Guiones y guionistas

El artículo 148. Dónde ver documentales espectaculares del mundo entero se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy tenemos un programa muy especial porque no estoy solo. Me acompaña Víctor Correal, un periodista que después de trabajar en todos los medios posibles se ha pasado al mundo del documental. Y lo ha hecho por todo lo alto. No contento con producir y escribir uno de los documentales más emocionantes de hace unos años, Mòn Petit, se ha echado la manta a la cabeza y ha fundado una plataforma donde ver documentales: GuideDoc. Si quieres profundizar en el tema he escrito el libro “Negociar la realidad. Las tres escrituras del guion documental” en el que abordo cómo trabajar el guion en todas las fases de un documental. Pero eso será en unos segundos. Antes recordar que si queréis aprender más sobre cómo escribir guiones, y necesitáis un método que os guíe, están los cursos de la plataforma de Guiones y guionistas. Hoy continuamos con la tercera clase del curso de Guion Documental en la vemos qué contar. Hablaremos de tema, premisa, objetivo, punto de vista… muy reveladora, ya veréis. Dónde ver documentales: Hablamos de GuideDoc con Víctor Correal GuideDoc Y como os contaba antes, hoy está con nosotros Víctor Correal, un periodista que tras trabajar en muchos proyectos de radio, televisión, prensa, Internet y cine decidió fundar una plataforma para ver documentales: GuideDoc. En el podcast veremos en qué consiste la plataforma GuideDoc y cómo funciona. Pero Víctor también nos cuenta cómo se le ocurrió la idea de fundar GuideDoc. Aunque si queréis ver cómo lo hizo lo contó semana a semana en su podcast No es asunto vuestro. No solo hablamos con Víctor de dónde ver documentales, sino que también nos recomienda algunos de los más vistos en su plataforma. Os anoto los documentales de los que hablamos: Sins of my father. Ida´s diary. The special need. Searching for Sugar Man. 11/9 Víctor Correal también nos comenta qué tienen en común los buenos documentales y las nuevas modas y estilos que se llevan a la hora de producir documentales. Y por supuesto también hablamos de Mòn Petit, el documental del que Víctor es guionista y productor ejecutivo. Víctor nos contó cómo surgió la idea, cómo pensaron la estructura previa y cómo fueron escribiendo el guion Si queréis contactar con Víctor podéis encontrarte en. www.guidedoc.tv www.victorcorreal.com Y con esto termino el podcast de hoy en el que hemos hablado con Víctor Correal de dónde ver documentales y de su experiencia como guionista de documental. Y si os ha gustado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. O que compartáis este podcast por redes sociales. Y por supuesto agradecer a los que os suscribís a los cursos de Guiones y Guionistas que ayudáis a que el podcast se mantenga. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 148. Dónde ver documentales espectaculares del mundo entero se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 147. Crear un monstruo. Caso de estudio: Slender Man se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy tenemos otro programa terrorífico porque si la semana pasada vimos cómo se creó Freddy Krueger, hoy veremos cómo se ha creado uno de los monstruos más actuales: Slender Man. Y así vamos practicando el método para que podamos crear nuestros propios monstruos. Y si queréis aprender más sobre cómo escribir guiones y necesitáis un método que os guíe están los cursos de la plataforma de Guiones y guionistas. Hoy continúa el Curso de Guion de Terror y en la clase de hoy veremos algunas técnicas específicas para crear monstruos viendo muchos ejemplos de literatura y cine. Va a ser muy reveladora. Y el sábado continúa el curso de Guion de Recursos de comedia con una clase en la que vamos a analizar el humor verbal que surge del lenguaje. Y vamos a hacerlo viendo muchos ejemplos para que nos queden claros todos los conceptos. Crear un monstruo: Slender man Es posible a algunos no les suene mucho porque Slender man, o “El hombre delgado” como se le conoce a veces en español, es un monstruo relativamente nuevo, tiene apenas una década de vida. Pero en este tiempo ha aparecido en multitud de obras de ficción generadas dentro de Internet, tanto audiovisuales como escritas, en películas y videojuegos. Slender man es un personaje ficticio que se originó como un creepypasta en los foros del portal especializado Something Awful en 2009. Para los que no estéis familiarizados con el término, los creepypastas son historias cortas de terror recogidas y compartidas a través del Internet con la intención de asustar e inquietar al lector. Son parecidas a las leyendas urbanas, aunque no siempre tienen la forma de texto escrito, algunos creepypastas vienen como imágenes, videos o videojuegos, supuestamente encantados. Seguro que la imagen de Slender man os suena más: tiene la apariencia de un hombre delgado, anormalmente alto y vestido de traje. No tiene ningún rasgo facial, tan solo la cara blanca. Las historias y leyendas urbanas generadas en torno al personaje lo definen como un ente fantasmagórico o espectral que acecha, acosa, perturba, mata y traumatiza a sus víctimas, especialmente niños. A estas alturas de siglo XXI se puede decir que Slender man es el primer personaje creado en Internet que ha quedado instalado en el folklore popular. Vamos a ver las etapas de creación de un monstruo con la creación de Slender man. Fases de creación de un monstruo: Slender man La idea inicial: un miedo. Como expliqué la semana pasada, una forma de crear monstruos es mirar dentro de uno mismo y encontrar una parte de nosotros que tenga miedo. Después intentaremos que nuestra criatura sea un reflejo de esos miedos y temores. Slender man surge de un temor que tenemos todos los padres: que les pase algo malo a nuestros hijos. Pero va más allá de ese miedo lógico y entronca con una paranoia de la sociedad, el secuestro y desaparición de los niños. Pensar que alguien puede llevarse a nuestro hijo para hacerle algún mal es algo que atormenta a muchos padres. Como comenté antes, Slender Man fue creado en un hilo del foro de Internet Something Awful iniciado el 8 de junio de 2009. El objetivo de este hilo era editar fotografías para que estas contengan entidades sobrenaturales. © Eric Knudsen El 10 de junio, un usuario con el nombre de Victor Surge contribuye con dos imágenes en blanco y negro de grupos de niños, a las cuales añadió una figura espectral alta y delgada, vestida con un traje negro. Las entradas previas consistían solamente de fotografías; sin embargo, Surge complementó las suyas con fragmentos de texto, de testigos, describiendo los secuestros de los grupos de niños, y dándole como nombre al personaje, “Slender Man”. Os leo un texto que venía bajo una fotografía hecha por un fotógrafo desconocido dado por muerto: No queríamos ir, no queríamos matarlos, pero su persistente silencio y sus brazos extendidos nos horrorizaban y nos confortaban al mismo tiempo… Los textos explican que una de las dos fotografías se había recuperado del incendio de la Biblioteca de Stirling City. Esa fotografía misteriosa donde salía el extraño ser alargado había sido tomada el mismo día en que catorce niños desaparecieron. Pero según fuentes oficiales la misteriosa silueta había surgido por deformidades producidas por defectos de cámara. Y una semana después sucedió el incendio en la biblioteca y la fotografía real fue confiscada como evidencia. Al escribir estos textos junto a las fotografías se convirtió en un trabajo de ficción. Después otros usuarios ampliaron el personaje añadiendo sus propias contribuciones visuales o textuales. Un monstruo debe ser amenazante. Este hombre alargado podría estar en una película infantil de animación y ser muy simpático y encantador, pero para poder introducirlo en una obra de terror, un monstruo debe asustar a los espectadores y generar malestar. En definitiva, debe ser peligroso. Slender

El artículo 146. Cómo escribir un guion Dogma 95 se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy viajamos en el tiempo para ver en qué consistió el último de los movimientos de vanguardias en el cine del siglo pasado, Dogma 95, y cómo afectaba su famoso manifiesto al guion. Porque se habló mucho de las limitaciones técnicas que ofrecía pero, ¿cómo afectaba a la escritura su voto de castidad? Pero antes recordar que si queréis aprender más sobre cómo escribir guiones, y necesitáis un método que os guíe, están los cursos de la plataforma de Guiones y guionistas. Hoy continuamos con el curso de Guion Documental con una clase nueva en la vemos cuál es la investigación que necesitamos para nuestro documental y en qué fuentes buscar. Y gracias a todos los que os habéis suscrito a Guiones y guionistas desde Spotify. Hay oyentes desde Chile, México, Colombia, España y hasta de Malta. No sé cómo habéis llegado al podcast, pero un saludo a los malteses. Uno de mis cómics favoritos siempre fue El Corto Maltés. Y los demás que uséis esa plataforma solo tenéis que escribir Guiones y guionistas en el buscador y cuando aparezca le dais al corazoncito verde. Os lo agradezco porque eso me colocará mejor en los ranking y ayudará a que llegue a más gente. Qué es Dogma 95 “Lo subversivo de verdad es ponerse limitaciones uno mismo, aunque eso, si lo piensas bien, es algo que uno hace a todas horas. Pero, desde luego, lo que resulta particularmente provocador es hacerlo público… publicarlo.” Lars von Trier. Os pongo en antecedentes para los más jóvenes. En marzo del año 1995 dos jóvenes directores de cine daneses, Lars von Trier y Thomas Vinterberg, redactaron un Manifiesto contra la artificiosidad y la estandarización de la producción cinematográfica de entonces, contra los géneros y los efectos especiales, contra el alejamiento total de la realidad y la verdad, y contra la extendida idea, en fin, de que si algo “no es como la Guerra de las galaxias no es una película”. Así nació Dogma 95, un movimiento de vanguardia europea en una época que había vivido sin vanguardias desde Godard. Poco a poco se fueron uniendo a este movimento otros cineastas daneses y de todo el mundo y nacieron una serie de películas polémicas e influyentes como Celebración, Los idiotas o Mifune. Dogma 95 se constituyó como una especie de Hermandad que expedía certificados de “autenticidad” a quienes suscribían el Voto de castidad formulado en el manifiesto y se obligaban a acatar una serie de Reglas. ¿Y hubo muchas películas que suscribieron a ese Manifiesto o solo fue una locura de estos dos cineastas? Pues bien, si vas a la web oficial de http://www.dogme95.dk/ aparecen 35 películas. Pero si investigais en Internet Archive podemos comprobar que llegaron a certificar 254 películas. En qué consiste el voto de castidad de Dogma 95 Por lo visto todo surgió cuando Lars von Trier se cansó de hacer películas caras de autor como la aclamada Europa y quiso simplificar las cosas, haciendo películas más simples, con menos equipo y una serie de medidas autoimpuestas. Entonces llamó al joven cineasta Thomas Vinterberg y juntos concibieron una nueva serie de reglas para rodar películas. Según Vinterberg se preguntaron qué es lo que más odiaban del cine de la época y redactaron una lista que lo prohibía todo. Al conjunto de reglas lo llamaron Voto de castidad. Un tiempo después, en una conferencia sobre el centenario del cine en la sala Odeon de París, Lars von Trier proclamó su manifiesto y repartió octavillas con el texto escrito. Veamos en qué consistía ese voto de castidad de Dogma 95: “Juro someterme al siguiente conjunto de reglas redactadas y confirmadas por DOGMA 95 : Los rodajes tienen que llevarse a cabo en localizaciones reales. No se puede decorar ni crear un “set”. Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una localización donde estén los objetos necesarios. El sonido no puede mezclarse separadamente de las imágenes o viceversa (no debe usarse música, a menos que se grabe en el mismo lugar donde la escena se está rodando). Se rodará cámara en mano o apoyada en los hombros. Se permite cualquier movimiento o inmovilidad que pueda hacerse con la mano. (La película no debe estar donde esté la cámara; al contrario, el rodaje debe ocurrir donde se dé la película). La película tiene que ser a color. No se permite ninguna luz especial ni artificial (si la luz no alcanza para rodar una determinada escena, la escena debe eliminarse o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara). Se prohíben los efectos especiales y los filtros de cualquier tipo. La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden mostrarse armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia). Se prohíbe la alteración temporal o espacial. (Esto es para corroborar que la película tiene lugar aquí y ahora.) No se aceptan películas de género. El formato de la película debe se

El artículo 145. Crear un monstruo. Caso de estudio: Freddy Krueger se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy tenemos un programa terrorífico porque vamos a ver qué pasos hay que seguir para crear un monstruo. Quedan dos semanas para Halloween y tenéis que ir preparando vuestros disfraces. Y para ello vamos a analizar la creación de uno de los monstruos más aterradores del siglo XX: Freddy Krueger. Y si queréis aprender más sobre cómo escribir guiones y necesitáis un método que os guíe están los cursos de la plataforma de Guiones y guionistas. Hoy comienza el Curso de Guion de Terror en el que analizaremos las características del género de terror, sus subgéneros y los elementos imprescindibles para generar horror o miedo en los espectadores. En la clase de hoy veremos los diferentes subgéneros del terror. Y el sábado comienza el curso de Guion de Recursos de comedia, en el que analizamos los recursos y técnicas que se utilizan en comedia para provocar la risa, independientemente del medio (chistes, cómics, películas, series, espectáculos teatrales…). En la primera clase veremos por qué nos reímos, analizando diversas teorías que ha habido a lo largo de la historia sobre el origen de la risa. Y estamos de enhorabuena porque Guiones y guionistas ya está en Spotify. Los que escuchéis música en esa plataforma vais a poder escuchar también el podcast. Solo tenéis que escribir Guiones y guionistas en el buscador y cuando aparezca le dais al corazoncito. Por cierto los que queráis ayudarme podéis buscarlo también y darle al corazoncito verde porque eso me colocará mejor en los ranking y ayudará a que llegue a más gente. Crear un monstruo: Freddy Krueger A estas alturas me imagino que todos conocéis ya a Freddy Krueger. No solo por la película original de 1984, sino porque A Nightmare on Elm Street se convirtió en franquicia y se han hecho en total nueve cintas, un documental, una serie de TV y otra de comics. Freddy Krueger Para el que no lo conozca os resumiré: Freddy Krueger es un psicópata desfigurado por el fuego que surge en las pesadillas de los adolescentes para asesinarlos. Además tiene el poder de materializar física e instantáneamente en la realidad lo que provoca a sus víctimas durante el sueño. Freddy viste un jersey de rayas rojas y verdes, un sombrero raído y un guante de cuchillas que él mismo se ha construido para asesinar a sus víctimas. Y también es conocido porque tiene un macabro sentido del humor que le da una personalidad propia. Aunque este monstruo tiene tan solo 35 años de vida, ya se puede considerar como un clásico en la cultura popular. Vamos a ver las etapas para crear un monstruo y ejemplificarlo con la creación de Freddy Krueger. Vosotros después podréis crear vuestros propios monstruos siguiendo los mismos pasos. Fases para crear un monstruo La idea: un miedo. Hay muchos que piensan que la mejor manera de crear un monstruo es mirar dentro de uno mismo y encontrar una parte de nosotros que tenga miedo. Una vez hecho ese ejercicio de introspección ese debe ser el punto de partida: nuestra criatura puede ser un reflejo de nuestros miedos, de nuestros temores. Ese fue el origen de Freedy Krueger. Como contó su creador Wes Craven en una entrevista en la revista Cinefantastique, el personaje Freddy Krueger estuvo inspirado en algo que ocurrió cuando era un niño. Una noche, mientras estaba en su habitación, escuchó unos ruidos y vio a través de la ventana a un hombre de aspecto tenebroso que estaba en la calle. El hombre lo miró directamente a los ojos, sonriéndole y Craven se escondió. Tras estar escondido en su cama, volvió a asomarse por la ventana y descubrió que el hombre seguía en el mismo lugar. Craven se lo contó a su hermano mayor y cuando él bajó las escaleras para examinar, no había nadie en la calle. Según el director, “la idea de un adulto que era aterrador y disfrutaba asustando a un niño fue el origen de Freddy”. Pero no hace falta que sea un miedo nuestro. También podemos analizar la sociedad para ver cuáles son los miedos que hay en cada momento y utilizarlos para crear un monstruo. Hay miedos como la propagación de virus que están muy relacionados con monstruos como los zombies. Y el miedo a que un extraño haga algo a tus hijos en el parque puede ser el origen de Slender man. En el caso de Freddy Krueger, Wes Craven también habló de tres artículos que leyó en el periódico Los Angeles Times. En dichos artículos, se narraba cómo unas personas que vivían en el sureste de Asia murieron mientras tenían unas pesadillas. Una de las víctimas era el hijo de un ingeniero, que no quería dormir por las pesadillas que tenía. Su familia estaba preocupada, porque había estado varios días sin dormir, hasta que una noche se quedó dormido y lo acostaron en su habitación. Sin embargo, en medio de la noche lo oyeron gritar y al entrar en su habitación lo encontraron muerto. Según Craven: “Se realizó una autopsia, y descubrieron que no sufrió un ataque al cora

El artículo 144. Qué es el true crime y cómo inspirarse en un crimen real se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy tenemos un tema en el podcast que nos acerca a la realidad más sórdida y criminal porque vamos a hablar del true crime. ¿En qué consiste este subgénero y cómo podemos hacer una película o serie que hable de hechos criminales basados en la realidad? Pero antes recordar que en la Plataforma de cursos de guion de Guiones y guionistas hoy comenzamos el curso de Guion Documental en el que veremos el proceso de creación del guion de un documental, desde la idea inicial, la investigación y las entrevistas hasta la propuesta de venta. Hoy dedicamos la primera clase a la búsqueda de las ideas para hacer el documental. Y os anuncio que terminó El Tesoro de Hodoul, el podcast sobre el día a día de un guionista en un reality show de aventuras. Los que quieran saber si apareció el tesoro o no tendrán que escuchar el último y emocionante episodio. Algún día haré un capítulo especial en Guiones y Guionistas dedicado en exclusiva a contar cómo ha sido la aventura de grabar este apasionante podcast. ¿Qué es el true crime? El True crime es un subgénero narrativo que se caracteriza por la investigación y reconstrucción de crímenes reales, ya sea de forma documental o ficcionada. Podemos encontrar ejemplos de true crime en literatura, periodismo, cine, series o cómics, que cumplen las dos normas del género: reconstruyen algún crimen y están basados en hechos reales. En literatura hay un libro que marcó un antes y un después, A sangre fría, la novela de Truman Capote en la que relata el asesinato de una familia en manos de dos hombres. Capote asistió al juicio y compró las grabaciones para elaborar el libro de forma exhaustiva. Después escribió una novela que inauguró la corriente que se conoce como el nuevo periodismo, rompedora en el periodismo e innovadora en literatura, persigue llevar a cabo una investigación periodística rigurosa basada en hechos reales y explicar la historia con un tono literario. En periodismo este género en España se conoce como Crónica negra y tiene grandes ejemplos en prensa, donde cada periódico tenía sus secciones e incluso diarios exclusivos como El caso, y televisión, como vemos en las secciones de muchos magazines matinales. Últimamente la desaparición de algún niño y su investigación ha generado muchas horas televisivas en este tipo de programas. En cine documental han surgido varias películas en los últimos años que reconstruyen casos de asesinatos, muchos de ellos intentando mostrar la inocencia de sus autores. Una de las más antiguas es The thin blue line de Errol Morris (1988), que consiguió que Randall Dale Adams, un condenado a muerte, fuese puesto en libertad. La narración relataba que Randall se encontraba en el coche desde donde mataron a un policía, aunque no fue él quien le mató. Lo curioso es que no pudo competir por el Oscar al Mejor Documental por incluir dramatizaciones de todas las versiones de lo que pudo suceder en la noche del crimen. The Keepers Actualmente se puede disfrutar en Netflix de The Keepers, una serie de true crime que investiga, en siete capítulos, el asesinato no resuelto de la hermana Catherine Cesnik, que desapareció en 1969 en Baltimore. Y apareció tiempo después, muerta, en el vertedero de una localidad vecina. En la serie documental se ve cómo hay personas que todavía están investigando para descubrir al asesino y reabrir el caso. En cómic el género de true crime viene desde los años 40 del siglo pasado. La publicación pionera fue Crime Does Don’t Pay (El crimen no paga), que comenzó publicando historias verdaderas de asesinatos, gángsters y pistoleros. En el apogeo de su popularidad, la antología vendió más de un millón de copias cada mes y luego engendró una popular serie de radio y una exitosa serie de cortometrajes producidos por MGM. El género podcast también tiene un true crime famoso a sus espaldas. Me refiero a Serial, que cuenta los hechos reales en torno a la muerte de Hae Min Lee, una joven de 17 años que fue asesinada presuntamente por su exnovio Adnan Syed un 13 de Enero de 1999. Cada semana Sarah Koenig y su equipo se encargan de pormenorizar un aspecto relacionado con el caso: la coartada de Adnan, la ruptura entre él y Lee o las inconsistencias de la acusación. Serial fue el primer podcast en llegar a los 5 millones de descargas y streams (combinados) en la historia de iTunes. Y para los que queréis escuchar un podcast true crime en español os aconsejo Le llamaban padre, de Podium podcast. “Esta historia ocurre en Lleida, en un pequeño pueblo llamado Castelldans. Carles Porta es periodista y durante dos años ha estado investigando uno de los casos de pederastia mejor documentados del mundo. Una historia de abusos, de víctimas y verdugos muy sutiles. De padres e hijos.” Hay una sentencia, pero también muchas dudas sin despejar. Una especialmente: ¿cómo fue posible que se repitiese el crimen durante 17 años s

El artículo 143. Preguntas sobre número de escenas y loglines se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy volvemos con vuestras preguntas sobre el mundo del guion. Atenderé a una duda sobre el número de escenas de un guion y sobre el logline de las series… entre otras cuestiones. Sabéis que podéis enviarme todas vuestras dudas sobre el mundo del guion que yo os las comentaré en este podcast una vez al mes. Y si queréis aprender más sobre cómo escribir guiones y necesitáis un método que os guíe están los cursos de la plataforma de Guiones y guionistas. Ya sabéis que por una suscripción tenéis acceso a todos. Hoy terminamos el curso de Guion de Thriller con una clase sobre los Thriller de acción. Si queréis ver sufrir a vuestro protagonista con los ataques bestiales del antagonista es vuestro género. Y el sábado termina el curso de Concursos televisivos. La clase de esta semana servirá para que creéis la mecánica de vuestro propio formato. Veremos todos lo elementos necesarios uno a uno. Y anuncio desde aquí los dos cursos que comenzarán la semana próxima. Por un lado el Curso de Guion de Terror en el que analizaremos las características del género de terror, sus subgéneros y los elementos imprescindibles para generar horror o miedo en los espectadores. Va a estar muy divertido porque vamos a ver qué tenemos que hacer para crear nuestros propios monstruos. Y también comienza el curso de Recursos de comedia, en el que analizamos los recursos y técnicas que se utilizan en comedia para provocar la risa, independientemente del medio (chistes, cómics, películas, series, espectáculos teatrales…). Un curso en el que analizamos el humor de forma seria. Preguntas sobre número de escenas, loglines y más… – Miguel A Garces (por el contacto de la web) Buenas tardes David: ¿Podrías indicarme cuántas escenas debe tener un capítulo de una hora de duración para un seriado que no es capitulo unitario? Agradezco la atención a mi inquietud, quedo altamente agradecido Abrazos Análisis de número de escenas en los pilotos de 20 series El Ala Oeste de la Casa Blanca (The West Wing) (piloto) : 30 escenas Penny Dreadful (piloto). 31 escenas Juego de Tronos (piloto) : 32 escenas Better call Saul (piloto) : 35 escenas Breaking Bad (piloto) : 35 escenas Mad Men (piloto): 36 escenas El cuento de la criada (piloto): 38 escenas Vikingos (piloto): 50 escenas Scandal (piloto): 52 escenas House of Cards (piloto): 55 escenas Peaky Blinders (piloto): 56 escenas Stranger Things (piloto): 61 escenas Homeland (piloto): 61 escenas Walking Dead (piloto): 64 escenas Twin Peaks (piloto): 74 escenas American Horror Story (piloto): 98 escenas E.R (Urgencias) (piloto): 113 escenas 24 (piloto): 142 escenas Lost (piloto-2 capítulos): 146 escenas Black Mirror (piloto): 147 escenas Conclusiones. El número de escenas depende de: – Estilo: A más diálogos, menos escenas. – Género: Los géneros de acción suelen tener más escenas. – Ritmo: Series con ritmo trepidante, como E.R, tienen más escenas. – Catalina (mail) Buenas tardes, David. Estoy suscrita a tus cursos y me encantan. Gracias por todo lo que nos aportas. Haciendo el curso de guion de cortometraje y el de creación de webseries he visto que hablas de crear el logline de la historia. Incluso das una fórmula. Ahí me surge una duda, ¿es igual el logline de una película o corto que el de una serie? ¿Tiene alguna diferencia? Gracias por tu atención. Estaré atenta a tu respuesta. Podcast sobre logline Generador de historias series – Eric (Facebook) Eric Hola, sr Esteban. Me llamo Eric soy de Chile, muy bueno su programa, lo descubrí hace poco y estoy escuchándolo desde los primeros. A mí más bien me gusta escribir cuentos, pero hay más coincidencias que diferencia entre ambas actividades. Quería hacerle una pregunta ¿existe alguna diferencia entre el guion de cine y el de teatro? Eso. Saludos y muchas gracias por su programa. Hablé de la diferencia del texto en teatro y los guiones en: Podcast sobre Manual de orgasmos fingidos Curso de Formato de escritura de guion Y con esto termino el podcast de hoy en el que hemos contestado preguntas sobre el número de escenas de una serie, loglines de series y textos teatrales. Y si os ha gustado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. O que compartáis este podcast por redes sociales. Y por supuesto agradecer a los que os suscribís a los cursos de Guiones y Guionistas que ayudáis a que el podcast se mantenga. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 143. Preguntas sobre número de escenas y loglines se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 142. Qué contiene la biblia de la serie Isabel se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Y después de ver las biblias de Médico de Familia, La Casa de Papel, Lost y Stranger Things y El Ministerio del Tiempo hoy volvemos con el análisis de la biblia de una serie que también tiene a Javier Olivares como autor junto a Jordi Calafí y Anaïs Schaaff: la biblia de la serie Isabel. Una serie histórica de TVE que trata sobre Isabel la Católica, una mujer que alcanzó un poder solo destinado hasta entonces a los hombres. Veremos qué es lo que necesita la biblia de una serie histórica. Pero antes recordar que en la Plataforma de cursos de guion de Guiones y guionistas hoy terminamos con el curso de Biblia de series. Sé que os está gustando mucho a los que lo estáis haciendo y os recuerdo que si hacéis un proyecto final podéis tener un certificado y un pequeño feedback. Hoy terminamos viendo qué es lo necesario para escribir vuestro capítulo piloto. Y hablando de pilotos os dejo en las notas del programa un enlace para que os descarguéis los mejores 50 capítulos pilotos de la historia de las series. Hay pilotos de series como Breaking Bad, Mad Men, El cuento de la criada, Orange is the new black, Friends, Fraiser, Modern Family, Juego de tronos, Homeland, Lost, Stranger Things, Black Mirror, Fargo o The Walking Dead. Los 50 mejores episodios pilotos de series Y ya de paso anuncio que los suscritos a la Plataforma de Guiones y guionistas tienen un nuevo recurso en la web: el Almacén de guiones y biblias de series. Un página dentro de Guiones y guionistas donde van a poder descargarse los guiones y biblias que vemos en los podcast y los cursos. Y para estrenarla he subido las 10 biblias con las que hemos trabajado en el curso de biblias de series. Y también anuncio que la semana que viene comienza un nuevo curso de Guion Documental en el que veremos el proceso de creación del guion de un documental, desde la idea inicial, la investigación y las entrevistas hasta la propuesta de venta. La biblia de la serie Isabel Lo primero agradecer a nuestros compañeros de Guionnews y El Inquilino Guionista la divulgación de la biblia de la serie Isabel porque fueron ellos quienes entraron en contacto con Javier Olivares y la subieron a internet. Los que queráis bajarla os dejo el enlace a su web Guionnews. La biblia de la serie Isabel fue realizada por Jordi Calafí, Anaïs Schaaff y Javier Olivares para la productora Diagonal TV. Y es muy interesante porque estamos hablando de una serie histórica con mucha documentación. Esta biblia se hizo de encargo, ya que TVE contrató a Diagonal para desarrollar la serie. Es decir, no fue hecha por la productora y después vendida al canal. Eso les obligó a hacer un trabajo de investigación muy intenso y con plazos. Yo recuerdo una conferencia que dio Javier Olivares en un Encuentro de Desarrollo de Guiones de la Comunidad de Madrid hace 6 años. Dijo que hicieron un documento de 300 páginas previo con información histórica sobre Isabel la Católica y su entorno. A partir de ese documento redactaron la biblia que vamos a ver hoy, que tiene 156 páginas, una señora biblia. La biblia de la serie Isabel está dividida en cuatro partes. En la primera hay una introducción al proyecto de la serie y sus objetivos. En la segunda, denominada narración, hablan del arranque de la serie, el lenguaje utilizado, la estructura y las tramas. En la tercera parte muestran los esquemas o escaletas de todos los episodios de la 1ª temporada. En la cuarta parte muestran las sinopsis de los 13 episodios. Unas sinopsis muy desarrolladas, casi tratamientos, ya que a cada episodio le dedican 10 páginas aproximadamente. La introducción Comenzamos con la introducción de la biblia de la serie Isabel, que los autores articulan en torno a siete preguntas. “A la hora de plantear el diseño del proyecto, hay dos elementos básicos a tener en cuenta: 1. La importancia del personaje protagonista (nada menos que Isabel La Católica) no ya a nivel nacional sino mundial, objeto de multitud de estudios y análisis históricos, ya en vida y hasta hoy. 2. La cadena que lo encarga: TVE, un ente público con una producción de obligada calidad. La suma de ambos factores conlleva la necesidad de una cuidada documentación histórica sin por ello olvidar un objetivo esencial: divertir y enganchar al espectador, generando ficción (dramatizando) sobre la base de los hechos históricos. Para llegar a conseguirlo, nos hemos hecho las siguientes preguntas: 1. ¿Cuál es el motor que mueve a Isabel desde niña en lo personal y en lo político? 2. ¿Cómo definir una personalidad capaz de llegar donde llegó en esa época siendo mujer? 3. ¿Qué sacrificios personales tuvo que asumir? 4. ¿Quiénes fueron sus principales apoyos? 5. ¿Quiénes sus enemigos? 6. ¿Cómo era la época en la que vivió y cómo poder mostrarla desde una mirada moderna? 7. ¿Cuál es el objetivo de esta serie?” Veamos cómo contestan a dos de estas preguntas

