaje privado de “Dune” me di cuenta: “Deus Arrakis” se convirtió en otro saludo a Frank Herbert y a ese gran regalo de la vida en general”. Por su parte, SPV señaló que “el compositor, músico y productor Klaus Schulze despliega sus extensos sonidos, toca sus secuencias legendarias y crea esta 'atmósfera Schulze' única desde hace más de 50 años. Con “Deus Arrakis” la leyenda electrónica presenta ahora su nuevo álbum de estudio”.

Esta semana, en una nueva sesión de Rebelión Sónica, destacamos el viejo nuevo disco en vivo “Saturday Night In San Francisco”, que unió a tres de los más grandes guitarristas del jazz y la música instrumental contemporánea: John McLaughlin, Al DiMeola y Paco De Lucía. Lanzado por el sello earMusic el 01 de julio, el álbum documenta el show que el trío hizo en el teatro Warfield de San Francisco, Estados Unidos, el 6 de diciembre de 1980, la noche después de que se grabara el ahora legendario y exitoso álbum de 1981, “Friday Night In San Francisco”. Las cintas, de las que no se conocía de manera pública su existencia hasta ahora, fueron seleccionadas por DiMeola y su equipo, quienes escucharon los registros de la sesión en vivo originales de 16 pistas para crear “Saturday Night In San Francisco”. “Es emocionante porque el público estaba allí con nosotros, saboreando cada nota musical”, exclama DiMeola. “Y estábamos arrasando. ¡Fue una locura!”. “Horneé las contas profesionalmente para restaurarlas. Y resulta que son fenomenales. Y tocamos todas las melodías diferentes. En el primer disco tenía una canción llamada ‘Mediterranean Sundance’. Esta noche hay una canción llamada ‘Splendido Sundance’. Y hay tres piezas solistas sin acompañamiento. Así que no obtienes el mismo disco dos veces”.

Esta semana, en un nuevo capítulo de Rebelión Sónica, nos concentramos en los dos nuevos álbumes lanzados este año, por la destacada guitarrista, compositora e improvisadora estadounidense, Mary Halvorson. Titulados “Amaryllis & Belladonna”, los álbumes editados de manera conjunta el 13 de mayo pasado, marcan el debut de la celebrada instrumentista en el prestigioso sello Nonesuch Records. La disquera explicó que “Amaryllis” es una suite de seis canciones interpretada por un sexteto recién formado de maestros improvisadores, mientras que el cuarteto de cuerdas Mivos se une a tres de las canciones, lo que lo convierte en el conjunto más grande para el que Halvorson ha escrito música hasta la fecha. “Belladonna”, en tanto, es un conjunto de cinco piezas escritas para Halvorson en guitarra más el cuarteto Mivos, cuyas partes están compuestas y aumentadas por las improvisaciones de guitarra de Halvorson. Producido y mezclado por John Dieterich, el disco ha sido descrito como “una de las más complejas obras de la meteórica carrera de Halvorson”. Como es tradición, pueden escuchar Rebelión Sónica por radio Rockaxis, los miércoles a las 10, 17 y 23 horas, con la conducción de Héctor Aravena.

Esta semana, en una nueva sesión de Rebelión Sónica, los invitamos a escuchar material de “MU”, el nuevo disco que unió a los destacados músicos nacionales, el vientista Cristián Crisosto y el percusionista Christian Hirth, ambos integrantes de MediaBanda. Lanzado el 13 de mayo a través de los sellos Aconcagua Records y Radical Beat Producciones, según explicó la dupla, “MU” es un concepto japonés arraigado en un tipo de estado Zen, que habla del instinto y la intuición por sobre la lógica y la mente racional. Uno de sus significados es simplemente “vacío” o “puro”. Mu no admite ni permite la existencia de aquello que no es la máxima y la más pura expresión de la realidad y es capaz de esculpir el flujo del tiempo. Cristián Crisosto y Christian Hirth toman este concepto para musicalizar un espacio del tiempo a través de la improvisación espontánea, sin planes, sin ideas preconcebidas, solo utilizando el instinto y la acción antes del pensamiento. Destaca la colaboración de Ayumi Maesato cantante improvisadora japonesa, que participa en dos tracks del disco incluyendo fonéticas y textos que completan la obra. Las sesiones fueron realizadas en CHT Estudios el año 2019, en Santiago de Chile. Cristián Crisosto está en saxo alto, clarinete, flauta traversa, flauta baja y clarinete bajo, mientras que Christian Hirth está en batería, percusión y electrónica, con la mencionada invitada nipona Ayumi Maesato en voz. El disco está disponible en plataformas como Spotify, Youtube y Apple Music. En la parte final del programa, viajamos al pasado en la trayectoria conjunta de ambos músicos para escucharlos como parte de MediaBanda, con material de dos de sus discos: “Siendo perro” de 2010 y “Bombas en el aire” de 2017. Como es tradición, Rebelión Sónica sale al aire por radio Rockaxis, los miércoles a las 10, 17 y 23 horas -se repite los domingos a las 19-, con la conducción de Héctor Aravena.

