Guiones y guionistas

El artículo 84. Cómo crear una webserie de éxito se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy comenzamos el curso de creación de webseries y para celebrarlo vamos a entrevistar a Gastón Armagno, que es el uruguayo que más sabe de series web, y no porque lo haya estudiado, sino porque ya ha realizado varias que han viajado por festivales del mundo entero. No os perdáis la entrevista porque Gastón va a darnos muchos consejos para poder crear una webserie de éxito. Y como os comentaba, hoy comenzamos el curso de creación de Webseries. A lo largo de 10 lecciones os guiaré paso a paso a través de videotutoriales para que podáis entender qué es una serie web, en qué se diferencia de una serie televisiva y cómo crear una webserie desde cero. Veremos cómo crear la idea, el logline, el formato, el género, la estructura y mapa de tramas de la temporada, la estructura del webisodio y nos plantearemos cómo financiarla y distribuirla. En el primera clase veremos una historia de las webseries, desde la primera que se subió a internet hasta la actualidad, viendo los grandes hitos que se han producido en el género. Crear una webserie según Gastón Armagno Hoy tenemos en Guiones y guionistas a Gastón Armagno, un guionista, actor, director y productor uruguayo que tiene mucha experiencia en webseries y que actualmente está de estreno porque su webserie el Maravilloso Parque Hoolister, después de pasar por varios festivales por el mundo entero, por fin se ha estrenado y todos podemos disfrutarla. El Maravilloso Parque Hoolister El creador de webseries como Escuela de Canotaje, Chack Morris Life, Uruguay desconocido, El Maravilloso Parque Hoolister u Hotel Romanov, nos cuenta cómo empezó a producir webseries, cómo le surgen la ideas, el tipo de estructura narrativa que utiliza en sus series, cómo financiarlas y distribuirlas… en definitivas cuentas, muchos consejos para todos los que quieren adentrarse en el novedoso mundo de las webseries. Podéis ver sus webseries en: Escuela de canotaje Chack Morris Life El Maravilloso Parque Hoolister La productora de Gastón es: https://finolifilms.com/ Y el que quiera localizar a Gastón sus redes son… Instagram: @gastonarmagno Twitter: @UruguayanEWOK Facebook: https://www.facebook.com/gaston.armagno Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos hablado con Gastón Armagno sobre cómo crear una webserie. Y si os ha gustado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 84. Cómo crear una webserie de éxito se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 83. Práctica con guiones: El silencio de los corderos se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy vamos a analizar el guion de una película que es un clásico moderno y que marcó una época en cuanto al cine de thriller y horror. Una película que en 1991 ganó los cinco oscars más importantes: película, director, actor, actriz y, por supuesto, guion adaptado. Me refiero a The Silence of the Lambs (El silencio de los corderos en España o El silencio de los inocentes en Hispanoamérica) Y vamos a hacer el análisis de la mano de uno de los grandes maestros del guion: Syd Field. Hoy terminamos el curso de Programas Gratuitos de Escritura de Guion. En esta última clase veremos un programa diferente a los demás. YouMeScript. Una aplicación para trabajar en internet que funciona en conexión con Google Drive. Muy sencilla y muy eficiente, ya veréis. Y ahora sí, anuncio el otro curso que comenzará la próxima semana. Uno de ellos ya dije que era Creación de Webseries. Aunque el curso de Biblias de Series de televisión también tenía muchos votos, lo voy a dejar para otra tanda porque tiene cosas similares con el de webseries y no quiero que se solapen. El que comienza va a ser un curso muy original que os va ser muy útil: Creatividad online. Programas y aplicaciones online que fomentan y desarrollan la creatividad para hacer guiones y escribir en general. El silencio de los corderos a análisis Y ahora sí, Syd Field el autor de El libro del guion y de El manual del guionista, a mediados de los noventa escribió un libro que a mí me encanta en que analiza cuatro de los guiones más famosos de la época. Prácticas con cuatro guiones hace un detallado y ameno análisis de cuatro innovadores clásicos contemporáneos: Thelma y Louise, Terminator 2, El silencio de los corderos y Bailando con Lobos. Es un libro apasionante en el que analiza la estructura de los guiones. Y digo de los guiones porque él analiza el guion y ve después lo que salió en la película y las escenas que fueron eliminadas. Y lo mejor es que entrevista a los guionistas y les hace mil preguntas sobre sus guiones y su método de trabajo. El día que hice el podcast sobre las mujeres guionistas hablé un poco de Thelma y Louise y de su guionista Callie Khouri y hoy vamos a ver el análisis que hace Syd Field del guion de El silencio de los corderos y su entrevista a Ted Tally, su guionista. Podcast Cómo adaptar un guion Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos analizado el guion de El silencio de los corderos de la mano de Syd Field. Y si os ha gustado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 83. Práctica con guiones: El silencio de los corderos se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 82. Netflix y los cuatro ciclos de Borges se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy vamos a hacer un experimento muy curioso. Vamos a ver en qué consisten los cuatro ciclos de Borges, es decir los argumentos universales según el escritor argentino, y vamos a ver cómo se cumplen en las series de la plataforma Netflix. El objetivo es comprobar si hay patrones ocultos en las series más famosas de la plataforma. Hoy terminamos el curso de estructuras narrativas, un curso que os ha gustado mucho porque abre muchas opciones a vuestras historias. En esta última clase veremos en qué consisten los siete pasos de John Truby y cómo podemos aplicarlos a nuestras historias. Y ahora sí, anuncio uno de los nuevos cursos que comienzan la próxima semana. Es un curso que me habíais pedido mucho y estaba en el top de las votaciones: Creación de Webseries. Veremos en qué consisten las webseries y cómo crear una. Y aprovecho para anunciaros un concurso de guiones para webseries de la web Cultura Colectiva. Tiene un premio de 20.000 MXN $. Y los responsables de la web quieren producir entre una y diez webseries, con lo que además del dinero hay posibilidades de su producción. Os dejo el enlace con las bases. Yo creo que es un buen incentivo para que os lancéis a escribir una webserie con un objetivo claro. El plazo de presentación es el 27 de abril, por lo que tenéis tiempo. Y de paso os recuerdo que el Club Lectura de Guiones sigue abierto. Yo sigo esperando vuestros guiones de cortometrajes para leerlos en el podcast. Animaos, Gabriela, la autora del corto Mercedes que leí en la última sesión del Club de Lectura quedó muy contenta con la experiencia. Los cuatro ciclos de Borges Hace cuatro años, el guionista Javier Menéndez, autor del blog La solución elegante, escribió un artículo en la revista Yorukobu que se titulaba Borges y las series más pirateadas de 2014. En este artículo, Javier extraía la lista de las series más pirateadas según la web BitTorrent, y las intentaba ubicar dentro de la categoría de argumentos universales que creó Jorge Luis Borges. Pero vamos por el principio. En el libro de poemas El oro de los tigres, Borges escribe un texto, titulado Los cuatro ciclos. En este texto enuncia por primera vez que hay según él cuatro argumentos básicos que se repiten en la literatura. Que son: una ciudad sitiada, una busca, un regreso y el sacrificio de un dios. Historias que según Borges “seguiremos narrándolas, transformadas”. La idea de los argumentos universales no es nueva en Guiones y Guionistas ya que vimos anteriormente los argumentos universales de Blake Snyder en dos podcast. Pero hoy vamos a ver la propuesta de Borges y comprobar si se cumple en las series más importantes de Netflix. Veamos a través de sus propias palabras en qué consisten los cuatro ciclos. 1. La fuerte ciudad. “Cuatro son las historias, una, la más antigua, es la de una fuerte ciudad que cercan y defienden hombres valientes. Los defensores saben que la ciudad será entregada al hierro y al fuego y que su batalla es inútil; el más famoso de los agresores, Aquiles, sabe que su destino es morir antes de la victoria. Los siglos fueron agregando elementos de magia.” “Se dijo que Helena de Troya, por la cual los ejércitos murieron, era una hermosa nube, una sombra; se dijo que el gran caballo griego en el que se ocultaron los griegos, era también una apariencia. Homero no habrá sido el primer poeta que refirió la fábula. Dante Daniel Rosetti, imaginaría que la suerte de Troya quedó sellada en aquel instante en que Paris arde en amor de Helena; Yeats elegirá el instante en que se confunden Leda y el cisne que era un dios.” La historia de una fuerte ciudad que cercan y defienden hombres valientes en la actualidad se ve representada en las cárceles y prisiones de las diferentes series. Normalmente los protagonistas de estas series suelen ser los presos, y los que antagonistas que los tienen cercados los funcionarios de prisiones. Una de las primeras series de Netflix, Orange is the New Black, trata sobre una mujer de clase media que termina en la cárcel por haber participado en un crimen relacionado con drogas una década antes. Basada en un libro de una historia real, escrita por Piper Kerman, quien se inspiró en sus años blanqueando dinero y su tiempo de condena. La tensión entre los propios clanes de las presidiarias y su relación con los carceleros siguen generando tramas cinco temporadas después. Argentina tuvo su propio Prison Break con Marginal, una serie ambientada en una cárcel de Buenos Aires. El protagonista es un policía que, para purgar su condena, debe infiltrarse en la prisión para resolver el secuestro de la hija de un juez. Aquí el mayor peligro del protagonista no son los carceleros que mantienen el encierro, sino las bandas que controlan la prisión. Podemos encontrar otra variante a la prisión de “fuerte ciudad cercada” en La casa de papel. Aquí los protagonistas son quienes provocan el encierro al atracar

El artículo 81. Mujeres guionistas… ¡felicidades! se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy por ser 8 de marzo en Guiones y Guionistas vamos a dedicarle el podcast a las mujeres guionistas de la mejor forma que se me ocurre: visivilizándolas. Como expliqué en el podcast de El test de Bechdel, hay muy pocas mujeres guionistas en comparación con los hombres. Hoy vamos a hablar aquí de las que hicieron historia de una o de otra manera. Pero antes recordaros que en la Plataforma de Cursos seguimos con el curso de Programas Gratuitos de Guion. Hoy continuamos con otro programa para hacer storyboard, pero este tiene la ventaja de tener herramientas para hacer nuestros propios dibujos. Me refiero a Storyboarder. Tiene lápices, plumas y pinceles y una fácil integración con Photoshop para retocar los dibujos. Y os recuerdo que la semana que viene termina esta ronda de cursos y anunciamos los nuevos cursos. Para votar nuevos cursos puedes ir a la web. Las mujeres guionistas Como decía antes, hoy vamos a visibilizar a las mujeres guionistas por el día de la mujer. Pero por seleccionar un poco voy a hablar solo de las profesionales cuya dedicación principal sea escribir guiones, es decir, no voy a tratar aquí a las que además de escribir dirijan. No es que Jane Campion o Sofia Coppola no sean también guionistas por dirigir sus películas, de hecho las dos ganaron el Oscar al mejor guion original por El Piano y Lost in Traslation respectivamente. Pero hoy quiero mencionar a las que son guionistas por encima de todo. Que para eso el podcast se llama Guiones y guionistas. Y también me voy a centrar solo en guionistas de cine. En España por ejemplo, estas últimas décadas en televisión han surgido muchas mujeres guionistas tanto en programas como en series. Y en Estados Unidos varias además de guionistas son showrunner y son las máximas responsables de las series. Hablo de Shonda Rhimes o de Jenji Kohan, por ejemplo. Las tres mujeres guionistas más famosas de la historia. Anita Loos. Anita Loos fue una escritora estadounidense conocida por su novela cómica Los caballeros las prefieren rubias (1926) y su continuación, Pero se casan con las morenas (1928). Además, escribió regularmente para las revistas Harper’s Bazaar, Vanity Fair y The New Yorker y trabajó como guionista para la Metro Goldwyn Mayer durante 18 años. Anita Loos se casó con el director John Emerson y juntos hicieron una serie de exitosas películas de Douglas Fairbanks que les dieron la fama. También escribieron juntos uno de los primeros manuales sobre escritura de guiones de la historia: How to Write Photoplays en 1921. Años después Anita acusó a su marido de apropiarse del prestigio de su trabajo, ya que los guiones los escribía ella y los firmaban los dos, y parte de su fortuna. Cosas de las mujeres guionistas de la época. The New York Hat, protagonizada por Mary Pickford y Lionel Barrymore y dirigida por D. W. Griffith, fue su tercer guion y el primero en ser producido. Loos buceaba en la vida real para sus guiones: representó a los compinches de su padre, los amigos de su hermano y los ricos turistas de los complejos de San Diego. Entre 1912 y 1915, redactó 105 guiones, de los cuales solo cuatro quedaron sin producir, y escribiría 200 guiones más. Si queréis ver The New York Hat podéis hacerlo gracias a Youtube. Os dejo el enlace. Dura menos de 10 minutos. Cortometraje The New York Hat (1902) Fances Marion. Continuamos con otro peso pesado, Fances Marion. Una de las más grandes mujeres guionistas de la historia del cine. No solo por ser muy prolífica, según la Wikipedia participó en más de 300 guiones y en más de 130 películas, sino por ser la primera mujer en ganar un oscar por guion. Estamos hablando de 1930, cuando apenas empezaban las películas habladas, y todavía no se diferenciaban los oscar a guion original y guion adaptado. Marion nació en San Francisco, trabajó como periodista, y fue corresponsal de guerra durante la Primera Guerra Mundial. A su vuelta a casa, se mudó a Los Ángeles y fue contratada como guionista ayudante. Ganó su primer oscar por la película The Big House. Un par de años después volvió a llevarse la estatuilla a casa por The Champ. Abandonó Hollywood en 1946 para dedicar más tiempo a escribir teatro y novelas. Y como este podcast se llama Guiones y guionistas, voy a hablar de una de las obras de cada guionista. Como contaba antes, Fances ganó un oscar por la película The Big House. ¿A qué os remite el nombre The Big House? ¿Una casa de una familia numerosa? ¿Una historia en la Casa Blanca? Pues nada de eso, la big house a que se refiere el título es una cárcel. Y la película una de las primeras centradas en el mundo de la cárcel en la que un convicto se enamora de la hermana de su nuevo compañero de celda. Un poco de melodrama dentro de un plan de fuga con consecuencias letales. Suso Cecchi D’Amico. Cecchi D´Amico, conocida como La Reina de Cinecittà, fue la guionista más famosa del cine

El artículo 80. Quién hay detrás del Inquilino guionista y guionnews se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Lo primero felicitar a los ganadores de los oscar a mejor guion. Jordan Peele, premio al guion original por Get out y a James Ivory premio al guion adaptado por Call me by your name, que a sus 89 años se ha convertido en la persona de mayor edad en ganar un Oscar. Hoy vamos a conversar con la persona que hay detrás de los blogs de guion más conocidos de toda Latinoamérica: El inquilino Guionista y Guionnews. Os doy un par de pistas: es español pero vive en México desde hace 15 años. Ahora conectamos con él y lo conocéis en persona. Y continuamos con el curso de Estructuras Narrativas para los que ya están suscritos en la Plataforma Guiones y Guionistas. Vamos a tratar la narrativa interactiva, que es la utilizada en los videojuegos, realidad virtual o en los clásicos libros de Elige tu propia aventura de nuestra infancia. Vamos a ver los diferentes tipos de estructuras interactivas. Muy diferente a todo lo que hemos visto en el curso hasta ahora. La semana que viene será la última clase y anunciaré los próximos cursos que empezarán en la plataforma. Y muy feliz por la acogida que tuvo el planner de personajes. “Muy completo” y “menudo trabajo”, son algunos de los comentarios que he recibido. Y es que se aborda la creación del personaje desde diferentes métodos para que podáis encontrar el que os resulte más útil a cada uno. Los que tengáis curiosidad podéis echar un ojo en la web, que hay fotos y esquemas. ¿Quién hay detrás del blog de guion más leído de Latinoamérica? Hoy voy a conversar con Aarón Romera, un guionista español afincado en México culpable de haber creado el famoso blog de guion El inquilino Guionista y el blog de noticias de guion Guionnews.com. Vamos a charlar con él de cómo surgió el blog, cuál es su objetivo, cómo selecciona las noticias que salen en él, cuáles son las noticias con más éxito, el tipo de lectores que tienen y las visitas al día que reciben, y en general del mundo del guion y los guionistas de habla hispana. Un charla muy suculenta que os aconsejo no perderos. Podéis encontrar a Aarón en El inquilino guionista Guionnews Si os gusta el mundo de guion, y todavía no conocéis estos blogs ya estáis tardando. Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos hablado con Aarón Romera sobre El inquilino guionista y Guionnews. Y si os ha gustado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 80. Quién hay detrás del Inquilino guionista y guionnews se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 79. Qué es el Planner de personajes se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Cuando lancé el planner de guion muchos me dijisteis que os parecía una muy buena idea y que querías más planner. Hice una encuesta y el que salió con más votos fue el planner de personajes. Pues ya está aquí. Un planner que os ayudará a desarrollar los personajes para vuestros guiones, ya sean de serie o de película, pero que también sirve para la escritura de obras de teatro o novelas. Pero antes recordaros que en la Plataforma de Cursos seguimos con el curso de Programas Gratuitos de Guion. Hoy vamos a ver el Celtx Shots, una aplicación del ecosistema Celtx para hacer storyboard. Es muy útil, puedes hacer animaciones con tu storyboard, para hacerte una idea de cómo quedará tu película, y asociar las imágenes del storyboard con plantas de cámaras. Es un paso adelante más allá del guion pero que puede ser útil para los guionistas. Por cierto muchas gracias a los que os suscribís a los cursos y compráis los planner porque ayudáis a que este podcast sea sostenible. Dedico muchas horas a la semana a preparar los capítulos, grabarlos y subirlos. Y la forma de mantenerlo pasa por que consumáis los cursos y los productos que voy creando. Muchas gracias a todos, la verdad. ¿Qué es un planner de personajes? Los que ya tenéis el planner de guion sabéis que es una guía que te lleva de la mano en el proceso de escritura de un guion. Un planificador que te explica todos los pasos desde la búsqueda de una idea hasta la estructura final. Os recuerdo mi mantra de la escritura de guiones: ¡Pensar, estructurar, escribir! Y el planner os guía en las dos primeras fases, pensar y estructurar. De tal forma que cuando vayas a escribir tengas todos los deberes hechos y sea todo más sencillo. Pues el planner de personajes tiene la misma función, pero centrada en el desarrollo de personajes. Antes de escribir una historia ayuda bastante conocer a nuestros personajes para ver cómo reaccionan a las tramas de nuestro guion. Puedes profundizar más o menos, según tus preferencias, pero el planner te ayuda en el proceso. En el planificador utilizo diferentes vías de acercamiento a la creación y desarrollo de personajes para que tú pruebes las que más te gusten y al final te quedes con las que mejor te funcionen. Y elegí el formato planner imprimible, por un lado porque es más fácil el acceso a él. Lo compras y al segundo después ya te lo has descargado y puedes empezar a usarlo. Y por otro, porque te permite imprimirlo y utilizarlo rellenándolo con tu puño y letra, haciendo el proceso más creativo, ya que la escritura manual te ayuda a enfocarte en lo que deseas y crear imágenes mentales. El planner en PDF son más de 130 páginas con un diseño moderno en color. Lo bueno de un PDF es que te permite customizarlo a tu gusto. Es decir, te bajas el PDF y después tú mismo imprimes las páginas que desees y te construyes el cuaderno que tú quieras. Me explico. En la fase de profundización tiene una batería de 140 preguntas que tú puedes hacer a tu personaje para saber más de él. Pues bien, puedes imprimirte las páginas que desees si te interesan más unas preguntas u otras y, si quieres profundizar con los dos personajes principales, te puedes imprimir dos copias. Tú mismo te construyes el planner según tus necesidades. Por otro lado, tú te lo puedes imprimir en color, o si lo prefieres en blanco y negro que, aunque no es tan bonito, es más barato. También puedes decidir el tamaño que va a tener. Puedes hacer un cuaderno grande, de Dina 4, es decir un folio, o hacer un Dina 5, que es un cuaderno más pequeño y fácil de llevar. Y entonces imprimes dos páginas por cada hoja. En resumidas cuentas, el formato de un PDF descargable te permite la flexibilidad de tener el planner que tú decidas. ¿Y qué contiene el planner de personajes? Comenzamos el planner proponiendo una búsqueda de ideas para crear personajes por observación y por experiencia. Propongo que toméis ideas para crear personajes a partir de la observación de personas reales. Si queréis ver cómo, hice un experimento a tiempo real en un podcast. Salía a la calle a la búsqueda de ideas. Fue muy divertido, os dejo el enlace. Podcast sobre la creación de personajes a partir de la observación Además de observación se pueden sumar características a los personajes a partir de vuestra propia experiencia. De personas que sean de vuestro entorno familiar o laboral o personas que hayáis conocido a lo largo de vuestra vida. Por ejemplo los personajes de la serie Seinfield. No sé si sabíais el mejor amigo de Seinfield en la ficción, George Costanza se llama así porque un amigo de la infancia de Seinfield se llama Mike Costanza. Pero lo más fuerte es que la persona real le demandó a Jerry, a Larry David y a NBC por invasión de privacidad y difamación. La demanda no salió adelante y aunque George se llama así por él, en realidad, el personaje está inspirado en Larry David, el cocreador de la serie. Y el v

El artículo 78. Club de lectura de guiones: Mercedes. se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy volvemos con el Club de Lectura de Guiones. El mes pasado puse un guion mío como ejemplo y he recibido una decena de guiones a la convocatoria. Muchas gracias a todos los que enviasteis uno. ¿Cuál será el elegido para leer hoy en el podcast? Lo primero decir, que no ha sido fácil elegir porque todos los que me he leído tenían algo. Pero solo podía ser uno. Lo siento por los demás, pero el Club va a seguir todos los meses por lo que que no te haya elegido en este no quiere decir que no vaya a leerlo el próximo mes. Yo los acumulo. Lo importante es escribir y terminar vuestros guiones. También voy a hablar de Mi Garganta Profunda. Voy a hacer una análisis estructural. Vais a ver los plot points y elementos principales del guion. Y continuamos con el curso de Estructuras Narrativas para los que ya están suscritos en la Plataforma Guiones y Guionistas. Volvemos con las estructuras no lineales. Veremos algunas estructuras como la retrospectiva, la anticipatoria, la estructura en rizo y más. Muy interesante porque explico los tipos de estructura, vemos ejemplos y pongo ejercicios. Cada vez hay más clases en los cursos de guion. Y en menos de un mes llegan cursos nuevos. Y termino confensandoos que la última semana me he dado una paliza escribiendo y diseñando el planner de personajes… y puedo adelantaros que estará preparado para el jueves. Así es, y me sale de más 130 páginas. Haré un podcast especial contando en qué consiste. Club de lectura de guiones Antes de leer el corto seleccionado quiero leeros un mail que me llegó desde Cuba. El autor es Miguel Alejandro Bravo. Buenos días maestro. Desde Sancti Spíritus, Cuba, le escribe uno de sus alumnos online. Un gusto para mí volver a contactar con usted vía correo electrónico. Escuché el primer podcast del club de lectura y me pareció genial, sobre todo descubrir su historia “Mi garganta profunda”. Sirvió para reafirmarme su talento como guionista. El final muy emocionante para mí. Ya estoy preparando un guion de corto para enviarlo y poder participar en el club. Le solicito, de ser posible, me conteste mediante un post de respuestas y preguntas lo siguiente: ¿Pudiera analizar un guion de cine en algún momento? O sea, ¿pudiera en un podcast mostrarnos la estructura interna y externa de algún largometraje? Lo que sucede es que a mí en lo particular me cuesta mucho trabajo delimitar los 3 actos en un guion de cine, principalmente, me es difícil descubrir el primer punto de giro o nudo de la trama, ese que da inicio al 2do acto. Gracias de antemano y un abrazo de su alumno cubano. Feliz día y que viva el guion. Análisis de guion: Mi garganta profunda Y siguiendo la sugerencia de Miguel voy a comenzar los análisis con Mi garganta Profunda. Vamos a ver la estructura que lo sustenta, el detonante, los dos actos, el punto de giro, el clímax… incluso voy a ver cómo encaja la estructura en el Viaje del Héroe. Detonante: Debe masajearse el paladar con un consolador para mejorar su voz. Objetivo del protagonista: Conseguir darse los masajes. Necesidad: Superar sus prejuicios y dudas sexuales Pregunta: ¿Conseguirá masajearse la garganta con el consolador? Punto de giro: Entra en el sex shop y compra el consolador. Dos actos: 1º. Planteamiento, Gustavo debe masajearse para seguir en el musical. 2º. Desenlace, Gustavo compra el consolador y se masajea. Clímax: Consigue masajearse el paladar y es pillado por su madre y novia. Resolución: Consigue el papel en el musical y canta. Podcast Club lectura de guiones: Mi garganta profunda Y ahora vamos con el cortometraje de hoy, la autora es Gabriela Barradas, de Venezuela, y se titula Mercedes. MERCEDES Guion Literario Podéis descargar el guion del cortometraje para echarle un ojo y, si queréis contactar con Gabriela por cualquier cosa, en la portada del guion están sus datos de contacto. También sería interesante que me enviaseis vuestra opinión del guion o algún elemento que le pueda ayudar a Gabriela a reescribir la historia. Yo lo comentaré en el Club de lectura de guiones del próximo mes. Y mientras tanto animaos a todos a que me sigáis enviando guiones de cortos de 10 páginas, aproximadamente, para leer en los próximos Club de lectura. El próximo que lea puede ser el tuyo. Tomaos esta invitación como una excusa para lanzaros a escribir vuestras historias. Lo importante no es tanto que se lea aquí sino que terminéis vuestros guiones y aprendáis con el proceso. Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos leído otro guion del Club de Lectura de Guiones. Y si os ha gustado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. [wysija_form id=”3″] El artículo 78. Club de lectura de guiones: Mercedes. se publicó primero en Academ

