Sofá Sonoro

<p>Cuando Jimmy Cliff era niño en la Jamaica de los años 50, iba al colegio sin zapatos y se lavaba los dientes con el dedo, a mediados de los años sesenta se hizo un hueco en la música gracias a canciones que traspasaron fronteras. A finales de la década viajó a Londres donde grabó Hard Road to Gravel, un álbum que lo convirtió en el primer gran icono de la música jamaicana. Pero todo cambiaría y explotaría años después cuando se convirtió en el protagonista de la primera película del cine jamaicano.</p><p>La carrera, todavía vibrante de Jimmy Cliff, resulta de lo más curiosa y trepidante. Sus orígenes, sus éxitos, sus colaboraciones con Springsteen o Costello, todo ello es parte de una vida pegada a la música que lo han convertido en uno de los grandes referentes de la isla del Caribe más allá del nombre de Bob Marley. Antes de que Bob despegase, Cliff llevaba ya un par de vueltas. La más llamativa llegó de la mano del cine cuando en 1972 se convirtió en Iván, el protagonista de The Harder They Come, la primera producción rodada en Jamaica, con un director y un reparto jamaicanos. Cliff además puso la banda sonora a la que vamos a dedicar el episodio de la esta semana.</p><p><span style="font-size: 1rem;">La historia de este músico, de esta película y de esta etapa de la música jamaicana resultan fascinante y para este tremendo viaje nos acompaña el periodista y escritor Arturo Lezcano y Lucía Taboada con sus reportajes. </span><br></p>

<p>¿No sabes quiénes son las Fanny? Normal. Su increíble historia llegó a poca gente a pesar de que David Bowie escribiese un artículo en la revista Rolling Stone reclamando su legado y su importancia. Este grupo de mujeres, algunas de orígenes filipinos y otras bisexuales, se empeñó en hacer rock en los años 70. No fue fácil que nadie las tomase en serio a pesar de impresionar al propio Bowie o Joe Cocker. Para contar su historia invitamos a Nuria Pérez, de Gabinete de Curiosidades, y a Lucía Taboada. </p>

<p>Esta semana recuperamos este Sofá Sonoro Especial en el que recordamos los inicios de Lou Reed en solitario de la mano de Fernando Navarro, Arturo Lezcano, el análisis de Ignacio Julia y los reportajes de Lucía Taboada.</p><p><br></p>

<p>El 18 de mayo de 2021 murió uno de los músicos más singulares y únicos de Europa. El Franco bueno. La muerte de Franco Battiato no fue una sorpresa, llevaba años apartado del mundo con un pacto de silencio de sus amigos que nunca hablaron de los motivos que llevaron al músico más especial de Italia a desaparecer de la escena pública.</p><p>Aunque no fuese una sorpresa fue triste decir adiós a este tipo que habitó mundos propios, creó canciones eternas y que grabó decenas de discos de estilos diferentes, también pintó, abrazó la literatura, se acercó al cine y en todo lo que hizo dejó impresa una personalidad que lo hizo único.</p><p>Resumir la vida o la carrera de Battiato es tarea compleja, nunca siguió normas y su aproximación a la música fue siempre de una manera personal. Tras casi dos décadas de intensa carrera, Franco publicó en 1981 un álbum que cambió su vida y que le dio fama en todo el mundo. En este episodio de Sofá Sonoro queremos recordar La Voce del Padrone, la gran joya de su discografía y para ello hemos invitado a la cantante Sheila Blanco. "Este disco me enamoró profundamente", explica Sheila. "Me hizo Battiatista para siempre. Alguien que es capaz de hacer esas melodías, producirlas con esas influencias clásicas pero sonando tan pop y cantar esas letras impúdicas intelectualoides, con sentido del humor, con erudición, con imágenes tan potentes… Es un sueño de artista, Franco Battiato es un freaky que consiguió enamorar a esnobs, rockeros, intelectuales, a radiofórmula, a todo el mundo", añade.</p>

<p>Esta semana tenemos discazo. Trasladamos el Sofá Sonoro para recordar La Voce del Padrone, el disco que cambió la carrera del músico italiano. Para este viaje nos acompañan Sheila Blanco y Lucía Taboada.</p>

<p>Héroes del Silencio es una de las bandas de rock más importantes de la historia de España y en breves del dedicaremos un programa del que sale este reportaje de Lucía Taboada </p>