El artículo 141. Cómo tener tu propio estilo al escribir un guion se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿Por qué podemos diferenciar los guiones de Woody Allen, Aaron Sorkin o Tarantino cuando los vemos? Porque tienen su propio estilo de escritura. ¿Cómo se crea un estilo propio? ¿De qué depende? Hoy veremos cómo crear nuestro propio estilo a la hora de escribir un guion. Y si queréis aprender a escribir guiones y necesitáis un método que os guíe están los cursos de la plataforma de Guiones y guionistas. Ya sabéis que por una suscripción tenéis acceso a todos. Hoy toca clase nueva del curso de Guion de Thriller en que veremos el Thriller de investigación. Los thrillers de investigación y misterio son unos de los más populares desde que comenzaron con el cine negro y tienen una gran lista de clásicos como veremos en la clase de hoy. Los sábados continuamos con el curso de Concursos televisivos. La clase de esta semana servirá para que entendáis qué son las fases y las rondas que debemos definir a la hora de crear la mecánica de un concurso. Ya vamos aclarando todos los conceptos que os ayudan a crear vuestro propio formato y en la última clase daremos el paso definitivo. Y gracias por la acogida del nuevo Generador de Historias centrado en series. Espero que los que ya lo habéis adquirido lo estéis disfrutando mucho. Os recuerdo que además de poder comprarlo en solitario está incluido en un pack de oferta junto al Planner de series que tiene un descuento de 4 $. Con eso tenéis el pack completo para crear vuestra propia serie. Además quiero agradecer desde aquí a Jacobo Feijoo la mención en el artículo sobre librojuegos y series interactivas que hizo el diario El País en su sección Verne. Mencionaron a Guiones y guionistas por el podcast sobre Series interactivas en el que hablaba del cine interactivo. El estilo de escritura en un guion Un guion es una herramienta de trabajo. Un guion será leído por los miembros del equipo y será la base para construir la película. Pero después, cuando se produzca el film, tu trabajo como guionista quedará invisible y todo será juzgado por cómo quede el resultado final. Aún así el guion tiene un valor en sí mismo, y el que lo lea tiene que recibir, aunque sea de forma tangencial, a la persona que está detrás, al guionista. Y esto se conseguirá si el guionista tiene un estilo propio. Si necesitas mejorar el formato de tu guion, escribí un libro sobre ello, “Formato de Guion. Guía para escribir como un guionista profesional”, que explica las normas para la escritura del formato estándar. Las de los guionistas Hollywood y las variantes de los guionistas hispanohablantes. Contiene una guía de estilo que muestra las diferentes formas de escribir el formato. Aunque cada vez hay más lectores de tu guion y su lectura ya no se limita a las personas que deciden si se produce una película y a los que la ruedan después. Cada vez se publican más guiones por lo que es posible que tu guion llegue a internet y sea leído por personas que quieren ver cómo está escrito por curiosidad o para aprender de él o incluso por su propio valor literario. Por eso debemos cultivar una voz narrativa propia como guionistas que muestre nuestra sensibilidad como autores. Una voz que se refleje en todo lo que escribimos, que se perciba por cómo escribimos las descripciones y diálogos y cómo distribuimos los textos a lo largo del guion. Esa voz viene dada por nuestro estilo y hay que encontrarla en nuestro proceso de escritura. A través de tu estilo como guionista puedes mostrar no solo tu personalidad como escritor, sino cómo quieres que se ruede esa película. Con la redacción del texto puedes insinuar cuándo vendría bien un plano general o un plano detalle, cuándo te imaginas un plano corto y cuando has visualizado un plano secuencia. Obviamente después dependerá del director el producto final, pero de ti depende dar tu propuesta de puesta en escena. Cuando el guionista que escribe un texto también va a dirigirlo se permite ciencias licencias que un guionista que busca director no lo va a hacer. Es normal. Cualquiera que haya leído un guion de Tarantino lo sabe. También los guionistas consagrados tienen la experiencia y jerarquía como para saltarse algunas normas de escritura de guiones sin miedo a que critiquen su profesionalidad. Pero los guionistas principiantes deben seguir ciertas normas que muestren que conocen el oficio. Ya hablé de cómo escribir con el formato estándar de guion y de cómo evitar los errores de novato. Eso no quiere decir que los guionistas principiantes no deban encontrar su propio estilo de escritura. Hoy veremos cómo con ejemplos muy prácticos gracias a algunas de las directrices que da Philip Parker en su manual de guion Cómo escribir el guion perfecto. Cómo crear tu estilo propio en un guion Leer guiones existentes Para encontrar tu estilo propio lo primero es reconocer el estilo en los demás. Del mismo modo que nadie se lanza a escribir una novela sin haber leído an

El artículo 140. Qué es el generador de historias de series se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Como ya avancé la semana pasada tenemos un nuevo Generador de Historias. En este caso centrado en las 100 series más famosas de la historia. Veremos en el podcast en qué consiste, qué usos se le pueden dar y cuáles son todas sus prestaciones. Los que seguís la cuenta en Instagram o Facebook ya habréis podido ver imágenes del Generador de Historias de series. Pero los que tengan curiosidad ya pueden verlo en acción en mi web: www.cursosdeguion.com en la sección de planners. Donde ya se puede adquirir. Pero antes recordar que en la Plataforma de cursos de guion de Guiones y guionistas continuamos con el curso de Biblia de series para los que tengáis alguna idea de serie podáis realizar vuestro propio documento de venta. Hoy analizamos cómo plasmar la investigación necesaria en la biblia. Es posible que nuestra serie esté basada en hechos reales o que sea una ficción histórica, hoy veremos cómo mostrar el proceso de investigación en la biblia de nuestra serie. Y como el curso de biblia de series termina la semana próxima voy a adelantar el nuevo curso que vendrá después: Guion documental. A lo largo de 10 clases veremos todas las fases del guion de un documental, desde la idea inicial, la investigación y las entrevistas hasta la propuesta de venta. Qué es el generador de historias de series Como ya expliqué una vez, los generadores de historias son detonantes para crear nuevos relatos. ¿Y qué es un detonante? Puede ser un elemento, idea, imagen, personaje, sensación, sentimiento, anécdota… es decir, cualquier cosa que nos provoque una historia. Unas veces es algo que hemos vivido, que nos produce una emoción muy fuerte que queremos reproducir en un relato, otras veces algo que hemos leído o escuchado, que pensamos en adaptarlo a nuestra realidad contando nuestra propia historia… ¿Y si ese detonante fuesen historias ya creadas? Pero no historias normales, sino los elementos que han conformado las series más populares de la historia. El generador de historias de series utiliza los argumentos de las 100 series más famosas de la historia como materia prima para crear argumentos nuevos. Lo de las 100 series más famosas es, por supuesto, discutible, como cada vez que se hace una lista. Yo he extraído los títulos de algunas listas de series y es probable que echéis de menos alguna que os haya encantado. Pero seguro que con la mayoría de las series estáis de acuerdo. Además he intentado integrar diversos géneros, como dramas, sitcoms, telenovelas, procedimentales… ¿Y cómo es posible utilizar los argumentos de series existentes y conseguir hacer una obra original? Pues os lo explico de forma sencilla. Lo primero que he hecho es descomponer el argumento de cada serie en su forma más sencilla, que como bien sabéis es el logline. Es decir, contar de qué va la serie en tan solo una frase. Pero como cada serie tiene una estructura diferente recurrí a la fórmula de logline de la que hablé en el podcast que hice sobre logline. Os recuerdo la fórmula: CUANDO [un acontecimiento importante sucede], [el protagonista], DEBE [hacer la acción principal]. Veamos algunos ejemplos: CUANDO le diagnostican un cáncer – un profesor de física con pocos recursos – DEBE fabricar droga para ganar dinero para su familia. Drama familiar (Breaking Bad). CUANDO un avión sufre un accidente – un grupo de supervivientes con un oscuro pasado – DEBE sobrevivir en una isla llena de misterios. Aventura y ciencia ficción (Lost). CUANDO un niño desaparece misteriosamente – los amigos y familiares del desaparecido – DEBEN encontrar al niño y salvarlo de las fuerzas sobrenaturales captoras. Horror (Stranger Things). Si os fijáis esta fórmula contiene tres elementos: Por un lado el “acontecimiento importante que sucede”, que vendría a ser el detonante, catalizador o incidente incitador, según el teórico de guion que hable de ello. Acontecimientos: le diagnostican un cáncer, un avión sufre un accidente, un niño desaparece misteriosamente… Por otro el protagonista, o más bien “el rol del protagonista”, porque lo que importa no es el nombre sino el rol que va a tener en la historia. Protagonistas: un profesor de física con pocos recursos, un grupo de supervivientes con un oscuro pasado, los amigos y familiares del desaparecido… Y por último la “acción principal”, que está directamente relacionada con la consecución del objetivo de los protagonistas. Objetivos: fabricar droga para ganar dinero para su familia, sobrevivir en una isla llena de misterios, encontrar al niño y salvarlo de las fuerzas sobrenaturales captoras… Estos tres elementos están presentes en todas las películas y series y se pueden extraer de forma independiente. El Generador de historias de series combina unos elementos con otros de forma manual para crear un logline nuevo. Esta combinación se puede hacer de form

El artículo 139. Cómo se creó la biblia de El Ministerio del Tiempo (2ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Y continuamos con el podcast dedicado a la biblia de El Ministerio del Tiempo. El programa pasado vimos cómo se les ocurrió la idea a los hermanos Olivares y su largo camino hasta su producción. También analizamos el original dosier de venta que hicieron con una entrevista falsa al secretario de un oculto Ministerio del Tiempo. Hoy veremos el resto del dosier de venta que tan buenos resultados le dio a sus creadores. Y si queréis aprender a escribir guiones y necesitáis un método que os guíe están los cursos de la plataforma de Guiones y guionistas. Ya sabéis que por una suscripción tenéis acceso a todos. Hoy toca clase nueva del curso de Guion de Thriller en que veremos el Thriller de conspiración. Ya os imagináis, la típica historia donde hay una institución con intereses ocultos y un protagonista inmerso en un gran peligro. Veremos qué debe tener ese thriller con varios ejemplos de películas clásicas. Y para amantes de la tele, los sábados tenemos el curso de Concursos televisivos. La clase de esta semana servirá para que entendáis qué son los enfrentamientos que debemos definir a la hora de crear la mecánica de un concurso. Ya vamos aclarando todos los conceptos que os ayudan a crear vuestro propio formato. Y os confirmo que ya está a punto el nuevo Generador de Historias centrado en series. Estoy extrayendo el logline de las 100 series más famosas de todos los tiempos y construyendo el generador. Va a ser genial porque se van a poder mezclar los argumentos de estas series para crear loglines nuevos y originales. Y al hacerlo me estoy dando cuenta de que existen diferencias entre las loglines de series y las de películas. Lo explicaré todo en un podcast cuando lo presente. La edición de El Ministerio del Tiempo Y continuamos con la creación de El Ministerio del Tiempo analizando el libro que editó la editorial 8 y medio en su colección 70 teclas. Es una edición muy completa que os recomiendo echar un ojo. Y han tenido la gentileza de poner la descarga gratuita en PDF. Además de la biblia de El Ministerio del Tiempo, están los guiones de dos capítulos, el piloto y el último de la primera temporada, la sinopsis de todos los capítulos de la primera temporada, el tratamiento de uno de ellos, ficha técnica del equipo, y artículos y cartas de una experta en series y del director de la serie. Una joyita. El dosier de venta de El Ministerio del Tiempo El dossier de venta de la serie está fechado dos años después de que escribieran el falso artículo introductorio que explicaba la existencia del Ministerio del Tiempo. En él comienzan explicando cuál es el concepto de la serie, os leo la propuesta: Concepto “¿Por qué hacer una serie de una época cuando se pueden tener todas las épocas en un solo proyecto?” Esta pregunta es la mejor venta de la serie, porque explica su mejor valor, poder mostrar en cada episodio una época diferente. “De esta pregunta quiere ser la respuesta EL MINISTERIO DEL TIEMPO, una serie que abarca toda la Historia de España y que está concebida para un público amplio y familiar. Una serie de aventuras en la que la comedia y la ironía se mezclan con sentimientos y emociones para narrar la historia de un Ministerio creado en la época de Isabel la Católica para que la Historia no sufra disgresiones temporales que cambien el presente. El paso hacia otras épocas se realiza a través de puertas, definidas en un antiguo libro judío del que no se conserva la totalidad, por lo que el Ministerio (aún a día de hoy) tiene la necesidad de manejar patrullas que las vigilen. Su misión es detectar cualquier intruso del pasado que llegue a nuestro presente y viceversa con el fin de utilizar la Historia para su beneficio… y viajar al pasado para evitar que lo logre.” En este párrafo explican el conflicto general de la serie: no conocen todas las puertas por lo que hay intrusos que pueden utilizar otras puertas para su propio interés y el objetivo del Ministerio es vigilarlas. Si hubieran controlado todas las puertas no habría conflictos y sus comandos no tendrían que estar viajando por el tiempo para controlar que no se cambie el pasado. En cada episodio mostrarán un conflicto diferente relativo a un viaje en el tiempo al pasado. Y mezclan estos conflictos genéricos con los que viven los personajes relativos a sus viajes temporales: “En paralelo, la serie potencia las tramas personales de sus protagonistas ante su nueva situación (poder viajar en el tiempo hacia el pasado). Para unos, es una renuncia a lo vivido. Para otros, es alternar su vida cotidiana en la que vive con cada misión, en la que debe viajar a otro tiempo. Y, para algunos, es también una peligrosa posibilidad: alterar el pasado para recuperar a la gente querida, cambiando lo ocurrido antes, para que no hubiera pasado lo que pasó… Algo que contraviene gravemente la esencia misma de los

El artículo 138. Cómo se creó la biblia de El Ministerio del Tiempo (1ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Al igual que hicimos con Médico de Familia, La Casa de Papel, Lost y Stranger Things hoy volvemos a hacer el análisis de cómo se creó una serie. Y esta vez es una de las series españolas más exitosas de los últimos años cuya última temporada fue producida por Netflix y se puede ver en el mundo entero: El Ministerio del Tiempo. Y veremos desde dónde surgió la idea hasta cómo se escribió la biblia de El Ministerio del Tiempo. Pero antes recordar que en la Plataforma de cursos de guion de Guiones y guionistas continuamos con el curso de Biblia de series para los que tengáis alguna idea de serie podáis realizar vuestro propio documento de venta. Analizaremos cómo especificar cuál es el tono y el estilo de nuestra serie, que son dos de los elementos principales que la diferenciarán de las demás. Y comprobaremos cómo lo hicieron en sus biblias algunas series famosas como la biblia de El Ministerio del Tiempo. En la plataforma de cursos ya hay más de 110 lecciones a día de hoy por tan solo 10 $. Y creciendo cada semana. La semana pasada hablé de los itinerarios que he creado para saber qué cursos realizar y en qué orden. Hoy os aclaro que son dos. Uno más centrado en los que quieren dedicarse profesionalmente a ser guionistas. Puede ser escribiendo películas, series, cómic, programas, vídeos para redes sociales… pero quieren que escribir guiones se convierta en su vida y su forma de sustento. Y el otro itinerario para los que tienen inquietudes de escritura creativa y quieren aprender a escribir guiones de una forma profesional. Pueden ser escritores, profesores, publicistas o simplemente aficionados al cine, pero quieren escribir sus propios guiones… y tal vez grabarlos después aunque sea con un teléfono. En cada itinerario te muestro qué cursos debes hacer y con qué orden. Y también adelanto que estoy terminando un nuevo Generador de Historias centrado en series. Estoy extrayendo el logline de las 100 series más famosas de todos los tiempos y construyendo el generador. Va a ser genial porque se van a poder mezclar los argumentos de estas series para crear loglines nuevos y originales. Y al hacerlo me estoy dando cuenta de que existen diferencias entre las loglines de series y las de películas. Lo explicaré todo en un podcast cuando lo presente. Los creadores de la biblia de El Ministerio del Tiempo Si la serie Stranger Things fue creada por los hermanos Duffer, El Ministerio del Tiempo también se creó por dos hermanos, Pablo y Javier Olivares. A principios de la década del 2.000 se les ocurrió la idea de una serie ambientada en un Ministerio secreto, llamado del Tiempo, desde cuya sede subterránea se custodian los cientos de puertas que conducen a distintos periodos históricos de España. Hay otras puertas clandestinas que escapan al control del Gobierno y que algunos enemigos usan para ir y venir y cambiar el curso de los hechos en beneficio propio. La misión del Ministerio es evitar que los malvados manipulen la Historia por lo que sus empleados se ven obligados a desplazarse continuamente de un siglo a otro solucionando problemas. La idea de una serie de viajes en el tiempo les pareció demasiado adelantada para lo que se producía en España en ese momento, por lo que la archivaron. Pero pasó algo que precipitó su vuelta. En el año 2010 a Pablo le diagnostican Esclerosis Lateral Amiotrófica (ELA). Por entonces trabajaban en la serie Isabel y tras la primera temporada decidieron dejarla para cumplir el último sueño de Pablo: hacer El Ministerio del Tiempo. Como cuenta Javier en el prólogo del libro que editó 70 teclas con el capítulo y la biblia de El Ministerio del Tiempo, “En realidad, él ya había empezado a crear El Ministerio del Tiempo sin habérmelo dicho. Había buscado imágenes, conceptos gráficos y creado una entrevista falsa al secretario de un inventado Ministerio que por fin desvelaba su existencia: el del Tiempo. Curioso: el dossier de venta rompía algo esencial de lo que era la serie, el secreto de la institución. Todo, enmarcado en una especie de dominical de El País falso, cuya portada eran tres soldados de Filipinas (finales del XIX), uno de ellos con un casco de Star Wars.” La venta de la biblia de El Ministerio del Tiempo A partir de ahí comenzaron a escribir el piloto y dos episodios más. Tarea difícil porque Pablo cada estaba más débil. Pablo ya había hecho un dossier visual y Javier redactó otro dossier de venta y de trabajo con personajes, espacios clave… lo que conformó la biblia de El Ministerio del Tiempo. Y lo llevó a TVE, que ya habían leído el piloto y juntos decidieron hacer 8 episodios. La productora de Pablo y Javier, Cliffhanger es una empresa que crea proyectos, los desarrolla y los mueve, pero no tiene suficiente peso financiero como para producir ellos solos la serie, por lo que necesitaba coproducir con una empresa más grande. Y ahí

El artículo 137. Club de lectura de guiones (animación): El viaje de Said. se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy emiten en Montevideo uno de los cortos de animación españoles que más ha viajado por el mundo. El viaje de Said. Ganó el Goya hace más de 10 años y su autor es el animador español Coke Riobóo. Y como el coguionista, además de Coke, es Sergio Catá, a quien entrevisté ya en el podcast con motivo del concurso de Versión Española. Le he pedido el guion a Sergio para leerlo en el Club de lectura de Guiones. Hoy veremos si hay diferencias o no entre el guion de un corto con personas y otro con figuras animadas. Y si queréis aprender a escribir guiones y necesitáis un método que os guíe están los cursos de la plataforma de Guiones y guionistas. Ya sabéis que por una suscripción tenéis acceso a todos. Hoy toca clase nueva del curso de Guion de Thriller en que veremos el Thriller de relaciones. Ya os imagináis, la típica historia donde hay un trío amoroso y alguno de los personajes acaba mal. Veremos qué debe tener ese thriller con varios ejemplos de películas clásicas. Y para amantes de la tele, los sábados tenemos el curso de Concursos televisivos. La clase del sábado servirá para que entendáis qué son los retos que tienen que superar los participantes de un concurso. Es una de las partes más importantes a la hora de crear la mecánica de un concurso. Y para los que todavía no siguen El Tesoro de Hodoul os aviso que la cosa se está poniendo más que interesante porque los concursantes han llegado a Silhouette, la isla donde dice la leyenda que está el tesoro. Y lo estoy contando todo en primera persona. Os aconsejo que comencéis a escucharlos desde el principio. Son cortitos y os va a enganchar. El viaje de Said Y ahora pasamos al club de lectura de guiones con el corto de animación El Viaje de Said. Un corto realizado con la técnica de Stop Motion en plastilina, también conocida como Claymation. Es un corto que ganó el Premio Goya a mejor corto de animación en el año 2006 y que ha estado en festivales del mundo entero. Uno de los aciertos del corto, además de la técnica, es el tema, la inmigración de África a Europa, un tema que sigue de total actualidad aunque el corto se hizo hace doce años. Os leo la sinopsis breve: El viaje de Said nos cuenta la historia de un niño que vive en un pueblo costero de Marruecos y, un día, decide emprender un viaje hacia ese lugar que todos creen que es la tierra de las oportunidades. Voy a leer el guion de El viaje de Said. Los autores son Sergio Catá y Coke Riobóo. Lo que os pido es que os imaginéis la historia según escucháis el guion. Después os pondré un enlace para que podáis ver el cortometraje y comprobar cómo Coke animó la historia. También vamos a comprobar si existen diferencias entre un guion normal, escrito para hacer con actores, y un guion escrito para ser animado con Stop-Motions. –guion EL VIAJE DE SAID Y después de ver el guion vamos a ver algunas de las características especiales de un guion de animación. Os podéis descargar el guion de El viaje de Said en mi web para poder echarle un ojo. Voy a recalcar tres particularidades. Descripciones maravillosas. En la propia redacción se intuye el carácter mágico de la animación. Said vuela por encima del mar agarrado con las dos manos a su caña. Por un momento siente miedo, pero enseguida entra en la magia de lo que le está sucediendo. Said mira hacia abajo sonriente al ver como unos peces voladores surcan el mar con un aleteo simpático. Said se queda sorprendido al ver su propia imagen, la de él mismo pescando en la orilla. El Said PESCADOR se ha quedado dormido sobre una roca. Descripciones más concretas. Los actores no van a poder aportar, hay que animar a los personajes. Said da tres toques malabares al balón y lo lanza de un taconazo. Said prepara bien su puntería sacando mucho la lengua. La PASTELERA le hace el gesto típico de tener dinero. Mostrar las emociones de los personajes. Los actores no van a poder aportar nada. Said sonríe y eleva su brazo como si fuera un futbolista celebrando un gol. Con la boca finge los vítores de un supuesto público. El Coro canta el estribillo, mientras Said llora a lágrima viva. Cada escena en una página separada. Para facilitar la grabación. Y ahora sí os pongo el enlace para que veais el cortometraje y os fascinéis con la increíble animación que hizo Coke Riobóo. Cortometraje: El viaje de Said Los que tengáis ganas de ver cómo se hizo la animación del cortometraje podéis ver el making off de El viaje de Said. Es muy interesante porque veréis las diferentes técnicas que utiliza Coke en el cortometraje. También os animo a ver el resto de trabajos de Coke Riobóo en su página de Vimeo porque en cada corto utiliza una técnica diferente, es bastante experimentador. Y para terminar el podcast animaos a todos a que me enviéis guiones de cortos de 10 páginas, aproximadamente, para leer en los nuevos Club de lectura. El próximo que lea puede ser el tuyo.