El artículo 77. Preguntas de presupuestos, flashback y salarios se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy volvemos a nuestra cita mensual con vuestras preguntas como protagonistas. Preguntas que me llegan por todos los medios posibles: unas en la página de Facebook, otras en comentarios de Ivoox o de Youtube, que os recuerdo que hay un canal de Youtube donde subo los podcast y os podéis suscribir, y otras vía mail a través de la web. Pues bien yo las voy recogiendo y cada mes os las contesto en el podcast por si os puede ayudar a alguien más. Hoy tocan las preguntas de febrero. Muchas gracias a los que ya estáis votando por los cursos que os gustaría ver en la plataforma. Os pongo el enlace para ir a la página o podéis buscarla en el menú de cursos de la web. No hace falta que estéis suscritos en la plataforma para votar, me interesa la opinión de todos. Y continuamos con el curso de Programas Gratuitos de Guion para los que ya están suscritos en la Plataforma Guiones y Guionistas. Hoy vemos el videotutorial de uno de los softwares de guion más utilizados en el mundo, Celtx, pero que ha cambiado con los años. Analizamos el nuevo Celtx y comprobamos cuáles son sus servicios gratuitos y de pago. Y termino comentándoos que ya he empezado a diseñar el planner de personajes y estoy entusiasmado. Os va a encantar. Es superútil, ya veréis. Preguntas y respuestas de febrero 1. Valentina Buenas tardes, David. Estaba revisando tu podcast y no encontré una entrada relacionada a ¿cómo se puede saber cuánto es el costo aproximado de un película a partir de su guion? Sería de gran ayuda que lo incluyeras o que si quisieras y pudieras me ayudaras por aquí con ese tema. Gracias por tu atención. Estaré atenta a tu respuesta. 2. Rojo Soy guionista y mexicano, ahora me quieren de coordinador de guionistas y no tengo idea de cuanto cobrar. ¿Hay alguna proporción de contenido-costo? Escuché el podcast 69, pero la duda es: ¿si por una página de guion cobras 100 pesos la cuartilla de sinopsis serían 100 pesos también? Un abrazo desde Monterrey, Nuevo León, México. 3. Abel (13 años de Youtube) ¿Puedes hacer un video explicando aun más sobre el guion de videojuego no lineal?, ¿puedes explicar cómo se hace y esas cosas por favor? Muchas gracias, ¿por favor el próximo video puede tratarse de storyboard? Yo quiero decir una pregunta: Si en los sonidos diegéticos el protagonista empieza a cantar, el guionista debe de escribir aquella canción haciendo podcast o simplemente pone el hombre canta y nada más, se me ocurrió la idea en un anime que veía y cantaban los protagonistas. Muchas gracias un saludo David. PODCAST la música en un guion 4. Gemelo Rojas Hola, en el guion literario, cuando un personaje recuerda algo que le pasó hace media hora, ¿eso cómo se pone en el guion? 5. Florencia Tengo dos dudas puntuales, te las envío para que las evalúes y me digas cuanto sería la consulta. 1) Cuando yo redacto una escena, hasta donde sé, una escena transcurre en un mismo tiempo y espacio y no puede haber otra escena con el mismo nombre. Pero yo quiero que en medio de esa escena se vaya a otra y después se vuelva a esa escena ¿cual es la forma correcta? 2) La otra duda, cuando uno hace una escena y quiere mostrar varios escenarios en travelling, por ejemplo; CÁMARA en movimiento; empieza en el mar, luego atraviesa una ciudad flotante, al mar nuevamente, la playa, la selva hasta llegar a un gran volcán. ¿Cómo se encabeza un escena así? ¿Cómo lo más grande que lo abarca, por ejemplo: Planeta tierra o Taiwan, etc? Desde ya, gracias. – GUION 2001 Odisea del espacio Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que he contestado a vuestras preguntas. Y si os ha gustado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 77. Preguntas de presupuestos, flashback y salarios se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 76. Cómo escribir una escena en un guion se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. El tema de hoy es un clásico que ya me estabais pidiendo desde hace tiempo, la escena. Hemos visto las distintas partes de guion como el logline, el storyline, la sinopsis, la escaleta o el tratamiento, y es el momento de abordar cómo escribir una escena en un guion. Ya ha terminado la encuesta sobre próximos planners y os adelanto que el elegido es el planner de personajes. Un planner que nos ayude a desarrollar los personajes de nuestra película, serie o novela en profundidad. Veremos varias técnicas para que podáis elegir cuál os gusta más. Calculo que saldrá en marzo, estaos atentos. Y hablando de encuestas quiero contaros que he puesto en la web una página donde vais a poder proponer nuevos cursos y votar por los que más os gustan. No hace falta que estéis suscritos en la plataforma para votar, me interesa la opinión de todos. Os pongo el enlace para ir a la página o podéis buscarla en el menú de cursos de la web. Y los que ya estáis suscritos a la plataforma, hoy podéis disfrutar de una nueva clase del curso de estructuras narrativas: las estructuras no lineales. Y lo digo en plural porque hay distintos tipos de estructuras no lineales como la estructura fragmentada, la invertida, la estructura en espejo… Bueno, los que estáis apuntados ya veréis en qué consiste cada una. Y los que no lo estáis no sé qué estáis esperando. Por tan solo 10 $ al mes tenéis acceso a todos los cursos de la plataforma. Quiero enviar un saludo al oyente más joven del podcast. Se llama Abel, tiene 13 años y dice que quiere ser guionista. Nunca me imaginé que alguien a los 13 años podría querer ser guionista. De los muchos guionistas que he conocido a lo largo de mi vida jamás ninguno me dijo que quería ser guionista desde pequeño. Esas cosas no pasan. Y lo mejor es que Abel escucha el podcast por Youtube. Bueno, Abel, date por saludado y mucho ánimo en tu carrera de guionista. Empezando desde tan joven seguro que llegarás lejos. Si algún día un guionista puede llegar lejos… ese eres tú. Pero para eso hay que escribir. Te animo a escribir un corto y enviárnoslo al Club de Lectura de guiones. Y si no sabes todavía cómo, dile a tus padres que te regalen una suscripción a los cursos para tu cumpleaños. Qué es una escena Un escena es una unidad básica del guion, formada por una serie de descripciones y diálogos que forma una acción dramática dentro de la historia y que normalmente mantiene constantes la unidad espacial y temporal. O lo que es lo mismo, una escena es cada parte de la película que transcurre en un mismo espacio y en un mismo tiempo. En el momento en que haya una ruptura temporal o espacial, estamos ante otra escena. Sobre cómo escribir una escena hay dos temas de los que tratar. El primero es cómo escribirla técnicamente, es decir, el formato de escritura. Sobre esto ya hablé en el podcast de Formato estándar de guion. Lo segundo es el contenido, y a esto le dedico el podcast de hoy. Cómo escribir una escena en un guion en 14 pasos Vamos a comentar 14 pasos en la escritura de una escena que van desde la idea inicial hasta la reescritura. 1. ¿Qué información tienes de la escena antes de escribirla? Antes de escribir una escena lo más probable es que hayas hecho una escaleta o un tratamiento. Recopila toda la información que tienes, todo lo que te llevó a pensar en ella e incluirla como parte de tu historia. Reflexiona sobre ello y comprueba si lo que tienes escrito en la escaleta está actualizado o ha sido modificado por las escenas que llevas escritas hasta ahora. 2. ¿Tienes claro cuál es la escena y qué es lo que necesita? Antes de empezar a escribir, debes preguntarte qué debe pasar en la escena. Y eso no deben decidirlo los personajes, sino tú que eres el guionista. Tienes que saber qué necesitas que ocurra y qué quieres conseguir con ella. Una vez tengas una idea aproximada de lo que vas a contar, haz un boceto mental básico sobre lo que debe ocurrir en la secuencia que vas a desarrollar. Estas palabras funcionan como un elemento actualizado de la escaleta, pero ya centrado en el momento en que vas a desarrollar la escena. 3. ¿Qué lugar ocupa tu escena en la narración? Tu secuencia debe pertenecer a la historia que estás contando. Debe tener una conexión temática con el resto del relato y tener un sentido en las tramas que se desarrollan. En definitivas cuentas, debe tener un motivo para ser escrita. Y para comprobar si es así pregúntate qué pasaría en tu narración si la omites. Es posible que la escena te guste porque te parece divertida, o que funcione bien de forma independiente, pero si no tiene conexión con el resto del relato es mejor prescindir de ella. O incorporarla al guion añadiendo algo que sea relevante o fundiéndola con otra. 4. ¿Cuál es el conflicto de la escena? La secuencia debe contener algún tipo de conflicto para que sea más efectiva. Puede ser entre varios personajes, con las circu

El artículo 75. Qué es la tabla de evaluación de ideas se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Como hemos visto en podcast precedentes, si hay algo que preocupe al guionista prolífico que tiene varias ideas es con cuál quedarse. En el podcast Cómo escribir un guion con éxito propuse hacer un análisis DAFO, tanto a los guionistas como los guiones, para que nos ayudase a decidir. Hoy os presento otro método, la tabla de evaluación de ideas. Los que estáis suscritos a la Plataforma ya la conoceréis porque la expliqué en el Curso de Guion de Cortometraje, y los que habéis comprado el Planner de Guion también porque está incluida. Pues bien, hoy la explico en el podcast para todos los oyentes. Pero antes recordar que hoy tenemos una clase nueva del curso de Programas gratuitos de Guion. Vamos a ver Plotbot, un software colaborativo con el que puedes escribir guiones con otros guionistas. Y si quieres puedes escribir guiones hasta con desconocidos, muy curioso, no os lo perdáis. Evaluando ideas para guiones Una vez que terminamos la fase de búsqueda de ideas para escribir una historia lo normal es que tengamos varias. Y llega el momento de seleccionar entre todas con cuál nos quedamos para hacer el guion. No es que las demás se desechen, simplemente se pueden archivar para recuperar más adelante. Quien sabe si vuestros archivos algún día se guardarán con celo como los archivos de Stanley Kubrick que están resguardados por la Universidad de la Artes de Londres. Pero el caso es que hay que seleccionar una idea para ponerse a trabajar. Y para eso tenemos que convertirnos en jueces de nuestras propias ideas. Hay que ser muy analítico y selectivo. Y para ello propongo un método para evaluar todas nuestras ideas hasta quedarnos con la que más nos conviene desarrollar. La tabla de evaluación de ideas La tabla de evaluación de ideas es un método para puntuar nuestras historias que nos ayuda a elegir una. Gracias a la tabla nos vamos a hacer algunas preguntas sobre nuestras historias y vamos a puntuarlas. Al final, la idea que tenga más puntos será la elegida. Obviamente es algo estimativo, no matemático. Es una excusa para hacernos ciertas preguntas, reflexionar sobre nuestras propuestas y obligarnos a elegir. Las preguntas que vamos a hacernos se engloban en tres ámbitos: El mío propio como autor, preguntando si me interesa la historia; el de la idea, cuestionándome si la historia es interesante en sí misma; y el del público, preguntándome si la historia interesa a los demás. Para hacer la tabla tenéis que anotar en el eje vertical todas las ideas que tengáis. Basta un par de palabras, lo suficiente para reconocerlas. Y en el eje horizontal once puntos. Cada uno de ellos se refiere a una de las preguntas que vamos a hacernos. Después veremos uno a uno qué significa cada cada punto. Os dejo un PDF de referencia para veáis cómo es la tabla, pero vosotros os podéis fabricar la vuestra propia. Descargar tabla de evaluación de ideas Y el método de funcionamiento es sencillo. Tenéis que poner una puntuación del 1 al 5 en cada una de las preguntas de cada categoría. Eso sí, os propongo la norma de no repetir puntuación en cada categoría, cada proyecto debe tener una puntuación diferente. Eso nos obliga a ir decantándonos por uno o otro proyecto según lo que estemos calibrando. Al finalizar las once categorías sumamos los puntos de cada idea y vemos cuál es la que tiene más. A. Puntos personales. ¿Me interesa la historia a mí? 1. Motivación personal. ¿Me motiva la historia? ¿Cuánto me motiva? Lo primero que tenemos que valorar es cuánto nos motiva la historia a nosotros. Una forma de diferenciar a un guionista amateur de uno profesional es que mientras el guionista amateur debe estar muy motivado con una historia para sacarla adelante, el profesional puede ser contratado para sacar un proyecto que no le motive demasiado y encontrar la motivación en el propio proceso. Pero esa habilidad se adquiere con el tiempo. Lo normal es que si queremos contar una historia nos apasione o toque emocionalmente de alguna forma. Debemos estar motivados e implicados con la historia y esa motivación tendrá que ser proporcional a su tamaño. Para un cortometraje nos basta con tener una idea y lanzarnos a escribir sabiendo que no nos va a llevar demasiado tiempo escribir el guion. Pero si queremos escribir un largometraje o una serie debemos tener una motivación mayor, pues vamos a estar inmersos en esa historia durante más tiempo. Y eso precisa más compromiso. B. Puntos de la historia. ¿Es una historia interesante? 2. Originalidad. ¿La idea tiene suficiente originalidad como para afirmar que es distinta a las que ya se han producido? Nuestra idea debe tener originalidad, ya sea en la historia o en la forma de contarla. Muchas veces la historia que se cuenta no es tan original como para destacar por ello pero sí la forma en la que elegimos contarla. Otras veces la originalidad viene no tanto de la idea como de la combinación de elemento

El artículo 74. Por qué el espectador es el protagonista (2ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy continuamos con el libro El espectador es el protagonista de Daniel Tubau. La semana pasada vimos la parte de antimanual, es decir en qué consiste su crítica a los teóricos del guion y su tesis sobre por qué el espectador es el protagonista. Y hoy veremos la parte de manual, es decir la propuesta de Dani sobre cómo debemos escribir un guion teniendo en cuenta que el espectador es el protagonista. Una propuesta que se basa en dos etapas, primero el sistema de pasos y después el método empático. Los que todavía no habéis contestado a la encuesta sobre los futuros planners podéis buscarla en la página de Facebook de Guiones y guionistas. Os agradecería que la contestaseis. Solo os llevará 20 segundos y la verdad es que me interesa mucho vuestra opinión. Os pongo el enlace en el texto de la web. Por cierto, hoy martes y 13 acaba la oferta. Regalo el Planner de guion a todos los que se suscriban a los cursos de la Plataforma. La oferta está en pie hasta esta mañana por lo que los que estéis interesados no os despisteis. Los que ya estáis suscritos a la plataforma tenéis hoy una clase más del curso de Estructuras Narrativas. Vamos a ver en qué consiste la estructura en 5 actos. Una estructura que ha sido utilizada desde Shakespeare en sus obras hasta las series televisivas. El espectador es el protagonista en modo manual Daniel Tubau propone dos etapas de escritura para tener en cuenta al espectador en nuestros guiones. Resumiéndolas: El sistema de pasos. Escribir todos los pasos o minietapas de la historia sin pensar en actos o macroestructuras. El método empático. Escribir una tabla con tres columnas. En la primera anotas los pasos de tu historia. En la segunda anotas lo que ve el espectador. En la tercera anotas lo que piensa y siente el espectador. Y para terminar os recuerdo que hasta mañana los que se suscriban a los cursos de Guiones y Guionistas van a tener el planner de guion de regalo. Es un buen empujón para que os lancéis a escribir vuestro cortometraje hoy mismo. Y después me lo enviéis para el Club de Lectura. Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos analizado el libro El espectador es el protagonista de Daniel Tubau. Y si os ha gustado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 74. Por qué el espectador es el protagonista (2ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 73. Por qué el espectador es el protagonista (1ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy voy a hablar de un libro muy sorprendente que es muy especial para mí. Me refiero a El espectador es el protagonista de Daniel Tubau. Y es especial porque conocí a Daniel en mi primer trabajo hace 24 años, la vida nos ha juntado muchas veces y le tengo mucho cariño. Dani Tubau es guionista, escritor y profesor de guion. Y también es autor de otros dos libros de guion imprescindibles: Las paradojas del guionista y El guion del siglo 21, ambos también publicados por Alba Editorial. Y el libro del que voy a hablar hoy tiene un punto de vista muy sorprendente y contradictorio con la mayoría de manuales de guion. Estoy muy feliz por el éxito que ha tenido el Planner de Guion. Ya hay varios de vosotros que estáis utilizándola para escribir vuestros guiones. Y como he recibido peticiones me estoy planteando hacer nuevos planners. Pero antes de ponerme a ello me gustaría saber vuestra opinión, por lo que he montado una encuesta. ¿De qué queréis que haga planners? ¿De biblias de series? ¿De webseries? ¿De personajes? ¿De formatos televisivos? ¿De documentales? ¿De narrativas transmedia? Los que estáis suscritos a la newsletter ya lleváis varios días contestándome la encuesta, pero los que no, podéis buscarla en la página de Facebook de Guiones y guionistas. Os agradecería que la contestaseis. Solo os llevará 20 segundos y la verdad es que me interesa mucho vuestra opinión. Os pongo el enlace en el texto de la web. Por cierto, sigue la oferta que os hice el martes. Regalo el planner de guion a todos los que se suscriban a los cursos de la Plataforma. La oferta está en pie hasta el martes próximo por lo que los que estéis interesados no os despisteis. Los que ya estáis suscritos tenéis hoy una clase más del curso de Programas Gratuitos de Guion. Vamos a ver el programa FadeIn. Un software muy completo que te permite cosas como insertar imágenes en el propio guion o extraer desgloses e informes de los elementos del guion. El espectador es el protagonista Y ahora sí vamos con El espectador es el protagonista, manual y antimanual de guión, de Daniel Tubau. Un libro en que su autor no se limita a examinar los errores difundidos por los gurús del guion, sino que también ofrece herramientas, como el método empático, para hacer frente a los desafíos narrativos. Yo voy a dividirlo en dos podcast. En el primero veremos la parte de antimanual, es decir en qué consiste su crítica a los teóricos del guion y su tesis sobre por qué el espectador es el protagonista. Y en el podcast de la semana que viene veremos la parte de manual, es decir la propuesta de Dani sobre cómo debemos escribir un guion teniendo en cuenta que el espectador es el protagonista. Una propuesta que se basa en dos etapas, primero el sistema de pasos y después el método empático. Pero eso será la próxima semana. © Daniel Tubau Daniel plantea en el libro que desde hace décadas los guionistas examinamos la estructura de nuestros guiones pensando en las cosas que pueden sucederle al protagonista, olvidando que lo que realmente debe preocupar a un narrador es lo que le sucede al espectador. En el podcast analizamos los siguientes puntos del libro. Lo que sabe el personaje y lo que sabe el espectador. La escritura de biografías de personajes y lo que sabe el espectador de ellos. Cómo Shakespeare hablaba con los espectadores. La diferencia entre historia y relato. Y para terminar os recuerdo que durante una semana los que se suscriban a los cursos de Guiones y Guionistas van a tener el planner de guion de regalo. Es un buen empujón para que os lancéis a escribir vuestro cortometraje hoy mismo. Y después me lo enviéis para el Club de Lectura. Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos analizado el libro El espectador es el protagonista de Daniel Tubau. Y si os ha gustado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 73. Por qué el espectador es el protagonista (1ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 72. 15 buenas razones para escribir cortometrajes se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Pensando en escribir cortometrajes, la semana pasada os propuse crear un Club de Lectura de Guiones. Comenzamos viendo un guion de mis inicios como guionista, Mi garganta Profunda, que os pedí comentaseis. Pero lo más importante es que me enviéis vuestros propios guiones para que los veamos en las futuras sesiones del club. Ya sabéis, máximo 10 páginas. Y si no tenéis ninguno escrito es una gran oportunidad para que os lancéis a escribir uno. Los cortometrajes siempre se han considerado como un escalón que deben pasar los guionistas antes de escribir un largometraje. Un buen campo de aprendizaje para empezar a contar historias, crear secuencias, desarrollar personajes, escribir diálogos… Pero los cortometrajes son algo más. ¿Por qué los guionistas profesionales deben escribir cortometrajes? Hoy voy a daros 15 razones para escribir cortometrajes, estéis empezando en el mundo del guion o seáis ya profesionales. Pero, por si queréis una más, os hago una oferta durante una semana: los que se suscriban a los cursos de Guiones y guionistas van a tener el planner de guion de regalo. No desaprovechéis esta ocasión. Hay un curso entero de cómo hacer un guion de cortometraje. Diez clases que os llevarán de la mano en su escritura. Y podréis poner en el planner todos vuestros avances. Se complementan. Y la oferta va a durar solo una semana. Los que ya estáis suscritos tenéis hoy una clase más del curso de Estructuras Narrativas. Vamos a ver la estructura coral. Ya sabéis, esas películas en el que se presentan varias historias y personajes que son independientes entre sí pero que tienen una conexión en algún punto de la película. Veremos los tipos de estructuras corales que hay y cómo utilizarlas en nuestros guiones. Buenas razones para escribir cortometrajes En las clases de guion que imparto en diversas escuelas los alumnos acaban siempre escribiendo un cortometraje. Ya se sabe que la mejor manera de aprender a escribir guiones es escribiendo guiones. Y los cortometrajes son ideales para aprender. Pero no solo para el proceso de aprendizaje sino son mucho más. Hoy voy desvelaros las razones por las que cuando acabe de grabar este podcast me voy a sentar a escribir cortometrajes. 1. Son más sencillos de terminar. Como su nombre indica, los cortometrajes son cortos, por lo que es sencillo terminarlos. Tal vez incluso se pueden escribir varios en un período bastante corto de tiempo. Y terminar proyectos de escritura aumenta nuestra confianza y proporciona impulso e inspiración para el próximo proyecto. Uno de los lastres de muchos guionistas son los proyectos sin terminar que guardan en el disco duro de su ordenador… o ahora en la nube. Son proyectos fallidos en los que en algún momento el guionista sufre un bloqueo y deja congelados. No sabe como avanzar, se atasca y pierde la motivación. Al final estos intentos generan frustración y la sensación de que no se ha sabido terminar el proyecto. Y con esa frustración cuesta empezar un proyecto nuevo. 2. Son objetivos más fáciles de cumplir. Uno de los trucos que nos ayudan a terminar un guion es encontrarle un objetivo externo además de la propia finalización. Puede ser enviar el guion a un concurso, o enviárselo a un productor para que vea mi trabajo, o rodar la película con unos amigos, o simplemente aprender a escribir guiones. Este objetivo nos da una motivación extra a la hora de terminar el guion y, en el caso de los guiones de cortometrajes, es más fácil de cumplir que en el de los largometrajes. 3. Te ayudan a encontrar tu voz. Uno de los caminos que recorre un guionista a lo largo de su carrera es la búsqueda de su propia voz como autor. Y este proceso de búsqueda no se realiza con un único guion por muy largo que sea. Escribir cortometrajes te permite probar diferentes temas, historias, tonos, estructuras… en definitiva, buscar y encontrar tu estilo como guionista. 4. Son más sencillos de leer. Es mucho más probable que los directores, productores y otras personas que deseen leer tu trabajo lo hagan si solo tienen que invertir diez minutos en lugar de dos horas. Ya sé que si les gusta, no van a pagarte por el guion del cortometraje y que puedas vivir de ello. Pero si les gusta tu guion corto es más probable que lean después tu guion de largometraje. Y sobre todo, que lo lean con una mentalidad mucho más positiva. 5. Son más fáciles de producir. Como es obvio, un cortometraje necesita mucho menos presupuesto para ser realizado que uno largo. No hay que olvidarse que el objetivo último de un guion es que se convierta en una obra audiovisual. Si consigues sacar adelante el proyecto y se proyecta en festivales o simplemente se sube a Youtube, vas a aprender mucho en el proceso. Ver a actores reales interpretando tus diálogos te va a hacer mejor guionista. Independientemente del recorrido que puede tener el cortometraje y las puertas que pueda abrir si gan