Esta semana, en una nueva sesión de Rebelión Sónica, los invitamos a escuchar música del nuevo álbum de la clásica banda de la vanguardia francesa Heldon, “Antelast”. Lanzado por el sello Bam Balam Records a fines de abril de 2022, se trata del sucesor de “Only Chaos Is Real” de 2001 y muestra a la banda en formato de trío, como siempre, con su líder, el guitarrista y experimentador electrónico Richard Pinhas, junto al bajista Florian Tatard y al baterista Arthur Nancy. El álbum fue grabado en vivo en el Centro Cultural Lieu Unique en Nantes, Francia, a fines de 2019 y está integrado por cinco secciones. La disquera ha señalado: “Otro fantástico y explosivo álbum de Heldon. Richard Pinhas, el fundador de la leyenda de los 70 Heldon, es uno de los músicos experimentales más conocidos de Francia y es una figura clave en el desarrollo de la música rock fusionada con electrónica”. “La simbiosis perfecta entre los músicos les permite crear un sonido increíble lleno de potencia y energía”, remata el texto del sello. En la parte final del programa, viajamos al pasado en la historia de Heldon, para escucharlos con música de su quinto disco de 1976, “Un Rêve Sans Conséquence Spéciale”, uno de sus siete discos claves editados en la década de 1970.

Esta semana, en una nueva sesión de Rebelión Sónica, destacamos el álbum 2022 que unió al prolífico músico experimental, compositor e instrumentista australiano Oren Ambarchi, con los músicos suecos, el bajista Johan Berthling y el baterista Andreas Werliin. Titulado “Ghosted” y editado el 15 de abril por el sello Drag City, se trata de la segunda colaboración entre Ambarchi y Berthling, tras el álbum a dúo de 2015, “Tongue Tied”. Ambos músicos además han trabajado juntos muchas veces dentro y fuera del escenario desde 2003, incluidos varios encuentros en el ensamble Fire! Orchestra con el mismo Werliin y el saxofonista Mats Gustafsson. Los preparativos para “Ghosted” comenzaron en noviembre de 2018, cuando Ambarchi, Berthling y Werliin se reunieron en el Estudio Rymden en Estocolmo, Suecia. Tras el proceso de grabación, el disco fue mezclado y masterizado por Joe Talia en Good Mixture de Berlín. De acuerdo al Bandcamp de Ambarchi, los tres músicos “comparten una fascinación por el ritmo y la multitud de formas en el que puede subdividirse dentro del beat. Usando aspectos del jazz, músicas del mundo y experimentales, cada melodía se asienta en un hondo surco, excavando a través de ajustes mínimos continuos en un cada vez más profundo groove eterno”. En la parte final del programa, viajamos al pasado en el profuso catálogo de Ambarchi, para escucharlo con material de su disco solista “Audience Of One” de 2012, en el que participan músicos de la talla de Paul Duncan, Eyvind Kang y Crys Cole.

Destacamos el disco 2022 del proyecto del músico estadounidense Mark Nelson, Pan American. Titulado “The Patience Fader”, el álbum del guitarrista y experimentador, sobre todo reconocido por haber sido integrante de la influyente banda Labradford, fue lanzado el 18 de febrero por el sello Kranky. Según la disquera, se trata de “de un set de composiciones instrumentales pacíficas y exuberantes tocadas en guitarra. Las piezas se complementan con guitarra lap Steel, armónica y atmósferas electrónicas”. La declaración agrega que “la destilación glacial del ‘minimalismo romántico’ de Mark Nelson logra una fruición única en su última colección para Kranky, “The Patience Fader””. A su vez, explica que “al ser compuesto durante el muy aislado verano de 2020, las piezas tomaron forma como meditaciones sobre ‘las raíces y el duelo, tratando de conectar con esos ríos profundos y ocultos que conducen a una mayor comunidad’. En la parte final del programa, viajamos al pasado en la trayectoria de Nelson, para escucharlo como parte de Labradford, específicamente con material del tercer álbum homónimo del trío de 1996.