<p>A la música de Bob Dylan te puedes aproximar de muchas maneras. A través de sus discos, de sus conciertos o de sus álbumes de rarezas, esos enormes Bootlegs. También se puede llegar a sus canciones a través de versiones.</p><p>Esta semana vamos a cambiar el formato del Sofá Sonoro para adentrarnos en la obra del cantante de Duluth de la mano de mujeres, de una docena de voces femeninas que a lo largo de 50 años han reinterpretado su obra desde otro prisma. De Odetta a Miley Cyrus pasando por Janis Joplin, Etta James o Marianne Faithfull.</p><p>La música de Bob Dylan ha influido en miles de artistas y son cientos los músicos que han acabado con la etiqueta de "el nuevo Dylan". Etiquetas al margen, la forma de escribir, de crear historias y universos ha marcado a muchos, también a muchas. Pero en esta selección hay de todo. Compositoras de folk como Odetta, que compartió escena con Dylan, pero también cantantes de pop como Miley Cyrus o de jazz como Sara Vaughan, un amplio abanico que mezcla la influencia con la admiración y que nos ha dejado un programa de lo más interesante que se suma a nuestra colección de episodios de versiones.</p><p><span style="font-size: 1rem;">OTROS PROGRAMAS:</span><br></p><p><a href="https://cadenaser.com/programa/2022/01/29/sofa_sonoro/1643459428_144730.html" target="_blank">The Beatles versionados por sus héroes</a></p><div><br></div>

<p>Los reportajes que Lucía Taboada nos hace cada semana nos sirven de punto de partida del programa, una forma de dibujar algo de contexto a ese mundo al que llegaron los discos que analizamos en el programa, pero verlos así juntos, ordenados, también nos permite recordar cómo fueron aquellos años. La temporada pasada recuperamos todos los programas de los sesenta, hace unos meses hicimos lo propio con los 70 y hoy miramos a una década fascinante, más mía y de Lucía que las anteriores: los años noventa. </p><p><a href="https://cadenaser.com/audio/1648548435265/" target="_blank">Escucha el programa de los años 60 </a></p><p><a href="https://cadenaser.com/audio/1662977600450/" target="_blank">Escucha el programa de los años 70 </a></p><p><b><a href="https://open.spotify.com/playlist/3mUzkLIGpAVXpW9pQUVGzu?si=5b8d0076e2b74f52" target="_blank">SOFÁ SONORO | Todos los episodios dedicados a discos de los 90 </a></b></p>

<p>En el año 2002 un rumor comenzó a circular en los ambientes de melómanos, un rumor que hablaba de un disco titulado O compuesto por un desconocido músico callejero de Irlanda. Aquellas voces apuntaban a un secreto, a una voz especial de esas que surgen cada década y que tienen el don de romperte en dos.</p><p>Aquel rumor se fue extendiendo y presentando en sociedad a Damien Rice, un tipo que había vagado por Europa tras abandonar a la puertas del estudio de grabación a su primera banda. Rice no quería ser famoso y le espantaba la industria musical y todo lo que la rodea. Lo que no podría esperar entonces el músico es que de aquellos viajes regresaría casa con un saco de canciones que le cambiarían la vida.</p><p>Rice había creado algo especial y fuera de los márgenes se auto produjo su disco de debut. Pero entonces sucedió la magia y esas canciones se esparcieron por el mundo conquistando a miles de personas por su fuerza, honestidad y belleza.</p><p>El músico pronto grabó otro disco y tras él llegó una ruptura y una nueva espantada. Durante años muchos nos hicimos la misma pregunta. ¿Dónde está Damien Rice? Hoy dedicamos el Sofá Sonoro a recordar el debut y la carrera de uno de los músicos más misteriosos de las últimas décadas, un tipo que huyó de todo y que encontró la paz entre volcanes. Para este episodio nos acompañan Fernando Navarro, periodista de El País, y Lucía Taboada.</p>

<p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar O, el debut de Damien Rice, un álbum que tuvo contra todo pronóstico una irrupción tremenda que descolocó la vida de este peculiar músico irlandés. Fernando Navarro nos llama al contestador del programa para explicarnos sus motivos para traer al Sofá esta joya de disco.</p>