El artículo 71. Club de lectura de guiones: Mi garganta profunda. se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy abro una nueva sección en el podcast, que me gustaría que fuera mensual: crear un Club de Lectura de Guiones. ¿Y en qué consiste un club de lectura de guiones? Pues es como un club de lectura de libros, pero con guiones. Y nuestro club va a ser muy especial porque no vamos a tratar con guiones de obras premiadas y famosas… sino algo mejor: con vuestros propios guiones. Ahora os comento en qué consiste. Pero antes recordaros que en el curso de Programas Gratuitos de Guion, para los que están suscritos en la Plataforma Guiones y Guionistas, hoy tenemos el Adobe Story. Un programa profesional de escritura de guion que se puede conectar con los otros programas de Adobe de grabación y edición de video como el Premier. Y lo analizamos como siempre en un nuevo videotutorial. Club de lectura de guiones y guionistas Ahora sí, vamos a ver en qué consiste nuestro club de lectura de guiones. Desde hace tiempo algunos me estáis pidiendo crear un espacio donde podamos ver vuestros propios guiones. Un lugar donde se puedan compartir entre todos experiencias y opiniones para enriquecer vuestros trabajos. Y con ese objetivo nace el Club de Lectura de Guiones. Yo ejerzo de coordinador del club. Seleccionaré un guion entre los que me enviéis y lo leeré en el podcast. También adjuntaré el propio guion para que los demás podáis leerlo. Después vosotros podréis enviarme comentarios, análisis y opiniones sobre el guion. Yo los recojo todos, los ordeno, y los leo en el programa. Es una oportunidad para analizar entre todos un guion y que veáis en qué consiste esto de hacer consultorías o script doctor sobre guiones. Podemos analizar los personajes, la estructura, los diálogos… en definitiva, escuchar opiniones que nos ayuden a mejorar el guion entre todos. Además de mejorar el guion y testear el proyecto, los que envíen su guion tendrán la ventaja de que se expondrá a toda la audiencia, por lo que si hay alguien interesado en producirlo le pondré en contacto con el autor para que lleguen a un acuerdo. Además también será un escaparate para el guionista. Un productor puede escuchar el podcast, que le guste el estilo del guionista y que decida encargarle algún proyecto. Los requisitos para los guiones que enviéis son: Tiene que ser el guion de un cortometraje o tal vez de un episodio de una webserie, pero tiene que ser de corta duración. Guiones con un máximo de 10 páginas. Guiones no realizados, porque la idea es que puedan ser mejorados a partir de los comentarios de los lectores antes de su realización. Enviármelo al mail: [email protected] con el asunto “Club de Lectura”. Hoy, por ser el primer día, y como todavía no hay ningún guion que comentar voy a proponer uno mío. Así, para romper el hielo, lo justo es que yo sea el primero en exponerse. El guion tiene por titulo Mi garganta profunda. No es un guion nuevo. Lo escribí en el año 2001. Y llegó a grabarse, aunque no queden huellas digitales. Ya sabéis que los guiones que leamos no tienen que estar producidos, pero como este es de prueba no importa. Como os decía antes, este guion fue grabado aunque el resultado no fue todo lo bueno que podría ser. Vamos que el director no dio la talla. Y lo digo con conocimiento de causa porque lo dirigí yo. Es la única cosa que he dirigido en mi vida… porque yo no quiero dirigir. Pero hice el guion y mis amigos me animaron. Así que junté a actores, cámaras, productores y a un músico y lo hicimos. Pero como yo no quería dirigirlo, porque me aburren los rodajes, me puse las limitaciones de Dogma 95: sin iluminar, sin trípodes, nada de sonido extradiegético… Y claro, como yo no soy Lars Von Trier, el resultado dejó bastante que desear. Antes de leerlo os voy a contar de dónde me vino la idea del corto: Mi amigo Borja, que es actor, me contó que su profesor de voz le había dicho que tenía un problema en el habla, y cuando le miró la garganta le dijo que tenía el velo del paladar caído. Mi amigo le preguntó qué podía hacer para solucionarlo y el profesor le dijo que se podía dar masajes en el paladar con un consolador. Borja me contó la anécdota y a partir de ahí me vino la inspiración y escribí el corto. Es lo que se conoce como una idea escuchada. Los que han hecho el Curso de Guion de Cortometraje o han comprado el Planner de Guion saben de qué hablo. Y ahora voy a leer el guion tal cual se escribió. Entero, las descripciones, acotaciones y diálogos. Vosotros escuchadlo y después si queréis os lo descargáis y lo podéis ojear. He querido dejarlo en el formato en que se escribió, pero veréis que no mantiene el formato estándar. Por entonces no estaban popularizados los programas de escritura y lo escribí en Word. Descargar Mi garganta Profunda (2001) Y hasta aquí el guion de Mi garganta Profunda. Para ir entrenandoos con el Club de Lectura podéis enviarme vuestras opiniones sobre el guion y vemos cómo las exp

El artículo 70. Cómo escribir un guion con éxito se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Unas de las primeras preguntas que me hizo una oyente del podcast es cómo valorar si una idea es buena y cómo escribir un guion con éxito. Y la verdad es que si no he contestado hasta ahora es porque no son preguntas fáciles. No solo por la valoración de la idea en sí misma, es decir que sea original y tenga potencial, sino porque el éxito de una idea también depende del guionista que vaya a desarrollarla y del contexto en que se mueva ese guionista. Mientras que para un joven guionista novel terminar un guion puede ser considerado un éxito, para el profesional solo lo será si se estrena la obra o incluso si consigue mucha recaudación. Pero a su vez, un guionista comercial puede sentir como éxito sacar adelante un proyecto personal aunque no le rente muchos beneficios. Hoy respondo a esas preguntas utilizando una herramienta prestada del mundo de los negocios y los emprendedores: el análisis DAFO. Y en el curso de Estructuras Narrativas hoy tenemos la cuarta clase. Hablaremos de la Tesis del Cuento de Ricardo Piglia y de cómo buscar una historia secreta para dar más densidad a nuestras historias. Si asumimos que todos los relatos cuentan dos historias nos será más fácil trabajar su estructura. Una buena idea, una idea de éxito Como os comentaba antes, una idea depende mucho de quién va a contar esa historia, de su experiencia como guionista, de su experiencia como persona, de sus habilidades y situación personal… Por ejemplo, si a mí se me ocurre una idea sobre un joven que vive en un pequeño pueblo de Colombia a priori me va a ser muy difícil contarla bien porque yo nunca estuve en Colombia. No es imposible, pero por mucha experiencia que tenga como guionista debería viajar allí y documentarme bien para poder escribirla. Que una idea sea buena también depende del contexto del guionista. Hay ideas que no son buenas para hacer ahora pero sí dentro de diez años. Y la idea es la misma, lo que cambia es el contexto. Muchas veces hemos escuchado de alguna película que se adelantó a su época, por ejemplo. ¿Y cómo integrar todos estos factores en un análisis que nos ayude a valorar si contamos una idea buena para nosotros o no? Ahí es donde propongo utilizar una herramienta que se estudia en las carreras de Empresariales y Dirección de empresas y que utilizan los emprendedores antes de montar un negocio para validar su idea: El análisis DAFO. ¿Qué es el análisis DAFO? ¿Cómo me ayuda a escribir un guion? Las siglas DAFO provienen de cuatro palabras: Debilidades, Amenazas, Fortalezas y Oportunidades. Es un análisis que te propone tener en cuenta qué variables externas e internas pueden influir en tu proyecto, ya sea de una forma positiva o negativa. Y también te ayuda a determinar cuáles son los puntos fuertes de tu idea que te ayudan a diferenciar de las demás historias ya contadas. Debes conocer porqué el espectador va a querer ver tu historia, qué le vas a aportar tú. Antes de hacer el análisis DAFO conviene hacerse algunas preguntas, cuyas respuestas nos ayudarán a hacer el análisis. 1. ¿En qué es diferente tu idea a lo que ya hay en el mercado audiovisual? Tu idea de película o serie no tiene por qué ser cien por cien original, pero tienes que ser capaz de saber qué le hace especial para, en primer lugar conseguir la financiación necesaria para sacarla adelante, y en segundo lugar para que el espectador elija verla. ¿Es una idea con una premisa superoriginal? ¿Sigue una moda de películas exitosas en la actualidad? ¿Es una idea que mezcla dos géneros de forma novedosa? 2. ¿Existe un mercado para tu propuesta? ¿Y es ese mercado lo suficientemente grande? Antes de seguir adelante con tu idea de película o serie tienes que investigar el mercado. ¿A quién va dirigida tu historia? ¿A niños, adolescentes, mujeres…? ¿A amantes de la cocina, del basketball, de los viajes, del yoga, de Britney Spears…? ¿Es una historia con interés local o podría emitirse internacionalmente? Hay que pensar en qué tipo de público será el consumidor final de tu historia. 3. ¿Cuál es la salida que ves a tu historia? ¿Dónde se va a consumir tu historia? ¿En cines, festivales, televisiones, Youtube…? ¿Cómo crees que puede encontrar financiación? 4. ¿Conoces ya bien a tus espectadores? Recoge toda la información que puedas sobre los espectadores de tu historia, y escúchales siempre que tengas oportunidad de hacerlo. ¿Cómo es el espectador típico? ¿Cómo se comporta? Si es una película o serie infantil, ¿conoces lo suficiente el consumo de historias de los niños? ¿Y de los adolescentes o de las mujeres? 5. ¿Vas a obtener un beneficio con tu proyecto o solo pretende ser sostenible? ¿Cuánto va a costar producir tu idea? ¿Será una historia low cost o de alto presupuesto? ¿Piensas que será posible encontrar financiación para ella? 6. ¿Tienes suficientes fondos para mantenerte mientras escribes el guion? Necesitas suficiente dinero para el mantenimien

El artículo 69. Preguntas y respuestas (sueldos, portafolio y demás) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy volvemos a tener vuestras preguntas como protagonistas. Preguntas que me llegan por todos los medios posibles: unas en la página de Facebook, otras en comentarios de Ivoox o de Youtube, que os recuerdo que hay un canal de Youtube donde subo los podcast y os podéis suscribir, y otras vía mail a través de la web. Pues bien yo las voy recogiendo y cada mes os las contesto en el podcast por si os puede ayudar a alguien más. Estas son las preguntas de enero. Y continuamos con el curso de Programas Gratuitos de Guion para los que están suscritos en la Plataforma Guiones y Guionistas. Hoy tenemos la segunda parte del software Writerduet. Ya visteis que es un programa muy completo y vamos a analizarlo completo gracias a un nuevo videotutorial. Aprovecho para contestar algunas dudas. La suscripción de cursosdeguion.com te permite el acceso a todos los videos que hay en la plataforma. Preguntas y respuestas de enero Juan Carlos (Colombia) Buenas noches, encontré esta página mientras buscaba algo que me ayudara a entender el tema del tratamiento pues aquí en mi país todas las escuelas de cine fallan en esta explicación, me atrevo a decir que ningún profesor que he tenido o contactado sabe bien cómo se escribe un tratamiento… hasta que… Gracias a Dios me mostró tu página que me ha despejado muchas dudas pues llevo varios años investigando sobre los temas del guión y sobre cómo se enfrenta la página en blanco. Muchas felicitaciones por tu sitio. Te pregunto si de pronto sabes: ¿Cómo se hace un presupuesto para escribir un guión, es decir se puede desglosar ítem por ítem? Lo pregunto pues en las convocatorias aquí en mi país a veces piden eso dando un presupuesto inicial, solo que piden que se desglose cuánto cuesta cada proceso del trabajo para un guion. Saludos desde Colombia. Pedro. Hola, sigo los podcast de guiones y guionistas, ya van 64, quisiera saber si esto tiene un final, no es porque esté cansado, al revés me agradan, pero me gustaría saber si tiene final para completar la colección. También me gustaría que hubieran videotutoriales y cursos donde pudiéramos mandar nuestros ejemplos, para que vosotros los evaluarais, y que al final fuera construir nuestro propio guion, y una última cosa, ¿en la escaleta es donde se describe la época o año, ambiente etc... en el que se desarrolla la peli?, y ¿la función del director es la ceñirse al guion o él recrea las cosas a su gusto? Gracias Marisol Hola David, he leído mucho de tus podcast para ayudarme para mis proyectos personales y la verdad es que me han sido de mucha ayuda, pero tengo una interrogante que hasta ahora no he podido encontrar una respuesta del todo clara, al momento de presentar portafolio como guionista. ¿Qué trabajos presentar o cómo? Es decir, actualmente me encuentro participando en un proyecto escribiendo artículos para una revista y tengo cuentos cortos escritos, pero no creo que eso sirva de mucho para un portafolio de guionista, básicamente mi pregunta se centra en ¿Qué tipo de proyectos debería presentar? Espero no molestar y gracias de antemano. Podcast cómo adaptar un guion. Curso de Guion de Cortometraje. Planner de guion Miguel Angel Encantado de saludarte David. Voy al grano y te consulto unas dudas sobre las que te doy las gracias de antemano: 1- ¿Merece la pena que incluya una canción en cada escena que creo que es parte de ella, o el productor/director finalmente hará lo que quiera con la banda sonora? Podcast la música en un guion 2- ¿Solo se manda un guion a los productores y a los productores/directores? 3- ¿Sabes de productoras enfocadas a trabajos espirituales?, ¿Gaia es una productora a la que mandar un guion espiritual? 4- Sé que se puede cobrar el pago por un guion en royalties, ¿sabes cómo se suele pagar un guion, como máximo y como mínimo, tanto cobrando en efectivo como en royalties? 5- Si alguien te ayuda a darle el visto bueno a un guion (de unas 2 horas) en inglés, es decir, a que todo esté bien escrito, ¿cuánto estimas oportuno que deberías pagarle? 6- ¿Al vender el guion se puede especificar de alguna manera que no se cambie o el productor/director puede cambiarlo a su antojo? Muy útil tu labor la verdad, que te vaya todo bien, hermano cinéfilo. Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que he contestado a vuestras preguntas. No dudéis en consultarme cualquier duda que tengáis sobre guion que yo os la contestaré en el podcast. Y si os ha gustado, agradecería una valoración de 5 estrellas y un reseña en Itunes o un “Me gusta” en Ivoox. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 69. Preguntas y respuestas (sueldos, portafolio y demás) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 68. Stranger Things en el aula: clases de audiovisual a adolescentes se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy tenemos un podcast muy especial porque vamos a preguntarnos sobre la utilidad del audiovisual como arma pedagógica. Y para ello cuento con la ayuda de Andrea Treszczan una guionista y docente uruguaya que nos va a contar su experiencia dando clases de audiovisual a adolescentes durante cuatro años. Muy interesante, ya veréis. En el curso de Estructuras Narrativas hoy tenemos la tercera clase. Viajamos a Japón para conocer una estructura muy desconocida en occidente, Kishotenketsu, que tiene la curiosidad de ser una narrativa sin conflicto. ¿Es posible una película sin conflicto? Tendréis que suscribiros a los cursos para saberlo. Stranger Things en el aula o cómo dar clases de audiovisual a adolescentes Vamos con la entrevista a Andrea Treszczan, una guionista y profesora uruguaya que durante cuatro años ha impartido clases de audiovisual a adolescentes. ¿Cómo motivar a alumnos que no quieren ir a clase? ¿Cómo hacer que jóvenes sin ningún interés acaben grabando vídeos finalistas de concursos? ¿Cómo subir la autoestima a jóvenes que no tienen ilusión? Las respuestas a estas preguntas en la charla con Andrea. Algunos de los proyectos de los alumnos de Andrea: Utu en-seña Si yo puedo vos también Corto: Mi casa (finalista en el certamen “un minuto un derecho”) Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos charlado con Andrea Treszczan sobre cómo dar clases de audiovisual a adolescentes. Y si os ha gustado, agradecería una valoración de 5 estrellas y un reseña en Itunes o un “Me gusta” en Ivoox. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 68. Stranger Things en el aula: clases de audiovisual a adolescentes se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 67. Cómo se escribe un guion cinematográfico (consejos desde 1943) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy vamos a vivir en el podcast un flashback de 75 años. Hace 15 o 20 años me encontré un libro en una librería que me llamó la atención. Se titula Cómo se escribe un guion cinematográfico, pero lo que me llamó la atención no es su título, sino que estaba publicado en 1943. No pude evitar comprarlo. Desde entonces ha viajado conmigo mudanza tras mudanza sin que yo lo abriera nunca. Y tras recorrer 10.000 kilómetros en un barco hasta Montevideo vino a parar a mi nueva biblioteca. Esta semana lo he abierto por primera vez y el resultado ha sido alucinante. Hoy os lo cuento en el podcast. Muchas gracias a todos los que comprasteis el planner del guion. Espero que os sea muy útil y ya sabéis que quiero ver cómo lo vais rellenando. No hay mayor ilusión que saber que os está siendo útil para construir vuestros guiones. Y los que os lo estéis pensando os recuerdo que sigue la oferta de lanzamiento hasta el martes. Un 20% menos. Os lo podéis descargar por tan solo 4$. Y en el curso de Programas Gratuitos de Guion hoy conocemos WriterDuet. Un software de escritura muy intuitivo y fácil de usar. Es un programa freemium, es decir que tiene servicios gratuitos y servicios de pago. Y es tan completo que lo he dividido en dos lecciones. Ya veréis, os va a encantar. Os recuerdo que es un videotutorial en el que vais viendo paso a paso cómo utilizar el programa. Cómo se escribe un guion cinematográfico de Fernando G. Toledo. Como os contaba, la lectura del libro me resultó alucinante. Por momentos parecía que estaba leyendo un manual de guion de Syd Field o Linda Seger, que estaba en una conferencia de Robert McKee o leyendo Save the Cat de Blake Snyder. Y todo esto con un libro escrito por un español, Fernando G. Toledo, en 1943. Lo que me sorprendió no es que no se pudiera escribir un libro sobre guion cinematográfico entonces. Os recuerdo que ese año Casablanca ganó el oscar al mejor guion adaptado, sino que tuviera tantos consejos vigentes en la actualidad. Pero antes de hablar del libro voy a hacerlo de su autor, Fernando G. Toledo, o más bien Fernando Gomis Izquierdo, que es su nombre original. Es un guionista y actor, natural de Valencia que estudió para farmacéutico, pero se trasladó a Francia donde actuó de extra en películas del estudio Pathé-Natan. Después trabajó para la Paramount como segundo ayudante de dirección de Adelqui Millar en varias versiones españolas producidas en Joinville a lo largo de 1930. Ascendió en Londres a primer ayudante y director de diálogos del film Entre noche y día. Fernando viaja a Hollywood en 1932 para aprender técnicas de interpretación, participa en algún rodaje como actor secundario y envía reportajes a la revista Films Selectos. Su espíritu aventurero le lleva después a Japón, China y Filipinas, donde dirige una película típicamente tagala sin conocer el ambiente ni el idioma. Ya en España, desde 1935 dirige doblajes en los estudios Chamartín, escribe guiones y propone un método práctico en el libro Cómo se escribe un guion cinematográfico, publicado en 1943 con prólogo de Florián Rey. Algunos de sus guiones son ¡Campeones! (1943) y Lola Montes (1944) 25 consejos a un guionista del siglo XXI desde 1943 De la importancia del guionista. “La labor de un buen escritor de guiones es de verdadera creación: es una labor de tanta importancia como la de la dirección de películas, y es por ello que, tanto en lo referente al guionista como al director, de no llevar dentro la llama divina del genio artístico, lograrán resolver técnicamente una escena, eso sí, pero a lo mejor no podrán conseguir en el público la emoción psicológica que ellos desearon para aquel momento determinado”. De la importancia del argumento. “La fotografía, emplazamiento de cámara, sonido, vestuario, efectos especiales ópticos y acústicos, dirección de planos, decorados, etc… deben estar total, ineludiblemente subordinados al argumento. (…) El guionista debe conocer a fondo todas estas posibilidades de los distintos colaboradores; debe sujetarlas, obligarlas, someterlas a una tiranía total, absoluta, a un solo elemento: el argumento cinematográfico”. De la importancia del tema. “La elección del tema es el punto delicadísimo de partida, que debe ser cuidadosamente estudiado para conducir la nave a puerto seguro. (…) El tema es de capital interés (…) Si hallamos un argumento pleno de emoción, de situaciones psicológicas en equilibrio inestable; si hallamos un argumento capaz de absorber totalmente nuestra atención, se habrá logrado ya más del 50% del buen éxito de la película” Del hermanamiento entre el arte y el comercio. Para elegir el tema hay que tener en cuenta “dos factores que, a través de casi toda la gestación de la cinta, serán antagónicos y que, pese a todo, deben hermanarse. El punto de vista artístico y el punto de vista comercial”. De pensar en el reparto al

El artículo 66. Qué es un planner de guion se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy vamos a desvelar el misterio de qué es un planner de guion. Y digo misterio porque si buscáis qué es un planner de guion en Google no va a aparecer nada. De hecho si lo ponéis entre comillas solo aparece una entrada: el podcast de la semana pasada en que hablaba de él de refilón. Pero antes recordaros que en la Plataforma de Cursos estamos empezando con el curso de Estructuras Narrativas. Y hoy una clase muy interesante porque hablamos del Viaje del Héroe. Veremos todas las etapas y cómo se cumplen en algunas de las películas más famosas. Y propuestas de trabajo, claro. Que sabéis que los cursos van siempre con ejercicios. Y todo por tan solo 10 $ al mes. ¿Qué es un planner de guion? Antes de explicar qué es un planner de guion me gustaría contaros cómo surgió. Por un lado está la acumulación de teoría. Algunos de vosotros oyentes del podcast me habéis dicho que os encantan que estén en audio, para escucharlos donde queréis, y también en texto en la web, para consultarlos cuando os hace falta. Pero que doy mucha información, y os gustaría tenerla agrupada y sintetizada, para consultarla de forma rápida. Por otro lado, a base de trabajar con alumnos en los cursos presenciales y con las consultorías de guion, he detectado que hay dos causas por las que alguien no puede hacer un guion: No tienen la idea para contar una historia: tienes ganas, motivación, pero no sabes qué historia contar. Tienes una idea, pero no sabes por dónde empezar a hacer el guion. Algunos incluso han leído varios libros de guion pero siempre preguntan “¿Pero cómo empiezo?” Por lo que he pensado en crear una guía que te lleve de la mano en el proceso de escritura de un guion. Un planificador que te explique todos los pasos desde la búsqueda de una idea hasta la estructura final. Aprovecho para lanzaros mi mantra de la escritura de guiones: ¡Pensar, estructurar, escribir! Por eso pretendo que la libreta os guíe en las dos primeras fases, pensar y estructurar. De tal forma que cuando vayas a escribir tengas todos los deberes hechos y sea todo más sencillo. Como no tenía referencias en el mundo del guion las busqué en otros contextos. Encontré que en el mundo de los emprendedores existen cuadernos guías que te ayudan a montar un negocio e indican todos los pasos desde su validación de la idea hasta el lanzamiento. También vi que existían planificadores para escribir novelas que te ayudaban en su creación. Y me lancé a pensar qué debería tener un planner de guion. Lo primero que pensé es en el formato. Salirse del ordenador y volver a escribir a mano tiene muchas ventajas. Según un estudio de investigadores de Noruega y Francia, escribir con la mano mediante un lápiz o un bolígrafo, para dar forma a nuestros pensamientos sobre una hoja de papel, estimula las capacidades neuronales más complejas y ejercita el cerebro en mayor medida que hacerlo con un teclado. Os dejo la noticia de la BBC que habla del estudio. Según los científicos “la escritura a mano implica una actividad neuronal más intensa, ya que cuando alguien escribe obliga al cerebro a enfocarse en lo que desea y a crear imágenes mentales. Eso le ayuda a familiarizarse con lo que se desea y en consecuencia a lograrlo”. El formato de la Guía para escribir un guion Me pareció interesante que en el inicio de la creación del guion trabajásemos a mano sobre un cuaderno. Pero la comunidad de Guiones y guionistas cada vez es más grande y ya llega a guionistas de todos los países de habla hispana por lo que hacer cuaderno físicos, que después se enviasen a todos los interesados se me hacía un poco complicado. Además encarecería mucho el proyecto por los gastos de envío. Por eso me decidí a hacer un planner en PDF. Son más de 100 páginas con un diseño moderno en color. Lo bueno de un PDF es que es muy fácil de descargar y tiene sus ventajas. Por un lado el precio se abarata muchísimo, de tal forma que nadie se va a quedar sin él por dinero. También te permite customizarlo a tu gusto. Es decir, te bajas el PDF y después tú mismo imprimes las páginas que desees y te construyes el cuaderno que tú quieras. Me explico. Las primeras páginas están para ayudarte a buscar una idea para tu historia. Pero si tú ya la tienes y está clara, entonces puedes no imprimirlas e imprimir más páginas, por ejemplo, de personajes. Tú mismo te construyes el planner según tus necesidades. Por otro lado, tú te lo puedes imprimir en color, o si lo prefieres en blanco y negro que, aunque no es tan bonito, es más barato. También puedes decidir el tamaño que va a tener. Puedes hacer un cuaderno grande, de Dina 4, es decir un folio, o hacer un Dina 5, que es un cuaderno más pequeño y fácil de llevar. Y entonces imprimes dos páginas por cada hoja. En resumidas cuentas, el formato de un PDF descargable te permite la flexibilidad de tener el planner que tú decidas. ¿Y qué contiene el planner de guion? Ya hemos visto que un pla