El artículo 136. Cómo escribir 100 biblias de series y tener ganas de más se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿Cómo escribir biblias de series? Es una de las preguntas que me llegan desde muchos lados. Hoy tenemos un programa muy especial porque vamos a hablar con una de las personas que más sabe de biblias televisivas en España, aunque sea como dice él, porque ha escrito muchas. Me refiero a Felipe Mellizo, guionista y productor ejecutivo en muchas de las series que seguro habéis visto alguna vez. Felipe nos va a hablar de lo que tiene que tener una biblia de una serie para que sea vendida y nos va a dar un gran consejo a la hora de realizar la nuestra. No os lo perdáis. Y si todavía tenéis dudas a de cómo escribir biblias de series os recuerdo que en la Plataforma de cursos de Guiones y guionistas hoy continuamos con el curso de Biblia de series. Hoy veremos un elemento que hay algunos guionistas que no suelen dar mucha importancia pero que la tiene, me refiero a la estética. ¿Que tratamiento visual y sonoro queremos para nuestra serie? ¿Cuáles son sus referentes? Y como adelanté alguna vez yo estoy utilizando el Planner de Series para crear una. Empecé en modo de experimento para contarlo en el podcast pero me está gustando tanto lo que me está saliendo que ya me planteo algo más. Ya veremos. Además hice “un completo” porque utilicé el Generador de historias para sacar el logline. Y lo hice al azar. Y a partir de ahí comencé a rellenar el Planner de Series. Ya os enseñaré el resultado cuando lo complete. Os recuerdo que tenéis todos los cuadernos en un Pack de Oferta en la web. Os pongo el enlace por si hay interesados. Y quiero comentaros una novedad en la web. Por petición de uno de los suscritos he creado unos itinerarios para saber qué cursos realizar y en qué orden. Cada vez hay más cursos y dependiendo de vuestros intereses podéis realizar unos u otros. Porque no es lo mismo hacer los cursos por querer aprender a hacer un guion para realizar un corto, por ejemplo, que el que quiere dedicarse a ser guionista de forma profesional. Para todos hay cursos pero podéis hacer unos u otros y en un orden aconsejado. Cómo escribir biblias de series según Felipe Mellizo Biblia de Médico de familia Y como comentaba antes, si queréis saber cómo escribir biblias de series hoy estamos ante un experto que ha intervenido en la redacción de 100 documentos de venta. Y como guionista ha escrito episodios en series como Médico de Familia, Periodistas, Águila Roja o Cuéntame, por dar algunos nombres, además de trabajar en muchos programas y documentales. Felipe nos va a hablar de su experiencia creando biblias de series, de lo que tiene que tener una biblia para que se venda, de las biblias de serie que está más orgulloso, de las series que le hubiera gustado hacer, de dónde le surgen las ideas para las series, y de lo más importante en un pitch para vender una serie. Felipe también nos comenta los elementos principales que tiene que tener una biblia de una serie: el concepto, el tema, el tono, los personajes y la estructura (número de secuencias)… y nos da un gran consejo para los que estéis empezando en esto de crear series. Si queréis saber más de Felipe Mellizo y sus experiencias como guionista os dejo el enlace de su blog Mellizo nada más… Y si os ha gustado esta charla, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. O que compartáis este podcast por redes sociales. Y por supuesto agradecer a los que os suscribís a los cursos de Guiones y Guionistas que ayudáis a que el podcast sea sostenible. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 136. Cómo escribir 100 biblias de series y tener ganas de más se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 135. Cuáles son las técnicas de comedia más eficaces (2ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy continuamos el podcast del programa pasado en que analizamos los principales recursos de humor y técnicas de comedia. Aunque la risa sea algo irracional, se pueden analizar las diversas técnicas que se utilizan para hacer humor con el objetivo de usarlas después conscientemente en nuestros guiones. Y si todavía tenéis dudas a la hora de escribir un guion y necesitáis un método que os guíe está la plataforma de cursos de guion que hay en www.cursosdeguion.com. Hoy comienza el curso de Guion de Thriller, en el que analizamos las características del género de suspense y sus subgéneros de acción, misterio o investigación. En la clase de hoy establecemos las bases del género para que sepáis lo que necesita vuestro guion para que sea un Thriller. Y lo hacemos analizando un ejemplo clásico: Seven. Y para amantes de la tele, el sábado comienza el curso de Concursos televisivos en el que explicaré en qué consiste el formato concurso, cuáles son sus diferentes tipos y cómo crear la mecánica de tu propio programa. La clase del sábado servirá también para asentar las bases del formato y explicar qué es un concurso televisivo y cuáles son los diferentes tipos de concurso. Ya sabéis que yo desde Guiones y guionistas intento promover una formación integral para los guionistas, que puedan pasar de escribir ficción a documental, de programas televisivos a vídeos de Facebook. Pero los cursos no son solo para guionistas, porque el arte de contar historias sirve para muchas profesiones. Por ejemplo hay uno de los suscritos a los cursos, Pedro, que es abogado y para él construir historias es parte de su trabajo. Y utiliza lo que aprende en los cursos para analizar el proceso de creación de las historias y desmontar sus partes para ver cómo son por dentro y cómo se pueden modificar. Me parece una utilización fantástica porque el storytelling, o arte de narrar, es una de las mejores armas para comunicar. Cuando intentamos contar algo utilizando un personaje, con un conflicto y un objetivo, que va avanzando y sorteando obstáculos hasta el final, la gente se implica más en lo que cuentas, está más atenta, empatiza más. Todos somos contadores de historias y podemos aprender a hacerlo mejor. Recursos de humor y técnicas de comedia En el podcast anterior os hablé del libro, An anatomy of humor de Arthur Asa Berger, que establecía un glosario de recursos de humor y técnicas de comedia que se utilizan en muchos medios, ya sean en chistes, cómics, películas, series, espectáculos teatrales… De forma genérica podemos hablar de cuatro categorías de recursos de humor según sea su origen. En el podcast anterior vimos los dos primeros: El lenguaje: el humor es verbal. La lógica: el humor nace de la idea. Y hoy veremos los dos restantes: La identidad: el humor es existencial. La acción: el humor es físico o no verbal. Estas categorías nos remiten a la esencia de lo que provoca la risa, el objetivo de analizarlas es intentar entender qué es lo que nos hace reír. Continuamos viendo los recursos de humor por las categorías que nos faltan: El humor existencial, que surge de la identidad. El tercer tipo de humor es el que surge de la propia identidad, ya sea de las personas que se imitan o caricaturizan, como de la naturaleza de lo que se narra, por ejemplo cuando parodias una película. Dieciséis caricaturas de cabezas (Goya) Cuando haces la caricatura de una persona, ya sea en dibujo o escrito, se deforman en exceso sus rasgos característicos porque hay una intención crítica o humorística. Se parte de las características reales y se exageran, pero para que funcione tiene que tener un origen en la realidad. También se puede caricaturizar una situación: “En una reunión un jefe cuenta un chiste y todos los empleados se parten de risa… menos uno. El que hay al lado le dice: ¿Y tú por qué no te ríes? —Es que yo no trabajo aquí”. Otras veces el humor no está en la exageración, sino en el mimetismo y la imitación. Que una persona imite a otra intentando mostrar sus rasgos característicos ya puede producir risas sin necesidad de que la parodie. Al imitar algo o alguien se toman aspectos de su “ser” pero se mantiene la propia identidad del imitador. Otro recurso cómico es el estereotipo, es decir, una imagen estructurada y aceptada por la mayoría de las personas como representativa de un determinado colectivo. Hay estereotipos culturales, sociales, raciales, religiosos… que lo que hacen es simplificar una comunidad o colectivo. Así funcionan los típicos chistes de “Va un francés, un inglés y un español y…” o “Va un brasileño, un argentino y un chileno y…” Uno de los recursos de humor más utilizados relacionados con la identidad es la parodia, la imitación burlesca de un género, de una obra artística o literaria, del estilo de un escritor, o de los gestos o manera de ser de una persona. O si lo llevamos más lejos, nos encontram

El artículo 134. Cuáles son las técnicas de comedia más eficaces (1ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy tenemos un podcast que seguro va a gustar mucho porque voy a analizar los principales recursos y técnicas de comedia. Cuando vemos una comedia nos reímos pero no sabemos muchas veces por qué. Yo voy a desgranar y analizar las diversas técnicas que se utilizan para hacer humor con el objetivo de que vosotros podáis usarlas conscientemente en vuestros guiones. Y si todavía tenéis dudas a la hora de escribir un guion y necesitáis un método está la plataforma de cursos de guion que hay en cursosdeguion.com. Hoy continuamos con el curso de Biblia de series para que los que tengáis alguna idea de serie podáis realizar vuestro propio dosier de venta. Veremos la estructura. Analizaremos cómo crear la estructura de nuestra serie, la estructura de los episodios y comprobaremos cómo lo hicieron en sus biblias algunas series famosas. Recursos y técnicas de comedia An anatomy of humor (Arthur Asa Berger) Como ya conté en el podcast sobre tramas de sitcoms, hace más de dos décadas preparaba una tesis doctoral sobre series de comedia y me compré varios libros para documentarme. Uno de ellos, An anatomy of humor de Arthur Asa Berger, establecía un glosario de recursos y técnicas de comedia que se utilizan en muchos medios, ya sean en chistes, cómics, películas, series, espectáculos teatrales… Hoy analizaré esas técnicas de comedia para que veáis en qué consisten. Lo primero me gustaría definir a una broma como una historia que contiene un gag o punch line y está hecha para provocar risa. El humor es muy complejo y normalmente se usan varias técnicas para hacer comedia que funcionan a la vez. Unas son más primarias y otras funcionan de forma secundaria. Pero si hacemos un análisis de los chistes podemos separarlas e identificarlas. El objetivo de este análisis es entender qué hay en ese chiste que pueda provocar gracia y diseccionarlo. Al hacer el análisis de una broma y extraer las técnicas de comedia en su estado puro, lo más normal es que la broma deje de funcionar. Por eso este podcast no va a ser gracioso. Analizar chistes para ver qué es lo que los hace graciosos no es algo divertido. Voy a buscar algunos ejemplos para entender las diferentes técnicas, pero debéis intentar entenderlas dentro del contexto. Después de ver el glosario de términos humorísticos vosotros podréis hacer este análisis de forma inversa. Es decir, si escuchas un chiste o ves un gag en una película con el que te ríes, podréis ver qué recurso han utilizado y qué es lo que os ha hecho gracia. Así podréis entender qué recursos os gustan más en vuestras creaciones, porque hay varios tipos de humor y no todos nos reímos con lo mismo. Pero independientemente de que me haga gracia un chiste, yo tengo que saber identificar cuál es el recurso cómico que ha utilizado el humorista al construir el chiste. Y si ha usado varias técnicas de comedia, cuáles son las primarias y cuáles las secundarias. Las categorías de técnicas de comedia De forma genérica podemos hablar de cuatro categorías de técnicas de comedia según sea su origen: El lenguaje: el humor es verbal. La lógica: el humor nace de la idea. La identidad: el humor es existencial. La acción: el humor es físico o no verbal. Estas categorías nos remiten a la esencia de lo que provoca la risa, el objetivo de analizarlas es intentar entender qué es lo que nos hace reír. Vamos a ir viendo los recursos cómicos uno a uno y por categorías. El humor verbal, que surge del lenguaje. El humor que surge del lenguaje es el más utilizado, tanto en la cotidianidad del día a día como en las obras (películas, novelas, televisión, stand-up, cómics…). Algunas de las técnicas clásicas son los juegos de palabras, en los que se juega con el doble sentido de algunos términos, como los típicos nombres compuestos que usa Bart Simpson cuando llama al bar de Mou: Aitor Tilla, Benito Camela, Ester Colero, Paco Merla… Y las equivocaciones de palabras, en los que el error al decir una palabra esperada es lo que provoca la risa, ya sea porque la palabra suena parecido o por desconocimiento de su significado. Otras veces la comicidad viene por la sorpresa, como por ejemplo con los insultos o palabras malsonantes, que utilizados en ciertos momentos inesperados pueden provocar risa; las réplicas ingeniosas, que sorprenden a los interlocutores y al público por lo inesperado; la sobre-literalidad, o decir algo muy literal cuando resulta obvio, por ejemplo: “-¿Eres bueno en la cama? -¡Claro que sí! ¡Duermo 12 horas todos los días!” o “—¿Nombre? —David. —¿Tavid? —No, David, con ‶D‶ de Dinamarca. —Bienvenido David, Conde de Dinamarca.” Hay técnicas verbales que también producen humor como el, infantilismo, o hablar como un niño cuando ya no lo eres; el habla rimbombante, que se produce cuando los personajes inflan el lenguaje con retórica y palabras largas e intentan hablar como quien no son con expresiones que

El artículo 133. Cómo se creó la biblia de Stranger Things (2ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Y continuamos con el podcast dedicado a la biblia de Stranger Things. El programa pasado vimos cómo se les ocurrió la idea a los Duffer y su largo calvario hasta su venta. También comenzamos a ver las secciones de la biblia. Hoy veremos las restantes para que tengáis una noción completa de este extraordinario dosier de venta que tan buenos resultados le dio a sus creadores. En el podcast anterior hablé del inicio del curso en el hemisferio norte, pero es que yo desde que vivo en Uruguay soy más consciente del cambio de hemisferio porque aquí estamos terminando el invierno y esperando como locos que llegue la primavera. Ánimo a todos los que estéis en el sur que ya nos queda menos. En cualquier caso siempre es un buen momento para proponeros escribir ese guion que tenéis en la cabeza. Y para ayudaros a saber cómo, está la plataforma de cursos de guion que hay en www.cursosdeguion.com. Hoy terminamos el curso de Pitch de Guion explicando qué es un videopitch. Veremos cuándo es útil grabar un pitch, qué hacer con él y sobre todo cómo debemos grabarlo. Y como siempre, con ejemplos, en este caso vistos a tiempo real en el videotutorial. Y el sábado terminamos el curso de Estructuras temporales viendo más recursos para jugar con el tiempo en nuestras narraciones. Veremos los acelerados y ralentizados, que nos ayudan a cambiar la sensación de lo que vemos, la inversión temporal y los congelados. Alguien que escriba un guion, aunque sea un video para redes sociales o un cortometraje, debe conocer todas las técnicas posibles para poder expresar lo que siente. Y unos cursos terminan y otros comienzan. La semana que viene empezará el curso de Guion de Thriller, en el que analizaremos las características del género de suspense y sus subgéneros de acción, misterio o investigación. Y para amantes de la tele, los sábados comienza el curso de Concursos televisivos en el que explicaré en qué consiste el formato concurso, cuáles son sus diferentes tipos y cómo crear la mecánica de tu propio programa. Como veréis, aquí buscamos una formación integral para los guionistas. Por cierto, voy poniendo imágenes de los cursos en las historias y posteos de Instagram, por lo que si tenéis curiosidad podéis seguir a @guionesyguionistas. La biblia de Stranger Things El programa pasado vimos cómo los hermanos Duffer habían creado una biblia con el look y diseño de un libro viejo de Stephen King. Algo que mostraban tanto en el diseño de la portada como en su interior. Y comprobamos también como en las dos primeras secciones hicieron una introducción, que se centra en los temas y el estilo de lo que podría ser la serie, y hablaron de la Conspiración del Proyecto Montauk, en el que mostraron el conflicto inherente al proyecto y que sobrevuela toda la serie. Por cierto, os pongo el enlace que os prometí para que podáis descargar la biblia y verla con vuestros propios ojos. Biblia de Stranger Things La historia La siguiente sección de la biblia contiene la historia. Pero no es solo un resumen del guion piloto en sinopsis o forma de tratamiento. Sino que se construye a partir del piloto y muestra la dirección que tomará la historia. “Comenzamos en Camp Hero, en el otoño de 1980, unos meses antes de que la base fuera cancelada por el gobierno de los Estados Unidos. Un misterioso experimento se les torció horriblemente, y algo ha salido fuera. En una noche oscura, un joven, WILL BYERS, se desvanece en el aire. Esta desaparición tiene una gran efecto en la pequeña comunidad donde vive, sobre todo en su mejor amigo, MIKE WHEELER, su hermano JONATHAN, su madre JOYCE, y el reacio Jefe de Policía, JIM “HOP” HOPPER”. Nosotros seguiremos a todos estos personajes en su lucha e investigación por la desaparición de Will. A medida que vayan retirando las capas de misterio, todos llegarán a la misma conclusión convincente: Ha sido abducido por entidades sobrenaturales que fueron liberadas inadvertidamente durante un experimento. Estas entidades salen entre dimensiones y han comenzado a alimentarse de la vida de nuestro mundo. La desaparición de Will es solo el principio. En el transcurso de la serie, “la grieta” o “desgarro” que separa su mundo del nuestro, comienza a propagarse por Montauk como si fuera un cáncer sobrenatural. Este cáncer se manifiesta cada vez con más extraños fenómenos paranormales. Los campos eléctricos serán interrumpidos. Extraños hongos nacerán en las estructuras y la gente. Una niebla espesa llega desde el Atlántico. La temperatura caerá en picado. La comida se pudrirá. La gravedad fluctuará. La gente vislumbrará entidades extrañas en sus casas y negocios. Habrá numerosos desvanecimientos. La ciudad entera quedará obsesionada y en grave peligro. Si la gente puede desaparecer… ¿puede hacerlo también una ciudad entera? Para salvar a Will y a la ciudad, nuestros héroes tendrán que burlar a lo

El artículo 132. Cómo se creó la biblia de Stranger Things (1ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Al igual que hicimos con Médico de Familia, La Casa de Papel y Lost hoy volvemos a hacer el análisis de cómo se creó una serie. Y esta vez es otra de las grandes series cuya franquicia se ha convertido en uno de los estandartes de Netflix: Stranger Things. Y veremos desde dónde surgió la idea hasta cómo se escribió la biblia de Stranger Things. Comienza septiembre y todos los que vivís en el hemisferio norte termináis las vacaciones y empezáis el curso. Es un buen momento para proponeros escribir ese guion que tenéis en la cabeza. Y para ayudaros a saber cómo, está la plataforma de cursos de guion que hay en www.davidestebancubero.com. Hoy continuamos con el curso de Biblia de series para los que tengáis alguna idea de serie podáis realizar vuestra propia biblia. Veremos la sinopsis. Analizaremos cómo crear la sinopsis de nuestra serie, la sinopsis de los episodios y comprobaremos cómo lo hicieron en sus biblias algunas series famosas. Hoy quiero hablar de uno de los suscritos a los cursos que aprovecha las lecciones con sus alumnos para rodar cortometrajes. Me refiero a Serafín Bertholet, un profesor de Secundaria en un instituto de Málaga (España), que utilizó el planner de guion para crear un cortometraje llamado Z junto a sus alumnos. Os voy a poner el enlace del corto Z para que le echéis un ojo porque ha quedado muy divertido. Enhorabuena a Serafín y a sus alumnos por el resultado obtenido. Animo a todos los profesores que me escuchan a que utilicen los planners y las clases para estimular a sus alumnos a escribir guiones y a grabarlos después. Aprender a contar historias audiovisuales en recurso que todos deberían tener y que les va a resultar muy útil en un futuro… además de lo bien que se lo van a pasar en el proceso. Los creadores de la biblia de Stranger Things La serie Stranger Things fue creada por Matt y Ross Duffer, más conocidos como los hermanos Duffer. Después de graduarse de la Universidad Chapman, donde hicieron varios cortometrajes, los hermanos escribieron la película Hidden, un thriller de terror sobre una familia que se refugia en un refugio antibombas, lejos de un brote viral. La película tenía un giro final similar al de uno de sus héroes, M. Night Shyamalan. Aunque la película nunca llegó a los cines, el guion atrajo la atención del Sr. Shyamalan. Los hermanos fueron contratados para escribir en la primera temporada de la serie de Fox Wayward Pines, de la que Shyamalan era productor ejecutivo. Escribieron cuatro episodios de la primera temporada. “Ese fue nuestro campo de entrenamiento, y M. Night Shyamalan se convirtió en un gran mentor para nosotros”, dijo Ross a Rolling Stone. “En el momento en que terminó nuestro trabajo en esa serie, pesamos, ‘OK, sabemos cómo crear una serie. Y fue entonces cuando escribimos Stranger Things “. Los Duffer prepararon el guion del episodio piloto junto con una biblia de Stranger Things de 20 páginas para vender la serie. Hicieron entre 15 y 20 pitch a diferentes cadenas… pero todas rechazaron el guion alegando que sentían que un argumento centrado en los niños como personajes principales no funcionaría. Las cadenas pensaron que a los niños les parecería demasiado aterrador, y que los adultos estarían desconectados por una historia protagonizada por menores de edad. Algunos ejecutivos trataron de convencer a los Duffer para que la serie fuera más adecuada para los niños o para que se deshicieran de los niños y se concentraran en la investigación del Jefe Hopper. Cómo surgió la idea de Stranger Things Según los hermanos Duffer, la idea de Stranger Things surgió de Prisoners de Denis Villeneuve. Una película que trata sobre un padre desesperado que atrapa y tortura a un hombre sospechoso de haber secuestrado a su hija desaparecida. A los Duffers les gustó la premisa, pero pensaron que en una película quedaba demasiado corta, y que si hacían una serie sobre el dolor y la angustia de un padre que busca a su hijo desaparecido podría ser algo más grande. Mientras intercambiaban ideas para la película, se les ocurrió meter un monstruo caníbal en la historia y les encantó. El monstruo comenzó a hacerse cargo de la historia mientras imaginaban cómo llegaría allí y de dónde venía. Querían hacer una historia que tuviera un origen en ciencia ficción en lugar de uno sobrenatural, lo que les llevó a crear una criatura de otra dimensión. Así fue como nacieron El Otro lado y Eleven. ¿Por qué una serie y no una película? A esta pregunta contestó Matt Duffer en una entrevista en The New York Times. “Si estás haciendo una película, en el momento en que le pones un monstruo, se convierte en una película de terror. Y si se trata de una película de terror hoy en día, es básicamente un paseo en una casa embrujada. Estás tratando de obtener sustos de saltos cada seis, siete minutos. Simplemente no tienes tiempo para pa

El artículo 131. Preguntas sobre concursos y series turcas se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy volvemos con vuestras preguntas al consultorio de guion y hablaré de concursos televisivos y de telenovelas turcas entre otras cosas. Ya sabéis que podéis transmitirme cualquier duda que yo una vez al mes las contesto en el podcast para que sirva a todos los oyentes. Si tenéis prisa con la duda recordad que los suscritos a los cursos Guiones y guionistas tienen soporte y la respuesta es inmediata. Esa es una de las ventajas de estar suscrito, además de lo que se aprende con las clases, claro. Y en la plataforma de cursos de guion volvemos con el curso de Pitch de guion. Hoy vamos a ver consejos muy útiles para, por un lado, preparar el pitch lo mejor posible, y por el otro ejecutarlo con éxito. Los pitch suelen poner a los guionistas muy ansiosos pero ya veréis que con los consejos de hoy a partir de ahora van a ser un éxito. Y el sábado continúa el curso de Estructuras temporales. Si ya vimos cómo dar saltos en el tiempo al pasado con los flashback y al futuro con los flashforward, en esta clase vamos a aprender a dar saltos a una realidad alternativa o hipotética gracias a los flash sideways. Preparaos porque esto se complica y nos da muchas oportunidades a los narradores con ganas de experimentar. Consultorio de preguntas sobre guion Oscar Rojas (Facebook) Hola estimado : Esperando estés bien tú y toda tu familia te iba a hacer la siguiente pregunta: Releyendo el libro el guion de Robert Mckee “que es un libro denso a mi parecer” aparece la frase: las historias son metáforas de la vida… ¡¿tú sabes que quiere decir esta frase ?!… Eso es todo de antemano muchas gracias. Yvette (Perú. Vía mail) Hola David: Hace poco descubrí tu blog y encuentro muy interesantes tus artículos. También estoy pensando en la idea de seguir tus clases es solo que la falta de tiempo se convierte en un factor determinante para mí. El comentario y la consulta que quería hacerte es que conoces un poco del formato que usan las series Turcas, cada día más populares en el mundo entero, estos capítulos de dos horas, en los cuales discurre la trama y que por lo general al final de cada capítulo deja muy atada la historia en espera del próximo episodio. Yo soy una aspirante a guionista, algo que vengo postergando hace mucho tiempo, pero ese formato me atrae mucho, además siento que el tratamiento de las cosas desde una visión mitad occidental, mitad conservadora se amolda a mi estilo e intereses. Pensar que puede tener estos días puede tener un tiempo para publicar al respecto con sus comentarios instructivos. He tratado de ubicar una muestra de los guiones que ellos confeccionan pero no he tenido suerte, claro está mi pequeño conocimiento del idioma que me juega en contra pero creo que es muy valioso para la observación. No sé si alguna vez ha podido ver estas series pero por cualquier modo los títulos más sonados: ¿Qué culpa tiene Fatmagül? (Fatmagülün Suçu Ne?) Te amaré por siempre (Vatanın sensin), El Secreto de Feriha (Adını Feriha Koydum), Infiltrados (Içerde), Madre (Anne), entre muchas otras cosas en géneros variados como suspenso, romance, comedia, drama, ¿etc.? Ojalá te despierte y tenga cuentas con tiempo lo que puedas publicar. Te lo agradeceré profundamente. Saludos desde Lima – Perú. Yvette Podcast: 110. Cuál es el origen de las series televisivas Daniel (Facebook) ¡Hola David! A veces veo concursos de preguntas y respuestas y en casa discutimos sobre la respuesta correcta. Incluso a veces lo buscamos en internet y hay dudas. ¿Cómo hacen en los concursos televisivos para que no haya discusiones por si está bien una respuesta o no? Gracias por el podcast!!! Aprovecho para informar que estoy preparando un curso sobre concursos televisivos en el que aprenderemos a crear nuestro propio concurso con su mecánica. Saldrá en dos semanas. Y con esta consulta terminamos el podcast de hoy. Y si os ha gustado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes Ivoox o Youtube. O que compartáis este podcast por redes sociales. Y por supuesto agradecer a los que os suscribís a los cursos de Guiones y Guionistas que ayudáis a que el podcast se mantenga. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 131. Preguntas sobre concursos y series turcas se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 130. Cómo se creó la serie Lost (segunda parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. En el programa pasado vimos de dónde surgió la idea para crear la serie Lost, o Perdidos como se llamó en España, o Desaparecidos, como se conocía en muchos países Latinoamericanos. También vimos las primeras secciones de la biblia que hicieron sus creadores para ver si tenía recorrido la historia. Hoy continuaremos viendo los demás apartados de la biblia para que tengáis una idea completa del proyecto y podamos contestar a la pregunta de si estaban improvisando o realmente lo tenían preparado. Pero antes recordar que en la plataforma de cursos de guion que hay en www.cursosdeguion.com, continuamos con el curso de Biblia de series. Hoy veremos el personaje. Analizaremos cómo crear los perfiles de los personajes en vuestras biblias y comprobaremos cómo lo pusieron en sus biblias algunas series famosas. También hay un espacio para desarrollar vuestros personajes en el Planner de series, por lo que si estáis con la idea de crear una serie una buena idea es conseguir el planner e ir rellenándolo mientras la creáis. Podéis adquirirlo solo o dentro de un Pack de Oferta junto con el Generador de historias y el Planner de Personajes. La biblia o writers Guide de la serie Lost Writer´s guide de Lost En el podcast anterior vimos cómo la biblia de Lost tiene una introducción, tres secciones y un epílogo. Ya comprobamos que en la primera sección de Preguntas y respuestas se dedican a contestar las dudas que genera el piloto. Como qué tipo de franquicia y formato es la serie, teniendo aspectos de serie médica, serie de policías, serie de abogados, drama de personajes y, sobre todo, de serie de aventuras. Y terminamos el podcast con un gran cliffhanger, porque en la biblia hacían esta gran pregunta: ¿Son los episodios auto-conclusivos o serializados? Pues bien, es la hora de ver cómo contestan esa cuestión en la biblia. Autoconclusivos. En serio. Nosotros lo prometemos. Sí, los misterios que rodean la isla pueden servir para una mitología continua (y fácil de seguir), pero cada episodio tiene un comienzo, un medio y un final. Más importante aún, el comienzo del próximo episodio presenta un dilema completamente nuevo para ser resuelto que no requiere conocimiento de los episodios que lo precedieron (a excepción de los raros de dos partes). Sí, los arcos de personajes (romances, alianzas, rencores) se extienden por el alcance de una temporada, pero las tramas no lo harán. Los espectadores podrán perderse algún episodio en cualquier momento y ser capaces de seguir exactamente lo que está sucediendo en el contexto de la historia. Esto no limita el servicio, nosotros estamos totalmente comprometidos con este concepto. LOST puede y será accesible a través de una emisión semanal como un drama tradicionalmente “de procedimiento”. ¿Cuál es la forma de la primera temporada? Creemos que una de las cosas que hace que la serie Lost sea convincente es que experimentamos todos los días con nuestros supervivientes. Sin forzarnos a nosotros mismos con un tiempo restrictivo, como el que emplea la serie 24, cada episodio durará uno o dos días. El episodio siguiente comienza justo donde lo dejamos (no necesariamente al estilo del suspenso, podríamos comenzar la mañana siguiente) para poder ver la lucha de supervivencia en tiempo real. Lo que hace que este storytelling sea tan excitante es que el concepto de isla desierta es muy propicio para ello. Nada en la isla es fácil: cada tarea es una lucha casi hercúlea. Las audiencias no se encontrarán con que nuestros personajes han construido y trabajado en una casa, los veremos construir esa casa. Creemos que al compactar el tiempo, el drama aumenta significativamente y el público siente que la experiencia es más auténtica. Cuando todo está dicho y hecho, la primera temporada cubre aproximadamente los PRIMEROS CUARENTA DÍAS DE LOS SUPERVIVIENTES EN LA ISLA. Al grano: ¿Qué es esta isla exactamente? La respuesta precisamente a esa pregunta es el núcleo de la “mitología” de la serie Lost. A diferencia de los X-FILES, esta mitología está compartimentada en lugar de interconectada. En otras palabras, la historia de nuestra isla se extiende por siglos: cada vez que llega una nueva persona (o personas) a su orilla, comienza una nueva historia. Esto abre la puerta a posibilidades casi ilimitadas. En una historia, nuestro grupo encuentra lo que parece ser un BUNKER NAZI. En otras historias, podemos aventurar con pruebas que insinúen una historia que es considerablemente más ANTIGUA. También vale la pena mencionar que la isla es GRANDE, ya que nunca la vemos desde arriba, su verdadero tamaño sigue siendo un misterio continuo. Lo más importante es que la historia más contemporánea de esta isla es una serie de descubrimientos que parecen sugerir que este lugar fue ocupado por un CONTRATISTA DE UNA CORPORACIÓN MILITAR que construyó grandes complejos subterráneos para experim