Tributamos al recientemente fallecido percusionista británico, Alan White. Baterista de Yes por 50 años, el músico murió el pasado jueves 26 de mayo a los 72 años de edad, tras una corta enfermedad. “La noticia ha choqueado y conmocionado a toda la familia Yes”, pudo leerse en el comunicado compartido por el grupo. La declaración agrega que: “Alan esperaba con ansias la próxima gira por el Reino Unido, para celebrar el 50 aniversario del icónico álbum “Close To The Edge”, justo cuando comenzó el viaje de Alan con Yes en julio de 1972. Recientemente celebró el 40 aniversario de su matrimonio con su amada esposa. Gigi. Alan falleció, en paz en su casa”. Considerado uno de los grandes bateristas del rock de todos los tiempos, White nació en 1949 en el condado de Durham y se unió a Yes el 30 de julio de 1972 para el “Close to the Edge Tour”. Anteriormente había trabajado con la banda Plastic Ono de John Lennon después de una llamada telefónica en 1969 para tocar en el Festival de Rock de Toronto. Alan continuó trabajando con Lennon incluso en el álbum “Imagine” y con George Harrison en “All Things Must Pass”. También trabajó con varios otros músicos a lo largo de los años, incluidos Ginger Baker's Air Force, Joe Cocker, Gary Wright, Doris Troy y Billy Preston, por nombrar solo algunos. Alan White fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de YES en 2017. La banda explica que una serie de contratiempos de salud desde 2016 restringieron el tiempo de Alan en el escenario con Yes en giras recientes, con Jay Schellen reemplazándolo y Alan uniéndose a la banda, con grandes aplausos, hacia el final de cada presentación. Yes dedicará su gira del 50 aniversario “Close to the Edge” por Reino Unido en junio a White. En este especial capítulo del programa tributaremos al baterista, con material de tres discos: “Relayer” (1974) y “90125” (1983) de Yes y del gran trabajo instrumental de 2011 “Levin/Torn/White”, que lo unió al bajista y stockista Tony Levin y al guitarrista David Torn.

Dedicamos Rebelión Sónica, a la inmensa figura del compositor y tecladista griego Vangelis, quien lamentablemente falleció el 17 de mayo pasado a los 79 años. Creador mayor de la música electrónica, pero también importante para el progresivo, la música clásica orquestal y la experimentación electrónica, la obra de Vangelis cruza cinco décadas entre discos solistas, soundtracks y colaboraciones. En este homenaje, dividiremos su trabajo en tres secciones bien delimitadas. Sus discos solistas, en este caso, representados por música de dos de sus álbumes fundamentales de los 70: “Heaven and Hell” de 1975 y “Albedo 0.39” de 1976. Luego, destacaremos su trabajo como fundamental compositor de bandas de sonido, con material de “Chariots of Fire” (1981) y “Blade Runner” (1982), para finalizar con su célebre colaboración con el cantante de Yes Jon Anderson, Jon & Vangelis.

Esta semana, en una nueva sesión de Rebelión Sónica, destacamos “Liverpool”, el álbum 2022 del guitarrista, compositor, investigador musical estadounidense y líder de la banda avant-punk Ahleuchatistas, Shane Parish. Editado el 04 de marzo pasado por el sello Dear Life Record, se trata de una colección de nueve reinterpretaciones de canciones folklóricas de distintas tradiciones, que el instrumentista traslapó a piezas de guitarra eléctrica. En un comunicado puede leerse que “Parish plantea la hipótesis de que estas viejas melodías son atemporales debido a su poder fisiológico para hacer vibrar el sistema nervioso humano de la manera correcta, son el código para la resonancia dentro del cuerpo y, por lo tanto, una parte fantástica y mágica de nuestra evolución”. Agrega que “el material de origen de Parish para hacer arreglos de guitarra de música folclórica es siempre la voz humana, en lugar de la guitarra o el banjo que se puede escuchar en las grabaciones de archivo. Primero transcribe la melodía vocal, luego construye sus propios arreglos únicos, permitiendo que el contorno de la melodía dicte la armonía, los adornos y las afinaciones que mejor resuenan y dan expresión a la canción”. Más adelante, la declaración explica que “después de meses de desarrollar elaboradas versiones de guitarra acústica de las canciones para lo que al principio pretendía ser un álbum de acústico en solitario, llegó un estallido de inspiración y reorganizó la música para guitarra eléctrica, instrumento en el que está en casa y que ha desarrollado en sus dos décadas como compositor y líder del grupo de vanguardia Ahleuchatistas”. En la parte final del programa, viajamos a 2020 para escuchar a Parish en guitarra en el disco “External Link”, junto al trío integrado por Jason Stein en clarinete bajo y Danny Piechocki en batería. De acuerdo al texto del LP: “El trío fusiona composición, free jazz explosivo, percusión grindcore, math rock, minimalismo a la Terry Riley y paisajes sonoros texturales, en un léxico único de interacción fluida y expresión virtuosa”.