El artículo 65. Qué son los programas de escritura de guion. se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Como adelanté en el podcast anterior hoy vamos a hablar de esa herramienta que se ha hecho imprescindible para los guionistas como son los programas de escritura de guion. Una evolución de los típicos procesadores de textos que cada vez tienen más prestaciones y se hacen más útiles. Y el motivo de que hable de ellos hoy es el inicio de un nuevo curso en la plataforma de Guiones y guionistas en el que vamos a ver diferentes programas gratuitos de guion. Como decía antes hay varios softwares para la escritura de guiones, unos son gratuitos, otros de pago y otros freemium, es decir con una parte gratuita y otra de pago. Pues bien, en el curso vamos a analizar solo los programas que sean o totalmente gratuitos o que tengan una parte gratuita. Si en un futuro queréis que veamos también los programas de pago me lo decís y me monto un curso más adelante. Y comenzamos el curso viendo el Amazon Storywriter. Un programa gratuito creado por Amazon que, además de servir para escribir guiones online, te permite enviar el resultado a los estudios de Amazon. ¿Quién sabe si vuestro guion puede ser el elegido? Los que queráis ver el tutorial solo tenéis que apuntaros a la plataforma de Guiones y guionistas por tan solo 10 $ al mes. Por ese precio solo os podéis comprar dos cajetillas de tabaco… y aprender a escribir guiones os garantizo que es más sano. Escribir en MS-DOS El viaje desde escribir guiones con máquinas de escribir a los programas actuales ha tenido diferentes etapas. Y la primera de ellas fueron los programas en MS-DOS. De hecho hay una persona en la actualidad que todavía sigue escribiendo sus guiones en un software que solo funciona en MS-DOS y sin acceso a internet. Me refiero a Eric Roth, que por si alguien no lo conoce ganó un oscar por Forrest Gump y ha escrito películas como El curioso caso de Benjamin Button, The Insider y Ali para Michael Mann, o Munich para Steven Spielberg. También ha escrito para televisión, e incluso ha sido productor ejecutivo de House of cards. Pues bien, A sus 72 años Eric Roth sigue escribiendo sus guiones con un software de los años 80 que solo funciona en MS-DOS. Lo que nos demuestra que lo importante no es la herramienta, sino cómo hagamos uso de ella. Además como no tiene internet no puede enviarlo por mail, ni tampoco puede bajarse el archivo por lo que tiene que imprimirlo y entregarlo físicamente. Eric Roth es un guionista de costumbres. Pero ahí no queda todo. Este software tiene un límite de 40 páginas, porque se queda sin memoria. Aunque lo mejor de todo es que a Eric le gusta así, porque de esta forma escribe los tres actos por separado. Y si el acto se extiende más de 40 páginas, algo no funciona. Si necesitas mejorar el formato de tu guion, escribí un libro sobre ello, “Formato de Guion. Guía para escribir como un guionista profesional”, que explica las normas para la escritura del formato estándar. Las de los guionistas Hollywood y las variantes de los guionistas hispanohablantes. Contiene una guía de estilo que muestra las diferentes formas de escribir el formato. Los procesadores de texto para escribir guiones La primera vez que usé un procesador de texto fue el Wordperfect a finales de los 80. Tenía que hacer un trabajo para la universidad y un amigo que estudiaba matemáticas me dejó usar el suyo. Todavía recuerdo ese momento. Podías borrar las palabras que no querías, reescribir y mover los párrafos de un lado a otro con facilidad. Es difícil de explicar para los que habéis nacido en la era digital, pero para mí que hacía los trabajos del instituto con una máquina de escribir me pareció mágico. Después se impuso el Word de Windows y fue con ese programa donde empecé a escribir guiones profesionalmente. Al principio íbamos escribiendo todo de forma manual, es decir, dándole al tabulador cuando querías darle márgenes. Pero después empezaron a hacerse plantillas en las que se formateaba el guion directamente. Te podías definir con macros los diferentes elementos de guion para que te pusiera cuando era personaje o diálogo, por ejemplo. Así se empezó a ganar tiempo en la escritura. Qué hacen los programas de escritura de guion El siguiente paso fue la aparición de programas específicos para hacer guiones. Yo el que más he utilizado en mi vida es el Celtx. Y ahora vamos a ver cuáles son las características generales que pueden tener dichos programas. Las he resumido en diez. 1. Formato de escritura estándar. Lo primero, y esto lo tienen todos los programas, es el formateo del guion según los estándares de la industria audiovisual. Ya hablé del formato estándar de guiones, que tiene que respetar una tipografía, unos márgenes, y unos comandos para los diferentes elementos del guion. Hay algunos programas que formatean automáticamente el guion mientras se escribe y otros que tienen opciones para pasar de unos comandos a otros con rapidez. 2. Diferent

El artículo 64. Productividad para guionistas (2ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Continuamos con el propósito de dejar de procrastinar y ser más productivos gracias a los consejos que nos da Timo Kianen en su libro Work Smarter Not Harder, que podría traducirse como Trabaja Inteligentemente, No Más Duro. La semana pasada vimos los nueve primeros consejos adaptados al trabajo de guionista y hoy veremos los nueve siguientes. Espero que estéis aplicando al menos alguno de ellos. Yo intento predicar con el ejemplo y la verdad es que desde lo hago estoy más concentrado y productivo. La semana pasada terminó el curso de desarrollo de personajes y hoy comienza uno nuevo: Estructuras narrativas. Un curso en el que veremos cada semana un tipo de estructura narrativa diferente para aplicar a nuestras historias. Comenzamos con una básica, la estructura en tres actos del paradigma de Syd Field, pero vamos a ver algunas menos conocidas que seguro os sorprenderán. Los que queráis profundizar en ellas solo tenéis que apuntaros a la plataforma de Guiones y guionistas por tan solo 10 $ al mes. Un buen propósito para este año que empieza. Consejos de productividad para guionistas Os recuerdo que el libro del que estoy hablando, Work Smarter Not Harder, es uno de los libros gratuitos más descargados de Amazon, y os lo podéis descargar en Productive Superdad. Es la web del ingeniero y blogger Timo Kianen, el autor del libro, y tiene varios libros de productividad más por si os interesa. Nos habíamos quedado en el consejo número nueve. Continuamos ahí. 10. Delega de forma adecuada. Si delegas una tarea tienes que hacerlo de la manera adecuada. Tienes que definir claramente en qué consiste la tarea y documentar los pasos a seguir. Lo ideal es documentar todos los pasos y ejecutarlos tú mismo para ver si las instrucciones son correctas. Por ejemplo, si yo quisiera delegar la publicación del podcast en Ivoox y en mi web tendría que documentar claramente todos los pasos a seguir para que cualquiera pudiera hacerlo, aunque no supiera de WordPress. No es complicado una vez que sabes hacerlo, pero aprenderlo te lleva un tiempo, por lo que es importante que documentemos todos nuestros procesos para poder delegar algún día. Pero no basta con delegar, hay que hacer seguimiento a la tarea para que no te olvides de ella. Otro ejemplo sería la búsqueda de documentación para un guion. Si nosotros no podemos hacer la investigación directamente, tenemos que explicar muy bien nuestras necesidades a la persona que vaya a hacerla. A mí personalmente me gusta hacer directamente la fase de investigación porque me parece un proceso muy creativo donde se me ocurren muchas de las cosas de la historia. 11. Toma pausas. Las pausas son fundamentales en el trabajo para la productividad. Cada pausa se genera energía, te desconecta, oxigenas tu cuerpo y tu mente. Y así cuando te vuelves a sentar a trabajar eres más productivo. Tómate una taza de café o un aperitivo sano, medita, échate una siesta si estás en casa, socializa con compañeros o familiares, tómate un respiro en la terraza… Da igual el método de trabajo que sigas y lo que duren tus sesiones, pero ponle pausas y te irá mejor. 12. Tómate los sapos primero. Los “sapos” son las tareas que nadie quiere hacer y que siempre intentamos posponer. Por ejemplo, atender a un cliente molesto, pedirle a tu jefe vacaciones o un aumento, hacer la declaración trimestral del IVA o una factura… Hay que hacerlo lo primero del día sobre todo porque hasta que no lo hagas vas a estar tenso, sabiendo que tienes que hacerlo aunque no quieras. Y una vez hecho, te quitas un peso de encima. Lo primero que hay que hacer para comerse un “sapo” es prepararse mentalmente para la situación. Visualizar qué puede pasar, qué te pueden decir, cómo vas a reaccionar… y si mentalmente te prepararas para una situación negativa cuando pase no va a ser tan dura como te imaginabas. Como ya lo has vivido no te pilla de nuevo. Lo segundo es visualizar en cómo te sentirás cuando haya pasado esa situación. Pensar en lo bien que estarás cuando hayas quitado ese peso de encima. 13. Crea check lists o listas de tareas. Hay dos tipos de listas de tareas: Las tareas “LEER-HACER”, es decir, tareas que las lees y las ejecutas, tipo receta de cocina. Y las tareas “LEER-CONFIRMAR”, que sirven para verificar que has realizado las tareas de la lista. Si vas a hacer tareas al detalle, como el ejemplo que decía de la receta de cocina, te conviene hacer una lista “LEER-HACER” que te diga paso a paso qué hacer. Las listas “LEER-CONFIRMAR sirven por ejemplo para anotar lo que debes meter en una maleta de viaje y después comprobar que llevas todo. Si llevamos la teoría al mundo del guion una escaleta sería una especie de lista “LEER-HACER”. Una vez terminada la escaleta, cuando pasemos a escribir el tratamiento o el guion, iremos desarrollándola escena por escena. No vamos a escribir el guion y después chequear la escaleta a ver si

El artículo 63. Productividad para guionistas (1ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Siempre que comienza un año toca hacer propósitos nuevos. Y uno de los más clásicos que se propone cualquier guionista que se precie, es dejar de procrastinar y ser más productivo. Ya sabéis a qué me refiero: dejar de mirar continuamente las actualizaciones en Instagram o Twitter, los mensajes de whastapp a deshoras, las visitas al frigorífico… en fin, la de miles de excusas que nos ponemos para no escribir. Pues bien, hoy vamos a hablar de productividad con las mejores recomendaciones que he encontrado. Os aviso, yo las estoy empezando a seguir y se nota. Si queréis profundizar más hay un curso de productividad para guionistas repleto de técnicas. El martes terminó el curso de desarrollo de personajes y hoy termina el curso de guion de cortometraje. A lo largo de diez semanas hemos visto cómo escribir el guion de un cortometraje desde la idea hasta la escritura final y hoy acabamos con la reescritura. Porque ya sabéis que escribir es reescribir. Y los que están suscritos a la plataforma de Guiones y guionistas la semana que viene tendrán curso nuevo: Programas gratuitos de escritura de guion. Voy a ir haciendo videotutoriales sobre los diferentes programas de guion para que podáis ver las características de cada uno y elijáis el que más os guste. Es un curso muy práctico, ya veréis. El martes os anuncié también que he abierto un canal en Youtube y estoy subiendo los podcast poco a poco. Ya sabéis, podéis suscribiros al canal de David Esteban Cubero y escuchar los podcast desde ahí. Y si tenéis amigos que les guste Youtube también comentárselo, claro. Consejos de productividad para guionistas Como os adelantaba antes, es momento de ser más productivos. Tenemos que reconocerlo, perdemos mucho tiempo. Si todo el tiempo que estamos procrastinando lo aprovechásemos para escribir, todos hubiéramos escrito muchísimo más en nuestra vida. Por eso he acudido a uno de los libros más famosos de productividad, que por cierto os podéis descargar gratuitamente, y voy a adaptar sus consejos al mundo de los guionistas. El libro es Work Smarter Not Harder, que podría traducirse como Trabaja Inteligentemente, No Más Duro y es uno de los libros gratuitos más descargados de Amazon. El autor es el ingeniero y blogger Timo Kianen y os podéis descargar el libro completo en Productive Superdad. El autor propone 18 consejos, que vamos a analizar en dos podcast distintos, este y el del martes próximo. Antes de comenzar con los consejos, me gustaría recordar los cuatro pilares con los que según Timo Kiasen podemos preparar nuestro cuerpo para ser más productivo: la mentalidad adecuada, hacer ejercicio físico, tener una buena nutrición y disfrutar de un buen sueño que nos proporcione el descanso necesario. A lo largo de los consejos ya veremos como mejorar estos cuatro pilares, que por otro son básicos: si no nos proponemos ser más productivos, difícilmente lo conseguiremos, y si nos lo proponemos pero el cuerpo no nos acompaña porque está cansado o mal nutrido, tampoco. 1. Empieza el día de manera poderosa. Intenta levantarte temprano, así añades flexibilidad a tu mañana y aprovechas más el día. Por la mañana, después de dormir, es cuando nuestro cuerpo está más descansado y somos más productivos. Si te cuesta puedes hacerlo poco a poco. Cada día te levantas 15 minutos antes, así hasta que te habitúes. Cada uno entiende levantarse temprano de una forma diferente. Hay gente para los que levantarse temprano es levantarse a las 9 y otros que lo asocian a levantarse a las 4:30. Yo desde que fui padre adelanté bastante mi horario de levantada. Mi hijo a veces se levanta a las 6:30 o las 7 y hay que levantarse. Cuando duerme hasta más tarde y yo me despierto, me levanto y me pongo a escribir. Aunque sea una hora o dos. Es un buen momento porque hay silencio en casa y nadie te molesta. A mí nunca me gustó madrugar pero cuando pillas el hábito no te cuesta tanto, hasta lo disfrutas. A veces me sorprendo despertándome a las 6 y corriendo a la computadora a escribir. Además como trabajo en casa me da igual el día de la semana que sea, voy adaptando mi horario de trabajo a las necesidades del hogar. Claro, la hora de levantarse debe estar en relación a la hora que te acuestes. Si quieres levantarte antes debes acostarte antes porque no hay que quitar horas al sueño. Si duermes menos te falta uno de los pilares de que te hablaba al principio y eres menos productivo. 2. Entiende el ritmo de trabajo óptimo. Hay momentos del día en que somos más productivos y debemos encontrar nuestro propio ritmo. En el libro hablan de varias técnicas de trabajo, que yo os cuento para que probéis y después utilicéis la que queráis. La técnica pomodoro: Haces sesiones de trabajo de 25 minutos y un descanso de 5 minutos. Cada cuatro sesiones de 25 minutos haces un descanso más largo de 15 a 30 minutos. Los intervalos de 90 minutos: Haces sesiones de trabajo

El artículo 62. Cómo escribir la primera página de un guion se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Comienza un nuevo año. Muy feliz 2018 a todos. Y si me escuchas en el futuro, en 2019 o 2020, pues espero que el 2018 haya sido un gran año para ti. Vamos a dedicar este primer podcast del año al inicio de cualquier película… que no es otra cosa que la primera página de un guion. Ya sea de un sencillo cortometraje o una película de tres horas, todos los guiones empiezan por lo mismo: una primera página. ¿Y qué es lo que debe tener esa primera página de un guion? Hoy lo vemos y analizaremos algunos guiones para ver cómo es su primera página. Unas cosas empiezan, como el año, y otras terminan, como el curso de desarrollo de personajes. A lo largo de diez semanas hemos visto diversas técnicas narrativas para trabajar sobre los personajes de nuestras historias y hoy acabamos con los personajes no realistas. Veremos cómo crear monstruos, superhéroes, perros que hablan… muy interesante, ya veréis los suscriptores. Y aprovecho para anunciar uno de los dos nuevos cursos que comienzan la próxima semana… Estructuras narrativas. Os va a encantar y se complementa muy bien con los cursos ya existentes. Por cierto, ahora que estamos con comienzos os informo que me he abierto un canal en Youtube y estoy subiendo los podcast poco a poco. Por si hay alguien aquí que sea muy consumidor de Youtube podéis suscribiros al canal de David Esteban Cubero y escuchar los podcast desde ahí. Y si tenéis amigos que les guste Youtube también podéis evangelizar y hablarles del podcast, claro. La primera página de un guion Los que me seguís desde hace tiempo en los podcast o ahora en los cursos, sabéis que yo siempre hablo de la importancia de las fases previas a la escritura de un guion. La fase de investigación, pensar bien en la idea, qué queremos contar, cómo queremos hacerlo, tener clara la estructura… Y solo aconsejo lanzarse a escribir el guion después de haber hecho una escaleta o un tratamiento y tener las cosas bien atadas. Pero siempre llega el momento en el que, tengamos más o menos detallado qué pasa en cada escena, hay que pasar al guion. Si hemos hecho los deberes no tendremos un bloqueo de página en blanco, pues sabremos qué pasa en la escena, quiénes son los personajes, dónde sucede… pero, ¿cómo vamos a plasmarlo en el papel? Esa primera página nos va a dar mucha información que hasta ahora no nos habíamos planteado. ¿Comenzamos con una acción? ¿Con un diálogo? ¿Con una escena descriptiva? ¿Cuál es el primer personaje que se va a ver? ¿Puedo mostrar desde las primeras imágenes el tono y género de la película? Vamos a ver algunos elementos a tener en cuenta antes de escribir la primera página de un guion. El nacimiento de la primera página de un guion Consejos sobre el contenido 1. Empezar en negro. Muchas películas comienzan con una pantalla en negro. Una ausencia de imagen sobre la que se suele dar alguna información. Unas veces se escucha al narrador, que nos introduce en la historia situándonos antes de que comience la imagen. Otra veces son unos diálogos o ruidos, que nos dan la primera información pero dejándonos imaginar qué pasa. El sonido mueve otros resortes en los espectadores diferentes a la imagen y tiene una gran capacidad para sugerir. Esto hace que comiencen a imaginar antes de poder ver. También pueden superpornerse sobre esa pantalla en negro algunas palabras que nos sitúen en el tiempo y el espacio, o que nos hagan intuir, con una poesía o una frase célebre, el tema de la historia. ¿Qué es lo primero que queremos que reciba el espectador de nuestra historia? No siempre tiene que ser una imagen. Os recuerdo que comenzar con una imagen en negro es una elección del guionista. La primera página del piloto de Stranger Things comienza con una imagen en negro donde se superponen unos títulos que explican que en el año 1942, durante la II Guerra mundial, crearon una base militar en los Estados Unidos llamada Camp Hero y que en 1972, en plena guerra fría, hicieron en ella experimentos secretos hasta que la cerraron por motivos no divulgados. Y ahí funde a la imagen de la base y comienza el episodio. Ya han creado la suficiente intriga como para que la historia comience a andar. Piloto de Stranger Things 2. La primera localización Elegir una ubicación para cualquier escena es importante, pero la primera localización es absolutamente crucial. Hay una gran diferencia entre una discusión que tiene lugar en una oficina o en el borde de un acantilado. No hace falta que sea la ubicación perfecta, pero sí la más adecuada para el guion que estamos contando. El espacio donde suceda dependerá de la historia que estemos contando, pero también del tono y el género. Por ejemplo si estamos escribiendo la película Boogie Nights, que retrata la industria pornográfica de finales de los ’70 y principios de los años ochenta. ¿Dónde ambientamos la primera escena? Un lugar que nos acerque a lo que se contar