El artículo 129. Cómo se creó la serie Lost (primera parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Al igual que hicimos con Médico de Familia y con La Casa de Papel, hoy volvemos a hacer el análisis de cómo se creó una serie. Y esta vez es otra de las grandes obras que nos ha traído este milenio: la serie Lost, o Perdidos como se llamó en España, o Desaparecidos, como se conocía en muchos países Latinoamericanos. Y veremos desde dónde surgió la idea hasta cómo se escribió la biblia. Pero antes recordar que en la plataforma de cursos de guion que hay en www.cursosdeguion.com, esta semana continuamos con el curso de Pitch de guion. Hoy nos metemos de lleno en el pitch porque vamos a ver los distintos tipos que hay y cómo debemos estructurar un pitch, ya sea de un guion, una serie o cualquier producto audiovisual. Y el sábado continúa el curso de Estructuras temporales. Si la semana pasada vimos cómo dar saltos en el tiempo al pasado con los flashback, esta vemos cómo dar saltos al futuro con los flashforward y las premoniciones. Y hablando de saltos en el tiempo, no quiero retrasar más el hablar de una de las series que más ha jugado con los saltos temporales en sus episodios: Lost La teoría del iceberg de la serie Lost según sus creadores Hoy hablaremos de la biblia de la serie Lost, pero antes vamos a ver qué piensan sus creadores de la existencia de dicha biblia. Damon Lindelof y Carlton Cuse, dos de los showrunner de la serie Lost a lo largo de sus seis temporadas escribieron el prólogo de la Enciclopedia Oficial de Perdidos. En él hablan de su relación con la biblia como guía y de cómo construyeron lo que cariñosamente llamaban el “iceberg”. Según ellos lo que vimos, la serie, era el 10 % del iceberg que sobresale del agua. Pero el mayor tiempo que pasaron en la writers´room fue creando el trozo de debajo, sin el cual el iceberg se hundiría. Os leo el prólogo: Cómo se creó la serie Lost Lost es una serie de televisión estadounidense emitida originalmente por ABC entre 2004 y 2010, hasta completar un total de seis temporadas. La serie narra las vivencias de los pasajeros supervivientes del vuelo 815 de Oceanic Airlines Sydney- Los Ángeles en una isla aparentemente desierta, en la cual ocurren cosas muy extrañas. Con frecuencia hace referencia de manera específica a las historias de los protagonistas antes del accidente, con lo que explica las decisiones que estos toman en la isla, el motivo por el cual tomaron ese avión; y, para mostrar que ellos, sin saberlo, estaban perdidos en sus vidas. Orígenes de la serie Lost En el verano del año 2000 un reality show llamado Survivor se convirtió en la sorpresa de la temporada. 16 concursantes eran abandonados en una isla remota durante 39 días, con el fin de ganar un millón de dólares. Durante ese tiempo tenían que convivir en un ambiente hostil, competir en pruebas y eliminarse uno a uno hasta el ganador final. El programa lleva ya 35 temporadas y sigue emitiéndose con éxito. En el año 2003 Lloyd Braun, el presidente del grupo ABC, tuvo la idea de desarrollar una serie que tuviera el punto de partida de la película Náufrago con la intriga y caracteres fuertes del reality Survivor. Braun rechazó las ideas de los dos primeros productores a los que dio la oportunidad de trabajar sobre el concepto, y recurrió a J.J. Abrams. Abrams estaba haciendo Alias en esos momentos, y no tenía tiempo de rodar The Catch (una serie que estaba desarrollando) y empezar una nueva serie, especialmente cuando Lost era solo un concepto pobremente desarrollado. Pero Braun creía tanto en la idea que consiguió que Abrams hiciera una propuesta junto con el guionista del policíaco Crossing Jordan Damon Lindelof. A Braun le encantó la propuesta de J.J. Abrams y Damon Lindelof y consiguió que dieran luz verde al proyecto sin ni tan siquiera ver el guion del piloto ni por supuesto ninguna biblia, bastó con tan solo un esbozo de la serie para que tomaran esa decisión. Pero el proyecto tuvo muchas críticas, de hecho Michael Eisner (presidente y ejecutivo de Walt Disney Co.) dijo esto sobre el tema: “Es un proyecto de locos que jamás funcionará”. Lost fue imaginada inicialmente como “Náufrago: La Serie” y el nombre de la serie se suponía que iba a ser “Nowhere”. El episodio piloto fue escrito por Jeffrey Lieber, J. J. Abrams y Damon Lindelof y dirigido por Abrams. Fue rodado en la isla de Oahu, Hawái, como el resto de la serie, convirtiéndose en el episodio más caro de la historia de la televisión en el momento de su estreno, 14 millones de dólares. Tanto que supuso el despido de Lloyd Braun. Os dejo el guion del piloto para que le echéis un ojo. Piloto – LOST El caso es que como en la cadena no estaban muy seguros de la serie, le pidieron a los creadores una biblia que les demostrase que tenían suficientes tramas e historia para poder mantener la serie por varias temporadas. Ellos contrataron a varios guionistas e hicieron el documento que hoy voy

El artículo 128. Cómo crear el spin off de una serie se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Con motivo del curso de biblias de series que se está desarrollando en la plataforma de Guiones y guionistas llevo unos días hablando de series televisivas. Hoy vamos a hablar de un tipo de series que surgen de otras obras para encontrar un camino propio, fuera de las series “padre”. Me refiero a los spin offs. Vamos a ver en qué consisten y qué tenemos que hacer para crear un spin off de una obra previa. Pero antes recordar que en la plataforma de cursos de guion que hay en www.cursosdeguion.com, continuamos con el curso de Biblia de series. Hoy veremos algunos de los elementos relativos al concepto e idea central que debería tener nuestra biblia. Como el logline, el storyline y la premisa. Veremos cómo lo pusieron en sus biblias algunas series famosas y daremos unos tips o consejos para crearlos en nuestra propia biblia. Estos pasos también se encuentran en el Planner de series, por lo que si estáis con la idea de crear una serie una buena idea es conseguir el planner e ir rellenándolo mientras la creáis. Podéis adquirirlo solo o dentro de un Pack de Oferta junto con el Generador de historias y el Planner de Personajes. Qué es un spin off Las series televisivas forman parten de la industria del entretenimiento, un negocio que mueve muchos millones y que siempre está buscando productos donde poder rentabilizar las ideas que ya se han demostrado eficientes. Dentro de este marco se engloban los remakes de series antiguas, las adaptaciones de series de otras culturas y los spin offs. Un spin off es una serie de televisión, de películas, de programas de radio o de videojuegos creada a partir de una obra ya existente. La nueva serie toma de su antecesor algún elemento principal, que puede ser uno de sus personajes, el lugar donde ocurrieron los hechos, o el universo ficticio de la obra original, y crea una obra nueva. La traducción de spin off estaría relacionada con la separación o escisión del original para hacer un producto independiente, por lo que también se la conoce como serie derivada. Normalmente los spin off suelen producirse cuando la serie original ha terminado definitivamente y se quiere seguir tirando del hilo a partir de la idea de la serie original. Este recurso permite a los productores seguir explotando una fórmula que funciona a través de alguno de sus personajes o su formato. Ejemplos de spin off A lo largo de la historia televisiva existen ejemplos de spin offs que estuvieron a la altura del original y se mantuvieron durante varios años, como las series de Better Call Saul, que vino de Breaking Bad; Ángel, surgida de Buffy Cazavampiros; Fraser, que nació de Cheers; Melrose Place, que salió de Beverly Hills, 90210; Xena, que vino de Hércules; o la española Aída que surgió de 7 vidas. Pero también hay algunos spin offs que no pasaron la prueba, como Joey, nacido de Friends; la señora Colombo, surgida de Colombo; o The Lone Gunmen que salió de Expediente X. En el cine infantil el spin off es una fórmula que se utiliza con frecuencia y personajes secundarios de alguna película se convierten en protagonistas de nuevas obras. Un ejemplo serían los Minions, que eran criaturas secundarias en Gru – Mi villano favorito y pasaron a ser protagonistas en su propia historia; El Gato con Botas, personaje secundario en Shrek 2 que protagonizó posteriormente tanto una película como una serie; o Los Pingüinos de Madagascar, serie surgida a partir del comando de élite de la película Madagascar. Cómo crear un spin off Ahora vamos a ver qué debemos hacer si tenemos una obra, que no tiene que ser necesariamente una serie o webserie, también podría hacerse un spin off de un cortometraje o una novela, y queremos sacar de ella otra obra nueva. Determinar el nexo en común con la original. El primer requisito para que se considere un spin off es que la serie resultante tiene que tener un nexo común con la serie original. La obra nueva tiene que ser autónoma, como para que no se considere una continuación o segunda parte, pero sí debe tener algo “escindido” (recordad la traducción de spin off) de la original. Este nexo en común puede ser un personaje, parte del argumento, el formato o el universo. Spin off a partir de un personaje. El nexo más utilizado en los spin offs es que la serie nueva surja a partir de uno de los personajes protagonistas. El requisito es que no sea el personaje principal, pero sí uno que tenga un recorrido propio y que ayude a mantener el tema, tono, universo y estructura del original. Porque uno de los objetivos de un spin off es heredar la audiencia de la serie precedente, por lo que es importante mantener el tono y no separarse mucho del referente original. Este personaje pasa de ser uno más del elenco a convertirse en el protagonista de la nueva serie. De hecho, es bastante común que la nueva serie tenga por título el nombre de dicho personaje, en un afán de dejar claro que tiene

El artículo 127. Club de lectura de guiones: Manual de orgasmos fingidos se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy volvemos con el Club de Lectura de guiones con un guion muy especial. Bueno, no vamos a leer el guion cinematográfico sino su adaptación teatral. Se trata de Manual de Orgasmos Fingidos, una obra que se estrenó hace seis años en Madrid en Microteatro por dinero, una experiencia teatral de obras cortas. Y en el podcast va a leer el texto el propio autor, que soy yo mismo, por lo que también os contaré desde cómo me vino la idea hasta la adaptación del lenguaje audiovisual al teatral. Aviso: la obra no es apta para menores. Pero antes recordar que en la plataforma de cursos de guion que hay en www.cursosdeguion.com, esta semana continuamos con el curso de Pitch de guion. Hoy veremos qué es un mood trailer y cómo podemos hacer un buen mood trailer como herramienta de promoción que nos ayude a vender nuestro guion. ¿Habíais oído hablar alguna vez de un mood trailer? Pues los suscritos a los cursos vais a ver varios ejemplos en la clase de hoy. Y el sábado continúa el curso de Estructuras temporales. Si la semana pasada vimos cómo utilizar las elipsis, esta aprenderemos a usar los flashback para hacer unas historias un poco más complejas. Porque aunque tengan sus críticos, los flashback bien usados funcionan de maravilla. Y aprenderemos también a diferenciarlos del racontto. Lectura de Manual de Orgasmos Fingidos Y ahora pasamos al texto de Manual de Orgasmos Fingidos. Primero voy a leerlo y después os contaré de dónde surgió la idea, cómo fue el proceso de adaptación al género teatral y analizaré un poco el texto. Aunque antes os doy el tagline que venía junto al cartel de la obra en el teatro: Porque fingir un orgasmo es algo más que gritar Aaaaarrrggghhhhh. DESCARGA: Manual de Orgasmos Fingidos (cartel de Maru y su Cabeza) En la web también os voy a poner el cartel que realizó Maru y su cabeza para la representación y una foto para que, después de haber escuchado el texto, veáis a las actrices Eva Higueras y Aixa Villagrán y os ayude a haceros la composición de la obra. La idea surge de dos situaciones reales. La anécdota que da inicio a la historia es real: una amiga, en una fiesta en una casa, volvió del servicio y dijo que había tenido un orgasmo mientras meaba… lo que fue tema de conversación y risas durante el resto de la fiesta. Y por otro lado, hace muchos años hice una animación a la puerta de un cine disfrazado de muñeco. Mi compañera y yo nos cambiamos en unas taquillas del cine para los empleados y la situación era muy absurda. Quitándonos la ropa y poniéndonos unos disfraces enormes, de dos personajes de dibujos, Dexter y Didi, con los que nos moríamos de calor. Cuando retomé la situación del orgasmo involuntario para escribir un corto pensé en ponerla en una localización que contrastase con la conversación y recordé el momento de los disfraces infantiles. Así surgió la escena de dos amigas que van a hacer una animación infantil y, mientras se visten de payasas hablan del orgasmo. Se me ocurrió que para darle más importancia a ese orgasmo involuntario debería ser el primer orgasmo del personaje, y de ahí vino la idea de que hasta entonces había estado fingiendo siempre. Después me documenté un poco sobre el orgasmo femenino y su fingimiento leyendo algunos foros en internet y preguntando a alguna amiga… Y así fue como escribí un guion de corto que pasó a la carpeta de proyectos no realizados. Hasta que unos años después mi querida amiga Carla Revuelta me propuso escribir una obra para hacer un Microteatro. Recuperé el texto del corto y se lo pasé. Le gustó, lo adapté a texto teatral y lo presentamos al concurso mensual que hace la sala para buscar obras. Fuimos seleccionados, Carla lo dirigió y estuvo un mes en las sala de Microteatro con cinco representaciones diarias siempre llenas. Autor: Jasper Juinen Los espectáculos de la sala Microteatro por dinero madrileña tienen unas limitaciones muy claras: son obras de 15 minutos, en una habitación, para 15 espectadores. Con lo que tuve que adaptar algunas algunas partes del texto. Además quité algunas descripciones para dar mayor libertad a la directora y a las actrices. Dejarles un espacio para que experimentaran en los ensayos. Incluso incorporé algunas acciones en el texto después de los primeros ensayos para ajustarlo a la obra que iban a realizar. Y también cambié el formato de escritura: Como explico en el curso de Programas Gratuitos de guion, el Celtx tiene una opción que escribe en formato teatral. Tiene algunas variantes con respecto al formato de guion cinematográfico: La descripción se escribe en cursiva y con más tabulación a la derecha que en un guion cinematográfico. El personaje no va centrado, sino tabulado a la izquierda. Y los diálogos van con una tabulación más que el personaje, pero también a la izquierda. Son detalles, pero como veréis si os descargáis el texto, tiene un diseño y formato di

El artículo 126. Cómo crear una serie interactiva se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Con motivo del curso de biblias de series que ha comenzado en la plataforma de Guiones y guionistas llevo unos días hablando de series televisivas. Hoy vamos a hacer un pequeño giro para hablar de un tipo de series que comienzan a verse cada vez más. No es algo nuevo, porque hay ejemplos muy antiguos, pero que cada vez tienen más auge gracias a las plataformas digitales y la búsqueda de público juvenil por parte de algunos canales tradicionales. Me refiero a las series interactivas. Hoy veremos de qué se tratan. Pero antes recordar que en la plataforma de cursos de guion que hay en www.davidestebancubero.com, continuamos con el curso de Biblia de series. Hoy veremos los dos primeros elementos de la venta de nuestra biblia: la portada y el tagline. No se nos tiene que olvidar que el primer objetivo de la biblia de una serie es que se venda, porque si no esa serie nunca existirá. Y hoy quiero recomendar dos series web que ha realizado uno de los suscritos a los cursos: Enrique Ellerker. Es muy interesante que las echéis un ojo porque Enrique las ha realizado con cero medios, sin equipo, cámara en mano… y el resultado está más que bien. Además ha hecho un making of en el que cuenta muchos de los trucos que utiliza en las grabaciones, por lo que os puede dar muchas ideas. Una de las series es El show de Teresa Cuesta, que tiene su propio making of; y la otra webserie es Ralph Operación HBO, que también tiene making of donde explica cómo se hizo. Enhorabuena Enrique por tus series, son una demostración de que con imaginación y esfuerzo se pueden hacer muchas cosas sin necesidad de grandes presupuestos. Y desde aquí os animo a los suscriptores a seguir enviándome vuestras producciones o guiones que desde Guiones y guionistas les daré eco para que lleguen a más gente. El auge de las series interactivas El año pasado se estrenaron en España varias webseries en las que no todo estaba escrito y el público tuvo alguna decisión en su desenlace. La primera de ellas, Si fueras tú, es una adaptación de Reservoir Hill, ficción neozelandesa que triunfó en 2009 a golpe de SMS, con los que sus seguidores pudieron decidir el destino de la protagonista. Estrenada por Televisión española fue un éxito absoluto con más de un millón de visitantes únicos que pudieron ver sus vídeos a través de RTVE, YouTube, Facebook e Instagram. Si fueras tú narra la historia de Alba, una joven de 17 años que se muda con su tío Miguel a un barrio residencial; su parecido físico con Cris, una chica desaparecida, será el comienzo de una tenebrosa aventura que no se sabe dónde termina. Será trabajo del espectador meterse en la piel de Alba y apostar por el mejor camino para desvelar el misterio. ¿Está realmente en peligro? El proceso de rodaje fue frenético porque el guion cada semana debía atenerse a las preferencias del público. Los actores vivieron la misma incertidumbre porque hasta la víspera del rodaje no sabían qué iban a grabar. Netflix también ha lanzado sus primeras series interactivas en las que el espectador tiene el poder de decidir, en ciertos momentos de la historia, qué rumbo toma la narración del capítulo. Comenzó con la emisión de El Gato con Botas: atrapado en un cuento épico y Buddy Thunderstruck. Dos series infantiles en las que los niños pueden manipular las pantallas y jugar con sus personajes favoritos. Por el momento, los contenidos interactivos de Netflix se pueden disfrutar en los televisores inteligentes y en dispositivos que usen el sistema operativo iOS. HBO también está experimentado con un proyecto interactivo novedoso. Steven Soderbergh ha invertido tres años en el desarrollo de Mosaic, una serie protagonizada por Sharon Stone en la que el público puede alterar el enfoque a su antojo. Os dejo el Trailer de Mosaic para que lo veáis. Tras la presentación de sus protagonistas ofrece dos opciones para descubrir los secretos de un misterio criminal: la primera será consumirla como una miniserie al uso que se emitirá en HBO, y la segunda consiste en poner a disposición de los espectadores una App para tu móvil o tableta con la que elegir el camino para ver la serie. Han rodado multitud de opciones en función del punto de vista de la escena para que después los espectadores puedan montarse su propia versión de la historia, complementando así a lo que han visto en televisión. Qué es la narrativa interactiva La narrativa interactiva es una forma de contar historias que reacciona a la aportación de su receptor. Este tipo de narrativa se adapta a diferentes medios pero siempre le da a los lectores, espectadores o jugadores la opción de elegir, en cierta medida, el rumbo de la historia. Veamos algunos ejemplos en diferentes medios: 1. Literatura Interactiva En la literatura es el lector quien decide qué pasos siguen los personajes. Este tipo de libros de narrativa hipertextual, también conocidos como «librojuegos», ofrece a

El artículo 125. Cómo emitir una webserie en una plataforma web – UN3 se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Con motivo del curso de Creación de webseries hice varias entrevistas relativas a dicho formato. Hablé con Gastón Armagno, que nos explicó cómo hace sus exitosas webseries y hablé con Pedro Levati, que nos contó cómo montó el festival de series web de Buenos Aires. Pero nos faltaba una parte del negocio, que es la distribución. Hoy vamos a hablar con Rocío Carbajo, Coordinadora general de UN3, que es el canal de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, Buenos Aires. Una plataforma especializada en series web. Una entrevista muy interesante en la que nos va a contar todo sobre su canal. Pero antes recordar que en la plataforma de cursos de guion esta semana comienza el curso de Pitch de guion. A lo largo de 5 lecciones aprenderemos a hacer un pitch, desde las herramientas y documentos que debes presentar a tus interlocutores hasta cómo estructurar el discurso de venta. Hoy comenzamos con la primera clase explicando qué es un teaser póster y cómo podemos hacer un buen teaser póster que nos ayude a vender nuestro guion. Y el sábado comienza otro curso nuevo: Estructuras temporales. Ya se sabe que el arte del guion es aprender a narrar en el tiempo. A lo largo de 5 lecciones veremos qué es el tiempo fílmico y las diversas formas de manipularlo. Aprenderemos a hacer saltos en el tiempo, a condensarlo o expandirlo y en definitiva a manejarlo a nuestro antojo según los resultados que queramos obtener. En la clase del sábado hablaremos de las elipsis. Con los cursos que empiezan esta semana ya son 13 los que disponéis en la plataforma Guiones y guionistas por tan solo 10 $ al mes. Más de 90 lecciones. La forma más sencilla de aprender a escribir guiones y de tener una formación integral de guionista. UN3.tv una plataforma argentina de series web UN3.tv Rocío Carbajo nos explica cómo se creó UN3, el canal de la Universidad Nacional de Tres de Febrero de Buenos Aires, a quién va dirigido y cómo es su programación. También nos explica qué hay detrás de la estrategia de emitir sus series en la plataforma U3N y en Youtube a la vez y cómo eligen sus contenidos. En UN3 emiten webseries de ficción y no ficción y cada vez da más importancia al desarrollo Transmedia de sus productos. Producen 20 series al año y reciben todo tipo de proyectos, tanto para coproducir como para emitir. Rocío nos aseguran que leen y evalúan todo tipo de proyectos, y nos recomienda enviarlos antes de principio de año, que es cuando deciden la producción anual. Eso sí, como dice Rocío, les encantan los proyectos innovadores y se fijan mucho en el contenido. Podéis encontrar la plataforma en: http://un3.tv/ Y después a todos a que veais la plataforma terminamos el podcast de hoy. Y si os ha gustado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. O que compartáis este podcast por redes sociales. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 125. Cómo emitir una webserie en una plataforma web – UN3 se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 124. Cómo se creó La casa de Papel se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. La semana pasada hablé de cómo se creó una serie hace 25 años, Médico de familia, y algunos me habéis escrito pidiendo que hable de una serie actual. Muchos de los que escucháis este podcast sois muy jóvenes y nunca la visteis. Pues bien, aquí lo tenéis. Hoy vamos a hablar en el podcast de cómo se creó La casa de Papel la serie de habla no inglesa más vista del catálogo de Netflix. Pero antes recordar que en la plataforma de cursos de guion esta semana comienza el curso de Biblia de series. A lo largo de 10 clases vamos a profundizar en la creación de un dosier de venta de una serie televisiva. Va a ser un curso muy práctico en el que os voy a enseñar muchos ejemplos de documentos de venta, alguno de ellos que no son públicos. Hoy comenzamos con la primera clase explicando qué es una biblia o dosier de venta y para qué sirve. Y para complementar el curso os recuerdo que está el Planner de Series. La guía definitiva que te acompaña en la creación de una serie. Te va diciendo qué pasos seguir y te proporciona los espacios para que vayas rellenando tu propia propuesta. Es genial porque cuando hayas rellenado por completo tu planner tendrás todos los datos para hacer tu biblia y comenzar a vender tu proyecto. Cómo se creó La casa de Papel Para hablar de cómo se creó La Casa de Papel no me voy a servir de ningún libro que lo explique como en Médico de Familia, porque no lo hay, pero sí me voy a valer de las entrevistas que han realizado sus creadores en varios medios. Afortunadamente el éxito de la serie les ha llevado a hacer mucha promoción y en las entrevistas, entre otras cosas, han hablado de la creación de la serie. Hay un blog que os recomiendo si os gusta saber cómo se hacen las series que se llama http://escribirenserie.com/. El autor es el guionista Nico Romero y hace entrevistas a los productores ejecutivos y showrunners de las series españolas preguntándoles sobre su trabajo y cómo crean sus ficciones. El creador de La casa de papel Si queremos analizar cómo se creó La Casa de Papel hay que comenzar por el creador, la persona que tuvo la idea de la serie. Álex Pina es un productor de televisión, creador de series, guionista y director español, que durante 20 años ha trabajado en Globomedia. Allí estuvo en series como Periodistas, Los Serrano, Los hombres de Paco, El barco o Vis a Vis. A finales de 2016 Álex Pina abandona Globomedia​ y funda Vancouver Media, su propia productora, y La Casa de Papel es su primera producción propia. La siguiente que prepara es un serie para Movistar+ llamada El embarcadero que se estrenará el año que viene. Y el éxito de La Casa de papel ha sido tan grande que ha firmado en exclusiva con Netflix. Ahora está preparando también para Netflix una nueva temporada de La Casa de Papel y un drama de acción protagonizado por mujeres llamado Sky Rojo. La idea de La casa de papel Alex Pina cuenta que siempre le gustó el género de los atracos en el mundo del cine. Y se le ocurrió que era un buen momento para trasladarlo a una ficción seriada. En cine se había trabajado mucho el subgénero del “atraco perfecto”, pero no en la tele. La ventaja de hacerlo en televisión es que podrían trabajar más a fondo en la personalidad de atracadores y policías. Tenía la sensación de que con una hora y media o dos de película uno siempre se queda con ganas de saber más de los personajes. La Casa de Papel Y la idea de que ese atraco sucediera en la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre viene de una fascinación de Alex por el concepto de fabricar dinero. ¿Quién hace el dinero? ¿Cómo se hace el dinero? ¿Por qué no hacemos más dinero? Hacer dinero es algo mágico. Realmente uno no sabe cuánto y quién puede hacerlo. Existe una cierta mítica mágica sobre eso. Así fue como se le ocurrió la idea central de la serie: “un atraco a la fábrica de moneda y timbre, que en realidad no es un atraco, sino un encierro para imprimir dinero”. La serie se puso en marcha cuando Alex Pina se reunió con la directora de ficción de Atresmedia, Sonia Martínez, y le contó la idea. La reacción positiva de ella activó el proyecto. Y tuvo que prepararse todo con mucha rapidez porque la productora de Alex acaba de nacer y no tenía muchos recursos, por lo que no podía asumir una preproducción larga. Qué contenía la biblia de La Casa de Papel Según cuenta Alex en una entrevista, dedicó dos días a pensar personajes y empezó a escribir el piloto él solo… sin biblia. Pero yo después he escuchado que escribió un documento de venta muy original. Es una especie de biblia, porque explicaba las posibilidades del proyecto, pero que no tiene ni la estructura ni el contenido de un dosier de venta normal. Era un documento de cinco páginas: una carta de El Profesor escrita en primera persona. Me imagino que en esta carta conseguiría transmitir todo el potencial de la serie. Hacer este tipo de biblias es una apuesta arriesgada, pero si conoces al int