Esta semana, dedicamos una nueva sesión de Rebelión Sónica, al nuevo disco en vivo de Soft Machine lanzado por Cuneiform Records, “Facelift France & Holland”. Editado el 25 de marzo de 2022, se trata de un rescate patrimonial que incluye dos conciertos de la banda realizados a principios de 1970: el 02 de marzo en el Théâtre de la Musique de París, Francia y el 17 de enero en el Concertgebouw de Ámsterdam, Países Bajos. De acuerdo a la información entregada a la prensa: “Desde sus inicios como banda de rock psicodélico en 1966, compartiendo escenarios con Pink Floyd y Jimi Hendrix Experience, hasta ser uno de los fundadores del jazz/rock eléctrico a principios de 1969, Soft Machine fue un grupo incansablemente creativo”. La declaración agrega que ““Facelift France & Holland” captura a la banda en un momento crucial en el primer trimestre de 1970, cuando fueron un quinteto de corta duración, justo antes de que grabaran y lanzaran su revolucionario álbum “Third””. La alineación cuenta con Mike Ratledge en órgano, Robert Wyatt en batería y voz, Hugh Hopper en bajo, Elton Dean en saxo alto y saxelo y Lyn Dobson en saxo soprano y tenor, flauta, armónica y voz. Recordemos además que la actual formación de Soft Machine, con John Marshall en batería, John Etheridge en guitarra, Theo Travis en viento y Fred Thelonious Baker en bajo, se presentarán el 27 de agosto en el Teatro Caupolicán.

Esta semana, dedicamos una nueva edición de Rebelión Sónica, a la banda liderada por Jason Pierce, Spiritualized, enfocándonos principalmente en el nuevo álbum “Everything Was Beautiful”. Editado el 22 de abril por el sello Fat Possum, el noveno disco del grupo inglés fue compuesto durante la pandemia, época en, según Pierce prosperó en “hermosa soledad” y que encontró inspiración en sus paseos por un “Londres romano vacío, lleno de cantos de pájaros y extrañeza y sin estelas”. Pierce toca 16 instrumentos diferentes en “Everything Was Beautiful”, pero también participan numerosos colaboradores invitados, incluidas secciones de cuerdas, metales y coros. En la parte final del programa, destacamos la campaña de reediciones, también a cargo de Fat Possum, de los cuatro primeros discos de la banda, en el proceso bautizado Spaceman Reissue Program que se llevó a cabo durante 2021. Escucharemos material del último disco de la iniciativa: el cuarto disco “Let It Come Down” que fue reeditado en su nueva versión el 22 de octubre del año pasado.