<p>Se cumplen 40 años de la edición de '1999', la antesala de Purple Rain y lo celebramos recuperando el programa que dedicamos a estas joyas de Prince.</p>

<p>El 21 de agosto de 2021 Tony Bennett, enfermo de alzhéimer desde hacía n lustro, se subió a un escenario de Nueva York para despedirse de su público. A sus 95 años el veterano crooner había recuperado la forma perdida tras la pandemia. Aquella noche Lady Gaga acompañó a su amigo, que al verla recuperó la fuerza y recordó su nombre. “Aquella era la primera vez que Tony decía mi nombre en mucho tiempo. Tuve que guardar la compostura porque teníamos un concierto con todas las entradas vendidas y tenía que hacer mi trabajo, pero cuando subí al escenario mis amigos me vieron y aquello fue muy especial”, recordaba la cantante.</p><p>Lady Gaga y Tony Bennett se habían conocido unos años atrás cuando tras una actuación de la artista, Bennett pidió conocerla. “Señorita, usted es una cantante de jazz”, le dijo el veterano cantante.</p><p>Tras aquel encuentro, Bennett invitó a su nueva amiga a grabar un dueto y tras esa canción llegó el paso más arriesgado: grabar un disco juntos.</p><p>Lady Gaga venía de su The ARTPOP Ball Tour, un proyecto arriesgado que agotó a la cantante. Angustiada, Gaga buscó cobijo en Bennett, siendo consciente del riego que a la par conllevaba. Sin embargo la apuesta de ambos funcionó y Cheek to Cheek fue un disco asombroso en el que sus voces casaban bien y en el que se nota la química natural que había entre ambos.</p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar este extraño y maravilloso experimento de la mano de Sara Morales y Lucía Taboada.</p>

<p>Esta semana recordamos a Tony Bennett, un maestro atemporal y lo hacemos recordando su sorprendente colaboración Lady Gaga. Sara Morales, periodista de Efe Eme, nos cuenta los motivos para hacer este disco. </p>

<p>Franco Battiato es uno de los músicos más creativos y extraños de Italia. Esta temporada dedicaremos un Sofá Sonoro a recordar La Voce del Padrone y como aperitivo os dejamos este reportaje de Lucía Taboada</p>

<p>En enero de 1992 Nirvana llegó al número 1 en EEUU con Nevermind poniendo a Grunge en la primera plana de la música. En julio November Rain de Guns and Roses se convirtió en el vídeo musical más caro de la historia confirmando la edad de oro de la MTV y en septiembre Frank Zappa dio su último concierto, enfermo de cáncer en la fase final el músico recibió una ovación de 20 minutos. Dos semanas después Sinead O'Connor se colocó en el centro de la polémica por romper una foto de Papa durante su actuación en Saturday Night Live. Ese año, con menos ruido, llegó también el debut de Tori Amos.</p><p>Esta semana recorremos Little Earthquakes de la mano Toni Castarnado y Lucía Taboada.</p><p><b><a href="https://cadenaser.com/nacional/2022/06/26/veinte-discos-que-fueron-la-banda-sonora-de-los-anos-noventa-cadena-ser/" target="_blank">Otros programas dedicados a discos de los 90</a></b></p>

<p>En 1992 debutó Tori Amos con Little Earthquakes, un álbum fascinante, íntimo y descarnado que fue la carta de presentación de una de las mujeres más fascinantes de los últimos 30 años. La historia que rodea al disco es también sorprendente y estuvo llena de obstáculos. Toni Castarnado nos da sus motivos para hacer este disco.</p>

<p>David Bowie es uno de los personajes más fascinantes y complejos de la música. Sus inicios, lejos del éxito que tuvo años después, dan una buena idea de la personalidad del inglés. Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron esos primeros pasos.</p><p>Este reportaje es parte del programa que dedicamos a la primera gran etapa de Bowie.<a href="https://cadenaser.com/programa/2021/08/07/sofa_sonoro/1628319634_200303.html" target="_blank"> Puedes escucharlo aquí. </a></p>