El artículo 123. Cómo se creó la serie Médico de Familia se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy vamos a hablar de una serie que marcó un antes y un después en la historia de la televisión en España. No solo a nivel espectadores, que fue un éxito increíble con episodios que veían entre 5 y 10 millones, sino también a nivel profesión, porque fue la primera serie que hizo una biblia de televisión super pormenizada para su venta, estudios de mercado para ver los gustos de los españoles y generó un sistema de producción con equipos de guionistas. Me refiero a la serie Médico de Familia, protagonizada por Emilio Aragón. Hoy hablaremos de qué contenía esa biblia, que el año que viene cumple 25 años. Y los suscriptores a los cursos podrán verla en exclusiva porque será uno de los materiales que tendremos en el curso de Biblias de series de televisión que comienza la próxima semana. Pero antes recordar que esta semana terminan dos cursos: el de Productividad para guionistas, en el que veremos un método de organización del trabajo y el tiempo para convertirte en guionista profesional. Está muy bien, porque si hasta ahora hemos visto varios sistemas de productividad que pueden aplicar en muchas profesiones, este es exclusivo para guionistas. Y el sábado terminamos el curso de Narrativa Transmedia. Veremos cómo preparar la expansión de nuestra historia en diferentes medios. Cada canal te aporta cosas diferentes según quieras ampliar la historia, la interacción o la difusión y nosotros debemos elegir qué medio utilizar según nuestros recursos y objetivos. Veremos el ejemplo de una de las series españolas más transmediáticas: El Ministerio del Tiempo. Cómo se hizo Médico de familia Como decía antes, Médico de Familia fue una serie muy importante que no solo fue vista en España, sino que también emitieron en México, Argentina, Chile, Paraguay, Costa Rica, Venezuela y, por supuesto, Uruguay. Y su biblia fue tan reseñable que se publicó un libro que se llama Cómo se hizo Médico de Familia. En el libro hay una introducción, en la que explican cómo se gestó la serie, y también podemos encontrar la biblia y el episodio piloto. Una joyita que tengo desde hace más de dos décadas y que hoy os voy a desgranar aquí. Este libro fue publicado por GECA, el Gabinete de Estudios de la Comunicación Audiovisual, que es una de las empresas encargadas de la creación de la serie. La otra fue la productora Globomedia. Os pongo en antecedentes: Globomedia era una empresa productora creada en 1993 por Emilio Aragón, Daniel Écija y José María Irrisari, entre otros socios, que había producido un par de programas y estaba triunfando con El Gran Juego de la Oca. Pero pese al éxito del concurso Emilio Aragón no se quiso dormir en los laureles y quiso cumplir uno de sus sueño: producir en España una telecomedia a la americana como Cheers, La hora de Bill Cosby o Las chicas de oro. Por entonces GECA era una empresa que se dedicaba a la investigación de las audiencias de los programas y de los públicos que los siguen. Su objetivo era poder explicar de forma científica las razones del éxito o fracaso de los programas. Entre ellos analizaba el éxito de El Gran Juego de la Oca. Y su experiencia como consultora le hacía conocer muy bien los gustos de los espectadores españoles y estar al tanto de las tendencias televisivas en el mundo. Entre ellas que en el mercado americano el prime time estaba cubierto totalmente por series. Y en ese momento Globomedia contactó con GECA para que les asesorase en la creación de una telecomedia en España. El objetivo era producir una serie familiar con Emilio Aragón como protagonista. Así fue como buscaron referentes en series como Padres forzosos, Mis dos padres y Un hombre en familia. Un modelo de producción televisivo de ficción nuevo en España Las dos empresas se plantearon implantar el modelo de producción televisivo con un equipo de guionistas especializados en el medio, que estuvieran acostumbrados a los cortes publicitarios y la grabación pegada a la emisión, en lugar de guionistas cinematográficos acostumbrados a grabar todo con antelación. GECA analizó pormenorizadamente las series americanas y llegaron a las siguientes conclusiones: la estructura se basaba en series de tres actos con dos cortes de publicidad, se potencia los puntos de giro a la conclusión de dichos actos –cliffhanger– y la rentabilidad de los formatos largos. Se comprobó que las series de éxito incrementaban la audiencia poco a poco a lo largo de la emisión de forma bastante constante, por lo que a mayor duración del episodio, mayor audiencia. Se decidió que la serie tendría episodios de 60 minutos, en lugar de los 25 típicos de las sitcoms, por varias razones: Por audiencia: las series de éxito aumentan la audiencia cuanto más largas son. Por presupuesto: proporcionalmente es más barato producir 60 minutos que 30. Por venta: las cadenas prefieren programas largos en Prime time. Lo siguiente fue definir el estilo. S

El artículo 122. Cómo generar ideas para un guion se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Y hoy volvemos al origen de las historias: las ideas. ¿Cómo generar ideas para un guion? Vamos a ver seis sencillos pasos que debemos seguir en la generación de las ideas y tener el famoso “momento eureka”. Porque como digo siempre, la idea no es lo más importante, ya que ideas hay millones y después hay que saber desarrollarlas para que lleguen a algo… pero sin la idea no podemos comenzar a caminar. Y en la plataforma de cursos de guion volvemos con el curso de Diálogos. Hoy tenemos la última clase y vamos a ver cómo tenemos que reescribir los diálogos. Ya se sabe que “escribir es reescribir”, y en los diálogos pasa igual. Veremos algunos consejos para reescribir nuestros diálogos y que queden lo más naturales posible. Y os anuncio que la semana que viene llega el tan deseado curso de Biblia de series de televisión, en el que vamos a profundizar en la creación de un dosier de venta de una serie televisiva. Va a ser un curso muy práctico en el que os voy a enseñar muchos ejemplos de documentos de venta, alguno de ellos que no son públicos. Ya he llamado a algunos amigos para que me envíen ejemplos y va a ser un gran curso. Y recordaros que ya están disponibles los nuevos Packs de Oferta de Planner. La forma más barata de conseguir los planners para escribir un guion. Hay varios tipos de packs dependiendo de si queréis escribir una película o una serie, pero para que os hagáis una idea, el PACK GENERADOR + SERIES + PERSONAJES tiene un descuento de 25 %. Podéis echarle un ojo en la web en la sección de planners. Generar ideas para un guion: Qué es el momento eureka Muchas personas asocian la llegada de una idea al “momento eureka”. Ese instante de inspiración donde surge mágicamente la idea genial que estabas buscando. Esa palabra tiene una especie de halo mágico. Estás buscando la solución a un problema con un personaje o una idea para un guion o una trama y de repente: ¡Zas! Aparece de la nada la idea. Y ahí decimos ¡Eureka! La palabra Eureka significa en griego “lo he descubierto” y es atribuida al matemático Arquímedes. Él la dijo cuando se le asignó la tarea de resolver el problema de si la corona del rey Hierón II estaba hecha de oro puro. Ya conocéis la historia: estaba cansado de pensar en cómo llegaría a la solución, decidió entrar en su bañera y notó que el volumen del agua ascendido era igual al volumen del cuerpo sumergido, entonces dijo ¡Eureka! Y salió corriendo desnudo por las calles de Siracusa lleno de alegría. Ahí nació el Principio de Arquímedes que estudiamos en la escuela. Este “momento eureka” está un poco mitificado, como si las ideas fueran algo que surgieran de repente. Pero sí es algo que se puede buscar, es decir, crear las condiciones para que surja. Ya se sabe que lo normal es que las ideas nos lleguen trabajando, pero si cultivamos una serie de hábitos podemos crear el caldo de cultivo para que las ideas vengan a nosotros. Las 6 fases del momento eureka de Karl Iglesias Karl Iglesias es un guionista, script doctor y profesor de guion que ha hablado del “momento eureka”en sus publicaciones. Sus libros más famosos son dos best sellers del mundo de guion: Writing For Emotional Impact y The 101 Habits of Highly Successful Screenwriters. Hoy vamos a analizar en el podcast las seis fases que propone para que llegue ese momento eureka cuando eres guionista. Alimentar a las musas. Como decía una amigo mío, si un guionista quiere sacar (ideas, historias, personajes) primero hay que meter. En esta fase tenemos que convertir la obtención de información en un hábito. Hay que ser un recolector de noticias que nos llamen la atención. Un hábito que antes hacíamos recortando periódicos o revistas que almacenábamos en carpetas o ficheros pero que ahora es más sencillo con el mundo digital. Podemos hacer el típico “corta-pega” y guardar la información relevante que encontramos en archivos y después organizarla por temas o categorías. Pero también podemos utilizar aplicaciones como Feedly que, por una lado nos ofrecen noticias actualizadas de los blogs o portales a los que nos suscribimos, pero que también te permiten guardar las noticias que quieras. Para alimentar a las musas también debemos consumir historias. Y con consumir historias me refiero a ver películas y series, a leer novelas y cómics, y a jugar a videojuegos, por qué no. Es decir, a ver cómo los demás cuentan sus historias. Y con ello crearnos un archivo narrativo de historias, estructuras, personajes, tramas… Podemos tomar notas o simplemente archivarlo mentalmente, pero consumir historias nos da un bagaje narrativo que nos ayudará después a crear las nuestras. Y por último, aunque para mí es la mejor forma de generar energía creativa y de dar gasolina a nuestra imaginación, está la vida. Hay que tener experiencias y moverte en ambientes que te ayuden a generar estímulos. Hay que viajar, conocer culturas y personas diversas, ser cur

El artículo 121. Preguntas sobre flashback y blockbuster se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy volvemos con vuestras preguntas al consultorio de guion resolviendo dudas sobre blockbuster y series televisivas.Ya sabéis que podéis transmitirme cualquier duda que yo una vez al mes las contesto en el podcast para que sirva a todos los oyentes. Si tenéis prisa con la duda recordad que los suscritos a los cursos Guiones y guionistas tienen soporte y la respuesta es inmediata. Esa es una de las ventajas de estar suscrito, además de lo que enseñan las clases, claro. Y en la plataforma de cursos de guion volvemos con el curso de Productividad. En la clase que sale hoy vamos a ver qué es el ”Imbox zero” y cómo recuperar tu correo electrónico, tu atención y tu vida, según el autor de esta técnica Merlin Mann. Veremos cómo mantener el buzón de nuestros correos electrónicos a cero. Y el sábado hay una nueva clase de Narrativa Transmedia. Veremos cómo ampliar nuestra historia nuclear con diversos satélites. Y para ello nos vamos a servir de una de las narraciones más transmedia de nuestros tiempos: Star Wars. Y recordaros que ya están disponibles los nuevos Packs de Oferta de Planner. La forma más barata de conseguir los planners para escribir un guion. Hay varios tipos de packs dependiendo de si queréis escribir una película o una serie, pero para que os hagáis una idea, el PACK GENERADOR + SERIES + PERSONAJES tiene un descuento de 25 %. Podéis echarle un ojo en la web en la sección de planners. Consultorio de preguntas sobre guion 1. Mónica Chaparro (Facebook) Atención, pregunta del mediodía. Ya sé que depende de muchas cosas y de la extensión de las acotaciones y descripciones técnicas, pero aproximadamente: ¿CUÁNTAS PÁGINAS LLEVA UN GUION DE FICCIÓN DE 1 HORA? Sirve como respuesta una horquilla aproximada. Gracias anticipadas por las respuestas. Feliz viernes. FORMATO DE GUION SERIE DE BBC-screenplaytv 2. Abigail Morera Buen día, una duda… Yo tengo una escena de la protagonista al inicio de la historia donde se pone a recordar los inicios de su carrera hace unos años… Como yo pongo en el guion el momento donde devuelvo la historia a los inicios de la carrera de la protagonista. ¿Tengo que poner un FUNDE A o algo así? Ok… Muchas gracias por responder. Mi duda era esa porque el problema que tengo es que devuelvo la historia a hace 5 años atrás y después la regreso 4 años después… Y quisiera saber si en esas transiciones tengo que poner la edad de los personajes nuevamente. 3. Danaedhel (Ivoox) Hola! una pregunta, ¿Existe alguna diferencia significativa entre escribir un guion intimista de no mucho presupuesto a escribir el gran blockbuster del verano con muchos efectos y épica? Gracias por el podcast!!! 4. Óscar Rojas (Facebook) Hola amigo; esperando te encuentres bien .. te iba a hacer una pregunta… ¿qué es exactamente la biblia de un guion y si esta se puede inscribir en propiedad intelectual? … eso por ahora cuidate mucho y éxito. Una biblia se puede registrar como obra literaria. Explico qué es una biblia en el siguiente podcast. Y para explicar cómo registrar hice este podcast Con esta pregunta terminamos el podcast de hoy en el que hemos contestado vuestras preguntas sobre flashback y blockbuster. Y si os ha gustado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 121. Preguntas sobre flashback y blockbuster se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 120. Guionistas del futuro: guionistas de juegos se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. En el segundo podcast de Guiones y guionistas hablé sobre el oficio del guionista en diversos medios: en televisión, en cine, en documental, en cómic, en videojuegos… pero el mundo está cambiando mucho y cada vez surgen más oportunidades de trabajo para los guionistas. ¿Qué van a hacer los guionistas del futuro? Y no solo del futuro, porque ya hay muchos trabajando en ello. Hoy analizamos los trabajos relacionados con los guionistas de juegos en diferentes medios. Y en la plataforma de cursos de guion volvemos con el curso de Diálogos. En la clase que sale hoy vamos a ver qué es la voz en off, cuándo utilizarla y cuándo no hay que usarla. Porque como dice el personaje de MacKee en Adaptation: “¡Y pobre de aquel, que use voces en off! ¡Pobre de aquel! ¡Resulta blando y sensiblero! Cualquier idiota puede explicar los pensamientos de los personajes con la voz en off.” Lo dicho, veremos cuándo sí tiene sentido usarla. Y al igual que hice la semana pasada os adelanto otro de los nuevos cursos que comenzarán en agosto: Estructuras temporales. Analizaremos la relación entre el tiempo real y el tiempo fílmico y veremos los recursos más utilizados para jugar con el tiempo en una obra audiovisual. Y anunciaros que ya están disponibles los nuevos Packs de Oferta de Planner. La forma más barata de conseguir los planners para escribir un guion. Hay varios tipos de packs dependiendo de si queréis escribir una película o una serie, pero para que os hagáis una idea, el PACK GENERADOR + SERIES + PERSONAJES tiene un descuento de 5 dólares. Podéis echarle un ojo en la web en la sección de planners. Los guionistas de juegos Y ahora vamos ver algunos de los trabajos que podremos ejercer los guionistas relacionados con la creación de juegos. Ganarse la vida en exclusividad de ellos dependerá de la industria y el país donde residas, pero tenemos que verlo como una vía más donde poder ejercer nuestro oficio y creatividad. Los guionistas de juegos o narradores lúdicos se encargan de lo que algunos denominan “Narrativa Emergente”. Esta es una narrativa intrínseca al juego y que simplemente ofrece recursos al jugador, lector o espectador para que narre “su propia historia”. Es decir, en lugar de crear una narrativa lineal donde todo está escrito, se crea unas condiciones para que la narrativa vaya surgiendo según el jugador va a interactuando. Vamos a ver diferentes medios, desde los menos interactivos, hasta los más interactivos. 1. Guionistas de Librojuegos Un librojuego es una obra literaria escrita en la que el autor involucra al lector en la historia permitiéndole decidir sobre el curso de esta. Es decir, es una ficción electiva o interactiva. Para reforzar tal implicación, el autor suele usar la segunda persona del singular (tú, lector). Son algo parecido a aquellas novelas de “Elige tu propia aventura” que muchos leíamos y jugábamos de pequeños, pero ahora son mucho más complejas. Un diseñador de librojuegos tiene que diseñar tramas basadas en árboles de decisión en los que no haya incoherencias y que, además, permitan la suficiente combinatoria de opciones. Estos árboles de decisión provocan un parón en la trama que hace que el lector o jugador deba tomar una decisión. Y según tome una decisión u otra la historia va hacia un lado u otro. De esta forma cada vez que leemos o jugamos en un librojuego tendremos una historia diferente. 2. Guionistas de Juegos de Rol Los juegos de rol son unos juegos, que tienen una parte narrativa y otra interpretativa, en los que los jugadores asumen el “rol” de personajes imaginarios a lo largo de una historia o trama en la que interpretan sus diálogos y describen sus acciones. Hay un jugador, llamado director de juego, que cuenta una historia, propone un marco para contarla y el resto de jugadores protagonizan dicha historia. Según se desarrolla la partida, la narración se interrumpe habitualmente para preguntar a los jugadores qué hacen sus personajes dentro de la historia. Estos podrán contestar de manera improvisada lo que quieran, sin tener que ceñirse a un guion, y sus acciones pueden cambiar la historia de cualquier manera. Lo curioso es que como comentaba no hay un guion a seguir, ya que el desarrollo de la historia queda por completo sujeto a las decisiones de los jugadores. Y entonces me diréis, ¿qué hace ahí un guionista? Pues bien, un juego de rol se compone de dos partes: una ambientación y un sistema de juego. Ahí es donde entra el trabajo del guionista o creador del juego de rol, escribe el libro con la ambientación donde se produce el juego y las normas y reglas con las que se juega. Para eso puede recurrir al worldbuilding, que para el que no sepa qué es hice un capítulo entero explicando qué es. Como guionistas debemos crear las reglas que rigen ese mundo y cómo eso se traslada a una mesa de juego. Como guionistas también podemos intentar adaptar alguna de las histo

El artículo 119. Práctica con guion: Kill Bill se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Después del éxito que tuvo el capítulo 107 en el que analizamos Memento, hoy volvemos con los análisis de guion con una película rompedora de un autor rompedor que terminó convirtiéndose en un clásico del guion: Kill Bill. Una película, que aunque terminaron siendo dos películas fueron concebidas como una sola, y que tiene la particularidad de que el narrador es el propio autor, como veremos más adelante. Pero antes recordaros que hoy vuelven las clases del curso de Productividad para guionistas. Hoy vamos a ver una aplicación muy muy curiosa que nos obliga a escribir sin parar. Literalmente. Porque si paras de escribir se borra todo lo escrito. Es una aplicación un poco suicida pero que nos obliga a sacar lo mejor de nosotros y de nuestro subconsciente. Y en el curso de Narrativa Transmedia de los sábados vamos a ver otro caso de estudio. En este caso veremos el universo transmedia de la serie La Peste, un trabajo que recibió el premio Sol de Plata al mejor contenido transmedia de marca en el Festival Iberoamericano de Comunicación Publicitaria. Os mostraré las webs y todos los contenidos que crearon en los diferentes medios. Y al igual que hice la semana pasada os adelanto otro de los nuevos cursos que comenzarán en agosto: Pitch de guion. Un curso en el que veremos las técnicas y herramientas para poder acudir a un pitch con los deberes hechos y conseguir vender nuestro proyecto o guion. Va a ser un curso muy práctico y revelador, ya veréis. Y recordaros que los suscritos a los cursos tenéis soporte, por lo que cualquier duda será respondida en un santiamén, es decir, super-rápido. Práctica con guion Kill Bill, cuando el autor es el narrador Para el análisis de Kill Bill voy a utilizar el mismo libro que utilicé para Memento. Me refiero a La mente Narradora. La neurociencia aplicada al arte de escribir guiones de Marta Grau Rafel, guionista, script doctor, escritora y profesora de guion. Os recuerdo que es un libro que analiza las relaciones entre la mente y la escritura cinematográfica a través de una perspectiva neurocientífica. Pues bien, dentro de los análisis que Marta hace de cómo el funcionamiento de la mente afecta a nuestra forma de narrar y disfrutar del arte cinematográfico, está el análisis del guion Kill Bill, que es el que vamos a ver hoy aquí. Veremos que como el autor de la película, es decir Quentin Tarantino, se convierte en el auténtico narrador de la historia jugando con el relato y proponiendo al espectador que juegue con él. En el guion Kill Bill el autor es claramente visible durante la narración ya que la cuarta pared se rompe continuamente y la transparencia clásica es prácticamente inexistente. En el análisis de la película se remarcan que Tarantino tiene utiliza dos niveles para poder alcanzar a la máxima audiencia posible. Por un lado la experiencia ficcional, que hace funcionar la película emocionalmente a los espectadores como si fuera un film clásico, y por otro el artefacto narrativo, en el que el autor se hace visible para que sus seguidores puedan interpretar todas sus referencias. Veamos el análisis detallado en el podcast… Con este análisis sobre el guion Kill Bill y la presencia del autor como narrador que se evidencia de varias formas en la película terminamos el podcast de hoy. Y si os ha gustado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 119. Práctica con guion: Kill Bill se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 118. Cómo utilizar las elipsis en un guion se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy volvemos a hacer un podcast sobre técnicas narrativas porque vamos a analizar uno de los recursos más utilizados en el mundo audiovisual, tanto en el cine como en las series, me refiero a las elipsis en un guion. No es un recurso exclusivo del audiovisual pero en este medio es fundamental ya que no se podría narrar sin elipsis. Bueno, sí hay excepciones, pero son las mínimas y lo veremos después. Si quieres conocer más técnicas narrativas, las encontrarás en mi libro “Del MacGuffin al Cliffhanger. 25 técnicas narrativas de la caja de herramientas de un guionista”. Y en la plataforma de cursos de guion hoy volvemos con el curso de Diálogos. En la clase que sale hoy vamos a ver los diálogos de comedia. La comedia es un género que merece una clase solo para ella porque en sus diálogos recae el mayor peso de la historia y porque además tienen que hacer reír. Y os anuncio uno de los nuevos cursos de la plataforma que saldrán en agosto: Biblia de series de televisión, en el que vamos a profundizar en la creación de un dosier de venta de una serie televisiva. Va a ser un curso muy práctico en el que os voy a enseñar muchos ejemplos de documentos de venta, alguno de ellos que no son públicos. Ya he llamado a algunos amigos para que me envíen ejemplos y va a ser un gran curso. Por cierto si echáis de menos algún curso, estéis apuntado a la plataforma o no, podéis sugerirlo en la página de votaciones que hay en la web. Además también podéis votar los cursos que más os interesen. Qué es la elipsis cinematográfica El cine es un arte secuencial que se divide en planos, escenas y secuencias. Estas partes se ordenan siguiendo un criterio en el montaje y creando así una temporalidad. El cineasta, así como el dramaturgo y el novelista, elige elementos significativos de su historia y los ordena en una película. No necesita mostrar todo para contar una historia. Elige qué mostrar y qué no mostrar y el espectador después reconstruye la historia en su cabeza. Pues bien, podemos afirmar que el cine es el arte de la elipsis. No tenemos que olvidar que una cosa es el tiempo real, que es el que sucede en la realidad, y otro el tiempo cinematográfico, que es el que reconstruimos en una película y que se puede alargar, acortar, ir hacia delante o ir hacia detrás. En 1896 un operador de los hermanos Lumière filmaba la visita del zar a París y, como no tenía película suficiente, decidió rodar la escena en partes. Cuando visionaron el contenido en continuidad se dieron cuenta de que, aunque faltaban partes de la situación, la grabación se entendía. Así fue como nació la elipsis en una época en que el lenguaje cinematográfico estaba desarrollándose poco a poco. El cine mudo comenzó a presentar la elipsis mediante el uso de rótulos y más tarde con el fundido a negro. En literatura, la elipsis es una figura gramatical que consiste en la supresión de una o más palabras en una frase, sin que esta eliminación suponga una pérdida de significado. En el teatro la elipsis era algo limitado, generalmente, al cambio de los actos entre los que se daba por entendido que había sido eliminado el tiempo. En lenguaje cinematográfico, una elipsis es un salto en el tiempo o en el espacio. Aunque se eliminan los pasos intermedios el espectador no pierde la continuidad de la secuencia. En el cine la elipsis se utiliza para dar agilidad al relato eliminando aquellos bloques que no aportan información sustancial a la historia. Por ejemplo, si un personaje sale del colegio para volver a su casa, mediante la continuidad a través del montaje de los dos espacios (colegio y casa) entendemos que el personaje se ha desplazado de un lugar a otro, saltándonos el trayecto. Pero otras veces la elipsis en un guion tiene verdadera importancia y se convierte en generadora de contenido. Por ejemplo cuando el tiempo que se salta es para no mostrar algo relevante que después veremos en un flashback. Hoy en día, los espectadores asimilan el lenguaje audiovisual con facilidad y entienden cualquier situación espacio temporal. Hay algunos medios, como el videoarte, los clips musicales y la publicidad, que utilizan mucho los cambios temporales. Además de las elipsis, también modifican la velocidad de la toma acelerando las imágenes, como en el cine cómico, o mostrándolas “a cámara lenta”. Tipos de elipsis en un guion Si queremos clasificar las elipsis en un guion podemos ver diferentes tipos de clasificaciones según el criterio que tengamos en esa selección. Vamos a ver una de ellas, teniendo en cuenta si esa elipsis es funcional, narrativa o expresiva. 1. Elipsis funcionales. Las elipsis funcionales sirven para hacer desaparecer espacios y tiempos inútiles en la acción. También por razones de tiempo de la película, para ajustar la duración del metraje. Si un personaje pone la cafetera para tomarse un café, es posible que el director no quiera mostrar los dos