Si la semana pasada escuchamos el álbum debut 2022 del octeto Asceta y material antiguo de Ábrete Gandul, en esta ocasión dedicamos la mayoría del programa al nuevo trabajo que unió al cantautor nacional Luis Pezoa, alias Doctor Pez, con el quinteto LaKut, “Democracia”. Además, nos adelantamos al lanzamiento en vivo del álbum, que será este viernes 29 de abril a las 21 horas en el Espacio del Ángel, (Huérfanos 786, Santiago) -preventa ya disponible a $ 7.000. $ 10.000 el día del evento-, en un show que además contará con la presencia de la cantante y acordeonista Camila Vaccaro. Según un comunicado enviado por la banda: “Tras años de espera, de un estallido social y de una pandemia, “Democracia” finalmente será lanzado en gloria y majestad. Se trata de un disco que une a dos entrañables amigos y colaboradores: el reconocido cantautor y poeta nacional Doctor Pez, y el grupo LaKut (2004), destacado por su apuesta de rock experimental, free rockjazz e improvisación”. El material, que comenzó a forjarse en 2012 con el deseo de ambas partes por realizar un disco en conjunto, se grabó finalmente en octubre de 2021 en los famosos estudios de La Makinita. “Democracia” está compuesto por nueve temas originales de Luis Pezoa (Doctor Pez), elegidos y reinterpretados por el grupo LaKut, con arreglos escritos por el bajista del grupo Raúl “Ulra” Díaz, también productor del proyecto. El resultado es un disco que describen como “el conjuro silencioso de unos tipos triangulados entre la improvisación, la partitura y la canción de autor”. LaKut también está integrado por Sebastián Carrasco en trompeta, Edén Carrasco en saxo tenor, Marcelo Maldonado en trombón y Matías Mardones en batería. En la parte final del programa, viajamos al pasado en la historia de LaKut, para escucharlos con material de su segundo álbum “Un minuto de silencio” de 2011.

Esta semana, dedicamos un nuevo capítulo de Rebelión Sónica, a dos importantes proyectos de música nacional: el ensamble de ocho músicos Asceta, que recientemente lanzó su álbum debut homónimo y la banda Ábrete Gandul con material de su segundo disco de 2005, “Cuentos para dormir”. La agrupación AZ está concebida como un ensamble de música de cámara que fusiona las distintas corrientes de la música clásica con tendencias contemporáneas cómo el rock, el jazz, la electrónica y la experimentación. De acuerdo a un comunicado del proyecto, “la estética musical es muy ecléctica, diversa y predominan atmósferas oscuras e hipnóticas, hasta paisajes de simplicidad y belleza”. “AZ sigue los pasos de bandas de culto como Univers Zéro, Nazca, Miriodor, Art Zoyd y Présent. Es Rock en Oposición. Es Stravinsky en clave rock. Es música de cámara contemporánea con una buena dosis de eclecticismo”, señala una declaración del sello mexicano a cargo de la edición, Azafrán Media. La composición y producción musical está a cargo de Rodrigo Maccioni y la agrupación funciona cómo un colectivo de músicos no estables. Instrumentalmente el ensamble es un octeto, cuyos músicos ejecutan instrumentos acústicos, electroacústicos, eléctricos, análogos y digitales. Justamente, en la parte final del programa vamos con música de la banda “madre” de Maccioni, Ábrete Gandul, específicamente del segundo disco de cuatro que tiene la banda progresiva nacional, “Cuentos para dormir” de 2005.

Esta semana, en una nueva sesión de Rebelión Sónica, destacamos la faceta en vivo de los pioneros del space rock Gong, con material de dos discos editados hace algunos meses: “Pulsing Signals” de 2022 y “Live At Longlaville” de 2021. El primero de ellos, fue editado por el sello Kscope el 18 de febrero en cedé y formatos digitales, mientras que el 22 de marzo fue el turno de su versión en doble vinilo. El álbum fue extraído de tres shows que la agrupación hizo en Reino Unido en 2019 mientras realizaba su gira de promoción de su álbum “The Universe Also Collapses” (2019), específicamente en los conciertos en en Leeds, Newcastle y Nottingham. De acuerdo a la información entregada por el conjunto, “este disco en vivo muestra al grupo animado mientras emprenden, sin que ellos lo supieran, lo que sería su gira final antes de que la pandemia mundial obligara a cancelar todo”. El texto explica que debido a que Gong es una banda con integrantes de distintas partes del mundo, las cuarentenas y las restricciones para viajar hicieron imposible convocar y trabajar en nueva música. Agrega que el grupo recibió muchas solicitudes de los fanáticos para lanzar un álbum en vivo y, afortunadamente, existían grabaciones multipista de varios shows de la gira de 2019. El bajista Dave Sturt revisó todas las cintas maestras y seleccionó las mejores interpretaciones que se convirtieron en “Pulsing Signals”. En la parte final del programa, viajamos al glorioso pasado en la historia de la banda, para escuchar música del álbum en vivo doble “Live At Longlaville”. Editado el 10 de diciembre del año pasado por el sello Madfish, el disco rescata un documento grabado en 1974 con pistas clásicas de la banda liderada por Daevid Allen, en el que es considerado su período más creativo e importante. Registrado en medio de su era de su celebrada trilogía “Radio Gnome Invisible”, “Live at Longlaville: Salle Elsa-Triolet, 27.10.74” es un concierto inédito descubierto recientemente en los archivos del grupo. A pesar de que 1974 fue uno de los años más intensos en la historia de la banda, con más de 150 conciertos realizados, existen relativamente pocas grabaciones en vivo de esa época. “Tenemos la suerte de haber descubierto uno tan bueno. Cuando se trataba de esconder grabaciones para el disfrute futuro, la iluminación o incluso un posible enriquecimiento, Gong no era Grateful Dead”, señala con sarcasmo la nota de prensa. “Dentro de estas grabaciones se puede escuchar a Gong en su mejor momento y disparando a toda máquina”, concluye la declaración.