<p>No ha habido en la música un artista más genial que Charlie Parker, un tipo tan revolucionario como caótico, que lideró la reconversión más salvaje del jazz impulsando el bebop.  <span style="font-size: 1rem;">Charlie tocó con todos los nombres grandes de la historia del jazz, la mayoría adolescentes en esos gloriosos años cuarenta, pero Parker necesitaba a alguien a su altura, alguien que pudiese elevarlo, llevarlo a otros lugares. Ese alguien resultó ser Dizzy Gillespie, juntos coincidieron en varias ocasiones y grabaron algunos discos que son parte de la historia de la música. </span></p><p><span style="font-size: 1rem;">La relación entre Dizzy Gillespie fue larga y no resultó sencilla. Parker, un estudioso de la música, acabó preso de sus adicciones y la relación se torció. Dizzy solía viajar con un trompetista de repuesto por si Charlie no aparecía o desaparecía, pero la unión fue tan intensa y poderosa que Dizzy llegó a calificar a su socio como la otra mitad de su latido. Tras años de colaboraciones en 1952 llegó a las tiendas su último trabajo, un álbum que los juntó con Max Roach o Thelonious Monk</span><br></p><p>Esta semana regresamos al jazz para recordar esta joya de dos de sus más grandes talentos, un álbum que vamos a recorrer en la compañía de Manuel Recio y con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar Dizz & Bird, el disco que estos dos genios del jazz grabaron juntos en 1952 y que fue su última colaboración juntos. Manuel Recio nos explica los motivos para hacer esta joya del jazz. </p>

<p>La infancia de la hija del cantante más famoso del mundo no fue al uso, pero desde muy pequeña Nancy se preparó para triunfar. Lucía Taboada nos cuenta los orígenes de Nancy. </p><p><a href="https://cadenaser.com/nacional/2022/07/23/nancy-sinatra-y-el-peso-de-un-apellido-de-leyenda-cadena-ser/" target="_blank">Escucha el programa completo dedicado a Nancy Sinatra.</a></p>

<p>Dicen que los seres humanos aprendemos de nuestros errores, pero a veces esos errores nos empujan a cometer otros nuevos. El Festival de Woodstock es el mejor ejemplo de ello. Celebrado en tres ocasiones, los errores de los dos primeros empujaron a sus organizadores al caos total de la tercera edición, la de 1999.</p><p>Esta semana vamos a recordar todas las ediciones del festival de Woodstock de la mano de los periodistas Fernando Navarro, Sara Morales y contaremos también con Jorge Otero, de Stormy Mondays, única banda española que actuó en el festival.</p><p><b><a href="https://cadenaser.com/programa/2019/08/06/sofa_sonoro/1565112508_379405.html" target="_blank">Escucha el programa dedicado a la edición de 1969</a></b></p>

<p>Los Secretos son una de las bandas más fascinantes del pop de los años 80 y uno de los pocos grupos que pasó a la siguiente década en su mejor momento. Al frente del grupo estaba Enrique Urquijo, un tipo tímido, bromista y perseguido por las depresiones y las adiciones, un compositor tremendo que murió demasiado joven.</p><p>En 1991, la banda dio un paso al frente y estrenó nueva década con Adiós tristeza, uno de sus mejores trabajos y un álbum con un sonido fresco que fortaleció la banda.</p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar el séptimo álbum de estudio del grupo madrileño de la mano de la periodista Arancha Moreno, directora de Efe Eme, y con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>En 1978 la música de los años setenta estaba cambiando. Aquel año los Sex Pistols dieron su último concierto, en enero la banda sonora de Fiebre del Sábado Noche llegó al número 1 en EEUU y se mantuvo en lo más alto hasta el verano. Los Grammy coronaron el Rumours de Fleetwood Mac y el Hotel California de los Eagles. En Jamaica se celebró el recordado concierto por la paz de Bob Marley. The Band también editó su último Vals. Los temas más exitosos en Reino Unido venían con la forma de los Bee Gees, John Travolta junto a Olivia Newton John, los Village People o Boney M.</p><p>Aquel año también debutaron Van Halen, Kate Bush, los Buzzcocks, Prince o nuestros protagonistas de esta semana: Dire Straits.</p><p>El debut de la banda inglesa costó 12.500 libras y vendió millones lanzando al estrellato a la banda de los hermanos Knopfler, que tras años de trabajo en la sombra vieron cómo su música se expandía por el mundo gracias a un sonido fresco, potente, de buenas guitarras e impulsados por el éxito de ese eterno Sultans of Swing, que fue un sencillo arrollador a ambos lados del Atlántico.</p><p>Dire Straits fueron de las bandas claves de los años 80, un grupo que llenó estadios, conquistó medio mundo y dejó a una generación marcada por sus canciones convertidas en himnos, para muchos fueron la mejor banda de la década y para otros, un grupo sobrevalorado. Hace unos años dedicamos un programa de verano a recorrer su viaje, pero esta semana queríamos recordar su primer el paso, la primera etapa de su viaje de la mano de Fernando Neira y Lucía Taboada.</p>