El artículo 117. Cómo crear un guion de thriller o película de suspense se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy vamos a introducir un poco de intriga en Guiones y guionistas porque vamos a hablar de uno de los géneros que funciona mejor, tanto en cine como en televisión, y que tiene sus propias reglas: el guion de thriller o narrativa de suspense. Veremos en qué consiste y cuáles son sus diferentes variantes. Y en la plataforma de cursos de guion hoy volvemos con el Curso de Productividad para guionistas. Vamos a ver uno de los métodos de productividad más famosos, el GTD. Veremos en qué consiste y cómo aplicarlo en nuestro trabajo de guionista. Y el sábado tenemos una clase nueva del Curso de Narrativa Transmedia. Vamos a analizar un Caso de Estudio, la serie La Zona. Vamos a entrar en su universo y ver cómo se ha expandido a partir de una serie televisiva en múltiples medios y plataformas. Cuáles son las bases de un guion de thriller Como contaba antes hoy hablamos del thriller y lo hacemos con la ayuda de un libro muy completo de guion que analiza dicho género con detenimiento. Me refiero a Cómo escribir el guion perfecto (The Art and Science of Screenwriting) de Philip Parker. Un libro muy completo que tiene muchos ejemplos prácticos a la hora de escribir guiones y que os recomiendo. Y lo primero que vamos a ver, a la hora de hablar del guion de thriller o narración de suspense, es establecer las bases del género. 1. El interrogante El interrogante activo principal se centra en un misterio que debe ser resuelto. Ese misterio puede ser un crimen, una desaparición, una conspiración… y establece una intriga que dura toda la narración y que se resuelve al final de la misma. Resolver ese interrogante suele ser el objetivo del protagonista y el mayor interés del espectador. (Ej: Seven. ¿Quién está matando a personas salvajemente?) 2. El riesgo El protagonista o protagonistas principales se enfrentan a la muerte, la propia o la de otros. Es fundamental que exista un riesgo en las películas o series de suspense. Unas veces es solamente el protagonista quien puede morir en su investigación y enfrentamiento con el antagonista, pero otras hay inocentes, que incluso pueden ser multitudes, quienes pueden fallecer. (Ej.: Seven. El policía protagonista ve que entran en su intimidad.) 3. El antagonista poderoso La fuerza o fuerzas antagónicas deben ser en un principio más inteligentes o más fuertes que el protagonista. Es un clásico, cuanto más grande es el antagonista más tendrá que luchar nuestro protagonista a lo largo de la narración. Por eso este género ha creado antagonistas míticos que brillan por su ingenio e inteligencia. Este principio tiene que ver con el anterior, porque cuanto mayor sea la fortaleza del antagonista mayor será el riesgo del protagonista. (Ej: Seven: ¿Quién es capaz de hacer asesinatos tan planificados) 4. La inocencia perdida La noción de inocencia debe estar en peligro. Normalmente esta noción de inocencia suele estar representada por un personaje, pero en algunas películas o series la inocencia puede reflejarse en una institución o una forma de vida. Esto aumenta el riesgo del protagonista, ya que el éxito de su tarea puede exceder al mero de hecho de su supervivencia personal. Lo vemos en los casos de policías o políticos corruptos que si no son detenidos pueden hacer mucho daño a la comunidad. (Ej: Único Testigo. Seven: el matrimonio va a tener un hijo) 5. La naturalidad Toda la acción y los personajes deben ser creíbles, realistas y naturales en su representación en la pantalla. Esta característica diferencia los géneros del thriller con el del terror, por ejemplo, ya que en el terror la frontera del realismo puede ser traspasada. Que el riesgo que pasan los protagonistas acontezca en un entorno real hace que no puedan recurrir a métodos no realistas para superarlos. 6. La justicia y la moralidad Si analizamos temáticamente el género de suspense y thriller, vemos que suelen tratar los temas de la justicia y la moralidad de los individuos. Los antagonistas hacen actos inmorales y los protagonistas deben luchar contra ellos para restablecer la justicia… o pasar al lado oscuro y convertirse ellos también en inmorales. (Seven: el asesino mata a pecadores) 7. El punto de vista La construcción narrativa es dominada por el punto de vista del protagonista. Unas veces es un inocente que se ve envuelto en una trama que no buscaba y otras es un profesional que se enfrenta a un riesgo ejerciendo su profesión, pero casi siempre la historia gira en torno al punto de vista del protagonista. 8. La búsqueda La historia principal es bien una búsqueda o bien trata de un personaje inescrutable. Desde que surge el interrogante con el misterio que debe ser resuelto, el protagonista comienza una búsqueda a lo largo de la narración que se culmina cuando ese interrogante es resuelto. Otras veces vemos protagonistas cuyas intenciones no tenemos claras a lo largo del relato, pero que conoceremos

El artículo 116. Club de lectura de guiones: Vizcaya se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. En el programa de hoy los protagonistas volvéis a ser vosotros porque toca Club de lectura de guiones. En el podcast de aniversario anuncié una encuesta sobre los contenidos de los podcast y el Club de Lectura de Guiones es uno de los que más os gusta. Por lo que hoy volvemos con él. Por cierto, la encuesta sigue abierta por lo que si podéis votar os lo agradecería mucho. Son tan solo 20” y es anónima. Os dejo el enlace de la encuesta en las notas de este episodio. El guion que voy a leer hoy llega desde Colombia. Se titula Vizcaya y su autor Santiago Castaño Londoño. Al final de la lectura voy a hacer un análisis estructural del guion, para que veamos sus elementos más importantes. Y me gustaría deciros a todos que todavía estoy esperando vuestros guiones. Es una buena oportunidad para animarse a escribir un guion. Y si tenéis dudas sobre cómo escribirlo, podéis suscribiros a la Plataforma de cursos de guion que hay precisamente un curso de Guion de cortometraje. Y con ese curso, complementado con el Planner de guion, escribir un corto es solo cuestión de voluntad. Y recordaros que hoy tenemos clase del curso de Diálogos. Vamos a ver las acciones que se producen mientras dialogamos. Porque los personajes hacen cosas todo el tiempo… también mientras hablan. Veremos la importancia del lenguaje no verbal siempre que tenemos una conversación. Club de lectura de guiones: Vizcaya Como os contaba el guion de hoy lo ha escrito Santiago Castaño Londoño, “Colombiano de corazón, sangre y pulmón”, como se define él. Ahora voy a leer el guion y después vemos un breve análisis estructural. VIZCAYA guion de cortometraje Podéis descargar el guion del cortometraje para echarle un ojo y, si queréis contactar con Santiago Castaño por cualquier cosa, en la portada del guion están sus datos de contacto. Análisis de guion: Vizcaya Y ahora voy a hacer un análisis rápido de la estructura que sustenta el guion, el detonante, los dos actos, el punto de giro, el clímax… Imagen inicial: En la cafetería, él lee revista de deportes y ella lee celular. Detonante: Discusión de fútbol sobre la selección española y el mejor jugador español del Barça. Necesidad: Incomodidad con lo español. Objetivo del protagonista: Discutir con su pareja, que es española. Pregunta: ¿hasta dónde llegará la discusión de la pareja? Punto de giro: Aparece escrito “Viscaya” y discuten por la Z de Vizcaya. Dos actos: 1º. Planteamiento, una pareja discute sobre fútbol español. 2º. Desenlace, una pareja discute sobre la corrección lingüistica española y colombiana. Clímax: Él explica por qué los españoles utilizan la zeta en lugar de la ese. Resolución: Ella se va enfadada y él la sigue. Y para terminar el podcast animaos a todos a que me sigáis enviando guiones de cortos de 10 páginas, aproximadamente, para leer en los nuevos Club de lectura. El próximo que lea puede ser el tuyo. Tomaos esta invitación como una excusa para lanzaros a escribir vuestras historias. Lo importante no es tanto que se lea aquí sino que terminéis vuestros guiones y aprendáis con el proceso. Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos leído otro guion del Club de Lectura de Guiones. Y si os ha gustado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 116. Club de lectura de guiones: Vizcaya se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 115. Big data para guionistas se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. ¿Qué es el Big Data para guionistas? Se habla mucho de cómo el Big Data está transformando muchos procesos digitales. Todos nosotros, aunque sea de forma inconsciente, generamos miles de datos continuamente. Cada vez que interactuamos en Facebook, escribimos un tuit, hacemos una búsqueda en Google, compramos en Amazon o vemos una película en Netflix estamos generando un dato que algún algoritmo va a aprovechar de una forma u otra, según lo haya diseñado el dueño de dicho negocio. La mayoría de estos datos son privados y pertenecen a las empresas, pero hay algunos que son públicos, y que cualquiera puede acceder a ellos. ¿Y esto cómo nos afecta a los guionistas? ¿Cómo podemos utilizar el Big Data para escribir nuestros guiones y hacer que nuestras obras lleguen a más público? En el podcast de hoy veremos qué es el Big Data y algunas claves de cómo utilizarlo para nuestro beneficio. Y hoy en los cursos hay clase nueva de Productividad para guionistas. Vamos a ver en qué consiste la técnica Pomodoro de administración del tiempo y cómo poder aplicarla en nuestro trabajo de guionistas. Y el sábado comienza el curso de Narrativa Transmedia en el que vamos a ver cómo expandir vuestras historias en diferentes medios para convertirlas en un universo transmedia. En la primera clase nos centraremos en entender qué es la narrativa transmedia y cuáles son sus características. Y lo haremos con ejemplos, por supuesto. Qué es el Big Data Lo primero, obviamente, definir el big data, que sería algo así como la ingente cantidad de datos que generamos entre todos y todo gracias a la tecnología. Cuando una persona navega por Internet, comenta en una red social o busca algo en Google, genera datos. Deja huellas que, si se saben rastrear, revelan qué web visita, cuándo lo hizo, cuánto estuvo y qué le gusta. Todos estos estos no tienen valor en sí mismos y son difíciles de abarcar, pero si aprendemos a interpretarlos pueden ser de mucha utilidad. Si yo estoy viendo la nueva temporada de Stranger Things le estoy dando muchos datos a Netflix de qué veo, cuándo lo veo, desde qué localidad, en qué dispositivo, si veo el episodio entero o lo dejo a la mitad, si después de ver un episodio veo otro a continuación, si me gusta y le pongo 5 estrellas… pero también es posible que me haga una foto en Instagram comentando que lo veo, escriba una publicación en Twitter diciendo que me gusta un personaje, me suscriba en Facebook a un grupo de fans, busque más información en Google sobre un actor y me compre una taza de la serie por Amazon. Y todos estos actos dejan una huella digital que se puede interpretar. Netflix asegura que conoce a sus clientes igual de bien que a sus contenidos. Además de monitorizar todos los datos que os he comentado antes, te envía newsletter, peticiones de valoración de contenidos, e incluso te pide que te conectes con tus redes sociales para poder acceder a más datos aún. Con todos estos datos que recibe, Netflix ha identificado más de 1.000 comunidades de gustos y ofrece a su audiencia lo que necesita sin necesidad de que se lo pida. Cada usuario puede pertenecer a 3 o 4 comunidades, y cada vez que te conectas te aparece un listado de ofrecimientos y nuevos productos totalmente personalizado. Esta información personal se puede usar para fines buenos y malos, como hemos visto con la polémica de Facebook y Cambridge Analityca. Pero no hay que demonizar el Big Data porque nos ayuda a todos. A las empresas, a dar a sus clientes los productos que les gustan y a los espectadores, a que fabriquen productos que nos enganchen desde el principio hasta el final. Así fue como Netflix creó House of Cards. Con House of Cards no hicieron ni piloto. Analizando el Big Data de sus usuarios sabían que les gustaban las películas con Kevin Spacey de protagonista, con el estilo de dirección de David Fincher y que querían ver una nueva versión de una serie política de la BBC de 1990. Era un caballo ganador desde antes de su primera emisión gracias al algoritmo de Netflix. Y en su segunda temporada analizaron los contenidos hasta determinar qué personajes debían “matar” y por dónde debían ir las tramas para enganchar a sus usuarios. Big Data para guionistas. Manual de uso. Muy bien David, pero yo no soy Netflix ni tengo sus datos. ¿Cómo puedo utilizar el Big Data? Pues bien. Netflix no hace público ninguno de sus datos pero otras empresas como Google y Facebook sí te permiten utilizar los suyos, sobre todo si quieres anunciarte en ellas. Ahora vamos a ver cómo, pero antes me gustaría dejar claro que los guionistas podemos usar los datos para dos usos diferentes. Por un lado para conocer los gustos del público antes de escribir el guion y así ajustar nuestros contenidos a sus preferencias. No tenemos que olvidar que escribimos nuestras obras para que la vean cuanto mayor número de espectadores mejor, por lo que si sabemos sus gustos tendremos más

El artículo 114. Cómo cumplir un año de podcast en Guiones y guionistas se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Estamos de aniversario porque hace ya un año del nacimiento de este podcast. Comencé con muchas ganas subiendo los primeros nueve podcast y desde entonces no he fallado ninguna semana al encuentro con vosotros de los martes y los jueves. Hoy hablaremos de este año de podcast y haremos planes para lo que vendrá en el próximo. Y al final haré un anuncio importante de un proyecto nuevo. Y una de las cosas que ha pasado en este año es el nacimiento de la plataforma de cursos de Guiones y guionistas. Es un paso más en el aprendizaje integral de ser guionista. Cada semana hay clases nuevas de tres cursos distintos. El objetivo es que aprendáis todos los matices del oficio para que escribáis vuestros guiones de una forma sencilla y profesional. Hoy hay una nueva clase de un curso que os está gustando mucho porque es muy práctico. Me refiero al curso de Escritura de Diálogos. Vamos a ver qué es el subtexto, y cómo podemos utilizarlo en los diálogos para enriquecer las escenas. En la vida real casi nunca decimos lo que pensamos, ya sea por delicadeza o por miedo, ¿por qué en un guion debería ser diferente? Un año de podcast: Guiones y guionistas, los números Volvemos al aniversario de Guiones y guionistas para ver sus números. En este año han salido al aire 114 podcast, con este incluido. Lo que supone, haciendo una media de 20 minutos por podcast, que he estado hablando 2280 minutos. O lo que e s lo mismo, 38 horas. Los podcast se pueden escuchar en la web www.davidestebancubero.com y en los dispositivos de Apple y Ivoox. Y han sido descargados más de 126.000 veces. Unos más y otros menos. Os cuento como curiosidad que el más descargado es el de Cómo escribir el guion de un documental que pasa de las 3.700 descargas. Pero lo que mejor ha pasado sin duda alguna es la comunidad que se ha creado en torno al podcast. Muchos guionistas y personas interesadas en aprender a hacer guiones que habéis compartido y dado “me gustas” a las publicaciones, pero que también habéis comentado, hecho preguntas e incluso enviado vuestros propios guiones a la sección de Club de lectura de guiones. Si nos fijamos en los números de las redes sociales vemos que la página de Facebook tiene casi 17.500 seguidores, en Instagram más de 2.200 y a los que deberíamos sumar los de Twitter y Youtube… muchas gracias a todos porque hacéis que me sienta siempre acompañado. A los cuatro meses del nacimiento del podcast llegaron los cursos de la Plataforma Guiones y guionistas. En 8 meses ya han surgido 9 cursos y esta semana comenzará el décimo. Para vuestra curiosidad los cursos que han tenido más éxito fueron los dos primeros que nacieron: Guion de Cortometraje y Desarrollo de Personajes. En total llevamos 75 clases que suman 25 horas de cursos. Y con la idea de ser una guía en el proceso de escribir guiones nacieron los planners. Unos cuadernos que te indican los pasos que debes dar para escribir un guion y te dejan unos espacios para que los vayas rellenando poco a poco. El primero que surgió fue el Planner de guion, que sirve tanto para escribir cortometrajes como largos. Después vino el Planner de Personajes, que te ayuda a desarrollar los personajes de tu guion o novela. Y por último ha llegado el Planner de Series, que sirve para desarrollar todo lo necesario en la creación de una serie o webserie de ficción. Y por último os recuerdo el Generador de Historias, el cuaderno que te ayuda a crear historias originales a partir del argumento de las 100 películas más conocidas de todas las épocas. Ya lo conocéis, se ha dividido las loglines de 100 películas famosas en tres partes que después se combinan para generar una historia original. Hay 100 millones de posibilidades. Un año de Guiones y guionistas: el contenido Y en estos 114 podcast ha habido todo tipo de contenidos relacionados con el mundo del guion. He intentado que fuera lo más variado posible dentro de este universo. Por un lado ha habido muchos podcast centrados en la técnica de guion pura y dura. Poscast con los que poder fijar los conceptos básicos como el logline, el storyline, la sinopsis, la escaleta, el tratamiento, la escena, el tagline, el punto de giro, la premisa, el título, el mapa de tramas de una serie… En cada uno de ellos he intentado que quedara claro el concepto, pero sobre todo que vierais cómo se utiliza de una forma práctica. Para complementar los podcast anteriores he desarrollado otros con las técnicas narrativas que un guionista debe conocer. Estas técnicas no son exclusivas de los guionistas, pues también las utilizan los novelistas y otros narradores: flashback y racconto, flashforward y premonición, flash sideway y la realidad alternativa, efecto Rashomon, cliffhanger, worldbuilding, suspense, la regla del tres, los argumentos universales, los arquetipos de personajes, el viaje del héroe… Para enriquecer nuestra escritura, los guionistas d

El artículo 113. Cómo trabajar en un programa de aventura. Wild Frank se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. En el programa 100 hice un especial sobre los programas televisivos de aventuras para celebrar el estreno del podcast El Tesoro de Hodoul. Hablé con Dani Lora sobre la grabación de Planeta Calleja. Os gustó mucho y he contactado a Maxi González, el responsable de las grabaciones de otro de los programas de aventuras más internacional de España que se emite en más de 100 países: Wild Frank. Hoy vamos a tener una charla muy interesante en la que Maxi nos va a contar cómo graban sus programas de aventura. Y hoy en los cursos hay clase nueva de Productividad para guionistas. La semana pasada vimos cómo dejar de procrastinar y esta vamos a ver algunas aplicaciones que nos ayudarán a organizarnos y dejar de posponer lo que tenemos que hacer. Y el sábado termina el curso de Formato de guion con la clase sobre acotaciones y transiciones. Veremos cuándo y cómo usarlas. Y anuncio en exclusiva que el sábado de la semana próxima comienza un curso nuevo: Narrativa Transmedia. Vais a ver cómo expandir vuestras historias en diferentes medios y hacerlas transmedia. Es un curso repleto de ejemplos y propuestas prácticas. Ya veréis. Cómo se hace Wild Frank Y en el podcast hoy charlamos con Maxi González, director de Wild Frank, que nos cuenta quién es Frank Cuesta, cómo es el programa Wild Frank, en qué consiste el trabajo de director en un programa de aventura, qué pasos se sigue en el programa desde que surge la idea de una temporada hasta que se emite y cómo se trabaja el guion de cada programa. Maxi también nos explica qué hay de planificación y qué de improvisación en las grabaciones, el peligro real que viven Frank y los miembros del equipo y en qué han consistido las últimas aventuras de Frank. Podéis ver Wild Frank en https://es.dplay.com/dmax/wild-frank/ Y si queréis contactar con Maxi González su mail es: [email protected] Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos hablado con Maxi González sobre cómo hacer un programa televisivo de aventura con Frank Cuesta y no morir en el intento. Y si os ha interesado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 113. Cómo trabajar en un programa de aventura. Wild Frank se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 112. Preguntas sobre sinopsis, comedia y encabezados se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy volvemos con vuestras preguntas al consultorio de guion. Ya sabéis que podéis transmitirme cualquier duda que yo una vez al mes las contesto en el podcast para que sirva a todos los oyentes. Si tenéis prisa con la duda recordad que los suscritos a los cursos Guiones y guionistas tienen soporte y la respuesta es inmediata. Hablaremos de comedia y encabezados entre otras cosas… Y hablando de los cursos hoy hay clase nueva de Diálogos. Vamos a ver cómo escribir diálogos naturales y realistas. Los diálogos en el cine no son iguales que en la vida, pero sí deben parecer naturales. Hoy veremos cómo hacerlo. Preguntas sobre sinopsis, programas de sketch, encabezados y musicales Jahn (mail) Saludos, David. Soy Jahn, suscriptor de los cursos de guion. Quisiera saber si existe un espacio para hacerte preguntas. Tus clases son muy claras, pero a veces surgen cuestiones puntuales de mi parte. Ahora mismo estoy viendo tu curso de guion para series web y estoy escribiendo una, a la par que veo cada lección. No estoy buscando una asesoría de proyecto, porque sé que eso tiene un costo, pero sí tengo preguntas de algunas clases. Hola Jahn, sí hay soporte para hacer preguntas sobre las clases. Como tú bien dices no al nivel de consultoría pero sí para contestar dudas. No dudes en hacérmelas. Ok David, muchas gracias por tu pronta respuesta. Mi cuestión es acerca de la elaboración de la sinopsis. Estoy muy interesado en enfocar mi serie web en el género comedia negra. Algo así como Fargo, Kiss Kiss Bang Bang… más o menos. Pero mi pregunta es ¿Debe ser palpable el género dentro de la sinopsis? Si alguien lee mi sinopsis, podría funcionar tanto en un Drama, como en una Película de Acción, etc. Pero no sé cómo hacer para que, quien la lea, note que es una comedia. Y qué maravillosa noticia las certificaciones. Estoy más motivado aún. Estaré muy comprometido con este curso. Tomás (Chile) Hola David, ¿cómo estás? Soy Tomás de Chile. Primero que todo, muchas felicidades con tu podcast. El año pasado te escribí por unas dudas que me ayudaron bastante por eso si no es molestia quería hacer otra consulta: Estoy pensando en crear un show de sketches de comedia para vender a un canal de televisión menor. ¿Tienes algunos tips? ¿La biblia es igual que en una serie o es distinto? ¿Qué elementos debería incluir? Muchas gracias y saludos! Podcast cómo crear un formato televisivo. Raúl (Murcia, España) Hola David ¿qué tal? Me llamo Raúl y te escribo desde Murcia, España. Tengo una duda sobre el formato de guion, a ver si me la puedes resolver. Si mi historia pasa en varias épocas, ¿en qué parte del guion se pone en qué año estamos? ¿En el encabezado o en la descripción? Gracias de antemano por la respuesta y por todo lo que nos das con los podcast. Estoy pensado en apuntarme a los cursos. En breve lo haré. Un abrazo. Raúl. Curso de Formato de Guion Si necesitas mejorar el formato de tu guion, escribí un libro sobre ello, “Formato de Guion. Guía para escribir como un guionista profesional”, que explica las normas para la escritura del formato estándar. Las de los guionistas Hollywood y las variantes de los guionistas hispanohablantes. Contiene una guía de estilo que muestra las diferentes formas de escribir el formato. Rosa (Facebook) Amigo David, una cuestión por si me la puedes resolver. ¿Cómo se pone la letra de las canciones en los guiones de los musicales? Estoy escribiendo un mediometraje que tiene varias canciones y no sé si escribir el texto aparte en una descripción especial o en los diálogos. Muy agradecido con tu opinión, estaré atenta a los programas de preguntas y respuestas. Saludos. Rosa. Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos contestado vuestras preguntas sobre sinopsis, sketchs cómicos y encabezados. Y si os ha interesado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 112. Preguntas sobre sinopsis, comedia y encabezados se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 111. Cómo pasar del cortometraje al largo se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy vamos a conversar con un guionista, director y productor que, tras más de 15 años dedicado al arte del cortometraje, acaba de dar su salto al largo. Me refiero a Xavi Sala, un español que vive actualmente en México y que está terminando de editar su estreno en el mundo del largometraje. Veamos su viaje del cortometraje al largo. Y para los que busquen una formación integral de guionistas os recuerdo que en la Plataforma de cursos de guion esta semana llega una clase nueva del Curso de Productividad para guionistas. Hoy vamos a ver cuáles son las causas de la procrastinación y qué tenemos que hacer para evitarlas. Una clase que va a ser muy reveladora para muchos. Y el sábado tenemos la cuarta clase del curso de Formato de Guion. Vamos a ver qué poner en el elemento personaje, junto a todos anexos que se suelen colocar como O.S, O.C y V.O, y qué escribir en el elemento diálogo. Por cierto, os recuerdo que estoy esperando vuestras ideas de series para desarrollarlas con la ayuda del Planner de Series. Vale con tan solo un logline, es decir contar la idea de la serie en un par de frases. Podéis enviarme la idea por mail a [email protected], por la página de contactos de la web o podéis ponerla en cualquier red social con el hashtag #plannerdeseries y mencionar a Guiones y guionistas para que no se me escape. Cómo pasar del cortometraje al largo con Xavi Sala Xavi Sala En la entrevista Xavi Sala nos cuenta cómo consiguió filmar la película “Xquipi’ Guie’dani” (“El ombligo de Guie’dani”), su primer largometraje como director, proyecto seleccionado por el Laboratorio Sundance de Oaxaca (México). También nos habla de las diferencias entre escribir un cortometraje y un largo, de su proceso creativo, que comienza siempre con el tema del que quiere hablar, de su método de trabajo y nos da unos consejos para los que están empezando. Si queréis saber más de Xavi, o ver sus cortos, lo podéis encontrar en su web: http://www.xavisala.com/ Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos hablado con Xavi Sala sobre el paso del corto al largo. Os recuerdo que si queréis colaborar con Guiones y guionistas podéis hacer un comentario o valoración en Itunes, Ivoox o Youtube… o compartir en Facebook, Twitter, Instagram o Linkedin. Yo a cambio os prometo volver el martes próximo con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 111. Cómo pasar del cortometraje al largo se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 110. Cuál es el origen de las series televisivas se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. La semana pasada salió el Planner de Series, muchas gracias a todos por la acogida. Hay alguno que me consta que ya está empezando a rellenarlo con su propia serie. Mucha suerte a todos y espero que os sea muy útil en vuestras creaciones. El que quiera echarle un ojo está en la web. Hoy voy a hablar del origen de las series televisivas, cien años antes de que inventaran la televisión… va a ser un podcast muy instructivo. Y hablando de series, algunos me estáis contando que estáis muy enganchados con El Tesoro de Hodoul. Que lo estáis viviendo como si fuera una serie de aventuras. Me encanta, un podcast que parece una radionovela. Pues atentos que no sé todavía qué aventuras nos esperan pero hay que estar preparados para cualquier cosa. Y para los que busquen una formación integral de guionistas os recuerdo que en la Plataforma de cursos de Guiones y guionistas esta semana llega una clase nueva del curso de Diálogos. Vamos a ver cuáles son los problemas más típicos a la hora de escribir diálogos… para que no los hagáis, por supuesto. El origen de las series televisivas Hoy vamos a ver cuál es el origen de las series televisivas, es decir cuáles son los orígenes de la narración serial. Y para ello me voy a valer de uno de los libros sobre historia de las series más completos que se ha publicado en España. Me refiero a Historia de las series de Toni de la Torre. Un recorrido panorámico sobre el desarrollo de la ficción televisiva tanto en Estados Unidos y Reino Unido como en países europeos y de todo el mundo. Desde las ficciones experimentales en los años 20 y 30 a las producciones en directo de los 40; el auge de la comedia en la década de los 80; Twin Peaks y los primeros fenómenos de culto; la revolución de la HBO y la reivindicación de la autoría del creador de las series, con Los Soprano, The Wire o Breaking Bad; la revolución europea de las series nórdicas, hasta los nuevos rumbos que toman las series con nuevas formas y canales como Netflix. Como podéis ver es bastante completito. Pero nosotros vamos a hablar hoy solo del primer capítulo, que está centrado en la influencia de la novela por entregas en las series de televisión. La novela por entregas como antecedente de las series televisivas El arte de narrar una historia por entregas comenzó a desarrollarse con la popularización de la literatura por entregas en la Inglaterra victoriana. Los periódicos comenzaron a publicar novelas en partes para rellenar espacio, pues ampliaron la superficie de las hojas de sus impresiones para evitar un impuesto. El público se acostumbró a estas ficciones seriales y los editores se dieron cuenta de que era un recurso que les ayudaba a mantener a los lectores, que creaban una dependencia a las historias que estaba leyendo. Como los espectadores de televisión con sus series favoritas. Al principio publicaban las novelas fragmentadas, pero después comenzaron a publicar relatos escritos directamente para su emisión por entregas. Entonces se dieron cuenta de la necesidad de que cada capítulo tuviera mucho interés en sí mismo, pues de eso dependía que el lector continuase comprando el periódico. Por eso integraron al final de las narraciones un giro que mantuviese al lector interesado hasta la siguiente entrega. Como decía un autor famoso en la época, Wilkie Collins: “hazles reír, hazles llorar, hazles esperar”. Podcast sobre cliffhanger Podcast sobre Episodio piloto La publicación serial permitía a los autores modificar la historia y el desarrollo de los personajes en función de la respuesta que tenían de los lectores. Y la presión del público conseguía incluso devolver a la vida a algunos personajes, como pasó con Sherlock Holmes tras lanzarlo a las cataratas con la intención de terminar su publicación. Si echamos la vista atrás podemos comprobar que muchas de las grandes obras de literatura universal fueron publicadas por entregas. Desde La isla del tesoro, de Stevenson, El retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde y las aventuras de Sherlock Holmes, de Conan Doyle, hasta Anna Karenina de León Tolstoi o Los Hermanos Karamazov de Dostoyevski. En Francia se desarrolló un subgénero de novela por entregas conocido como roman-feuilleton o folletín. De periodicidad diaria, en lugar de mensual, se caracterizaba por apelar a todo tipo de público con un argumento central de desarrollo horizontal, con elementos de suspense y escenas efectistas. Es lo más parecido a lo que hoy llamamos culebrón. El autor más famoso fue Alejandro Dumas, autor de éxitos como Los tres mosqueteros o El Conde de Montecristo. En el Planner de Series se especifican los dos tipos de tramas, las episódicas y las que van en continuidad, para que podáis definir cuál es la estructura que queréis para vuestra serie. A principios del s. XX el cine y la radio comenzaron a experimentar con la narración serial utilizando muchos de los recursos que ya habí