Esta semana, en una nueva edición de Rebelión Sónica, destacamos el trabajo 2022 que unió al importante músico del rock alemán Michael Rother con la artista italiana Vittoria Maccabruni, “As Long As The Light”. Editado por el sello Groenland Records el 21 de enero pasado, el álbum colaborativo es una nueva muestra de la plena vigencia y actualidad del maestro germano, que en 2020 publicó su disco “Dreaming”, además de lanzar box sets con su trabajo solista y en bandas como Harmonia. Justamente, en la última parte del programa, viajamos al pasado en la historia de Rother, para celebrar los 50 años de la edición del disco debut homónimo de Neu! -producido por Conny Plank-, la emblemática e influyente banda Krautrock que dirigió junto al baterista Klaus Dinger.

Esta semana, en una nueva sesión de Rebelión Sónica, destacamos el álbum 2022 de la banda nipona Boris “W”, además de su colaboración “Rainbow”, que en 2007 los unió con el importante guitarrista y compatriota, Michio Kurihara. Editado el 21 de enero, el vigésimo séptimo trabajo en estudio del inclasificable trío de Tokio, está pensado como una obra complementaria del disco “No” (2000) y marca el debut del trío en el sello estadounidense Sacred Bones. De acuerdo a la disquera, “en un esfuerzo por sublimar la energía negativa que rodeó a todos en 2020, Boris centró toda su energía de manera creativa y produjo el álbum más extremo de su larga y ampliamente celebrada carrera: “NO”. La banda auto-lanzó el álbum, deseando sacarlo lo más rápido posible, pero intencionalmente llamó a la pista final del álbum ‘Interlude’, como una anticipación de una secuela”. El comunicado agrega que “el disco se abre con la misma melodía de ‘Interlude’ en una pieza titulada ‘I want to go to the side where you can touch...’ y en contraste con los sonidos extremos que se encuentran en “NO”, este nuevo álbum susurra al oído del oyente con un sonido brumoso y tembloroso destinado a despertar la sensación. “NO y W se entrelazan para formar “NOW”, un dúo de lanzamientos que se responden entre sí”. Como adelantábamos, en la parte final del programa, viajamos al pasado en la historia de la banda, para escuchar música del disco “Rainbow”, que en 2007 los unió con el importante guitarrista, también nipón, Michio Kurihara.

Esta semana, dedicamos una nueva edición de Rebelión Sónica, al nuevo disco del importante pianista, compositor y arreglador musical estadounidense, Brad Mehldau, “Jacob’s Ladder”. Editado el 18 de marzo recién pasado por Nonesuch Records, “el álbum presenta piezas que reflexionan sobre las escrituras y la búsqueda de Dios a través de música inspirada en el rock progresivo que Mehldau amaba cuando era un joven adolescente y que fue su puerta de entrada a la fusión que eventualmente lo llevó a descubrir el jazz”. A su vez, el disco cuenta con colaboraciones de destacados músicos, entre ellos, el mandolinista Chris Thile, la cantante Cécile McLorin Salvant, el baterista Mark Guiliana, la cantante Becca Stevens y el saxofonista Joel Frahm. “El conducto musical del disco es el rock progresivo”, señaló el mismo Mehldau. “El prog fue la música de mi infancia, antes de que descubriera el jazz. Fue mi puerta de entrada a la fusión de Miles Davis, Weather Report, Mahavishnu Orchestra y otros grupos, que a su vez fue la puerta de entrada a más jazz. El jazz compartía con el progresivo un alcance expresivo más amplio y ambiciones a mayor escala que la música rock que ya conocía”. “El progresivo de Rush, Gentle Giant y Emerson, Lake and Palmer aquí solo insinúa el rango conceptual, compositivo y emocional del género (…). Evitar un enfoque de tributo directo a todas las canciones, y opté en algunos casos por extractos o reelaboración de temas”, concluye Mehldau. En esta ocasión, escucharemos composiciones originales y adaptaciones de piezas de Rush y Gentle Giant. Como es tradición, Rebelión Sónica se transmite por radio Rockaxis los miércoles a las 10, 17 y 23 horas -se repite los domingos a las 19 horas-, con la conducción de Héctor Aravena.