<p>Esta semana sentamos en el Sofá Sonoro el homónimo debut de Dire Straits, Fernando Neira nos explica por qué debemos recuperar este disco.</p>

<p>A lo largo de estas nueve temporadas de Sofá Sonoro siempre nos ha acompañado Lucía Taboada con sus reportajes. Algunos de historias de bandas, otros de inicios de carreras y de forma más habitual sobre los años en los que se editaban los discos que tratamos en el programa. Esos reportajes nos permiten poner contexto a las cosas que luego tratamos en cada episodio, pero en su conjunto nos permiten ver cómo fue una década concreta. El curso pasado juntamos todos los reportajes de los años sesenta y en este episodio vamos a hacer lo propio con la década siguiente. Unos años sesenta que fueron agitados, repletos de creatividad y en la que surgieron o se consagraron otros géneros musicales como el rock progresivo, la salsa, el hard rock, la música disco o el punk, los setenta fueron una década tremenda con multitud de grandes discos, pero el paso de los 60 a los 70no fue sencillo y vinieron marcados por la muerte, el inesperado adiós de nombres claves del rock. Hoy hacemos un viaje musical por la década de los años setenta. </p><p><a href="https://cadenaser.com/2022/03/30/un-viaje-por-la-decada-de-los-sesenta-ano-a-ano/" target="_blank">Escucha el programa sobre la década de los sesenta.</a></p>

<p>El año 2008 comenzó con Amy Winehouse llevándose cinco premios Grammy por su segundo disco, a su calor debutaron cantantes como Duffy o Leona Lewis. Aquel fue un año muy femenino en la música. Britney Spears regresaba al número 1 nueve años después y Rihanna sumaba su quinto consecutivo, la misma cifra que sumó Beyoncé con Single Ladies. También regresó a la música Grace Jones con su primer álbum en dos décadas. Entre tanta estrella femenina pasó más desapercibido Easy Come Easy Go el disco de una Marianne Faithfull de 61 años que editó un álbum oscuro y hermoso que es nuestro protagonista esta semana.</p><p>Tras una vida al límite Faithfull se ha constituido como una de las grandes voces de su generación y ha protagonizado un siglo XXI emotivo y con grandes trabajos, nada mal para una mujer que vivió una vida de cuento y pesadilla y que acabó regresando de las más oscuras sombras encadenando una serie de buenos discos, papeles geniales en el cine (Irina Palm) que devolvieron lustre a su figura, ensombrecida por los chismes que ella misma relató en una autobiografía escrita sin filtro y a tumba abierta.</p><p>Faithfull olvidó todo a base de grandes discos y uno de ellos fue Easy Come Easy Go, un álbum con una personalidad peculiar, la que le imprime su autora, y que cuenta con invitados ilustres que rinden tributo a esta mujer. Por el álbum desfilan desde Keith Richards a Cat Power pasando por Nick Cave o Jarvis Cocker.</p><p>Para recorrer este genial disco y la historia de Marianne Faithfull nos acompañan Toni Castarnado y Lucía Taboada.</p>

<p>Esta semana nos llama Toni Castarnado al contestador para proponernos un viaje a los años 2000 de Marianne Faithfull y recordar el estupendo Easy Come Easy Go, un disco fantástico de versiones con un sonido especial y unos colaboradores de lujo. </p>

<p>Pocos sellos independientes tuvieron una irrupción tan increíble como Motown, el gran sello negro de Detroit. Lucía Taboada nos cuenta los inicios del sello.</p><p><a href="https://cadenaser.com/nacional/2022/08/21/los-dias-de-oro-de-las-chicas-de-motown-cadena-ser/" target="_blank">Escucha el programa completo </a></p>