El artículo 61. Cómo escribir el guion de un cortometraje con Pedro Collantes se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Para terminar el año me he reservado una entrevista que me apetecía mucho por la persona con la que voy a hablar, Pedro Collantes, y por el tema, guion de cortometraje. Pero como es el último podcast del año es momento de hacer propósitos para el 2018. ¿Cuáles son vuestros deseos para el nuevo año? Os propongo que penséis tres cosas que queráis hacer en el próximo año y me las enviéis por mail o pongáis en los comentarios del programa en Facebook, Twitter o Instagram. Yo las guardaré y cuando acabe al año que viene las leo y vemos si las habéis cumplido o no. Para dar ejemplo os voy a decir mis tres propósitos para el 2018. Son: escribir el guion de un largometraje, escribir un libro de guion y hacer un podcast nuevo… esto además de seguir con este podcast y con las clases nuevas todas las semanas, por supuesto. Yo os iré rindiendo cuentas en el podcast por lo que vais a ser testigos de si cumplo o no los propósitos que me pongo. Y el curso de cortometraje llega a su novena clase. Dedicada a los diálogos. Vamos ver los requisitos que tienen que tener los buenos diálogos para que funcionen. Los que estáis suscritos a los cursos podéis disfrutar de la clase ya mismo. Os informo que ya solo queda una clase de cada uno de los dos cursos para que acaben. Dentro de dos semanas comienzan dos cursos nuevos. La semana que viene anunciaré de qué son. Pero os doy una pista, son los dos más votados en la encuesta que os hice después de los que ahora acaban. Guion de cortometraje con Pedro Collantes Pedro Collantes ha escrito, dirigido y producido ocho cortometrajes que se han visto en cientos de festivales. Tan solo 15 summers later y Serori se han visto en más de 100 festivales cada uno. Hablamos con Pedro Collantes de dónde le surgen las ideas, cómo es su método de trabajo, cómo hace para escribir cortometrajes en tantas lenguas y cuál es su consejo a la hora de hacer un el guion de un cortometraje. Una entrevista deliciosa, ya veréis. Si queréis ver sus cortos podéis acudir a su web. Os paso el link, el user y el password. http://www.pedrocollantes.com/portfolio/ User: thanks Password: foryourvisit Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos hablado de guion de cortometraje con Pedro Collantes. Muchas gracias por acompañarnos durante estos seis meses de vida que tiene el podcast. Y si os ha gustado, agradecería una valoración de 5 estrellas navideña y un reseña en Itunes o un “Me gusta” en Ivoox. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. Hasta el año que viene. Feliz 2018 a todos. El artículo 61. Cómo escribir el guion de un cortometraje con Pedro Collantes se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 60. Objetivo Writers´ Room (3ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. En el programa de hoy terminamos las aventuras de Teresa de Rosendo y Josep Gatell, dos guionistas españoles que se echaron la manta a la cabeza y se fueron a Hollywood con el objetivo de entrar en una writers´room. Estoy hablando del libro: Objetivo Writers´ Room. Las aventuras de dos guionistas españoles en Hollywood. ¿Qué tal lleváis las navidades? Bien, supongo. Yo aunque llevo ya 4 años viviendo en Uruguay todavía no me acostumbro a las navidades en verano y pantalón corto. Aquí los que se visten de Papá Noel se mueren de calor bajo sus trajes. Y como las clases de Guiones y guionistas no paran ni en Navidad hoy los que están suscritos pueden disfrutar de una nueva lección del curso de Desarrollo de personajes. Va a ser muy interesante porque vamos a analizar con detalle los 12 arquetipos que propuso Jung aplicados a una serie muy popular. Muy revelador todo, ya veréis. Más aventuras de dos guionistas españoles en Hollywood En los dos podcast anteriores (parte 1) (parte 2), que aconsejo escuchar a los que todavía no lo han hecho, vimos cómo Teresa y Josep entrevistaron a varios guionistas y showrunners que les explicaron el sistema de trabajo en las series de Estados Unidos. También consiguieron entrar a una Writers´Room. Pero, ¿habrá sido la única o habrán conseguido entrar en alguna más? Hay sorpresas de última hora, no digo más. Acuden a la grabación de un drama. Entrevistan a un veterano guionista freelance que trabajó en Seinfield. Entrevistan a un guionista que les habla de qué hacer cuando los guionistas están en paro. Entrevistan a un guionista que trabaja con Aaron Sorkin en Newsroom. Entran a la Writers´Room de Bates Motel. Entrevistan al showrunner de The Bridge. Y dejo aquí la tercera parte de este libro: Para los que queráis conocerlo en más detalle no dudéis en comprarlo, merece la pena. Os pongo el enlace de Amazon para que podáis adquirirlo. Objetivo Writers´ Room. Las aventuras de dos guionistas españoles en Hollywood. Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos visto la tercera parte dedicado al libro Objetivo Writers´ Room. Las aventuras de dos guionistas españoles en Hollywood. Muchas gracias por acompañarnos y pediros que si os ha gustado, hagáis una valoración de 5 estrellas y un reseña en Itunes o un “Me gusta” en Ivoox. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. Hasta pronto. El artículo 60. Objetivo Writers´ Room (3ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 59. Objetivo Writers´ Room (2ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Y continuamos siguiendo las aventuras de Teresa de Rosendo y Josep Gatell, dos guionistas españoles que se echaron la manta a la cabeza y se fueron a Hollywood con el objetivo de entrar en una writers´room. Querían vivir desde el corazón de una serie, el nacimiento, desarrollo, redacción y reescrituras de sus capítulos. Estoy hablando del libro Objetivo Writers´ Room. Las aventuras de dos guionistas españoles en Hollywood. Hoy 21 de diciembre se celebra el día Internacional del Cortometraje. Con la excusa de que es el día más corto por ser el solsticio de invierno muchos países celebran el día proyectando cortos por plazas, colegios, bares y demás. Pero claro, es el día más corto en el hemisferio norte. Y aunque yo en este momento viva en el hemisferio sur, y aquí es el día más largo, porque es el solsticio de verano… desde Guiones y guionistas nos sumamos a la fiesta con una clase nueva del curso Guion de Cortometraje para los suscritos en la plataforma. Una clase en la que pasamos a la acción y abordamos directamente la escritura de las escenas. Ha llegado el momento de escribir el guion. ¡Adelante! Más aventuras de dos guionistas españoles en Hollywood En el podcast anterior, que aconsejo escuchar a los que todavía no lo han hecho, vimos cómo Teresa y Josep entrevistaron a dos guionistas, que explicaron el proceso de trabajo en la Writers´Room de una sitcom y de una “one-hour-drama”. También vimos cómo se configura la jerarquía y categorías en una writer´s room. Hoy continuamos con su relato. ¿Conseguirán entran en una writers´room con guionistas en plena acción? Veamos qué consiguen en estos capitulos. Acuden a la grabación de una sitcom. Visitan el sindicato de guionistas americano (WGA). Se encuentran con el “maestro jedi” de los showrunners. Entrevistan a un script coordinator. Entrevistan a dos guionistas y entran con ellos a una Writers´Room. Y dejo aquí la segunda parte de este libro: para los que queráis conocerlo en más detalle os pongo el enlace de Amazon para que podías comprarlo. Objetivo Writers´ Room. Las aventuras de dos guionistas españoles en Hollywood. Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos visto la segunda parte del podcast dedicado al libro Objetivo Writers´ Room. Las aventuras de dos guionistas españoles en Hollywood. La semana que viene vamos a por la tercera y última parte. Muchas gracias por acompañarnos y pediros que si os ha gustado, hagáis una valoración de 5 estrellas y un reseña en Itunes o un “Me gusta” en Ivoox. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. Hasta pronto. El artículo 59. Objetivo Writers´ Room (2ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 58. Objetivo Writers´ Room (1ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy vamos a comenzar una nueva sección en Guiones y guionistas en la que analizaremos los libros más relevantes e interesantes para guionistas. Libros escritos muchas veces por guionistas que nos expliquen más sobre este oficio. Y vamos a comenzar con un libro que comenzó como un blog, pero que tras su publicación en la editorial Alba se ha convertido en el libro referencia en español sobre el tema. Me refiero a Objetivo Writers´ Room. Las aventuras de dos guionistas españoles en Hollywood. Continuamos con las clases de la plataforma Guiones y guionistas. Hoy los que estáis suscritos podéis disfrutar de una nueva clase del curso de Desarrollo de Personajes en la que vamos a hacer ejercicios con un cronómetro. Os voy a poner al límite para que saquéis el máximo de vuestros personajes. Va a ser muy productiva, ya veréis. Las aventuras de dos guionistas españoles en Hollywood El título es bastante bueno. Por un lado nos habla del objetivo de los autores y la obra: entrar en la writers´room de una serie de Hollywood, y por otro del tono de la obra, pues el subtítulo Las aventuras de dos guionistas españoles en Hollywood nos remite a uno de los libros clásicos escritos por un guionista. Me refiero a Las aventuras de un guionista en Hollywood, la obra autobiográfica de William Goldman, el guionista de La princesa prometida que ganó dos oscars por Dos hombres y un destino y Todos los hombres del presidente. Una obra muy entretenida e ilustrativa de lo que significa ser un guionista en la meca del cine. Y uno de los muchos aciertos de Objetivo writers´ room es mantener el tono que los autores, Teresa de Rosendo y Josep Gatell, le dieron a su blog. Un tono basado en el storytelling de la aventura que ellos vivieron en su viaje a Hollywood en su intento por contactar con guionistas, preguntarles sobre su oficio e, intentar como fuese, colarse en una writer´s room. Querían vivir desde el corazón de una serie, el nacimiento, desarrollo, redacción y reescrituras de sus capítulos. Y ese tono de aventura imprevisible se mantiene durante todo el relato. Cuando empezaron a contar su idea, todo el mundo les dijo que era imposible. La writers´ room es un templo, un lugar íntimo con una química especial para que los guionistas se sientan cómodos para lanzar ideas. Además de la confidencialidad que hay que tener para que no se filtre nada de la serie. Pero ellos le contaron su idea a Carlton Cuse, el guionista y productor ejecutivo de Lost, que vino a Madrid por una conferencia. Y él les dijo que no le parecía imposible, que en lugar de intentar entrar en una writers´room de observadores durante un mes, intentaran entrar un solo día… luego volver un día más, y luego otro… Y animados por estas palabras Teresa y Josep se compraron un billete de avión a Hollywood con un objetivo claro: entrar a una writers´room. En el libro relatan su aventura por tierras americanas y yo os la resumo en varios podcast. En el de hoy veremos: Una entrevista a Luisa Leschin en el que habla de cómo se trabaja en la writers´room de una sitcom. Cuál es el calendario de escritura y qué pasos tiene desde que arrancan la temporada hasta que graban el episodio. Una entrevista a Nelson Soler en el que cuenta cómo se escribe un one-hour-drama. Qué pasa en la writers´room desde que se crean buscan las ideas para las tramas y se escribe la sinopsis, hasta que se hace la escaleta, el guion y la reescritura. Cómo se configura la jerarquía y categorías en una writer´sroom. Es decir, cuáles son los cargos de guionistas y qué hace cada uno. Y dejo aquí de momento la primera parte de este libro: Para los que queráis conocerlo en más detalle os pongo el enlace de Amazon para que podías comprarlo. Objetivo Writers´ Room. Las aventuras de dos guionistas españoles en Hollywood. Por cierto, es un enlace de afiliados, por lo que si lo compráis a través de este enlace a vosotros os cuesta lo mismo, pero a mí me dan una comisión… de unos céntimos, sí ya sé que no es mucho, pero así poco a poco podéis ayudar a financiar el podcast. Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos visto la primera parte del podcast dedicado al libro Objetivo Writers´ room. Las aventuras de dos guionistas españoles en Hollywood. Muchas gracias por acompañarnos y pediros que si os ha gustado, hagáis una valoración de 5 estrellas y un reseña en Itunes o un “Me gusta” en Ivoox. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. Hasta pronto El artículo 58. Objetivo Writers´ Room (1ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 57. Qué es un plot point o nudo de la trama se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy volvemos a las técnicas de guion para desentrañar uno de los elementos más efectivos de nuestras historias que nos ayudan a mantenerlas con interés. Me refiero al plot point o nudo de la trama. Es bonita esa traducción: nudos de la trama. Muy gráfica. Si la trama es una cuerda, los plot points son nudos que retuercen la historia, aportando conflicto, sorpresa y tensión, ayudándonos así a disfrutar más de ella. Básicamente, las historias sin nudos de la trama serían un aburrimiento. Continuamos con las clases de la plataforma Guiones y guionistas. Hoy los que estáis suscritos podéis disfrutar de una nueva clase del curso de Guion de Cortometrajes en la que hablaremos de principios y finales. ¿Tenéis claro ya cómo comienza y termina vuestra historia? Después de la clase de hoy apuesto a que sí. Qué es un plot point La primera persona que habló de los plot points fue Syd Field en El libro del guion, un manual clásico para los guionistas publicado por primera vez en 1979. Allí definió el plot point o nudo de la trama como “un incidente, episodio o acontecimiento que se “engancha” a la acción y la hace tomar otra dirección, entendiendo por “dirección” una “línea de desarrollo. Un plot point puede ser cualquier cosa: un plano, unas palabras, una escena, una secuencia una acción, cualquier cosa que haga avanzar la historia.” Para Syd Field un guion de largometraje puede tener entre 15 y 20 plot points, dependiendo de la historia y de la duración de la película. Esos nudos de la trama ayudan a que la historia tenga una estructura sólida e integrada y hacen avanzar la trama hasta la resolución. Según Field podría haber dos en el Acto I, diez en el Acto II y uno en el Acto III. Pero entre todos los plot points hay dos que son vitales y que hay que tener muy claros desde el principio, se refiere a los del final del primer y segundo acto, también conocidos como puntos de giro. Y son los más importantes, tenemos que conocer los plot point al final de cada acto antes de empezar a escribir. Para qué sirve un plot point Anclar la historia. Una de las máximas de Syd Field es que “cuando se está en el paradigma, no se puede ver el paradigma”. Y es cierto que si escribimos un guion sin tener clara la estructura lo más probable es que nos perdamos en medio de las acciones y escenas. Los plot points funcionan como boyas en el mar que te indican el camino a seguir. Si no tenemos esas boyas lo más probable es que nademos y nademos hasta agotarnos y nos perdamos en el camino. Los plot points anclan la historia con sucesos importantes de la trama que se “enganchan” a la acción y la hacen tomar otra dirección. Para Field las boyas más importantes que debemos conocer antes de comenzar a escribir un guion son cuatro: el principio, el final, el plot point al final del Acto I y el plot point al final del Acto II. Una vez que se tengan claros, se podrá comenzar a construir y desarrollar la línea argumenta. Hace avanzar la historia. La función y el propósito de un nudo de la trama es sencillamente hacer avanzar la historia. La trama progresa poco a poco y cuando llega un nuevo nudo de la trama sucede un incidente, episodio o acontecimiento que se engancha a la acción y le hace tomar otra dirección. Así se consigue mantener el interés en la historia ya que los espectadores no pueden relajarse nunca. Cuando creen que la historia se estabiliza llega otro nudo de la trama que la hace girar hacia otro lado, planteando nuevas preguntas y expectativas para los personajes. Resumiendo, cuando se está escribiendo un guion los plot points se convierten en señales indicadoras, manteniendo unida la historia y haciéndola avanzar. Cuáles son los plot points de una historia Syd Field habla en sus libros de que puede haber entre 15 o 20 plot points en un guion. Pero no todos ellos tienen la misma importancia. En el resto del podcast vamos a ver los nudos de la trama más importantes y que deben estar en todas las películas. Algunos son los que comenta Field, pero otros son los clásicos que comentan otros críticos y analistas como Joseph Campbell, Robert McKee, Blake Snyder o Linda Seger. Detonante, incidente incitador, llamada a la aventura… El detonante, como lo llama Linda Seger, el catalizador, según Blake Snyder, el incidente incitador, como dice MacKee, o llamada de la aventura, como lo denomina Joseph Campbell en el Viaje del Héroe, es el suceso con el que arranca la acción de la historia. Algo pasa: una explosión, un asesinato, llega una carta, te muestran el mensaje de una princesa rebelde en forma de holografía que pide ayuda, te dan un anillo que debes destruir, … y desde ese momento la historia queda definida. Ya sabemos cuál va a ser la columna vertebral de la historia que finalizará con el clímax y la resolución del relato. Esa es una buena metáfora. La columna vertebral es la estructura de la historia y los plot points las vé

El artículo 56. Cómo hacer un pitch ganador con un guion se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hace unos días me llegó un mail de uno de los oyentes, Rojo Caballero que me pedía un podcast sobre pitching. Y aquí va, Rojo, porque la verdad es que si tenéis un proyecto audiovisual, sobre todo si requiere financiación, en algún momento vais a pasar por un pitch por lo que debéis estar preparados. Es posible que tengáis que pitchear como guionistas buscando un productor o que pitcheeis junto al productor buscando financiación en un Forum o en un Festival. Pero tenéis que acostumbraros a saber qué es lo más atractivo de vuestro proyecto y cómo venderlo. Hoy veremos cómo debemos manejarnos en los breves minutos de los que disponemos para hacer un pitch ganador. Si queréis más recursos para pitchear vuestro guion en Guiones y guionistas hay un curso de pitch de guion. ¿Qué es un pitch? El término inglés pitch hace referencia a una presentación verbal, y a veces también visual, de una idea para una película o serie de televisión con la esperanza de obtener financiación para costear la escritura del guion o la producción del proyecto. El pitch generalmente está hecho por un guionista o director y se dirige a un productor, canal de televisión o cualquier organismo privado o del Estado destinado a la financiación de este tipo de proyectos. El origen de los pitch está en las presentaciones de las agencias de publicidad a sus clientes. “Pitch” es una palabra inglesa que significa “lanzamiento”, por eso el jugador que lanza la pelota en el baseball se le llama “pitcher”. Los publicistas le lanzaban las estrategias para vender sus productos a los clientes (anuncios, slogans o cuñas de radio) y ellos las aceptaban o no. No existe una fórmula mágica para hacer un pitch porque siempre dependerá de la relación que se da entre quien se expresa y quien escucha. Como normalmente se tiene un tiempo muy limitado hay que aprovechar cada segundo al máximo. Para ello es conveniente antes de acudir al pitch tener claro los siguientes puntos: conocerse a uno mismo, conocer el proyecto y conocer la industria. Más adelante veremos cómo. Diferentes tipos de pitch Existen diferentes formatos de pitch, dependiendo del tiempo, audiencia y objetivo que tenga. 1. Por duración Tweet Pitch: Pitch en una frase de menos de 140 caracteres. Es la forma más rápida, precisa y estructurada de contar tu idea. Sería el equivalente al tagline. Elevator Pitch: Pitch que dura entre 30” y 2 minutos minutos aproximadamente y es muy útil para que los miembros inversores discriminen de manera rápida y efectiva cuáles son los proyectos que les interesan y cuáles no. Pitch Deck: Dura entre 5 y 12 minutos. Es el más utilizado en el medio audiovisual. Se suele dividir en una parte de exposición y otra de preguntas. 2. Por audiencia Productores: Pitch realizado por guionistas ante productores que buscan proyectos nuevos para producir. Inversores: Pitch realizado por guionistas, directores y productores ante inversores, distribuidores y exhibidores buscando ampliar la financiación del proyecto. 3. Por objetivo. Desarrollo de proyecto: Conseguir financiación para escribir el guion y desarrollar el proyecto. Búsqueda de productor: Conseguir una empresa productora que apueste por el proyecto y ponga sus recursos en sacarlo adelante. Búsqueda de financiación: Conseguir financiación para producir el proyecto, ya sea por parte de productores, como de distribuidores o exhibidores. 18 Consejos para un pitch ganador 1. Preparación. Ensaya tu presentación varias veces, no es necesario memorizarla, pero sí tener clara la estructura y frases clave. Prepara bien las necesidades y logística del pitch: dónde presentarás el proyecto, si tienen proyector o debes llevar el tuyo, la capacidad del lugar. Llega al menos 10 minutos antes de la cita y toma un poco de agua para refrescar tu garganta antes y durante la presentación si es necesario. 2. Comienza presentándote. Es importante empezar introduciéndose a uno mismo para que el oyente tenga una noción de quién es la persona que les está hablando. Tienes que explicar brevemente cuál es tu experiencia en el sector e intentar establecer un punto emocional, imprescindible en todo buen pitch. 3. Explica cuál es tu relación con la idea. ¿Cómo te surgió la idea? Hacer un pitch no trata tanto de cómo vendes tu guion a otra persona sino de cómo vendes tu película para ti. Si no tienes una conexión emocional con tu guion, si no estás contando la historia en tu corazón, entonces la verdad es que no estás haciendo tu trabajo. Y si no estás haciendo tu trabajo, no vas a tener éxito. Debes escribir la película que quieres ver, y luego averiguar qué es lo que más te importa de la película. ¿Qué es esa cosa central de tu historia que quieres ver en pantalla? ¿Qué es lo que te enamoró y te hizo trabajar en ella? Contar tu vínculo con el proyecto es una oportunidad para conectar emocionalmente con tu audiencia. 4. Gánate su atención en

El artículo 55. Cómo aplicar el viaje del héroe a tu historia se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Y hoy vamos a hablar de uno de los secretos mejor guardados de los guionistas. Que tampoco es tan secreto, ya, por cierto. Pero del que todavía no había hablado en el podcast. Me refiero al viaje del héroe, una estructura narrativa en la que caben historias clásicas, como la de Ulises y Aquiles, religiosas como las de Buda, Moisés o Jesucristo, pero que también se usa mucho en la actualidad en literatura y cine. Lo podemos encontrar en Star Wars, El señor de los Anillos, Blade Runner, Matrix, El Rey León o El discurso del rey. En este podcast explicamos qué es el viaje del héroe, pero si queréis profundizar más podéis consultar el curso de Estructura del Viaje del Héroe, en el que analizamos clase a clase cada una de las etapas. Las clases de la plataforma Guiones y guionistas siguen aumentando semana a semana y hoy los que estáis suscritos podéis disfrutar de una nueva clase del curso de Guion de Cortometraje. Vamos a ver qué es un esquema de pasos y cómo escribir la escaleta y el tratamiento de vuestra historia. Ya queda menos para que podáis terminar vuestros cortos. Y los que todavía os estáis pensando en apuntaros no lo penséis más. Ahora que con las navidades vais a tener tiempo es una buena excusa para ponerse a escribir. Hay que pasar a la acción y podéis probar por tan solo 10 $. Qué es el viaje del héroe El viaje del héroe, o monomito, es un término acuñado por el antropólogo y mitólogo estadounidense Joseph Campbell para definir la estructura básica de muchos relatos épicos de todo el mundo. Campbell examinó cientos de mitos y leyendas, desde Grecia a los incas, pasando por las sagas islandesas o las epopeyas de la India, y buscó los puntos comunes entre todas las historias a partir de la antropología y de la psicología. Así fue como encontró un patrón que describió en su conocida obra El héroe de las mil caras (1949). En este patrón identificó 17 pasos que tenían todos los relatos épicos, que podían dividirse en tres etapas: La salida, la iniciación y el regreso. Medio siglo más tarde un especialista en análisis y estructura de guiones de Hollywood, Christopher Vogler, escribió un libro llamado El viaje del escritor orientado a la industria del cine. En este manual trasladó el lenguaje académico de Joseph Campbell y sus ejemplos mitológicos a ejemplos modernos de películas clásicas y contemporáneas. Vogler tomó la hipótesis de Campbell y la convirtió en un modelo de estructura para que escritores y guionistas pudieran enriquecer sus historias. Y para ello redujo el monomito de Campbell de 17 a 12 pasos. Eso sí, el objetivo de su modelo era ofrecer una guía, un punto de apoyo o una hoja de ruta: jamás fomentar los clichés y las repeticiones. Este modelo se ha aplicado a muchas películas y vamos a ver aquí los doce pasos con el ejemplo de dos clásicos: El señor de los anillos y Star Wars. Las etapas del viaje del héroe según Vogler 1. Mundo ordinario. El mundo ordinario es el mundo normal del héroe antes de que la historia comience. En el Señor de los anillos vemos a Frodo en la Tierra Media, con sus seres queridos y conocemos sus costumbres. Frodo es algo tímido pero decidido y muy inteligente. En Star Wars vemos a Luke haciendo su vida de granjero en Tatooine. Nos damos cuenta que Luke tiene una vida que no se corresponde a sus sueños. 2. La llamada de la aventura. Al héroe se le presenta un problema, desafío o aventura. La llamada de la aventura establece las reglas del juego, plantea la contienda y define el objetivo del héroe. Este paso coincide con lo que otros teóricos del guion denominan como el detonante o el incidente desencadenante. En El Señor de los anillos el llamado a la aventura se presenta cuando se encuentra con el anillo y le hablan sobre su origen y poder. En Star Wars, los heraldos que traen la llamada son los androides, y la llamada es el mensaje que traen de la princesa Leia. 3. Rechazo de la llamada. El héroe rechaza el desafío o aventura, principalmente por miedo al cambio. En El señor de los anillos Frodo le entrega el anillo a Gandalf intentando huir de la misión que éste le está encomendando. En Star Wars Luke rechaza la llamada y como resultado la familia de su tío son asesinados. 4. Encuentro con el mentor. Un mentor lo hace aceptar la llamada y lo entrena para su aventura. Es aquella etapa en la que el héroe obtiene provisiones, conocimientos y la confianza necesaria para vencer sus miedos y adentrarse en la aventura. En El señor de los anillos este mentor o tutor sería Gandalf. En el caso de Star Wars corresponde a Obi-Wan Kenobi y después a Yoda. 5. Cruce del primer umbral. El héroe abandona el mundo ordinario para entrar en el mundo especial o mágico. En El señor de los anillos Frodo y los otros hobbits se encuentran con los Nazguls de camino a Bree. En el caso de Star Wars le corresponde al puerto espacial Mos Esiley. Como le dice Ben Kenobi a Luke S

El artículo 54. Cómo ser youtuber se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿Cómo ser youtuber? “Si comenzara a trabajar ahora, sería youtuber, sin lugar a dudas”. ¿Quién dijo estas palabras? Pues ni más ni menos que Pedro Almodóvar. Y es que la libertad y oportunidad que ofrece YouTube para los creadores es impresionante. Por no hablar de que YouTube es el segundo buscador mundial más utilizado después de Google y, me atrevería a decir, el medio de comunicación favorito del nuevo milenio. Hoy los que estáis suscritos a la plataforma Guiones y guionistas podéis disfrutar de una nueva clase del curso de Desarrollo de Personajes, la sexta. Os recuerdo que el curso consta de diez clases. Y vamos a hacerle muchas preguntas a nuestro personaje para conocerlo mejor. Tenéis que preparar un buen lapicero y muchas hojas porque va a ser un interrogatorio en toda regla. Qué es un youtuber Literalmente, un youtuber es una persona que graba un vídeo y lo sube a YouTube. Pero si somos más estrictos no todo el mundo que sube un vídeo a Internet puede ser considerado youtuber porque además debe de tener algunas características como veremos hoy. Y es que ser youtuber parece sencillo… porque lo es: grabar un vídeo y subirlo a Youtube. Pero llegar a una audiencia cada vez más exigente hace necesario tener ciertos conocimientos de edición, iluminación y diseño del canal, que ayuden a ofrecer un trabajo de calidad. La mayor prueba de su dificultad es que cada día miles de youtubers suben sus vídeos a la red pero solo un número muy reducido se ganan la vida con ello. Aunque los youtuber que llevan más tiempo y que han conseguido más éxito comenzaron sin una idea fija, más motivados por sus ganas de grabar vídeos que por otra cosa. Cualquier persona que quiera convertirse en youtuber ahora tiene mucha información para poder seguir los pasos poco a poco que le lleven a consolidar una marca y tener seguidores. Vamos a verlos. Cómo ser youtuber Para crear un canal en YouTube y convertirse en youtuber debes contestarte a tres preguntas: ¿Quién?, ¿qué? y ¿cómo? Las respuestas a estas preguntas nos llevarán a los tres ámbitos o mundos del youtuber que debemos tener claros antes de empezar. Vamos a ver en qué consisten estos mundos. Quién. El primer concepto a definir es quién es el youtuber. Los youtubers son muy personalistas. Aunque haya muchas marcas con canales de vídeos en YouTube, a nadie se le ocurre decir que Cocacola o Red Bull son youtuber. El youtuber es la persona que hace los vídeos y normalmente sale presencialmente en ellos aportando tanto su físico como su personalidad. El físico es más o menos relevante según el tema del que se hablan. En los canales de belleza se da más importancia a la imagen que en los de gamers, en los que el youtuber suele salir en una imagen reducida en la esquina de la pantalla mientras que la imagen del juego cubre la mayor parte. Pero lo importante no es ser más o menos guapo, sino tener una imagen propia y especial que sea identificable. La personalidad también es la base del youtuber. Si preguntas a los youtuber de éxito todos recomiendan ser natural y comportarse como son en la realidad. La clave es conocer sus bondades y potenciarlas, creando en torno a ellas y el contenido una marca personal. Vamos a ver dos ejemplos muy distintos de youtuber que han conseguido tener una imagen propia y una comunidad de seguidores. Por un lado está Yo soy una pringada. Una youtuber trash con un humor muy ácido y una personalidad muy marcada, además de su aspecto extravagante y maquillaje gótico exagerado. Estíbaliz Quesada, como se llama realmente, se define en la bio de su Twitter e Instagram como “La gorda esa que insulta”. Pero ese estilo agresivo, depresivo y negativo ha tenido su éxito y Estíbaliz ha llegado a participar como comentarista en algunos programas de televisión en España. Os dejo el enlace para los curiosos pero aviso que se abstengan los delicados a los que no les gusten los insultos porque es bastante bestia. Al otro lado de la moneda está Ter. Una arquitecta que se ha hecho famosa por mezclar conceptos y análisis de historia del arte o arquitectura con la cultura popular de las celebrities. Sus vídeos más famosos son el análisis del culo de Kim Kardashian desde el punto de vista arquitectónico, el diseño de un diagrama de calidad de ‘celebrities’ o la teoría que afirma que las Kardashians son más importantes que Gabriel García Márquez, un vídeo que cabreó a media Colombia. Os dejo el enlace, que Ter es muy interesante y merece la pena. En relación con el “quién” es importante crearse una marca personal. La mayoría de los youtubers no se identifican con su propio nombre, sino que crean un apodo con el que son conocidos en la red. Después difunden la marca por dos vías. Por un lado en el canal de YouTube, que es el centro base del youtuber. Aquí todo debe estar enfocado en crear y asentar la marca: la foto de la portada, el avatar, el vídeo de presentac