Esta semana, seguimos con bandas clásicas en una nueva edición de Rebelión Sónica: si en el capítulo pasado escuchamos a Los Blops, tributando al recientemente fallecido fundador de la banda chilena Julio Villalobos, ahora viajamos a Inglaterra, para escuchar el nuevo disco de los icónicos Jethro Tull. Titulado “The Zealot Gene”, el álbum en estudio número 22 del grupo de Ian Anderson, fue editado por el sello InsideOut el 28 de enero pasado y tiene la importancia de ser el primero desde “The Jethro Tull Christmas Album” de 2003 y el primero con canciones originales desde “J-Tull Dot Com” de 1999. Junto a Anderson en voces, flauta, guitarra acústica, mandolina, flauta irlandesa y armónica, la formación actual de la banda incluye al baterista Scott Hammond, al tecladista John O’Hara, al bajista David Goodier y al guitarrista eléctrico Florian Opahle. En la parte final del programa, viajamos al pasado en la historia de Jethro Tull, para escucharlos con material del importante disco de 1971, “Aqualung”. Como es tradición, Rebelión Sónica sale al aire por radio Rockaxis los miércoles a las 10, 17 y 23 horas, con la conducción de Héctor Aravena.

Esta semana, comenzamos una nueva temporada de Rebelión Sónica, con un especial de Los Blops dedicado a la obra y memoria del cantante, guitarrista, compositor y fundador de la esencial banda, Julio Villalobos, quien murió la semana pasada a los 73 años. Figura crucial en el desarrollo del rock chileno, Villalobos participó en los dos primeros discos de Los Blops –“Blops” de 1970 y “Del Volar de las Palomas” de 1971-, para luego recluirse por décadas por una grave enfermedad mental. Además, entre 1969 y 1971, tanto como solista como miembro de Los Blops, grabó como guitarrista con Ángel Parra, Víctor Jara, Patricio Manns y Carmen Luisa Parra, entre otros y, más adelante, siguió componiendo canciones que, lamentablemente, nunca llegaron a ser grabadas de manera profesional. En este primer capítulo del programa, que pueden escuchar en radio Rockaxis los miércoles a las 10, 17 y 23 horas con la conducción de Héctor Aravena -se repite los domingos a las 19 horas-, homenajearemos su música, poesía, talento instrumental y su innegable calidad humana, con canciones aparecidas en los dos discos de Los Blops en los que participó.

Esta semana, en el último capítulo de la temporada 2021 del Rebelión Sónica, los invitamos a repasar música de la cantante, improvisadora electrónica y exponente del avant-garde y el experimentalismo, Phew, alias de la artista nipona Hiromi Moritani. En primer lugar, revisaremos parte de su nuevo álbum “New Decade”, que fue lanzado el 22 de octubre de 2021 por el sello Mute, el primero con esa importante etiqueta desde “Our Likeness” de 1992. Inspirado por ideas de futuros perdidos, “New Decade” muestra a Moritani “combinando componentes electrónicos fracturados con drones y bromas vacías cantadas tanto en inglés como en japonés”. De acuerdo a una declaración de Phew, el álbum se centra en la percepción del tiempo. “Durante los años 80 y hasta los 90, las cosas progresaron a lo largo de una línea del pasado al presente y al futuro, pero creo que eso ha cambiado, especialmente desde principios del siglo XXI. Personalmente, dejé de poder ver un futuro que se extiende desde el presente”. En la parte final del programa, retrocedemos cuatro décadas en la carrera de Phew, para escucharla, cuando tras la salida de su banda de art-punk primaria Aunt Sally, se unió con los músicos alemanes Holger Czukay, Jaki Liebezeit -ambos de Can- y el reconocido productor Conny Plank, para lanzar su disco homónimo en 1981.