El artículo 109. Qué es el planner de series se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy me he adelantado y traigo en exclusiva el Planner de series. Lo estaba preparando para la semana próxima pero tenía tantas ganas de sacarlo que he acelerado y ya está en la web para que lo podáis ver. Ahora os contaré todas las particularidades que tiene y por qué os va a ser muy útil a todos los que tengáis entre manos la creación de una serie o webserie. Además al final del episodio os voy a hacer una propuesta creativa. No os lo perdáis. Pero antes recordaros que en la Plataforma Guiones y guionistas hoy hay una clase nueva del curso de Productividad para Guionistas. La semana pasada veíamos cómo controlar el tiempo en nuestros proyectos y esta vamos a ver cómo organizarnos gracias a la técnica de Time Blocking. Este método nos ayudará a saber siempre qué es lo que tenemos que hacer en cada momento. Y el sábado en el curso de Formato de Guion veremos en qué consisten las Descripciones en un guion y consejos para escribirlas de una forma más profesional y efectiva. El formato de la Guía para escribir una serie Hace unos meses hice una encuesta sobre qué planners os gustaría que hiciera. El primero fue el Planner de Personajes, que saqué hace un par de meses, y el segundo es el Planner de Series que hoy os presento. Un planner que sirva tanto para la creación de una serie televisiva como para una serie Web. Los que ya lleváis más tiempo en Guiones y Guionistas ya sabéis lo que son los Planners. Cuadernos que nos ayudan en la escritura de nuestros guiones. El Planner de Guion está pensado para la escritura de una película de ficción, ya sea cortometraje o largometraje, y nos ayuda a idear, organizar y estructurar tu guion. Desde la búsqueda de la idea hasta la escritura final. Y el Planner de Personajes nos ayuda crear los personajes de tu guion o novela y desarrollarlos al nivel que necesites. Presento varias técnicas de creación de personajes que puedes combinar según te parezca. Estos planners combinan la teoría y la práctica. Primero explican qué hacer y después te ofrecen los espacios para que tú mismo vayas rellenando los espacios y creando tu propia obra. Se presentan en un PDF. El Planner de series son más de 130 páginas con un diseño moderno en color. Lo bueno de un PDF es que es muy fácil de descargar y tiene sus ventajas. Por un lado el precio se abarata muchísimo, de tal forma que nadie se va a quedar sin él por dinero. También te permite customizarlo a tu gusto. Es decir, te bajas el PDF y después tú mismo imprimes las páginas que desees y te construyes el cuaderno que tú quieras. Me explico. En algunas de las secciones del Planner de Series como la escaleta, la sinopsis o el mapa de tramas, ofrezco plantillas para desarrollar 8 capítulos. Pero si tú tienes claro que tu serie solo tendrá cuatro capítulos, pues imprimes solo cuatro. O al revés, si quieres hacer más de 8 capítulos hay una plantilla en blanco para que imprimas las que necesites. Tú mismo te construyes el planner según tus necesidades. Por otro lado, tú te lo puedes imprimir en color, o si lo prefieres en blanco y negro que, aunque no es tan bonito, es más barato. También puedes decidir el tamaño que va a tener. Puedes hacer un cuaderno grande, de Dina 4, es decir un folio, o hacer un Dina 5, que es un cuaderno más pequeño y fácil de llevar. Y entonces imprimes dos páginas por cada hoja. En resumidas cuentas, el formato de un PDF descargable te permite la flexibilidad de tener el planner que tú decidas. ¿Y qué contiene el planner de series? Ya hemos visto que un planner de series es un planificador o guía para crear una serie. En su interior se pueden ver todos los pasos necesarios, como el desarrollo de ideas, la creación de personajes y la estructuración de la historia en capítulos. El planner te indica qué pasos dar, en qué orden, y cómo rellenar todos los esquemas y tareas que vas encontrando en el propio cuaderno. Cada paso tiene instrucciones sobre cómo completar los modelos correspondientes. Si queréis ampliar los conceptos podéis acudir a los podcast en los que desarrollo los conceptos más en profundidad. El contenido se divide en varios bloques: El primero está dedicado al desarrollo de ideas. Por medio de brainstorming y mapas mentales se propone cómo poder desarrollar la idea que tengáis para vuestra serie. También es el momento de que vayáis decidiendo qué queréis contar, es decir, cuál es la premisa de vuestra serie. Y otros elementos del formato de la serie como el género y las referencias que se os ocurren. Es bastante útil tener referencias a otras series existentes que nos sirvan de modelo en la creación de la nuestra. Así sabremos el estilo que queremos tener y el tipo de producto que conseguiremos. El segundo bloque es el desarrollo de personajes. En el Planner de series hay plantillas con fichas, objetivos y test que ayuden a crear los personajes principales. Y si queréis desarrollar más tan solo hay que imprimi

El artículo 108. Cómo emitir un cortometraje en televisión: Versión Española se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. La semana pasada vimos por qué tenemos que presentarnos a los concursos de guiones. Pero esos no son los únicos concursos que pueden ayudarnos con nuestras obras. Una vez terminadas, comienza el verdadero camino para que nuestras películas y series sean vistas por cuanta mayor gente posible, y emitir un cortometraje es más fácil con algunos concursos como el de Versión Española. Hoy hablaremos con Sergio Catá, uno de los encargados del concurso del programa televisivo de cine español que nos hablará de qué tiene que tener un cortometraje para ser seleccionado por el programa para su emisión por televisión. Y del concurso Iberoamericano de cortometrajes que acaba de abrir sus convocatoria. Y en la plataforma de Guiones y guionistas hoy tenemos una nueva clase del curso de Diálogos. Vamos a ver por qué cada personaje debe tener una única voz, que lo diferencie de los demás, y qué hacer para que cada uno tenga sus propio idiolecto. Y os anuncio que la semana que viene llega por fin el Planner de Series. Muchos me lo habíais pedido y ya está casi finalizado. Los que me siguen en Instagram ya han visto las primeras imágenes que subí hace unos días mientras lo terminaba. Os va a ser muy útil tanto para desarrollar vuestros proyectos de series televisivas como los de series web. Si puedo lo subo el fin de semana. A los que están suscritos al boletín de noticias os avisaré cuando esté por ese medio. Concurso iberoamericano de cortometrajes Versión Española Y para saber más del XVII Concurso iberoamericano de cortometrajes Versión Española – La 2 / SGAE vamos a hablar con Sergio Catá, un guionista y realizador que trabaja en el programa cinematográfico que más apoya al cine Iberoamericano y que tiene un apoyo declarado por los cortometrajes. Me refiero a Versión Española, un programa que cumple 20 años en Televisión Española. Sergio nos cuenta en qué consiste el concurso de cortometrajes, cuándo termina el plazo de admisión de cortometrajes, cuáles son los premios, dónde se van a ver los cortos seleccionados, cómo se hace la selección, qué tipo de cortos buscan y nos hace alguna recomendación de cortometrajes para que veamos. BASES CONCURSO DE CORTOS PROGRAMA ESPECIAL DEDICADO AL GUION En el coloquio, sobre SIN RETORNO una película de los hermanos Cohan, participan Rafael Cobos, Daniela Fejerman y Pablo Remón. Sergio Catá https://vimeo.com/user7682766 https://www.youtube.com/channel/UChsdr0tsmW8EItuV8EWawEA Humor Extrañe (Facebook) SOPA web serie Y os recuerdo que si queréis colaborar con Guiones y guionistas podéis hacer un comentario o valoración en Itunes, Ivoox o Youtube… o compartir en Facebook, Twitter, Instagram o Linkedin. Yo a cambio os prometo volver el martes próximo con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 108. Cómo emitir un cortometraje en televisión: Versión Española se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 107. Práctica con guiones: Memento se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy vamos a analizar el guion de una película que revolucionó la narrativa contemporánea por su original estructura no-lineal. Una película muy experimental en su estructura que hizo que su director pasase de hacer películas independientes a comerciales en Hollywood, y que siempre deja huella con ellas. Me refiero a Christopher Nolan y a Memento, una película que realizó con tan solo 30 años. Hoy analizaremos su estructura. Pero antes recordaros que si queréis una formación integral de guionista están los cursos de la Plataforma Guiones y guionistas: cursos de Guion de Cortometraje, Webseries, Desarrollo de Personajes, Estructuras narrativas, Diálogos, Programas de escritura de guion… y Productividad para guionistas, que es el que estrena clase hoy. Veremos cómo controlar el tiempo gracias a dos aplicaciones muy útiles que os mostraré a tiempo real. Y el sábado clase nueva de Formato de Guion, en la que veremos con detenimiento qué poner en el encabezado. No solo los cuatro elementos básicos, sino también las excepcionalidades. Por cierto, que el Club de Lectura de guiones está un poco parado. Os animo a enviarme vuestros guiones de cortometraje que yo los leo aquí en público y quién sabe si encontráis alguien que quiera producirlos. Y a enviarme también cualquier duda de guion que yo la contesto en los podcast mensuales de Preguntas y respuestas. Y si tenéis más prisa os podéis suscribir a los cursos que tienen soporte de preguntas y respuestas. Por cierto, os leo una reseña que me han hecho en Itunes de El Tesoro de Hodoul. Es la primera y me hace mucha ilusión. El autor es Soulshaker80 y dice así: “Buenas David, te sigo también en tu otro podcast sobre Guiones y Guionistas y es muy emocionante lo que estás haciendo. Soy maestro en una escuela pequeñita en la provincia de León (España) y este año siguiendo tus consejos hemos hecho el guion de un corto con los niños y después lo hemos grabado. El resultado ha sido muy bueno, así que ya estamos preparando la segunda parte. Un abrazo y sigue así.” La neurociencia aplicada al arte de escribir guiones Para el análisis de Memento me voy a valer de uno de los libros más curiosos de guion que se publicaron el año pasado en España. Yo me enteré de él por un artículo y en mi visita anual a la madre patria, como dicen por aquí, me lo compré y la verdad es que muy interesante. Me refiero a La mente Narradora. La neurociencia aplicada al arte de escribir guiones. La autora, Marta Grau Rafel, es guionista, script doctor, escritora y profesora de guion. Y en el libro analiza las relaciones entre la mente y la escritura cinematográfica, a través de una perspectiva neurocientífica. A partir de una selección de películas de cineastas de finales del siglo XX e inicios del XXI de la cinematografía indie norteamericana (Tarantino, Jonze, Lynch, Linklater, González Iñárritu, Nolan…) y adentrándonos en la subversión de la construcción de sus relatos, descubre nuevos dispositivos de escritura cinematográfica para seguir atrapando igualmente al espectador. Pues bien, dentro de los análisis que hace de cómo el funcionamiento de la mente afecta a nuestra forma de narrar y disfrutar del arte cinematográfico, está el análisis estructural de Memento, que es el que vamos a ver hoy aquí. Veremos que detrás de esa estructura no-lineal, fragmentada y con tiempo invertido, se esconde una estructura clásica en tres actos. Análisis estructural de Memento Antes de hablar de Memento os recuerdo su sinopsis, por si alguien no la ha visto: La memoria de Leonard, un investigador de una agencia de seguros, está irreversiblemente dañada debido a un golpe sufrido en la cabeza, cuando intentaba evitar el asesinato de su mujer: éste es el último hecho que recuerda del pasado. La memoria reciente la ha perdido: los hechos cotidianos desaparecen de su mente en unos minutos. Así pues, para investigar y vengar el asesinato de su esposa tiene que recurrir a la ayuda de una cámara instantánea y a las notas tatuadas en su cuerpo. Guion de Memento Christopher Nolan explica la estructura de Memento (en inglés) A partir de ahí Marta habla de la mente enferma de Leonard que es incapaz de recordar historias pero que puede crearlas e inventarlas como la base de su estructura narrativa. Unidas a una estructura detectivesca clásica en flashback, muy compleja por la fragmentación y el cambio de avance temporal adelante-atrás de algunas de sus cuatro tramas principales. Que son: Trama principal: Leonard intentando atrapar al asesino de su mujer. Trama de relación: con tres subtramas en flashback y blanco y negro. Trama del motel: relación de Leonard y Teddy por teléfono. Historia del pasado: Leonard cuenta la historia de Sammy Jankis, un hombre con el mismo problema que Leonard de pérdida de memoria a corto plazo. Pero entre el caos que puede parecer esta narrativa fragmentada no-lineal con tiempo invertido se pue

El artículo 106. Por qué participar en concursos de guion se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Este mes finaliza el plazo de dos de los concursos de guion más famosos de habla hispana: el Julio Alejandro, de guiones de largometrajes, y el premio de producciones de la FOX, de formatos televisivos. Una buena oportunidad para reflexionar sobre los concursos de guion y su importancia en nuestra formación de guionistas. Si quieres una formación integral de guionista están los cursos de la Plataforma Guiones y guionistas. Podéis ver los cursos disponibles en la web. Esta semana continuamos con el curso de diálogos haciéndonos algunas preguntas necesarias antes de comenzar a escribir como: ¿Quién habla? ¿Por qué habla? ¿A quién habla? ¿Cómo habla? ¿Qué hace mientras habla? …y veremos cómo responderlas. La importancia de los concursos de guion El oficio de guionista es una carrera de largo recorrido que te lleva toda la vida. Con cada proyecto aprendes algo nuevo y perfeccionas una técnica que no para de evolucionar, porque cada guion requiere algo diferente. Y en esta carrera uno de los pasos por los que todos los guionistas nos enfrentamos alguna vez en la vida son los concursos de guion. Ya sea de cortometraje, largometraje, formato televisivo o incluso teatro. El objetivo de un guion es convertirse algún día en una obra audiovisual, y para eso necesitamos apoyo. Un guion solo, en un cajón o un disco duro de una computadora, no llega a ningún lado, por lo que en algún momento va a tener que salir y enfrentarse a la opinión de los demás, ya sean directores, productores o demás miembros de la industria. Dentro de este medio, los concursos de guion se convierten en un buen sistema donde poder probar el valor e interés de nuestro guion. A lo largo de mi vida yo me he presentado a muchos concursos de guion, desde guiones de largometrajes y de formatos televisivos, hasta de teatro y microteatro. Y solo me han traído cosas buenas. Lo digo porque gané algunos de ellos y me permitieron escribir guiones y acceder a realizar proyectos que sin ese impulso jamás se hubieran realizado. Obviamente me he presentado a muchísimos más concursos que los que gané, eso hay que tenerlo claro. El porcentaje de victorias frente a las derrotas siempre será ínfimo. Pero si insistes, también llegan las victorias. En el primer concurso que me presenté pedían una sinopsis de largometraje de cuatro páginas. El premio era que te pagasen por escribir el guion del largometraje. Lo ofrecía Canal Plus Guiones, un departamento que nació porque por entonces, mediados de los 90, Canal Plus emitía todo el cine español que se hacía. Y pensó que, ya que iba a emitirlas, por qué no influir en el tipo de película que se iba a hacer tutelando la escritura de sus guiones. Yo nunca había escrito un guion de largometraje ni sabía cómo se hacía. Pero decidí presentarme junto a mi amigo Ángel Pariente, compré varios de los manuales de guion que empezaban a salir por esa época como el de Syd Field y el de Linda Seger y escribí esa sinopsis. De todos los que se presentaron, seleccionaron a 14, entre ellos nosotros, y nos pagaron por escribir un tratamiento de la película. Gracias a esos manuales de guion lo escribimos, pero eso no nos garantizaba escribir el largometraje, porque de los 14 tratamientos solo siete iban a pasar a la siguiente fase y escribir el guion. Pero lo hicimos, y acabamos escribiendo Boinas Verdes, un guion basado en un caso real de unos militares que se fugaron de un cuartel y acudieron a televisión para denunciar a sus mandos. La película nunca se hizo, pero yo ya había escrito mi primer largometraje y, encima, había cobrado por todo el proceso de aprendizaje. Un auténtico lujazo. El año siguiente, Canal + Guiones volvió a presentar la convocatoria. Mis amigos me dijeron que no me presentase, que había ganado una vez y era imposible volver a ganar. Pero conocí a Mercedes Carrillo, una joven que estudiaba para actriz por entonces, que me contó una idea que tenía para una obra de teatro, y decidimos presentar una nueva sinopsis. Esto de presentarse a concursos tiene mucho de optimismo y de insistencia. Hay que desoír a todos los que tiran para atrás con sus múltiples razones porque, en general, no tienen ni idea. Su opinión suele estar basada en su pesimismo, en sus prejuicios, en sus miedos, en su forma de ver el mundo. Por supuesto que es muy difícil ganar un concurso de guion, que vas a competir con otros buenos guiones y que lo más normal es que no ganes. Eso lo sabemos todos. Pero si quieres ser guionista debes intentarlo. Es tu obligación. Ser guionista es como un guion. Tú eres el protagonista y, cuando te llega el detonante y decides escribir guiones, comienza tu particular viaje del héroe que va a estar repleto de obstáculos. Vas a tener que sortearlos e intentar seguir creciendo continuamente. Y para eso vas a tener que aprovechar todas las oportunidades que te surjan. Y los concursos son oportunidades, no lo o

El artículo 105. Por qué el final de una historia es lo más importante se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Todos hemos oído mil veces que el final de una historia es lo más importante. Pero, ¿por qué? Hoy vamos a buscar las razones de la importancia de los finales hablando no solo de narrativa, sino también de psicología e incluso ciencia. Va a ser un podcast muy revelador, os lo prometo. La semana pasada leí el tuit de un guionista que comentaba que usaba la aplicación Toggl para gestionar sus proyectos gracias a que la había escuchado en el podcast que hice sobre productividad. Me encanta. Porque a veces parece que hablo solo a un micrófono y comentarios como este me recuerda que sois muchos los que me escucháis y que os son útiles todos los consejos que vemos aquí. Y como ese podcast que hice de productividad tuvo mucho éxito y fue un curso muy votado hoy comienza el Curso de Productividad para Guionistas. A lo largo de 10 lecciones os guiaré paso a paso a través de videotutoriales donde veremos herramientas y recursos para organizaros mejor en la escritura de vuestros guiones y que consigáis mejores resultados con menor esfuerzo. En la primera clase veremos cómo organizar nuestras tareas atendiendo a su importancia y su urgencia. Y el sábado comienza un curso nuevo: Formato Estándar de Guion. A lo largo de 5 lecciones os guiaré paso a paso en el aprendizaje de la escritura con el formato de guion profesional. Veremos cada elemento de forma detallada para que vuestros guiones sean lo más profesionales posible y acordes a lo que se solicita en la industria audiovisual. La importancia del final de una historia El sábado pasado viví dos situaciones que me hicieron reflexionar sobre la importancia del final en las historias. Por un lado fui al cine y vi una película, Madame, que estaba resultando entretenida pero que tuvo un final raro. A la salida del cine, mi acompañante y yo no comentamos nada de la película, solo hablamos del final, y no para bien. Unas horas antes había visto la final de la Champion donde el Real Madrid se coronaba campeón por tercera vez consecutiva. En el ambiente todo era alegría y el gol de chilena de Bale todavía coleaba en la retina de todos cuando Cristiano Ronaldo hizo una declaraciones en las que dejaba ver que quizás se iba a ir del Real Madrid. A partir de ese momento los comentaristas no hablaban de otra cosa, que si estaba descontento en el club blanco, que si era inoportuno y egoísta sacar esas quejas en un momento de euforia y alegría colectiva como el que estaban viviendo… pero ese final volvía a enturbiar la fiesta. Y más ejemplos. El protagonista de la película Adaptation, el ladrón de orquídeas, escrita por Charlie Kauffman, es el propio Kauffman que muestra un bloqueo creativo que le impide encontrar el final de su guion. En un momento concreto, acude a uno de los seminarios del profesor y teórico del guion más famosos del mundo, Robert McKee, que le habla de la importancia de los finales: El final es la película. Gánatelos al final y será un éxito. Puedes tener fallos y errores, pero déjalos boquiabiertos al final y tendrás un éxito. El consejo de McKee se basa en una gran tradición de películas comerciales. Y es cierto. Los finales son fundamentales en el cine o las series y es una de las cosas que más recordamos en una película. Pero, ¿por qué? Uno de los finales más polémicos en televisión fue el de la serie Lost. Miles de fans del mundo entero pudieron verlo casi al unísono al emitirse simultáneamente en Estados Unidos y el resto de países. Pero es un final que desencantó a millones de seguidores. Preguntado por ese desencanto, el actor Michael Emerson, que interpreta a Ben en la serie, contestó: “¿Si me gustó el final de Perdidos? Por supuesto, absolutamente, fue un final maravilloso. Tengo que confesarte que me sorprendió que alguien pudiera esperar un desenlace en el que se aclararan todos los enigmas porque la serie siempre había mantenido un tono en el que se esquivaban las respuestas. Lo más curioso es que hasta ese momento todos habían seguido nuestro juego hasta que de repente todo aquello les pareció mal. ¿Te has tragado 100 horas de televisión y de repente en la última decides que tienes que renegar de las 99 restantes? ¿Estás de coña?”. Yo quería hacer un podcast sobre los finales, pero me dije que hasta que no tuviera una razón científica de por qué los finales son tan importantes no lo haría. Investigué y la tengo. La diferencia entre la experiencia y la memoria En una charla TED, Daniel Kahneman habla sobre el enigma de la experiencia frente a la memoria. Considerado ampliamente como el psicólogo vivo más influyente del mundo, Daniel Kahneman ganó el Nobel de Economía por su trabajo pionero en economía del comportamiento: explorar las formas irracionales en que tomamos decisiones sobre el riesgo. Daniel Kahneman. El enigma de la experiencia frente a la memoria En esta charla, el Premio Nobel revela que podemos pensar en las persona