El artículo 53. Cómo escribir el tratamiento de un guion se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Continuamos con los elementos básicos de la técnica de guion que todo guionista debe conocer. Ya vimos cómo crear el logline, el tagline, el storyline, la sinopsis la escaleta…. hoy le toca el turno al último eslabón antes de escribir el guion: el tratamiento. Hoy los que estáis suscritos a la plataforma Guiones y guionistas podéis disfrutar de una nueva clase del curso de Guion de Cortometraje. Es el momento de trabajar sobre los personajes de vuestro corto. Vamos a ver cuál es la función que cumple cada uno en la historia y crear sus perfiles. Vais a ver qué interesante y práctico. Qué es un tratamiento Un tratamiento, ya sea de una película o de una serie, es una narración de la historia contada al completo, con todos los detalles, personajes y localizaciones. Se escribe en prosa, en presente y sin incluir los diálogos. Su forma es similar a la de un relato corto. Se describen los personajes y la acción, usualmente secuencia por secuencia, tal y como aparecerá después en la película. Como un tratamiento es el último paso del desarrollo de una idea antes de convertirse en guion, su objetivo es mostrar la historia completa, la estructura del relato, y revelar a los protagonistas, personajes secundarios, sus personalidades, las relaciones entre ellos y cómo cambian a lo largo de la historia que estamos contando. La extensión de un tratamiento es bastante variable porque no existe un formato estándar como sí lo existe de guion. Suele tener una extensión de 1/3 de las páginas que contiene un guion, es decir que el tratamiento de una película puede extenderse entre 30 o 40 páginas. Existen tratamientos más largos, pero solo como herramienta de trabajo del guionista, cuando se van a mostrar a productores y concursos se suelen reducir. Incluso en el mercado de Hollywood trabajan con tratamientos de 10 o 12 páginas enfocados a la venta de la historia. Hay que diferenciar un tratamiento y una sinopsis. Una sinopsis es un relato sencillo de la trama y los aspectos más destacados del guion. Un tratamiento es mucho más amplio y debe incluir mucha más información, así como debe ser mucho más entretenido de leer. Para que os hagáis una idea os pongo en las notas del programa el enlace a una web para ver tratamientos de películas. Algunos de los enlaces están caducados, pero otros funcionan y os podrán ser de ayuda. http://www.simplyscripts.com/treatments.html Y por si no queréis buscar tanto os pongo el enlace del tratamiento de la película La máscara del Zorro. Tratamiento de La máscara del Zorro Para qué sirve un tratamiento Los tratamientos tienen dos funciones principalmente: como herramienta de desarrollo de la historia y como documento de venta. Para desarrollar la historia. El tratamiento sirve al guionista para ampliar el trabajo hecho con la sinopsis y la escaleta y desarrollar la historia en una secuencia de escenas. Escribir un tratamiento te obliga a pensar de nuevo en la historia que estás contando y estructurarla en secuencias. Al repensar la historia, el guionista puede definir claramente el punto de vista de la historia y aportar la temporalidad definitiva. En fases anteriores se trabaja muchas veces la historia de forma cronológica, y es en el tratamiento cuando se incorporan las elipsis y se concretan los saltos temporales como flashbacks o flashforwards. Al escribir el tratamiento, el guionista también se debe enfrentar a pensar qué pasa en cada escena, dónde se produce, quiénes son los personajes que participan, cómo puede empezar o terminar… son preguntas que después volverá a hacerse cuando desarrolle las escenas, pero al hacérselas en esta fase previa es más sencillo hacer cambios en la historia que cuando estén escribiéndose los diálogos. Hay autores como David Mamet que aseguran estar meses y meses trabajándose el tratamiento hasta el mínimo detalle, y después escribir el guion le lleva tan solo unos días. Para vender la historia Además de contener la historia al completo, por su carácter literario el tratamiento resulta más fácil de leer que un guion para aquellos que no están acostumbrados a hacerlo. Por esos los productores lo prefieren a la hora de mover el proyecto que una escaleta, pese a que ésta evoque de forma más fiable lo que va a ser la película una vez rodada. El tratamiento también suele ser un requisito en los concursos y subvenciones para proyectos audiovisuales, tanto en los de desarrollo de guion como en los que se busca financiación para la película. Pero el tratamiento también es una herramienta peligrosa porque muchos productores no saben entenderlo bien. El lector de un tratamiento tiene que reflexionar y visualizar la película pero ser consciente a su vez de su naturaleza. Además muchas veces te dirán que es un documento incompleto… porque realmente es así, en la fase de escribir el guion se modificará, surgirán escenas nuevas y alguna se eliminará. Aunque sirva p

El artículo 52. Cómo aplicar la regla del tres en comedia y otros géneros se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy hablamos de la regla del tres. Pero antes recordad que los que estáis suscritos a la plataforma Guiones y guionistas podéis disfrutar de una nueva clase del curso de Desarrollo de personajes. Vamos a ver cómo crear relaciones entre personajes. Tanto ver los elementos que tienen las relaciones como aprender a crear triángulos interesantes. Y hablando de triángulos. Según los cómicos estadounidenses, en comedia el tres es el número mágico y la regla del tres es una fórmula infalible. En el podcast de hoy veremos en qué consiste la regla del tres, cómo se utiliza y algunos ejemplos fuera del humor donde también puede utilizarse. La estructura básica de las bromas y chistes Una broma o chiste suele seguir una estructura premisa-remate. En la premisa se crea una imagen en la mente del público y se genera una expectativa lógica… que después se rompe con un desenlace chocante que provoca la risa. Os pongo un ejemplo del cómico Raúl Cimas extraído del libro Manual del cómico novato de Miguel Lago: Me echaron del trabajo porque al jefe no le gustaba que bromease con los clientes… da igual, hay más tanatorios. En este ejemplo vemos como la premisa te genera una expectativa: Me echaron del trabajo porque al jefe no le gustaba que bromease con los clientes… nos imaginamos a un empleado simpático y bromista y a un jefe estricto y aburrido. Y después el remate nos sorprende: … da igual, hay más tanatorios. Entonces entendemos que el empleado era el que estaba desubicado haciendo bromas en un lugar donde no son bien recibidas. El choque frontal entre la seriedad de un tanatorio y el comportamiento del empleado protagonista es lo que provoca la risa. La regla del tres La regla del tres supone una evolución de la clásica estructura de la premisa y el remate. Ya que propone un estructura en la que hay una premisa y tres ejemplos, dos de ellos van en la misma dirección y el tercero, el remate, la cambia sorpresivamente provocando la risa. Al crear la secuencia se generan más expectativas que con una simple premisa, por eso cuando se rompen pueden provocar más sorpresa y humor. Vamos a ver un ejemplo que bien podía haber dicho el protagonista de la broma anterior. Hay tres cosas que no se pueden decir a una viuda en un funeral: “Parece tan tranquilo”, “se ha ido a un lugar mejor”… “era tan genial en la cama”. La regla de tres juega con el factor sorpresa. Se expone algo en formato de enumeración o lista de tres elementos, y después se rompe. Funcionan de la siguiente manera: Introducción: El primer elemento presenta el tema y crea la secuencia. Validación: El segundo elemento valida el tema y continúa la secuencia. Ruptura: El tercero rompe la secuencia y con ello las expectativas creadas. Y lo hace por sorpresa. ¿Y por qué hay dos introducciones antes de la ruptura y no una o tres? Porque si solo contamos con una, el público no dispone de suficiente información para formarse unas expectativas positivas que puedan ser destruidas por el remate final. Y si se tiene tres introducciones, resulta redundante y pierde fuerza. La tercera introducción le restaría tensión al momento y amortigua la posible liberación cómica. Consejos para hablar inglés correctamente: no tener vergüenza al hablarlo, prestar atención a la pronunciación y haber crecido en Inglaterra. Hay algo narrativo en la regla del tres. La sucesión 1-2-3 nos recuerda a la secuencia clásica de planteamiento-nudo-desenlace. Se plantea la secuencia en la primera frase, se desarrolla con la segunda y el remate cómico se convierte en el desenlace. La clave del recurso es que los dos primeros elementos de la secuencia tengan una lógica repetitiva y el tercero la rompa. El mecanismo cómico juega con dos armas muy habituales del género: la repetición y lo inesperado. La repetición es un recurso que funciona mucho en comedia, un mismo gag puede hacer más gracia si tiene lugar varias veces. Por ejemplo, las típicas bromas de cámara oculta que se repiten varias veces y te vuelves a reír cada vez. Hay algo ahí, en la expectativa de ver cómo se repite la broma y que después se cumpla, que produce risa. El otro elemento, la sorpresa, se basa en que algo no sea esperado. Lo impredecible nos puede hacer reír por la ruptura con la lógica. Lo lógico es que pase algo… pero se rompe la lógica y pasa algo inesperado. Y la regla del tres es la forma más eficiente de utilizar ambas formas de expresión. De hecho, se consigue que una refuerce a la otra. La regla del tres ascendente. Una variante de la regla del tres es hacer que la secuencia sea ascendente. Es decir, que la progresión lógica vaya en aumento: Tras la premisa, el primer ejemplo es previsible y no suele ser humorístico, el segundo mantiene la lógica pero es un poco menos previsible y puede provocar una sonrisa en el público; y el remate rompe la lógica, es totalmente imprevisible y lleva el peso

El artículo 51. Cómo escribir comedia que haga risa se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Y en este podcast vamos a hablar de escribir comedia con un guionista, periodista y cómico español que toca todos los palos del humor: stand-up, sketchs, guion de programas, twitter… Álvaro Velasco. Veremos cómo se prepara sus monólogos de comedia como Moderno de Móstoles, cómo escribe los guiones del programa 90 minuti de Real Madrid televisión (Globomedia) o cómo escribe e interpreta sketchs como Velasco y el fútbol (Minoría absoluta). Hoy los que estáis suscritos a la plataforma de cursos de Guiones y guionistas podéis disfrutar de una nueva clase del curso de Guion de Cortometraje. Vamos a trabajar sobre la estructura de vuestra historia. Y veremos las diferencias entre la estructura de un largometraje y la de un cortometraje. Y si queréis profundizar en el mundo de la comedia, tenéis el curso de Recursos cómicos. Y hablando de escribir comedia, si queréis ver qué hace Álvaro, estos son sus enlaces de contacto: Twitter de Álvaro Velasco: @alvaro_velasco Instagram de Álvaro Velasco: @alvaro_velasco Página de Facebook de Álvaro Velasco Y con esto terminamos el podcast especial de hoy en el que hablamos de escribir comedia. Muchas gracias por acompañarnos y por vuestras valoraciones de 5 estrellas y reseñas en Itunes y “Me gusta” en Ivoox. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. Hasta pronto. El artículo 51. Cómo escribir comedia que haga risa se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 50. Preguntas y respuestas de aniversario se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy los que estáis suscritos a la plataforma de cursos de Guiones y guionistas podéis disfrutar de una nueva clase del curso de Desarrollo de Personajes. Vamos a trabajar directamente sobre el personaje protagonista y los secundarios, con varios consejos para profundizar sobre ellos. Una clase muy útil, ya veréis. Y para el podcast vuelvo a vuestras preguntas y comentarios que me llegan por todos los lados. Directamente por el cuestionario de la web, por Facebook, en Ivoox… y me encanta, no paréis de preguntarme cualquier duda que yo os la contestaré cuando pueda. Estas son las que contesto hoy. 1. Douglas: Tengo un guion de corto pero considero que no encuentro un nudo en la historia. 2. Nadia Stephanie: ¿Hay otros ejemplos para explicar el concepto de “negación de la negación” en un personaje? Solo me lo ejemplificaron con “Mi novia polly”, y todavía no se me ocurre otro xD 3. Mario: ¿No sería mejor escribir primero el guion para convencer a un dibujante que intentar convencerlo a “ciegas”? Saludos y gracias por el podcast. (Sobre el uso del Test de Deggans, conocido como el test de Bechdel racial) El test de incluir dos personajes que no sean blancos pues por ejemplo en las pelis chinas son todos chinos, entonces prácticamente el problema lo tiene Hollywood mayormente. 4. Milagros (República Dominicana): Muy buenos días, mi nombre es Milagros, soy oriunda de la Provincia de Samaná, acabo de escribir un guion de clasificación B, para una película, me gustaría saber cómo puedo encontrar un productor que se interese en él. También me gustaría aprender más del arte de la escritura. 5. Euridice (Cuba): Hola, necesito que mis guiones de serie, telenovelas, largos y cortos lleguen a las empresas productoras….. supongo que hay varios buscando lo mismo. Gracias!! Webserie chilena: Cielo Blanco SE BUSCAN GUIONISTAS: ¡Hola! Soy estudiante de último año dirección de fotografía en EFTI y estoy buscando un guion de cortometraje para la práctica final. Solo serán seleccionados dos proyectos en toda la clase, pero tendrán un gran presupuesto. Nuestros rodajes se caracterizan por ser profesionales y utilizar material de cine. Así que si tienes una idea o un guion ya escrito que te apetezca verlo proyectado en la gran pantalla contacta conmigo. El proyecto habría de ser presentado para finales de Enero con una duración de 10 min aprox. Si quieres mandar un guion adjunta una sinopsis. www.irenegarmtz.com Adolfo: ¿Qué pasos debo seguir, donde debería acudir y qué formularios tendría que rellenar para registrar un formato, una idea, una Biblia? Agradecería paso a paso con todo lujo de detalle. Ya que no soy muy ducho y bastante neófito (Capturas de pantalla incluidas) Su web es muy instructiva. Gracias. Podcast Cómo registrar un guion Safe creative Y con esto terminamos el podcast especial de hoy, de preguntas y respuestas. Muchas gracias por estar al otro lado y por suscribíos a Guiones y guionistas, tanto a los cursos de guion como al podcast en Itunes e Ivoox. Y por supuesto por valorarlo con 5 estrellas en Itunes y hacer una reseña y dar un “Me gusta” en Ivoox. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. Hasta pronto. El artículo 50. Preguntas y respuestas de aniversario se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 49. Cómo evitar los errores de guionista novato se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Como vengo explicando en el podcast, escribir el guion de un largometraje o una serie es un proceso complejo, con varias etapas que se suelen alargar durante mucho tiempo. En todo este proceso es muy fácil cometer errores y es cuando se llega a la última fase y el guion está terminado cuando esos errores salen todos a flote. Algunos de estos errores son más fáciles de detectar que otros y se ven a simple vista. Pero, en cualquier caso, todos los errores demuestran falta de experiencia o profesionalidad en el autor del guion. En el podcast de hoy vamos a analizar los errores más comunes que cometen los principiantes, y no tan principiantes, en sus guiones. Para ello vamos a dividir el tipo de equivocaciones en tres categorías diferentes: los errores de formato, los errores de estilo y los errores de contenido. Muchos de estos fallos denotan inexperiencia, otros ignorancia y muchos son fruto de la desidia o la falta de atención. Veamos los más recurrentes… Si necesitas mejorar el formato de tu guion, escribí un libro sobre ello, “Formato de Guion. Guía para escribir como un guionista profesional”, que explica las normas para la escritura del formato estándar. Las de los guionistas Hollywood y las variantes de los guionistas hispanohablantes. Contiene una guía de estilo que muestra las diferentes formas de escribir el formato. Errores de formato. Los fallos de formato son los más fáciles de detectar porque se ven a simple vista. Errores de maquetación, diseño, tipo de letra son equivocaciones que los analistas y profesionales que están acostumbrados a leer cientos de guiones ven a la primera de cambio. Hice un podcast especial que trataba del formato estándar de guion en la industria audiovisual, los que no lo hayáis escuchado podéis hacerlo en el link que os adjunto. Podcast formato estándar de guion Y entre todos los errores de formato que se pueden cometer, vamos a recordar los más comunes. Que la maquetación no sea la correcta. Como expliqué en el podcast sobre formato, existe una convención que explica la distancia de los márgenes a la que comienzan y terminan los diferentes elementos del guion: las descripciones, los personajes, el diálogo y las anotaciones. Esto configura visualmente los guiones y si las distancias no son correctas saltará a la vista de los profesionales indicando la primera señal de que el autor es aficionado o principiante. Si el guion no está escrito en un software específico para guiones sino en un procesador de textos como el Microsoft Word o Pages es más fácil incurrir en errores de márgenes y maquetado. Actualmente existen varios programas gratuitos y de pago de escritura de guion que facilitan mucho la escritura porque maquetan los textos de la forma estándar de la industria. Recurrir a ellos, además de ahorrar tiempo, es la mejor forma de asegurarte que tienes el formato correcto. Que la fuente tipográfica no sea estándar. La tipografía utilizada en los guiones es Courier o Courier New y el tamaño 12 pto. Cualquier otra tipografía resultará extraña a los ojos de un lector experto. Puede resultar un poco caprichoso para las personas fuera del sector, pero es un hecho que no se puede cuestionar. Si escribes un guion con otra tipografía inevitablemente piensas que ese guionista no conoce las reglas del juego. Que el encabezado sea confuso. En el encabezado de la escena se debe escribir tan solo la ubicación, si es exterior o interior, la referencia temporal y si tiene alguna relación con la escena anterior. Si se añaden más elementos puede expresar confusión. Del mismo modo tenemos que tener claro que hay que crear una escena nueva para cada nueva ubicación. Que haya exceso de transiciones o acotaciones. Las transiciones entre escenas como CORTE A o ENCADENADO A se colocan muy esporádicamente y si no se pone nada se sobreentiende que es un CORTE A. También es un error escribir paréntesis antes del diálogo en cada página explicando la emoción o cómo se debe decir la línea. Tanto las transiciones como las acotaciones a los diálogos hay que usarlas con mucho cuidado e intención para no parecer novatos. Que haya faltas de ortografía. Es muy importante repasar la ortografía y la gramática de nuestro guion antes de hacerlo público. Si vuestro software de guion no tiene incorporado un corrector ortográfico podéis copiar todo el guion y pegarlo en un procesador de texto que tenga corrector para así poder revisarlo. Las faltas de ortografía dan mala imagen y muestran desinterés por parte del autor del guion. Si no se molesta ni en corregir las faltas, ¿qué pasará con el contenido del guion? Errores de estilo. Los fallos de estilo son los siguientes en detectarse después de los errores de formato. No se ven a simple vista pero con una lectura mínima se pueden encontrar y solo se corrigen si se tiene la suficiente experiencia para saber cómo hacerlo. Anotar indicaciones técn

El artículo 48. Cómo crear un reality show (parte 2) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. En el podcast de la semana pasada vimos en qué consiste un reality show, cuáles son los diferentes tipos que hay y qué características tiene cada uno. Hoy ha llegado el momento de ver cuáles son los pasos que tenemos que recorrer si queremos crear un reality show. 1. La idea. Según la Wikipedia, Big Brother surgió en un brainstorming de Endemol inspirándose en el experimento Biosfera 2, que tuvo lugar en el desierto de Arizona, en 1991. En él, 8 personas descubrieron lo difícil que es convivir todos juntos y aislados, en este caso en una bóveda geodésica de acero y vidrio hermético que simulaba el medio ambiente de la Tierra. A estos conceptos de encierro y aislamiento, Gran Hermano añadió los de competencia y privacidad como vimos en el podcast anterior. El experimento de Biosfera 2 quería reproducir bajo una gran cúpula, como la película The Truman Show o la serie La cúpula, las condiciones de un ecosistema para estudiar la viabilidad de biosferas cerradas en la colonización espacial. Este experimento científico no tuvo previsto que, además de las dificultades de construcción y de mantener con vida a todos los seres que participaban en el experimento, contaba con la complejidad de las relaciones humanas en ambientes cerrados. Y ese fue uno de los mayores problemas que tuvo Biosfera 2. Antes de que la misión alcanzase su ecuador, el grupo ya se había dividido en dos facciones, con antiguos amigos íntimos convertidos en enemigos implacables. Indudablemente, la falta de oxígeno y la escasez de alimentos contribuyeron a minar la moral de todos. La división vino provocada por una disputa entre la tripulación sobre qué era exactamente Biosfera: ¿un experimento científico, una aventura empresarial o quizá solo una enorme instalación artística? ¿Cómo surge la idea para un reality show? La idea puede venir de cualquier lado. Puede que al ver a una niña cantando frente a un televisor se te ocurra hacer un programa de búsqueda de talentos como Popstar o que al asistir a una boda te venga la idea de casar a dos desconocidos y ver qué pasa. Lo fundamental es que se cumplan los dos requisitos imprescindibles de los reality shows, por un lado la importancia de que en el programa se generen conflictos, inherente a cualquier formato de telerrealidad, y por otro que los protagonistas deben cambiar a lo largo del programa, ya sea física o psicológicamente. Si queréis ver cómo se genera una idea de un formato en directo y se va desarrollando podéis escuchar el podcast que hice sobre cómo crear un formato de televisión. Podcast formato de televisión 2. El reto. Como comentaba en el punto anterior, unido a la idea está el concepto del reto, es decir, hay que determinar qué arriesgan los participantes por participar en el programa y qué desafío deben superar a lo largo de la grabación. Un reto que les hará vivir una experiencia nueva y enriquecedora y les cambiará, de algún modo, la vida. Ese desafío es el tema del programa, lo que diferencia a unos de otros y lo hace especial. Existen diferentes tipos de retos como vimos en el podcast anterior. Mientras en unos formatos los participantes deben únicamente convivir con ciertos condicionantes y limitaciones, en otros se incorpora la supervivencia, la aventura o una carrera por paisajes exóticos y desconocidos. También hay formatos que ofrecen cambios de actitud, psicológicos o incluso físicos a los participantes, que aceptan ponerse en manos de especialistas para adelgazar, ponerse en forma y cambiar su fisonomía con cirugía estética haciendo pública su transformación. Otros programas lo que ofrecen es renovar los hogares de los concursantes por medio de especialistas, que reconstruyen o redecoran las casas viejas de los concursantes. Los talent shows no solo se limitan a disciplinas artísticas, sino que existen realities que enfrentan a sus concursantes en retos deportivos o laborales, poniendo en competición quién es el mejor profesional en determinado trabajo. Como en America’s Toughest Jobs (Los trabajos más duros de América) (NBC, USA, 2008) en el que trece participantes abandonan sus acomodadas vidas para ponerse manos a la obra en los nueve “trabajos más exigentes, peligrosos y difíciles del país”. Al final de cada episodio, el nuevo jefe y los nuevos compañeros decidirán el éxito o el fracaso de su actividad. Aquellos que no obtengan el visto bueno, abandonan el programa. El sueldo anual generado por cada profesión es puesto en un bote final, que se lleva el empleado más eficaz. Uno de los retos más originales que han propuesto los reality show son las experiencias en las que dos personas intercambian sus vidas, ofreciéndoles la oportunidad de comprobar lo que significa vivir otra realidad. Pero no vale solo con que los participantes vivan la vida de otro, para que la práctica sea interesante tiene que existir un gran contraste entre las dos vidas, de tal

El artículo 47. Cómo crear un reality show (parte 1) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Y vamos con el tema de hoy: Reality show, telerrealidad, docushow, talent show, docuserie, reality game show, coaching… hay muchos términos -la mayoría anglosajones- para denominar el género de los realities o algunos de sus programas. En este podcast, que voy a hacer en dos partes, voy a intentar asentar las bases que configuran el género del reality show, definir las diferentes categorías y tipos de programas en que se subdivide, y explicar el trabajo de creación y guion que se realiza en dicho formato televisivo. ¿Qué es un reality show? Si vamos a la definición literal, un reality show es un programa televisivo que convierte la realidad en espectáculo. Aunque podemos decir que casi todos los programas televisivos intentan hacer espectáculo con la realidad, noticiarios y telediarios incluidos, este tipo de programas da un paso más adelante y crea sus propias condiciones para que la realidad, aunque sea una “realidad desenfocada”, suceda ante las cámaras. El reality show forma parte de lo que últimamente se conoce como la televisión “no escrita”, donde aunque se preparen las condiciones para que sucedan cosas, no se escriben los diálogos de lo que pasa, y los protagonistas no son actores, sino personas seleccionadas para comportarse como ellos mismos, no para interpretar. Los reality shows precursores Para ver los tipos y características de reality show es muy útil echar una mirada atrás y analizar los realities precursores, programas que fueron aportando elementos nuevos y definiendo las diversas particularidades y categorías del género. Las primeras aproximaciones de la realidad a los espectáculos televisivos son el programa Candid Camera, que grababa bromas a anónimos en la calle por medio de cámaras ocultas, y Cops, una docuserie que seguía a distintos cuerpos de policía en su jornada de trabajo. Pero los programas que realmente dieron el paso de grabar la intimidad de personas anónimas en su cotidianidad son An American Family (1973, USA) y The Family (1974, Reino Unido) que filmaron la vida de dos familias corrientes y emitieron como si de una serie de ficción se tratase. El equipo de producción de An American Family estuvo grabando a la familia Loud durante nueve meses, tiempo en el que el matrimonio se separó y el hijo se convirtió en el primer famoso que salía del armario oficialmente. Esta docuserie aportó al género del reality la grabación y el montaje estilo documental. Os dejo un enlace de Youtube de la cabecera de la serie para que os hagáis una idea, aunque si os interesa podéis buscar más imágenes que algo hay aunque hayan pasado 45 años de su estreno. An American Family Los primeros programas donde se pudo ver la convivencia entre extraños fueron Nummer 28 (1991, Holanda) y The Real World (1992, USA). En Nummer 28 siete extraños, (estudiantes primerizos) se reunieron en una casa de estudiantes en Amsterdam, y sus vidas fueron seguidas por cámaras durante varios meses. Solo tuvo una temporada, pero al año siguiente la MTV juntó a siete jóvenes para vivir juntos en una residencia en una nueva ciudad. El formato de The Real World, donde persiste la convivencia entre extraños pero no hay ningún tipo de concurso, todavía pervive actualmente y va por su edición número 32. En 1997 los suecos de la productora Strix produjeron la primera edición de Expedition Robinson, el formato que se conoció más adelante como Survivor. Además de introducir la supervivencia y dar inicio a los reality de aventuras, este formato aportó la competición. Los protagonistas se convierten en concursantes y se eliminan unos a otros hasta el ganador final. Este es un cambio fundamental porque dio inicio a los Reality Game, que después llevarían el formato de los reality shows a sus más altas cotas de audiencia. En 1999 una pequeña cadena holandesa estrena Big Brother, que tomaba de Nummer 28 la convivencia de extraños y de Expedition Robinson la competición y aportaba algo nuevo al género: la emisión en directo y el poder del público, que con sus votos decide qué concursantes continúan en el concurso y cuáles son eliminados. Este formato fue una auténtica revolución, emitido en más de 70 países sigue teniendo éxito actualmente. En España, por ejemplo se han 17 ediciones con anónimos y 6 con famosos. Todos conocéis la mecánica de Big Brother: durante unos tres meses un grupo de personas conviven en una casa, totalmente aisladas y con cámaras vigilándolas las 24 horas del día. Cada concursante debe ir superando una serie de expulsiones resultantes de los votos expresados por la audiencia. De este modo, a medida que los concursantes van siendo expulsados uno a uno, al final solo queda un ganador. Las relaciones sentimentales emergieron en el mundo del reality con The Bachelor (2001, USA), donde un soltero millonario elegía novia entre varias pretendientes, y Temptation Island (2001, USA), programa en el que varias pareja

El artículo 46. Cómo caracterizar a un personaje se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy toca caracterizar un personaje. En el podcast número 43 hice el experimento de salir a la calle y observar a la gente que me encontraba por el camino fijándome en detalles e intentando extraer datos para mis personajes. Y me preguntaba cosas sobre esa persona: ¿cómo era su personalidad? ¿Por qué está haciendo lo que está haciendo? ¿A qué se dedicaba? Los que no hayáis escuchado el podcast os aconsejo que lo hagáis antes de oír este, os pongo el enlace en las notas del programa. Podcast 43: creando personajes a partir de la observación Pues bien, hoy voy a continuar con el experimento. Voy a elegir uno de los personajes que vi ese día e intentar caracterizarlo para ver cómo profundizar un poco más en la creación del personaje. Es un poco lo que vamos a ver de forma más completa en el curso de desarrollo de personajes, pero haciéndolo en directo con un caso concreto. A los que hacéis el curso os servirá como ejemplo de lo que hablamos en él y a los que todavía no estáis apuntados os sirve para ver qué tipo de cosas vemos en los cursos. Caracterizar a un personaje en directo Voy a elegir a uno de los personajes que vi en el paseo ese día… por ejemplo… los obreros mismo, que fueron los primeros que encontré al salir de casa. Os recuerdo, eran cuatro obreros que estaban desmontando un andamio y subiéndolo a una camioneta. También había un hombre bien vestido hablando por teléfono que yo deduje que era el arquitecto de la obra. Y el elemento que más me llamó la atención es que había dos de ellos que tenían el casco de protección encima de un gorro de visera, y otro de ellos que tenía el casco encima de una camiseta que le tapaba la cabeza… … y con esto terminamos el podcast de hoy, donde hemos visto en directo cómo caracterizar a un personaje. Muchas gracias por estar al otro lado y por suscribíos a Guiones y guionistas, tanto a los cursos de guion como al podcast en Itunes e Ivoox y a la página de Facebook,  y por vuestras valoraciones con 5 estrellas en Itunes y “Me gusta” en Ivoox. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. Hasta pronto. [wysija_form id=”3″] El artículo 46. Cómo caracterizar a un personaje se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 45. Cómo crear un narrador poco fiable o sospechoso se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Y vamos con el podcast de hoy que tiene un tema interesantísimo que seguro que os da alguna idea para vuestras historias: el narrador no confiable o sospechoso… ideal para hacer giros en nuestra trama y para tener a nuestros espectadores siempre atentos a la pantalla esperando la próxima sorpresa. Si queréis saber cómo conseguir que vuestro narrador sea un mentiroso atentos al podcast. ¿Qué es el narrador sospechoso? El narrador poco fiable o narrador sospechoso o unreliable narrator como dicen los anglosajones, es el narrador que pierde la credibilidad y confianza como fuente de información en un relato, provocando que el espectador dude a la hora de asumir lo hechos como ciertos. Esta técnica narrativa, utilizada tanto en literatura como en relatos audiovisuales, se usa para hacer más compleja una historia. El espectador debe estar motivado e implicarse en la interpretación del relato porque tiene que identificar y unir las piezas, diferenciando las verdaderas de las falsas. La naturaleza tramposa del narrador poco confiable suele quedar clara para el espectador desde un principio, aunque sea de modo inconsciente. Pero también puede ocultarse, dejando tan solo algunas pequeñas pistas, y revelar al final ante la sorpresa del espectador. Esta última modalidad tiene sus riesgos, pues el público puede sentirse estafado por la propuesta tramposa del creador. Aunque cuando funciona bien tiene unos efectos espectaculares. En la vida nos podemos cruzar con asesinos y mentirosos, psicópatas y santos. No siempre conocemos a un asesino o mentiroso cuando nos encontramos con uno. En la vida real hay una multitud de personajes poco confiables que se mezclan con la multitud. En la ficción buena también. Por eso los narradores no confiables aparecen en tantas tramas retorcidas precisamente por lo que esconden. Son esas piezas que faltan, las partes de la historia que no cuentan, las que dan forma a la gran revelación final. Esa gran revelación, en la que aprendemos lo que realmente sucedió, cambia la forma en que entendemos la historia completa. De ahí que el giro de la trama resulte perfecto. ¿Por qué es poco fiable este narrador? En pocas palabras, un narrador poco fiable es un personaje que miente. Claro, a veces miente porque tiene algo que esconder, pero la mentira no siempre es deliberada. A veces simplemente no sabe toda la historia o no tiene bien todas sus facultades porque tiene algún problema mental o está borracho o agotado. Pero hay una cosa segura, independientemente de que estén mejor o peor contadas, las historias con un narrador poco confiable son interesantes porque ocultan algo al espectador. Y esas lagunas en su historia dejan espacio para la sorpresa. Veamos por qué es tan poco fiable este narrador. Miente deliberadamente. La primera opción que lo hace sospechoso es que mienta deliberadamente. ¿Y por qué miente? Pues hay varias razones: la gente miente para quedar bien, para excusarse, para obtener lo que quiere, para no perder ciertos derechos, para dar una mejor imagen de sí misma, para no ofender o hacer sufrir a otras personas con la verdad, porque no saben o no pueden decir que no, para postergar decisiones o por temor al rechazo o al castigo. Puede mentir para sobrevivir, como hace Verbal en The Usual Suspects (Los sospechosos de siempre o Sospechosos comunes en Hispanoamérica y Sospechosos habituales en España). Verbal Kint, el pequeño delincuente de voz suave, es el único superviviente de la explosión de un barco. Durante el interrogatorio policial posterior al desastre, Verbal cuenta la intrincada historia de cómo él y cuatro compañeros criminales terminaron en ese barco, las víctimas del legendario jefe criminal Keyser Söze. La historia es puramente verbal, lo que hace que sea muy fácil que sea una gran mentira. ¿Y cuál es el giro? Después de que el interrogador de la policía libera a Verbal de la custodia, encuentra una cantidad poco probable de detalles de la historia de Verbal en fotos y documentos colgados en toda la sala de interrogatorios donde Verbal hizo su historia. Sí, esto significa que su historia fue una mentira. Pero esa no es la mayor revelación en este cuento alucinante. La omito por si acaso alguien todavía no la ha visto, que ya he “espoilereado” bastante. Pero también puede mentir para divertirse, como hace Pi. El protagonista de La vida de Pi es un ejemplo de “embellisher”, un narrador poco confiable que cuenta cuentos para divertirse y exagera sus narraciones. En su intento por hacer un relato más interesante o entretenido le agrega detalles adicionales, especialmente los que no son ciertos. Pi es un personaje que te mantiene adivinando. Su historia de naufragios y supervivencia en el mar no es la primera de sus historias fantásticas. Pero a pesar de que sus historias son difíciles de creer, te das cuenta de que quieres hacerlo. Como no quieres creer lo

El artículo 44. Test de Bechdel, cómo aplicarlo a nuestros guiones se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. La pasada semana la actriz Blake Lively añadió un nuevo elemento a la lucha actual contra el sexismo en Hollywood afirmando que el machismo de Hollywood empieza desde el guion. Y no dijo nada del test de Bechdel. Para Blake, el síntoma principal de cómo la cultura machista está enraizada en la industria del cine, se encuentra en el momento de concebir los guiones de las películas, en los que los personajes masculinos están construidos para gustar por principio, mientras que para los femeninos, hay que construir y justificar ese carisma desde cero. “Lo que quiero decir es que mi marido interpreta papeles de capullo pero lo ves y dices ‘es súper encantador’, porque está escrito para gustar. O mira a Harrison Ford como Han Solo diciendo ‘ven aquí, cariño’, y tú pensando ‘uuh, es tan emocionante, romántico y excitante’. Eso es porque es encantador y cariñoso y no un capullo sexista”, cuenta la actriz. “Pero lo ves en pantalla y no piensas ‘oh, este tío no me cae bien’”. Blake afirma que mientras que en los personajes masculinos el carisma se da por hecho, el carisma femenino hay que justificarlo desde el guion, porque de lo contrario parece que el público no lo entenderá. Así, continúa la actriz en la entrevista en Vanity Fair: “Pero si realmente lees una página enseguida lo sabes: ‘oh, es un hombre, entonces tiene que ser encantador’. Pero si lees esa misma página como una mujer, nunca te dejarán pronunciar esa misma frase porque el comentario siempre será, ‘oh, tienes que asegurarte de que ella caerá bien’”. Lo que dice Blake no es algo aislado. Hace dos meses un estudio de la Universidad de Carolina del Sur demostraba que hay más papeles para hombres, pero es que además sus personajes son más complejos, más variados y hablan más y de más temas que los femeninos. Este estudio ha analizado cerca de 1.000 guiones que incluían a más de 7.000 personajes y 53.000 frases de diálogo. El resultado es letal. De todo el contenido analizado los hombres tienen 37.000 diálogos, mientras que las mujeres sólo 15.000, es decir, menos de la mitad. Además, mientras que en esas películas se encontraron 4.900 personajes masculinos, los femeninos se quedaron en los 2.000. Y el estudio no solo analiza el contenido, sino también las personas detrás del mismo, y han encontrado que hay siete veces más hombres guionistas que mujeres, algo que cualquiera que haya trabajado en la profesión ya conoce. Para los que han hecho el estudio “si hubiera más mujeres entre los guionistas, su representación en pantalla sería un 50% más alta”. También conseguirían eliminar otras diferencias, como las de edad. Los papeles para mujeres son, de media, cinco años más jóvenes que los de sus compañeros masculinos. Con motivo del día de la mujer, dedico a las mujeres guionistas un podcast. Otra de las conclusiones del informe que muestran el machismo de la industria, es que la mayoría de los papeles femeninos podrían ser prescindibles dentro de la trama del filme. Los investigadores dividían cada guion en pequeñas partes, y lo mismo hacían con los personajes, a los que quitaban del guion para ver si este seguía teniendo sentido sin ellos. “Al quitar los personajes femeninos de la mayor parte de géneros, la trama y las relaciones entre el resto no se veían alteradas significativamente. La excepción era el género de terror, en el que ellas son normalmente las víctimas”, apuntan en la web de la Universidad. ¿Y cómo podemos luchar contra esta discriminación? Lo primero obviamente sería animar a las mujeres a que se hagan guionistas. Ese sería el método más efectivo, como confirmaban en el estudio. Así yo desde aquí os animo a todas a escribir. Que vosotras contéis historias es la mejor forma de romper ese machismo que está enquistado en el sistema. Y la segunda medida que podemos hacer todos, hombres y mujeres, es aplicar el test de Bechdel a nuestros guiones. Este es un método con el que medir la brecha de género en nuestras historias para poder cambiarla. Veamos en qué consiste. ¿Qué es el test de Bechdel? El test de Bechdel, también conocido como test Bechdel-Wallace o the rule, es un método para evaluar si un guion de película, serie, cómic u otra representación artística cumple con los estándares mínimos para evitar la brecha de género. Se originó en el cómic Unas lesbianas de cuidado (Dykes to Watch Out For), obra de Alison Bechdel, pero la invención del test se atribuye a Liz Wallace, una amiga de la autora del cómic. The Rule La primera aparición del test fue en 1985, en una tira cómica llamada The Rule que aparecía en la página 22 de Unas lesbianas de cuidado.​ Varios años después, el cómic resurgió como un sistema para evaluar la brecha de género en películas, cómics, obras de teatro, etc. El uso del test de Bechdel se ha generalizado como una forma sencilla de poner de relieve la poca presencia femenina en la industria del cine. A

El artículo 43. Creando personajes a partir de la observación se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Estamos a una semana de que arranquen los cursos en Guiones y guionistas. Qué nervios. Estoy ya grabando los videos y ya veréis qué prácticos. Porque, a diferencia de los podcast, propongo muchos ejercicios para que podáis ejercitaos en el arte de los guiones. Para ser un buen guionista hay que practicar mucho, no queda otra. Por eso me he planteado que cada concepto que se explique esté asociado a ejercicios donde se ponga en práctica. Y qué mejor que predicar con el ejemplo, por eso hoy me he planteado un podcast diferente. Observando personas y creando personajes Uno de los métodos para crear personajes y darles vida es obtener las ideas a partir de la observación. Hay que fijarse en detalles insignificantes observando a los demás. Estar atentos a gestos, tics, formas de vestir, de moverse, de hablar… estos detalles dan vida a los personajes. Después de recopilar muchos datos a partir de la observación, hay que usar la imaginación para componer al personaje. O hacer el camino contrario, si ya tengo una idea de un personaje puedo ir en búsqueda de detalles para después integrarlos en él. Hoy voy a hacer un experimento en el podcast. Voy a salir a la calle y hacer un ejercicio en vivo y en directo de observación y creación de personajes. Voy a fijarme en la gente que me encuentre por la calle y ver qué puedo extraer de ella. No sé muy bien qué va a salir, pero al menos veréis cómo funciona esta técnica. Después de fijarme en los detalles tengo que preguntarme cosas sobre esa persona: ¿cómo es su personalidad? ¿Por qué está haciendo lo que está haciendo? ¿A qué se dedica? Es un juego divertido, os invito a acompañarme. En este momento estoy saliendo de mi casa y comentaré algo acerca de todas las personas que me encuentre por la calle. Te invito a que escuches el podcast para que veas el experimento en el que estaré creando personajes… Si quieres aprender el oficio de guionista te aconsejo que pruebes los cursos de guion de la Plataforma Guiones y guionistas. Te darán una formación integral para convertirte en guionista profesional. Hay cursos para escribir cortos, series, webseries, documentales… … y vuelvo a casa para terminar el podcast de hoy, donde hemos visto en directo cómo hacer un ejercicio de observación de desconocidos para fijarnos en detalles que podamos aplicar en nuestros personajes. Muchas gracias por estar al otro lado y por suscribíos a Guiones y guionistas, tanto al podcast en Itunes e Ivoox como a la página de Facebook y por vuestras valoraciones con 5 estrellas en Itunes o le dais un “Me gusta” en Ivoox. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. Hasta pronto. El artículo 43. Creando personajes a partir de la observación se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 42. Cómo escribir el tagline de una historia se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. A lo largo de estos meses hemos visto algunos elementos de la técnica para escribir guiones como la logline, el storyline y la sinopsis y espero que tengáis más claro cuáles son sus diferencias. Hoy introducimos otro término nuevo, el tagline, un elemento que más que a construir nuestro guion nos ayuda a su venta. Ahora veremos cómo. Si quieres aprender el oficio de guionista te aconsejo que pruebes los cursos de guion de la Plataforma Guiones y guionistas. Te darán una formación integral para convertirte en guionista profesional. Hay cursos para escribir cortos, series, webseries, documentales… ¿Qué es un tagline? Un tagline es la frase que sintetiza y vende un proyecto. De una longitud entre 3 y 10 palabras, es una idea de venta expresada dramáticamente en una línea y planteada en una sola dirección. No tiene que resumir la historia de tu película pero sí que debe dejar en el lector la esencia de la misma para que éste tenga ganas de leer el guion o ver la película. Para que os hagáis una idea, un tagline es la frase que aparece en el cartel de la película y, normalmente, no es escrita por el guionista, sino por un profesional del marketing o del copywriting. ¿Y entonces por qué hablamos de ella aquí, si es un podcast para guionistas y no para copywriter? Pues porque puede ser una herramienta muy útil para un guionista ya que nos puede ayudar a vender nuestro guion. A menos que escribamos un guion de encargo, el guionista va a tener que vender su proyecto a alguien. Puede ser a un director, para que se sume a la historia y juntos busquen productora, o a un productor, que intente sacar adelante el proyecto, o al jurado de una subvención. El caso es que el guionista va a tener que convencer a personas de que su proyecto es maravilloso y su guion genial, y para eso el tagline puede ser de ayuda. Porque focaliza el interés comercial y el atractivo de la historia. Después es posible que este tagline no sea el que salga con la película, y que sea un profesional del marketing quien lo escriba, pero a nosotros eso no nos incumbe ya. Después es el productor quien debe vender su película, que para algo la ha producido. Pero antes, cuando solo estamos nosotros y nuestro guion, los responsables de venderlo solo somos nosotros. Si el guion va precedido de un buen tagline daremos más motivos a los demás para que se lo lean. Vamos a ver algunos ejemplos de tagline para que os quede más claro el concepto: “En el espacio nadie puede escuchar tus gritos”. Alien, el octavo pasajero. “El último hombre en la tierra no está solo”. Soy legenda. “Su historia te tocará, aunque él no pueda hacerlo”. Eduardo Manostijeras. “Hay 3,7 trillones de peces en el océano. Ellos tienen que encontrar uno.” Buscando a Nemo. “Escapa o muere frito.” Chicken Run. En el capítulo sobre la biblia de las series hablé del tagline de las series. Os pongo el enlace en las notas del programa. podcast sobre la biblia de las series En aquel podcast básicamente os contaba que en las series se trabaja con un tagline por temporada. Cada año hay que vender los nuevos capítulos y se renueva el tagline para seguir atrayendo a la audiencia. Narcos: Temp. 1: No hay mejor negocio que la cocaína. Temp. 2: La caza de Pablo está en marcha. Temp. 3: El ascenso de un nuevo imperio. Breaking bad: Temp. 1: Cambia la ecuación. Temp. 2: En el mundo sin obstáculos de Walt White, el fin justifica lo extremo. Temp. 3: Inestable. Volátil. Peligroso. Y eso es solo química. ¿Cuáles son las características de un tagline? El tagline no es un elemento exclusivo del mundo audiovisual que se use para promocionar películas y series, sino que pertenece también al universo de las marcas y el branding empresarial. Cada empresa o producto puede tener su propio tagline. El tagline de marca, es la frase que sintetiza sus valores, su esencia y su posicionamiento. Es un elemento estratégico que se piensa a largo plazo para añadir valor y significado a una marca y hacer que la gente se sienta atraída por ella. Los tagline de productos audiovisuales funcionan igual que los de las marcas y tienen los mismos objetivos: resumir el tono y premisa del producto, y que lo refuerce y fortalezca para que se quede en la memoria del público. Algunos tagline tienen tanto éxito que se incorporan en la cultura popular. Si vemos algunas de las características y objetivos de los tagline de marca podemos extrapolarlas a los taglines audiovisuales. Enfatizar un atributo o beneficio clave para el cliente. Por ejemplo, Un diamante es para siempre de DeBeers. Se podría adaptar como “enfatizar qué va a sentir el espectador con tu película”: ¿Va a reír, llorar o morirse de miedo? Transmitir cualidades esenciales del carácter de tu marca. Por ejemplo el clásico Think different de Apple que invitaba a ser creativos e innovar. Podríamos adaptarlo a “¿cuál es el mayor atractivo de mi guion?”. Reforzar

El artículo 41. Cómo expandir una historia con un universo transmedia se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. En la actualidad, las historias más importantes tienden a fluir a través de múltiples plataformas y medios de comunicación. Un mundo transmedia puede nacer a partir de un libro (Harry Potter), de un largometraje (Star Wars), de una serie televisiva (Lost), de un cómic (The Walking Dead) o de una atracción en un parque de diversiones (Pirates of the Caribbean). Cualquier relato puede potencialmente convertirse en una narrativa transmedia. Además, todas estas obras tienen algo en común: en ellas el relato se expande de un medio a otro y los fans participan activamente en esa expansión. Si quieres aprender el oficio de guionista te aconsejo que pruebes los cursos de guion de la Plataforma Guiones y guionistas. Te darán una formación integral para convertirte en guionista profesional. Hay cursos para escribir cortos, series, webseries, concursos… Para ampliar el podcast he creado un curso de Narrativa Transmedia en el que vemos varios ejemplos de universo transmedia. ¿Qué es la narrativa transmedia? La narrativa transmedia es una forma de contar historias que implica a los espectadores y se desarrolla en varias plataformas y soportes. Como dice Henry Jenkins, uno de los gurús del transmedia, hay que crear una narración de tales dimensiones que no pueda confinarse a un único medio. Hay algunos términos como multimedia, crossmedia y transmedia que se usan indistintamente y a veces se tienden a confundir. Voy a intentar clarificarlos: multimedia es contar una historia por un mismo canal pero con varias formas, por ejemplo una web que contiene vídeos, fotos y audios. Hay un único canal, que es la web, que cuenta una única historia, pero tiene formas distintas. Crossmedia narra la misma historia pero en varios canales. Sería por ejemplo, producir un libro y después hacer una película de ese libro. La historia es la misma, pero se cuenta en dos canales diferentes. Y la narración transmedia crea un universo que contiene varias historias, con varias formas y a través de varios canales. En un universo transmedia cada medio aporta algo a la historia final, cada medio ayuda a entender mejor el “todo”. En Matrix, al jugar al videojuego, te enteras de relaciones entre personajes que no cuentan en la película. El videojuego amplifica la historia. Para que sea transmedia, cada medio o elemento debe aportar algo diferente a la historia. Si conoces todos los elementos tienes una percepción más completa de la historia. Características de la narrativa transmedia. Multiplataforma. Un universo transmedia no solo implica que distintas partes de la ficción creada sea diseminada por diferentes canales (salas de cine, TV, internet, videojuegos, móviles, eventos reales…) en lugar de concentrarse en uno solo. Además, cada canal debe aportar aspectos nuevos al “todo” de forma que los contenidos se complementen y potencien entre sí, con el objetivo de sumergir al público en una experiencia de impacto. En el universo transmedia tenemos que tener claro cuál es nuestro astro principal, el medio donde se genera la parte principal de la historia, y cuáles son los satélites. A diferencia de los relatos monomedia, en las narrativas transmedia la historia comienza en un medio y continúa en otros. Podría decirse que el relato aprovecha lo mejor de cada medio para contarse y expandirse con nuevos personajes, escenarios y estructuras narrativas. Como comenta la comunicadora Alisa Rivera, “transmedia es una palabra de gente mayor… los jóvenes no necesitan una palabra que describa lo transmedia porque esto es su vida de cada día”. Y así es. Para los nativos digitales que las historias estén expandidas en varios medios y ellos mismos puedan formar parte de ellas con sus propias creaciones es algo normal. Es la forma actual de contar historias. Diferentes tipos del público. Con la narrativa transmedia cambia la experiencia del usuario. La historia no dura solo el tiempo de la película, obra de teatro o cómic, sino que el espectador se lleva a casa la experiencia y puede compartirla con grupos. No solo por internet, sino también en la vida real. La audiencia puede cocrear y compartir sus creaciones con otra parte de la audiencia. En transmedia podemos diferenciar tres tipos de usuarios: Consumidores: son los usuarios que solo quieren consumir, pero no ahondar en la historia ni comunicarse con otros espectadores. Comunicadores: son los usuarios que, además de consumir la obra, se quieren comunicar dentro de un entorno social (Facebook, Twitter, Instagram) y compartir sus opiniones, gustos y críticas. Cocreadores: son los usuarios que quieren participar más y cocrear elementos de la historia. También conocidos como “prosumidores” (productores + consumidores), colaboran en la construcción del mundo narrativo: si bien existe un relato oficial gestionado por el emisor, a este relato creado de arriba hacia abajo se deben sumar las historias