El artículo 104. Cómo montar un festival de series web se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. La semana pasada terminó el curso de Creación de Webseries y vimos cómo distribuir y promocionar nuestra webserie. Varios me habéis preguntado qué es un Festival de Series web por lo que he decidido hablar con alguien experto en el tema. Me refiero a Pedro Levati, uno de los organizadores y director de programación del Festival Internacional de Series Web de Buenos Aires. Una entrevista muy interesante, no os la perdáis, en la que nos va a confesar qué tiene que tener una serie web para ser seleccionada en su festival. Pero antes recordaros que unos cursos acaban, como el de webseries que ya está completo para los suscriptores, y otros empiezan, como el de Escritura de diálogos. A lo largo de 10 lecciones os guiaré paso a paso a través de videotutoriales para que podais mejorar vuestros diálogos y potenciar los personajes e historias. Solo conociendo las diferentes técnicas de creación de diálogos podreis eludir los diálogos planos y dar color a las conversaciones de vuestros personajes. Hoy en la primera clase vamos a ver cómo surgieron los diálogos en el cine y qué función cumplen en los medios audiovisuales. Es un curso que me estabais pidiendo y que os va a gustar mucho. Ya veréis. Y si queréis pedir más cursos sabéis que hay un cuestionario en la web donde podéis votar los cursos que más os gustaría que estuviesen en la Plataforma de Guiones y Guionistas y proponer cursos nuevos. La semana pasada sin ir más lejos, uno de vosotros propuso dos cursos nuevos, uno de guion de Películas de Terror y otro de Guion de Largometraje desde cero. Y no hace falta estar suscrito a los cursos para poder votar y proponer. Entrevista a Pedro Levati sobre cómo montar un Festival de Series Web Y hoy entrevistamos a Pedro Levati, guionista, director y productor argentino que, además de tener un productora, Macaco Films, es el Organizador y Director de Programación del BAWEBFEST, festival de series web de Buenos Aires. En la conversación Pedro nos cuenta cómo se le ocurrió montar un festival de series web, cómo fueron los inicios hace cuatro años y cómo ha evolucionado desde entonces. También nos desvela cómo funciona el Festival: quiénes seleccionan las series web que entran en competición, qué requisitos deben tener, cuáles son las secciones en competición, qué acciones paralelas hay en el festival como workshops, paneles, charlas y ronda de negocios… Y Pedro nos dejó dos recomendaciones para que veias: El Maravilloso Parque Hollister http://www.muteseries.com/ Os dejo los enlaces sobre el Festival Internacional de Series Web de Buenos Aires Festival: http://www.bawebfest.com/ Instagram: https://www.instagram.com/buenosaireswebfest/ Facebook: https://www.facebook.com/bawebfest Twitter: https://twitter.com/bawebfest Pues ya sabéis los creadores de series web, en los Festivales hay paneles y rondas de negocios para que encontréis coproductores y financiación a vuestros proyectos. Desde aquí os animo a todos a ver la web del BAwebfest para que podáis descubrir todas las webseries que han pasado por allí. Y si os ha interesado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 104. Cómo montar un festival de series web se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 103. Cómo buscar ideas para hacer documentales se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy en Guiones y guionistas volvemos a hablar de cómo hacer documentales. Ya hice un programa sobre cómo escribir el guion de un documental y hoy me voy a centrar en cómo buscar ideas documentales. Vamos a ver diferentes fuentes para recopilar ideas y qué debemos preguntarnos después a la hora de seleccionar la adecuada. Si quieres profundizar he escrito el libro “Negociar la realidad. Las tres escrituras del guion documental” en el que abordo cómo trabajar el guion en todas las fases de un documental. Y hoy terminamos el Curso de Creatividad Online con una herramienta para hacer brainstorming: Stormboard. Es muy útil porque nos permite recopilar, almacenar y seleccionar ideas de una forma muy intuitiva. Ya hice un podcast sobre cómo hacer brainstorming para hacer guiones y esta clase complementa el podcast aquel. Y os recuerdo los tres cursos que comenzarán la próxima semana para los suscritos a la Plataforma Guiones y guionistas: Diálogos, donde veremos cómo escribir los diálogos de nuestros personajes y cómo no hay que escribirlos, Productividad para guionistas, donde aprenderemos técnicas de productividad que podremos aplicar a la organización de nuestro trabajo como guionistas, y los sábados el curso de Formato de guion, donde veremos con detenimiento y ejemplos los elementos que conforman el formato estándar de guion y sus particularidades. La búsqueda de ideas y temas de documental Como recuerda Michael Rabiger en su clásico manual Dirección de documentales, buscar la idea de nuestro documental tiene dos fases: la primera consiste en una recopilación de materia prima, hay que rastrear muchas ideas que te llamen la atención y te interesen y almacenarlas ordenadamente; y la segunda analizar estas ideas para ver si tienen posibilidades reales de convertirse en un buen relato cinematográfico. La recopilación de ideas documentales La primera fase siempre comienza con la recopilación de ideas. ¿Y cuál es el criterio que tienes que seguir en esa búsqueda de ideas? Pues tu propio interés, tu imaginación, tu instinto como guionista. Debes buscar semillas que después puedan crecer como relatos. En esta fase no hay que preocuparse mucho y hay que recopilar cualquier idea que nos llame la atención. En posteriores etapas ya seleccionaremos las ideas más convenientes para hacer nuestro documental. Existen muchas fuentes donde ir a buscar esas ideas, vamos a ver algunas de ellas: El diario personal. Escribir un diario donde anotemos todo lo que nos llame la atención es el primer recurso para almacenar ideas. En este diario no hay que ponerse limitaciones y anotar todo lo que se nos ocurra, ya haremos el filtro más adelante. Es conveniente llevarlo siempre encima y utilizarlo cuando se nos ocurra algo, estemos donde estemos. Después ya pasaremos a limpio las ideas en el ordenador y las clasificaremos según su naturaleza. Tener un diario nos pone en un estado de búsqueda de ideas activo. En cualquier momento nos puede llegar una frase, una emoción, una anécdota o una imagen que nos estimule y está bien anotarla. Hacer documentales tiene algo de proceso de autoconocimiento y hacer un diario es el primer peldaño de una gran escalera. Y la práctica de escribir diarios incluso puede llegar a convertirse en un documental, como le pasó a Ricardo Piglia. El escritor argentino tenía la costumbre de escribir diarios desde su adolescencia, y el cineasta Andrés Di Tella, también argentino, hizo un documental sobre ellos: 327 cuadernos. Los diarios de Ricardo Piglia. El propio documental es un “diario cinematográfico” del encuentro entre el cineasta, los diarios de Piglia y sus propias vidas (del cineasta y del escritor). Los periódicos, revistas, blog… Los periódicos y revistas son una gran fuente de ideas porque reflejan los hechos más extravagantes de la vida real. Hay noticias locales, que reflejan el entorno más cercano, y otras internacionales que te dan una visión más global de lo que pasa en el mundo. Y todas son buenas fuentes para encontrar temas, personajes, tramas o situaciones. Antiguamente recortábamos las noticias que nos llamaban la atención y las clasificábamos por temas o interés. Pero todo era más limitado porque necesitabas el soporte de papel. Ahora gracias a internet tenemos acceso a todos los diarios del mundo y todas sus noticias. Y el almacenaje es más sencillo, con solo copiar y pegar podemos hacernos con archivos de noticias que no nos ocupan ningún espacio. Y cuando queremos ampliar esa noticia gracias a Google podemos hacerlo de una forma muy sencilla. Una de las noticias más impactantes de mediados de los setenta en New York fue el paseo que el acróbata Philippe Petit realizó entre la Torres gemelas. Las imágenes del acróbata andando sobre el cable con la única ayuda de su pértiga gigante dieron la vuelta al mundo. Más tarde el propio Petit escribió un libro para contar s

El artículo 102. Las 70 tramas de comedia más utilizadas en las sitcoms se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy tenemos un podcast muy sugerente en el que voy a hablar de comedia. Más exactamente de tramas de comedia y vamos a repasar las 70 tramas de comedia más utilizadas en las sitcoms clásicas americanas. Va a ser muy útil porque seguro que os van a sonar. Y para comprobarlo voy a ver si la primera temporada de Friends encaja en esas tramas. A todos los que me habéis escrito por El Tesoro de Hodoul. Tranquilos, estoy perfectamente viviendo la aventura. Por cierto ya hay un nuevo episodio: llegaron los participantes a Mombasa… comienza la acción. Si queréis comentarme algo, en la web hay un espacio para comentarios. Y hoy terminamos el Curso de Creación de Webseries con algo muy útil: la distribución y la promoción de nuestra webserie. ¿Qué hacer una vez hemos terminado nuestra serie web? Pues bien, vamos a ver los canales tanto online como offline en los que podemos distribuirla y los métodos de promoción más efectivos. Y os anuncio desde ya los tres cursos que comenzarán la próxima semana: Diálogos, donde veremos cómo escribir los diálogos de nuestros personajes y cómo no hay que escribirlos, Productividad para guionistas, donde aprenderemos técnicas de productividad que podremos aplicar a la organización de nuestro trabajo como guionistas, y los sábados el curso de Formato de guion, donde veremos con detenimiento y ejemplos los elementos que conforman el formato estándar de guion y sus particularidades. Las tramas de comedia típicas de una sitcom No sé si he contado por aquí que cuando terminé mi carrera empecé a preparar una tesis doctoral, que nunca terminé, sobre series de televisión. Desde entonces mantengo algunos libros que adquirí que pensé me ayudarían con la tesis. Uno de ellos es una guía con los argumentos de las sitcoms más importantes de Estados Unidos desde el inicio de la televisión hasta los años 80: Television Comedy Series. An episode guide to 153 TV sitcoms in Syndication. By Joel Eisner & David Krinsky. Este libro es bastante único. Cada episodio de cada sitcom desde el comienzo de la televisión hasta la temporada de 1980 aparece en la lista. Y proporciona títulos, fechas, escritor, director, productor, música, créditos de sindicación e información general de cada serie. Y se otorgan créditos de título, escritor y director, estrellas invitadas y una pequeña trama para cada episodio de la serie. Además de todo esto, en el prólogo viene un pequeño listado con las 70 tramas de comedia y argumentos de episodios más utilizados en las sitcoms del libro. Este listado es muy curioso y seguro que la mayoría de las tramas os van a sonar porque las hemos visto mil veces en series de comedia. Las sitcom que tienen tramas en continuidad dependen más de las tramas de actualidad y el humor que funciona en una época determinada. Pero las tramas de comedia que vamos a ver hoy aquí son atemporales y funcionan independientemente de la época porque son tramas episódicas, es decir que comienzan y terminan en el propio episodio. Pero antes recordar qué es una sitcom, por si hay algún despistado. Una sitcom, la abreviatura de Situation Comedy, es una “comedia de situación”. Un género que comenzó en la radio en los años veinte del siglo pasado, y que después pasó a la televisión. Y se caracteriza por contar con un mismo grupo de personajes en cada episodio, en situaciones divertidas que son similares a la vida cotidiana, y giran en torno a un espacio compartido, como una familia o un entorno de trabajo. Algunas sitcoms famosas de todos los tiempos son I love Lucy, Mary Tyler Moore, La hora de Bill Cosby, Taxi, Los Ropper, Cheers, Fraiser, Friends, Seinfield o Modern Family. En el podcast de hoy vamos a ver un número de tramas de comedia estándar utilizadas en la mayoría de sitcoms. Estas tramas os pueden servir como detonante de ideas si estáis escribiendo una serie o una webserie cómica, pero también para escribir un cortometraje o incluso un largometraje. Y para ver su vigencia, he buscado las tramas de comedia de la 1ª temporada de Friends, que es de una década después de la publicación del libro, y las he cotejado con la lista. Ahí va el listado de tramas de comedia en el orden en que aparece en el libro original. Las 70 tramas de comedia más utilizadas en las sitcoms Los parecidos de uno o más de un personaje. Espías y espionaje. Redecorar la casa con resultados desastrosos. El auto familiar (la compra, el choque, etc) Una mascota (perro, gato, pollito, cabra…) (10×1 Ross consigue un mono, Marcel, como mascota) (19 x 1 Rachel pierde a Marcel cuando lo está vigilando, por lo que todo el mundo se pone a buscarlo. Rachel llama al control de animales, pero Marcel resulta ser de una especie exótica y su posesión es ilegal. La empleada del Control de Animales es Louisa, una antigua compañera de instituto de Rachel, pero no los ayuda porque Rachel siempre la marginaba en el institu

El artículo 101. Cómo crear la premisa de un guion se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Hoy volvemos con un monográfico de elementos de guion en el que vamos a tratar un concepto muy interesante a la hora de crear un guion, la premisa. Hay algunos teóricos como Robert MacKee o Syd Field que aseguran que es mejor no empezar a escribir tu guion si no tienes clara tu premisa. Otros que puedes empezar, pero que tienes que buscarla en el camino. Pero en cualquier caso si quieres contar bien una historia debes tener una premisa. Pero antes os recuerdo que en los Cursos de Guion de la Plataforma Guiones y guionistas seguimos con el curso de Creatividad Online. Hoy vamos a ver una herramienta muy útil que nos ayudará con nuestros diseños gráficos. Me refiero a Canvas, una web de diseño que ofrece muchas plantillas para que podamos crear gráficas en redes sociales, webs, presentaciones y todo lo que precisemos. Muchas gracias a todos por la acogida de El Tesoro de Hodoul. Es muy excitante para mí poder contaros la aventura de un guionista en busca de un tesoro a tiempo real. Por cierto, ya hay un nuevo episodio en el aire en el que cuento mis primeros pasos por el velero bergantín. Los que todavía no lo habéis escuchado dadle una oportunidad. Qué es la premisa Según Lajos Egri en el clásico Cómo escribir un drama (Art of Dramatic Writing): “Todo tiene un propósito, o premisa. Cada segundo de nuestra vida tiene su propia premisa, ya sea que seamos o no conscientes de ello. Esa premisa puede ser tan simple como respirar o tan compleja como una decisión emocional vital, pero siempre existe.” Básicamente lo que quiere decir Egri, es que todo pasa por algo, y llevado al mundo de la creación, que todos tenemos una intención o propósito cuando contamos una historia. Y es que el concepto de premisa que utiliza Egri ha sido empleado por muchos teóricos y creadores con anterioridad, tanto refiriéndose al teatro como el cine. Algunas de las diferentes palabras que han usado para designar la misma cosa son: tema, tesis, idea raíz, idea central, meta, designio, fuerza de conducción, asunto, propósito, plan, trama, emoción fundamental, moraleja, significado o mensaje. Todas estas palabras nos ayudan a contextualizar más el concepto, pero entre todas yo prefiero seguir utilizando “premisa” para este podcast. Podríamos definir premisa como el punto de vista que el autor va a querer dar sobre un tema con su historia. Es decir, hay un tema, que veremos reflejado por el conflicto de la historia, pero el autor va a tener que tomar un punto de vista sobre cómo abordarlo, que se reflejará en el desenlace de la narración. Ahí es donde veremos claramente cuál es la premisa de la historia. Por eso lo mejor según Lajos Egri es formular la premisa como una proposición (en el sentido lógico del término). Para ver un ejemplo voy a utilizar uno de los que propuso Lajos Egri en Cómo escribir un drama, Otelo de Shakespeare. Os recuerdo la historia: Otelo halla el pañuelo de Desdémona en el albergue de Cassio. Ha sido llevado allí por lago con el solo propósito de ponerlo celoso. A causa de esto mata a Desdémona y hunde un puñal en su propio corazón. El tema de la historia y su motivo principal son los celos. Pero con ese asunto se podrían elaborar muchas premisas. Para saber cuál es la nuestra debemos conocer la historia y hacernos algunas preguntas. ¿De dónde provienen los celos de Otelo? ¿Era coqueta Desdémona? ¿Se sentía Otelo inferior? ¿Tenía Otelo amantes? ¿Eran unos celos fundados? ¿Sufría Desdémona con Otelo? Cada una de estas preguntas nos llevaría a una premisa diferente. En el caso de la obra de Shakespeare no importa lo que hizo levantar las sospechas para que Otelo tuviera celos. Lo importante es que los celos constituyen la fuerza en este drama y su desenlace, ya que Otelo no solamente mata a Desdemona sino que también se da la muerte a sí mismo. La premisa entonces es: “Los celos destruyen al celoso y al objeto de su amor”. Si Otelo hubiera sufrido los celos pero no hubiera matado a Desdémona sino que solamente se hubiera suicidado, estaríamos hablando de otra premisa: “Los celos destruyen a los que los padecen”, y si hubiera matado solo a Desdémona: “Los celos destruyen al objeto deseado”. Las partes de la premisa Según Lajos Egri “una buena premisa es una sinopsis exacta de su drama” y está compuesta de tres partes: El carácter, o personaje, protagonista de la historia. El conflicto, que se va desarrollar en la obra. La conclusión o desenlace de ese conflicto. En el caso de Otelo, el celoso sería el protagonista de la historia, su conflicto los celos, y la conclusión la destrucción de su objeto amado, Desdémona, y la suya propia. Veamos algunas premisas formuladas como una proposición para que nos quede más clara la idea de Egri: La falsa alegría conduce a la amargura. La generosidad disparatada conduce a la pobreza. La imprudencia destruye Ia amistad. El mal genio conduce al aislamiento. El

El artículo 100. Cómo se trabaja en un programa televisivo de aventuras se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. Y sí, llegamos al número 100 de Guiones y guionistas. Han pasado solo 10 meses desde que estrenamos el podcast pero me parece toda una vida. Cien podcast en los que hemos hablado mucho de cómo hacer guiones y hemos aprendido mucho por el camino, yo el que más. También hemos podido charlar con guionistas que nos han contado sus trucos y experiencias. Ahora a por los 200. Y para este día especial me he preparado una sorpresa: Estreno nuevo podcast. Uno de los propósitos de año nuevo era hacer otro podcast, pues bien, ya está al aire. Se llama El Tesoro de Hodoul y es muy diferente a este. No quiero contaros mucho para que os sorprenda pero os doy el tagline: “Las aventuras de un guionista en busca de un tesoro”. Sí puedo deciros de que es una especie de diario, que tiene que ver con la grabación de un programa de televisión de aventuras y que hay un tesoro real por medio: el tesoro que escondió el corsario Jean Francois Hodoul hace más de 200 años. Y tranquilizaros porque aunque esté grabando El Tesoro de Hodoul voy a continuar con Guiones y guionistas al mismo ritmo y con los cursos de guion de la Plataforma Guiones y guionistas. Podeis encontrar el podcast en www.eltesorodehodoul.com o escucharlo en Itunes o Ivoox. Y para celebrar el estreno de El Tesoro de Hodoul y los 100 programas hoy tenemos un podcast muy especial porque voy a hablar con uno de los mayores expertos en programas de aventura de la televisión en España… que casualmente es también mi amigo. Me refiero a Daniel Lora, guionista y director del programa de aventura Planeta Calleja. Pero antes recordaros que en el Curso de Creación de Webseries hoy vamos a ver algo muy interesante: la financiación y los ingresos. ¿De dónde sacar el dinero para financiar nuestra webserie? Pues bien, vamos a ver varios métodos de financiación y uno de ellos, el crowdfunding, vamos a verlo con detenimiento. Voy a mostraros a tiempo real una plataforma de crowdfunding de webseries y vamos a ver qué hacer para conseguir completar las campañas con éxito. Por cierto, os recuerdo que con motivo del podcast número 100 los que se suscriban a los cursos de guion tienen un regalo:pueden elegir entre el planner de guion, para organizar y planificar sus guiones, el planner de personajes, para desarrollar los personajes de sus historias, o el generador de historias, para crear sus historias originales a partir de los argumentos de las 100 películas más famosas de la historia. No desaprovechéis la oferta porque el jueves cuando pasemos al capítulo 101 caducará. Ahora sí nos vamos con la entrevista. El guion en los programas televisivos de aventuras Y como estamos de celebración centenaria no quería estar solo en este podcast y aprovechando el estreno del Tesoro de Hodoul he invitado a uno de los que más sabe de programas de aventura de España. Comenzó su andadura aventurera hace 18 años en el programa Supervivientes: Expedición Robinson. Juntos vivimos aventuras con Supervivientes e Islas de Famosos en Panamá, Seychelles, República Dominicana, Amazonas, Kenia o Australia… pero es que él ha seguido viviendo más aventuras aún en el programa Planeta Calleja, con el que lleva ya seis temporadas. Con ustedes mi querido Daniel Lora. Hablamos con Dani sobre quién es Jesús Calleja y en qué consiste el programa Planeta Calleja. También nos cuenta cuál es su labor en el programa como guionista y director. Y nos relata los pasos que siguen en el programa desde que surge la idea de un viaje hasta que se emite. Dani también nos cuenta cómo es el trato con los famosos aventureros que les acompañan en los viajes de aventura y cuáles son los que más le han sorprendido. Y desde un punto de vista personal, Dani nos cuenta la experiencia en la que el equipo de Planeta Calleja vivió su mayor peligro y los lugares exóticos que más le han impactado. Y con esto terminamos el podcast de hoy en el que hemos hablado con Daniel Lora sobre cómo hacer un programa televisivo de aventura y no morir en el intento. Y si os ha interesado, agradecería comentarios y valoraciones en Itunes, Ivoox o Youtube. Estaremos juntos los martes y jueves con nuevas técnicas, estrategias y análisis para que aprendamos entre todos a ser mejores guionistas. El artículo 100. Cómo se trabaja en un programa televisivo de aventuras se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.

El artículo 99. Cómo utilizar los arquetipos de personalidad en un guion (2ª parte) se publicó primero en Academia Guiones y guionistas. En el podcast anterior vimos qué eran los arquetipos de personalidad que catalogó Jung y cómo podíamos utilizarlos para desarrollar los personajes de nuestras historias. Pero no nos dio tiempo a ver todos y solo hablamos de los seis primeros: el cuidador, el creador, el inocente, el héroe, el explorador y el bufón. Hoy veremos los seis restantes: el amante, el hombre corriente, el sabio, el gobernante, el mago y el rebelde. Y continuamos con el curso de Creatividad Online en la plataforma de Guiones y guionistas. Hoy vamos a ver una herramienta muy útil que nos ayuda a crear mapas mentales: MindMup. Sobre cómo hacer mapas mentales para guionistas ya hice un podcast hace tiempo. El caso es que existen muchas webs que te ayudan a crearlos y te permiten archivarlos, compartirlos, incluir fotos y videos, haciendo que su uso sea más práctico que si lo hacemos en un cuaderno en casa. Una de ellas es MindMup, que además te permite convertir los textos e imágenes del mapa mental en diapositivas. Y os recuerdo que si estáis pensado en apuntaros a la Plataforma de Cursos de guion estamos de Oferta y nos queda una semana. Como estamos en el episodio 99, hasta el episodio 100 los que se suscriban a los cursos tienen un regalo: pueden elegir entre el planner de guion, para organizar y planificar sus guiones, el planner de personajes, para desarrollar los personajes de sus historias, o el generador de historias, para crear sus historias originales a partir de los argumentos de las 100 películas más famosas de la historia. No desaprovechéis la oferta porque cuando lleguemos al capítulo 100 caducará. Y he recibido un poco de feedback con la noticia de que pronto tendremos tres cursos a la semana con clases también los sábados. Tranquila, Eva María, sobreviviré a ello. Además tengo pensado que los cursos de los sábados sean más concretos, de cinco clases en lugar de diez, y más encaminados a técnicas de guion. El primero os anuncio ya que será de Formato de guion. Pero eso será a fin de mes de mayo cuando acaben los cursos que hay ahora en desarrollo. Y os aviso que en el programa 100 voy a anunciar otra novedad. Todavía no está operativa pero el martes espero que Itunes ya me lo haya aprobado… ¿Qué será? ¿Será un podcast nuevo?… y sí, eso de la aprobación de Itunes es una gran pista, pero me morderé la lengua y no diré nada hasta el programa 100. Cómo utilizar los arquetipos de personalidad de Jung Y antes de seguir con los arquetipos de Jung unas preguntas: ¿Habéis pensado en cuál de ellos se corresponde a los personajes de vuestra historia? ¿O incluso vosotros mismos, porque que no se nos olvide que Jung era psicólogo y nosotros también podemos analizar nuestras motivaciones principales y vernos reflejados en los arquetipos que definió Jung. Si no lo habéis encontrado no os preocupéis porque todavía quedan seis por ver por lo que estad bien atentos. Y después podéis revisar los textos de todo lo dicho en mi web. Porque para los que solo me escuchen a través de los reproductores de Itunes, Ivoox o Youtube os recuerdo que todas las transcripciones de los podcast están en la web www.davidestebancubero.com. Y ahora sí, seguimos con los arquetipos restantes. 7. El amante El amante es un compañero leal que teme ser no deseado o no querido. Busca su otra mitad, o al menos, algo para llenar el vacío. Son personajes apasionados y comprometidos, que aman de corazón y disfrutan cuando están en relación con otras personas. También buscan tener un trabajo y un entorno que les agrade y donde se sientan a gusto. Un ejemplo clásico de amante sería Samantha de Sexo en Nueva York, que además de tener multitud de amantes a lo largo de la serie se dedica a trabajar de relaciones públicas y está siempre rodeada de personas. Pero los amantes también tienen un talón de Aquiles, al querer ser más atractivos para los demás y complacer a todos, sufren el riesgo de perder su propia identidad. Y su mayor temor es la soledad y no ser amado, por eso a veces pueden convertirse en una marioneta en manos de otros. Otro ejemplo de amantes son Shannon y Kate en Lost. Aunque Kate, además de amante, también tiene otro arquetipo, la rebelde. Si hablamos de marcas podemos reseñar entre los arquetipos amante a L’Oreal, Häagen-Dazs y Martini. 8. El mago El mago es un visionario que entiende la forma en que funciona el mundo. A los personajes magos le encanta encontrar soluciones beneficiosas para todos y por eso usan su poder para transformar la parte oscura de las cosas. Pero al mismo tiempo, tienen miedo a las posibles consecuencia negativas no deseadas de todos sus actos. Un ejemplo sería el Profesor en La Casa de Papel. Gracias a su conocimiento del sistema puede realizar ese plan de atraco perfecto y tener previstos todos los pormenores que pueden suceder en la acción. Pero por eso sufre tanto con los contratiempos