El artículo 40. Qué es el worldbuilding o creación de mundos se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. El tema del podcast de hoy es el worldbuilding o creación de mundos, y ha sido propuesto por una de las oyentes del podcast, Arialis, que me escribió: “desde hace un tiempo, he tenido la inquietud de conocer cómo se puede conseguir crear universos o cuáles son las bases o reglas básicas para crearlos. Hoy en día, existen muchas películas que se basan en ello como Star Wars, Marvel, Harry Potter, Game Of Thrones e infinidades de ejemplos.” Y si vosotros queréis proponer algún tema como Arialis no dudéis en enviarme un correo y yo me lo preparo. Así es, si hablamos teóricamente, todas las obras de ficción tienen una especie de worldbuilding, es decir, crean su propio mundo. Pero en el caso de la fantasía o la ciencia ficción, este mundo creado es literal. Hay que crear las condiciones del nuevo universo, quién lo habita y cómo se relaciona. Hoy veremos cómo. Si quieres aprender el oficio de guionista te aconsejo que pruebes los cursos de guion de la Plataforma Guiones y guionistas. Te darán una formación integral para convertirte en guionista profesional. Hay cursos para escribir cortos, series, webseries, concursos… Qué es el worldbulding o creación de mundos El término worldbuilding, utilizado por escritores, guionistas y diseñadores de videojuegos o juegos de mesa o rol, se podría traducir como creación de mundos, desarrollo de mundos o construcción de mundos. Y es el proceso de construcción de un mundo imaginario, que suele estar asociado con un universo de ficción. Toda obra de ficción tiene una ambientación y precisa de un proceso de worldbuilding, pero es especialmente en la fantasía y en la ciencia ficción donde el worldbuilding es un ejercicio vital para que la historia tenga coherencia y no genere incongruencias narrativas. Hablamos de historias como El señor de los anillos, Juego de Tronos, Star Wars, la saga Fundación de Asimov, Harry Potter, Star Trek, en las que el creador tiene que desarrollar un entorno imaginario con cualidades que tengan sentido. No solo creas el relato de ficción, sino también el mundo en que lo vas a desarrollar, incluyendo la historia, la geografía, la ecología incluso mapas que representen ese nuevo universo. Y estos mundos construidos deben enriquecer la historia de fondo y la historia de la propia obra de ficción. Decálogo para la creación de mundos El objetivo de worldbuilding es crear el contexto para una historia, ya sea una novela, una película, un videojuego o un juego de rol. Este mundo creado será la base donde se construirá la historia por lo que tendrá que estar totalmente conectado y ayudar a que el espectador o lector pueda introducirse en él. Crear un universo, sobre todo en ciencia ficción, implica crearlo todo, desde cómo es geográficamente ese mundo hasta qué especies viven en él y cómo se relacionan. Vamos a ver las partes esenciales que tenemos que crear en nuestro nuevo mundo. 1. Física y cosmología. Crear un mundo ficticio es crear su cosmología, es decir, la ciencia en que se sustenta su naturaleza, su cosmos. Hay que definir cómo es el sistema estelar y planetario y bajo qué parámetros se rige. ¿Las leyes de la naturaleza y la física son diferentes a la tierra? ¿Hay múltiples soles o lunas? ¿Cómo es el cielo durante el día o durante la noche? ¿Cómo es el clima? ¿Qué tiempo hace? ¿Hay estaciones? ¿Cuánto duran? Y lo normal, si es que queremos contar una historia, es que este mundo no esté desierto. ¿Quién habita ese planeta? ¿Son humanos u otras especies? ¿Los habitantes evolucionaron en este planeta o vinieron de otra parte? ¿Cuál es la relación entre las diferentes especies? ¿Dónde y cuándo comenzó la civilización? ¿Cuál es la población total del planeta o del país? ¿Cuál es el nivel de tecnología de los habitantes… están en la edad de piedra o tienen alta tecnología? ¿Hay animales? ¿Cómo son las aves? ¿Y los animales grandes? 2. Geografía. También hay que determinar cómo es la geografía física del mundo ficticio y diseñar patrones climáticos y biológicos. Así veremos si en nuestro mundo hay desiertos, humedales, montañas y bosques. Estas características físicas también afectan el crecimiento de las sociedades y cómo interactúan unas con otras, como por ejemplo dónde se sitúan las ciudades importantes o si hay rutas comerciales entre ellas. Al igual que en el mundo real en que nos movemos nosotros, es posible que se generen guerras en el intento de controlar los recursos naturales. Para el diseño de la geografía se suelen construir mapas que representen el terreno y las civilizaciones que lo habitan. La cartografía de mundos de ficción muestra las ubicaciones de los puntos clave en la historia ayudando tanto al creador como a las audiencias. ¿Cómo se distribuyen los continentes y los países? ¿Cuánta tierra es templada, ecuatorial o polar? ¿Cómo es la geografía? ¿Hay bosques, áreas tropicales, desiertos, montañas, llanuras?

El artículo 39. En qué consiste un análisis de guion se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy vamos a hablar de una herramienta muy útil para los guionistas que es el análisis de guion. Es decir, el servicio por el que una vez que terminas tu guion o proyecto de serie o programa, un profesional externo lo analiza y te da su valoración. Aunque yo no había hablado de esto en el podcast todavía, los que habéis entrado en mi web habéis visto que tengo el servicio de consultor que analiza proyectos. Y esta semana me han coincido dos trabajos de consultor que no tienen nada que ver, por un lado un reality show de aventuras de un productor uruguayo y por otro una serie de un guionista español. Dos proyectos bastante interesantes y que espero sus autores consigan sacar adelante, porque la verdad es que merecen la pena. Pues bien, después de esta coincidencia me he dicho ya es el momento de que cuente en el podcast qué es eso de un análisis de guion y cómo se hace. ¿Qué es un análisis de guion? Cuando realizamos un proyecto para cine, televisión o internet es normal que busquemos feedback en personas de nuestra confianza, amigos o compañeros más o menos cualificados que nos comenten sus bondades o defectos para mejorarlo. Es algo útil, por supuesto, pero muchas veces no es suficiente. Por eso aparecen las figuras de los consultores, analistas, Script doctors, que tienen amplios conocimientos de la industria y de cómo ven los productores los guiones, y proporcionan ese feedback tan necesario. Al no tener ninguna vinculación emocional con el autor del proyecto, al profesional experto le resulta más sencillo explicar qué se ha hecho bien y qué se podría hacer mejor. Un analista identifica los elementos claves de un guion o un proyecto y los analiza, haciendo ver al guionista cuáles no terminan de funcionar o se pueden mejorar, e intenta dar una visión general del nivel de desarrollo. Estos puntos claves dependen del proyecto, si es un largometraje o serie de ficción se valora la premisa y el tema, la estructura, los personajes, los diálogos, la originalidad o el poder visual; y si hablamos de programas televisivos se introducen también otros conceptos como el formato y la mecánica, el género, el target al que va dirigido o incluso la posible programación. Hay varias vías para acceder a que un profesional analice tu proyecto. Por un lado hay muchos festivales y encuentros audiovisuales que ofertan la posibilidad de presentar tus proyectos a workshops, talleres y mesas de trabajo. Estos encuentros son muy interesantes porque además de los profesionales que te tutorizan hay compañeros que te dan su feedback y te ayudan a que el proyecto crezca. Si podéis presentaros a alguno no lo dudéis. Suelen tener plazas limitadas y en algunos hay que pagar inscripción. Las otras opciones pasan por contratar a empresas especializadas en análisis de guiones o a profesionales independientes, como es mi caso, que realicen ese servicio. ¿Para qué sirve un análisis de guion? El análisis de guiones no es algo original del medio audiovisual, la industria editorial funciona con lectores profesionales que hacen informes aconsejando o no las publicaciones de sus libros. Estos lectores funcionan como filtros de los cientos de manuscritos que llegan al día de tal forma que los editores solo se leen los libros recomendados. Los análisis de guiones tienen varias funciones, dependiendo de quien los precise y para qué. Vamos a ver cómo le resultan útiles a distintos miembros de la industria. Los guionistas. El guionista es el primer beneficiado del análisis de guion. Gracias al feedback objetivo del consultor puede desarrollar la mejor versión de su proyecto. La visión externa del profesional te ayuda a detectar los problemas que tiene tu historia, ya sean de estructura, de conflicto o desarrollo y plantearse su corrección en las reescrituras. Una de las mayores ventajas de escribir en pareja es tener alguien que haga “de pared” a tus propuestas. Alguien que juzgue la originalidad y valor de cada avance en el guion y con quien construir juntos algo que será mejor que lo que cualquiera de los dos hubiera hecho por separado. Pero cuando uno escribe su propio guion es fácil sentirse solo en el proceso. Te toca a ti mismo hacer de “pared” de tus ideas y a veces puedes perder la referencia. En estos casos la ayuda de un analista también se hace fundamental. Como dicen todos los guionistas con experiencia, escribir es reescribir. Terminar la primera versión de un guion es un paso imprescindible para poder sacar adelante el proyecto. Pero es el primero. Después te toca analizar bien todo lo que tienes y ver cómo mejorarlo. En esta fase un análisis de guion profesional acelera el proceso de mejora de tu guion gracias al feedback de un analista con experiencia. Los directores y productores. Dentro de la industria hay muchos guiones de largometraje circulando en busca de producción y muchos formatos televisivos que pasan de productora en produc

El artículo 38. Cómo evitar que tu serie jump the shark se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿En qué momento empezamos a desenamorarnos de una persona? Difícil saberlo, ¿no? ¿En qué momento dejamos de amar una serie y pasamos del seguimiento máximo al desencanto? Obviamente, decidir ese momento es algo bastante subjetivo, pero hoy veremos que existe un término en la crítica televisiva que intenta fijar ese momento: Jump the shark. Determinar el momento en el que una serie pierde su credibilidad y muchos fans empiezan a desilusionarse nos puede ayudar en la construcción de nuestras historias. Veamos cómo. Si quieres aprender el oficio de guionista te aconsejo que pruebes los cursos de guion de la Plataforma Guiones y guionistas. Te darán una formación integral para convertirte en guionista profesional. Hay cursos para escribir cortos, series, webseries, concursos… ¿Qué significa Jump the shark? La frase jump the shark (saltar sobre el tiburón) es una expresión empleada generalmente por los críticos de televisión estadounidense para definir el momento en el que ocurre un evento extraordinario e inesperado en la línea argumental de una serie que es tan exagerado, que su historia pierde la credibilidad para siempre. Desde ese momento, tanto críticos como espectadores saben que ya nunca será igual. Las series que llevan mucho tiempo en emisión son las que más peligro tienen en caer en este recurso. Cuando empiezan a perder audiencia los productores y guionistas introducen puntos de inflexión y cambios en tramas, estructuras y personajes que son difíciles de justificar. Estas medidas desesperadas son las que provocan algunos jump the shark míticos como los que veremos en el podcast de hoy. ¿Cuál es el origen del término Jump the shark? La expresión jump the shark tiene su origen en la serie estadounidense Happy Days. Estaban en su quinta temporada, en septiembre de 1977, y tenían una bajada de audiencia, cuando pasó la mítica escena que dio nombre a la expresión. Fonzie, el protagonista de la serie, visita Los Ángeles y allí de forma sorprendente salta sobre un tiburón con sus esquíes acuáticos. Con esta acción, tan innecesaria e injustificada, demostró su valentía tras una apuesta. La serie continuó durante casi siete años más, pero sus fans supieron que desde ese salto sobre el tiburón ya nada fue lo mismo. La expresión fue acuñada en el año 1985, un año después de haber terminado de emitirse la serie Happy Days. Sean J. Connolly, después de una conversación con su amigo Jon Hein, dio de alta el sitio web jumptheshark.com. En esta web explicó el concepto: “Se trata de un instante. Un instante determinado en el que tu serie favorita ha encontrado el pico de interés. A partir de ese instante todo va cuesta abajo, a partir de ese instante el programa ya no será igual”. En esta web el público daba opiniones sobre las series. El dominio se acabó vendiendo y fue redirigido a la página principal de TV Guide. Muchos seguidores de la página consideraron que ésta había “saltado sobre el tiburón” al ver reducidos notablemente sus contenidos. Decálogo para no hacer Jump the shark Desde que se acuñó el término Jump the shark se ha utilizado muchas veces para hablar del declive de alguna serie. Vamos a analizar los casos más sonados y los motivos por lo que las series saltaron el tiburón… con el objetivo de que nosotros no lo hagamos, claro. 1. No cambiar el rasgo físico esencial del protagonista. Todos nos enamoramos de nuestros protagonistas y nos acostumbramos a su imagen por lo que los cambios drásticos de imagen no suelen ser bien recibidos. Sobre todo, los cambios que afectan a la esencia del personaje, como el que sufrió Keri Russell en Felicity. La serie Felicity era un retrato realista de la transición de una adolescente a la edad adulta a través de su paso por la universidad y las relaciones que hizo a lo largo del camino. Una adolescente divina con una melena rizada que llenaba toda la pantalla. El problema surgió cuando tras una ruptura emocional decidieron darle un drástico corte pelo. Desde entonces ya nada fue igual, ni para los espectadores ni para los índices de audiencia. Pero esto no implica que todos los cambios físicos importantes de un protagonista produzcan un jump the shark. Tenemos que plantearnos si el cambio es esencial en la serie o un simple lavado estético. Uno de los cambios físicos más viscerales de los últimos años es el que transformó a Walter White en Heisenberg. Pero esa transformación no solo no fue un salto de tiburón sino que potenció la serie ya que era un cambio que estaba en la premisa inicial del proyecto. Como explica el propio título, Breaking bad trata sobre cómo un hombre normal se adentra en su lado oscuro. Y ese viaje, además de psicológico es físico, por lo que su transformación estuvo más que justificada. 2. No resolver la “tensión sexual no resuelta”. “URST” es el acrónimo de “unresolved sexual tension”, o lo que es lo mismo, te

El artículo 37. Cómo escribir la escaleta de un guion se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy voy a hablar de la escaleta de una obra de ficción. Las escaletas en los programas televisivos son otra cosa. Básicamente, consisten en una tabla que estructura el esqueleto de un programa desde el inicio hasta su final. En la escaleta se refleja el orden de las secciones, de los vídeos, las noticias y refleja dónde van situados los cortes de publicidad separando el programa en bloques. Sirve para ver la duración de cada sección y en los programas en directo las escaletas son esenciales para tener un control de lo que hay que hacer en cada momento. Pero eso son las escaletas de programas televisivos, que si queréis puedo dedicar un podcast otro día. Hoy hablaremos de las escaletas de obras de ficción, cortometrajes o largos y series. Y una herramienta ideal para escribir la escaleta de tu historia es utilizar el planner de guion o el planner de series, dependiendo de la obra que quieras crear. Si quieres saber más sobre cómo realizar una escaleta puedes hacer el curso de guion de cortometraje o el curso de creación de webseries. ¿Qué es la escaleta? Una escaleta es un índice que muestra la historia en su conjunto, especificando cada una de las escenas con su encabezado. Es el esqueleto del guion y sirve para ver la estructura de la historia y su progresión dramática. Cada escena viene definida en su encabezado por localización y el momento del día. Después va una descripción mínima de lo que pasa en cada escena. Solo acción, nada de diálogos. Básicamente porque no hay espacio, esta descripción suele ser de entre dos y tres líneas. Para que os hagáis una idea de qué es una escaleta os pongo un link, en el texto del podcast que hay en mi web, que os lleva a la escaleta de Big Fish, la maravillosa película de Tim Burton. La escaleta está en el blog de su guionista, John August, uno de los mejores blogs de guionista que os podéis encontrar en la web. Como veréis en la escaleta deja bien claro qué escenas son en el presente y cuáles en la historia narrada por los personajes. Escaleta de Big Fish La escaleta, o Step Outline con lo llaman los anglosajones, es un paso intermedio entra la sinopsis y el guion. Aunque también queda otro paso, que es el tratamiento, al que dedicaremos un podcast específico. Hay autores que no hacen los dos pasos, escaleta y tratamiento, sino que hacen una especie de tratamiento secuenciado que mezcla los dos. Yo soy partidario de hacer escaleta y tratamiento. Primero la escaleta, para tener clara la estructura de toda la historia y después el tratamiento para desarrollar las escenas y ver todo su potencial antes de pasar al guion e introducir los diálogos. ¿Para qué sirve una escaleta? 1. Guía de escritura. Escribir el guion de un largometraje o una serie es algo muy complicado por lo que es fácil perderse por el camino. La escaleta es un mapa, te da la estructura básica de toda la historia y se convierte en una guía a la hora de hacer el tratamiento o pasar directamente al guion. Es una garantía de que lo que escribimos no tendrá errores importantes de estructura, argumento o diseño de personajes que nos obliguen a una reescritura de todo el guion o a desechar páginas ya escritas. Además la escaleta nos sirve de guía durante la redacción, de manera que al empezar cada escena sabemos ya qué hemos de incluir en ese bloque de texto y qué incluir en el siguiente, y así la escritura resulta más sencilla. La escaleta se puede pasar a tarjetas físicas o digitales y ser la base del trabajo posterior de desarrollo. Si no lo escuchasteis todavía os dejo el link con el podcast en el que hablé de cómo utilizar las tarjetas para construir una historia que está muy relacionado con el programa de hoy. Podcast cómo utilizar las tarjetas para escribir guiones 2. Analizar la historia. La escaleta permite al guionista ver de un plumazo la estructura de su historia y jugar con los diferentes elementos que la componen. En la escaleta veremos con facilidad la composición de los actos, los puntos de giro, el detonante, el clímax y demás elementos estructurales de la historia. Si es la escaleta de una serie televisiva nos mostrará todas las tramas y veremos el equilibrio que hay en cada una. Entonces la escaleta se convierte en el conocido como mapa de tramas. 3. Organizar el contenido. La escaleta es sobre todo una herramienta de organización. Después de terminarla, el guionista tendrá una idea bastante aproximada de la historia que quiere contar antes de empezar a escribir. Es un formato que facilita el cambio de orden de escenas, por lo que si algún elemento no funciona lo veremos de inmediato y podremos hacer modificaciones. Estos cambios son más fáciles de corregir en esta fase que si ya estamos inmersos en la escritura del guion. ¿Cómo escribir la escaleta de una historia? 1. Recopilar la información existente. A escribir tu escaleta puedes llegar en diferente estado: puedes tener un storyline

El artículo 36. Qué hace un guionista en la sala de montaje se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Desde hace tiempo estoy dándole vueltas a la relación entre el guionista y sala de montaje. Y el otro día hablando con mi amigo Gonzalo de ello me dije, ¿por qué no hacemos un podcast? Os presento, Gonzalo Gómez es un guionista todoterreno al que conocí hace años en un programa de televisión y que ahora combina su trabajo en los audiovisuales de una revista web con la escritura del guion de un largometraje. Juntos vamos a intentar desentrañar qué hace un guionista en la sala de montaje dependiendo del medio del que estemos hablando. Podcast sobre Guion de Documental Para encontrar a Gonzalo Gómez: Web Mundo Negro Twitter de Gonzalo: @guabisabi Con esto acabamos el podcast de hoy, donde hemos reflexionado sobre la relación entre el guionista y el montaje. Muchas gracias por estar al otro lado y si os interesa el mundo del guion, ya sabéis, suscribíos a Guiones y guionistas, tanto al podcast en Itunes e Ivoox como a la página de Facebook, lo compartís en las redes sociales, e incluso podéis valorarlo con 5 estrellas en Itunes o le dais un “Me gusta” en Ivoox, y así que se extienda. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. Hasta pronto. El artículo 36. Qué hace un guionista en la sala de montaje se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 35. Cómo contar una historia de ficción en Twitter se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Cine, televisión, cómic, videojuegos, internet… en Guiones y guionistas hemos visto cómo actualmente las historias tienen muchos formatos donde pueden dar a luz. Hoy nos atrevemos con un medio nuevo. Un medio que a priori no parece hecho para contar historias de ficción pero que cada vez está teniendo más auge gracias a experimentos que abren nuevas vías. ¿Se pueden contar historias de ficción en Twitter? ¿Qué tipo de historias? ¿Cómo hacerlo? Si quieres aprender el oficio de guionista te aconsejo que pruebes los cursos de guion de la Plataforma Guiones y guionistas. Te darán una formación integral para convertirte en guionista profesional. Hay cursos para escribir cortos, series, webseries, concursos… Características de las historias de ficción en Twitter Aunque Twitter es conocido por su utilidad en contar historias de la vida real en tiempo real, también es una poderosa herramienta para otro tipo de historias: de ficción. Historias que se cuentan a modo de hilo de Twitter y que suelen ir acompañadas de los hashtags #TwitterFiction, #TwitterFicción o #twitteratura, si quieren mostrar su naturaleza no real. Aunque también hay otras historias más poderosas aún, que son las que no se hacen acompañar por ningún hashtag que denote que son ficción y se consumen como reales, atrapando a los lectores que no saben si es real o no… y juegan con ello. Para poder contar una historia de ficción en Twitter aprovechando todo su potencial, debemos conocer cuáles son las características de la red social que la hacen diferente a las demás y que pueden potenciar sus textos. Ahora que es difícil innovar con el contenido de las historias una buena estrategia de enganchar y sorprender al público es la forma en la que decidimos transmitirlas. Inmediatez: Cada tuit tiene una fecha y una hora que indican el momento en que se está haciendo pública la historia, apelando a una inmediatez. También es probable que el público esté recibiendo la historia al mismo tiempo que la crea el autor. Aunque lo normal es tener un plan de escritura, los autores se dejan abierto el texto final de cada tuit para incorporar la interacción de los seguidores. Lectura a tiempo real, mientras sucede. En un mundo donde el espectador se acostumbra a consumir las historias cuando quiere en cualquiera de sus múltiples plataformas, poder leer una historia en tiempo real le devuelve la capacidad de sorpresa. El público debe estar alerta al próximo mensaje y leerlo donde esté en ese momento. Se rompe la barrera del lugar y el tiempo para consumir ficción que puede irrumpir en cualquier momento. No tienen que buscar tu historia ni comprar entrada, apareces en el timeline de su teléfono. Fragmentación de la historia en capítulos. Cada episodio será un tuit, es decir, 140 caracteres, por lo que hay que ser conciso y directo. De momento, porque están haciendo pruebas para ampliar a 280 el límite. Aunque haya gente que se queje que ahora no se lee, sí se hace. Pero no se leen tantos libros, sino que se lee mucho en otras plataformas por lo que debemos aprovechar que Twitter nos permite fragmentar nuestra historia en twittersodios y dársela al público como le gusta. Interacción. Twitter es una red social con una gran interacción entre sus miembros, que no dudan en retuitear y hacer comentarios a sus tuits favoritos. Esto produce un feedback impagable al autor, que puede hacer que su público converse directamente con sus personajes, o con él mismo si se trata de autoficción. Puede dirigirse a ellos de forma directa, responder a sus mensajes, valorar sus propuestas e incluso variar partes de su historia buscando el interés de su público y agradecerle así sus sugerencias. Herramienta informativa, no de ficción. Que sea una red social mayoritariamente informativa da más credibilidad a las historias que aparecen en ella. Si los perfiles que hablan son de personajes, ayuda a que la “suspensión de incredulidad” típica de las historias de ficción se produzca con mayor naturalidad. Y si la historia es de autoficción, el autor puede jugar con la veracidad de lo que pasa dejando al público con la duda. Plataforma multimedia. Twitter no solo son 140 caracteres de texto. También puedes agregar fotos, vídeos o música que enriquezcan y den verosimilitud a la historia. El poder ver un vídeo tomado por el autor-personaje produce mucha cercanía a la audiencia, además de enriquecer la narración con detalles visuales. Alcance de la historia. Se puede medir con facilidad el alcance de la narración gracias a Twitter Analytics. Desde este servicio podemos ver el impacto de cada publicación y la evolución de nuestros contenidos. Viralidad. Si la historia comienza a tener seguidores puede hacerse viral en poco tiempo y convertirse en Trending Topic. Manuela Bartual pasó de 16.000 seguidores en Twitter a 360.000 en tan solo una semana con su historia Todo está bien el vera