<p>En 1993 tuvo lugar una de las irrupciones musicales más sorprendentes de aquella década llena de sorpresas. Ese año se publicó Emergency on Planet Earth. En pleno boom de grounge y ante el nacimiento del britpop en Inglaterra, Jamiroquai apuntaba a una nueva dirección que mezclaba el funk con el accid jazz alumbrando un sonido propio que pronto se expandió por el mundo.</p><p>En ese contexto llegó el primer trabajo de la banda liderada por Jay Kay, un chaval sin rumbo que encontró en la música un camino hacía el éxito, la fama y la riqueza. Las primeras canciones de la banda retrataban de una manera una tanto naif los problemas que afrontaba el mundo hace treinta años. Hoy aquella emergencia suena todavía más aterradora y preocupante que entonces. Pero no fueron las palabras, sino el sonido lo que captó la atención del público. Jamiroquai partía de una manera evidente del funk y de la música de Stevie Wonder, pero supo actualizar, barnizar y hacer propia aquella fórmula para llegar a millones de personas y abrir una tercera vía entre el grounge de EEUU y los sonidos que irrumpían del britpop.</p><p>Esta semana nos acompañan Manuel Recio y Lucía Taboada para recordar el contexto, las historias y las canciones de aquel debut que el fue el primer paso de una carrera fascinante que convirtió a su creador en una de las grandes figuras de la música de los años noventa.</p>

<p>Este fin de semana arranca la novena temporada de Sofá Sonoro y lo hacemos con un disco clave del sonido de los años noventa, el debut de Jamiroquai. Manuel Recio nos explica por qué debemos recuperar este álbum.</p>

<p>De Johnny Cash a BB King pasando por Big Mama Thornton son muchos los artistas que han actuado en la cárcel o los que han salido de ellas. Lucía Taboada nos lleva de viaje por estas historias que fueron parte del programa dedicado a BB King |<b> <a href="https://cadenaser.com/nacional/2022/08/14/cuando-bb-king-ingreso-en-prision-cadena-ser/" target="_blank">Escucha el programa completo.</a></b></p>

<p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar 'Básico', el concierto acústico del 2000 que captó a Antonio Vega en su mejor momento recorriendo las canciones de su carrera. Para este episodio nos acompañan Arancha Moreno, directora de Efe Eme, y Lucía Taboada.</p>

<p>En 1965 los Beach Boys, influidos por The Beatles, editaron Pet Sounds, un álbum que retrató a la perfección las nuevas metas de la banda. Recuperamos este Sofá Sonoro publicado en 2019 y que es uno de nuestros discos favoritos que recorremos junto a David Moreu y Lucía Taboada. </p>

<p>Entre 1961 y 1971 Motown, el sello emblema de Detroit, consiguió colar 110 canciones en el top 10 de EEUU abriendo una nueva vía en la música y acercando los sonidos de los afroamericanos a la población blanca de EEUU, pero también saltando a Europa, donde su música fue una enorme influencia para las bandas de rock de los años sesenta y setenta. </p><p>Por Motown pasaron Stevie Wonder, Michael Jackson, Marvin Gaye o The Four Tops, pero a pesar de esos nombres el sello de Motown es recordado por sus mujeres, por bandas como The Supremes, Mary Wells, Diana Ross o Martha and The Vandellas.</p><p>La aventura del sello de Detroit representó una anomalía en la música. Un sello independiente que pisotéo a las multinacionales, un mercado pequeño fuera de las ciudades principales de EEUU y una empresa de dueños negros, músicos negros y productores negros que consiguieron saltar las listas de éxitos segregadas para convertirse en la banda sonora de los jóvenes de la época. </p><p>En aquel país de barreras raciales nadie hizo más por derribar muros que los y las artistas y en eso tuvieron mucho que ver las chicas de la Motown, protagonistas todas ellas del programa de esta semana en el que nos acompaña Mario Tornero, director de Fruta Extraña, y Lucía Taboada. </p>

<p>El 10 de septiembre de 1970 una decena de guardias escoltaron a BB King al interior de la cárcel del condado de Cook, el tercer mayor presidio de los Estados Unidos. Dentro le esperaban 2.800 presos. 125 guardias estaban repartidos entre el patio y las torres de vigilancia. Aquella tarde el bluesman grabó, sobre un escenario que antaño se usó para las ejecuciones, unos de los mejores conciertos de su carrera.</p><p>BB King tenía 45 años cuando entró en la prisión de Cook. Aquella sería la primera de muchas actuaciones carcelarias del bluesman, que inició un compromiso fuerte con los afroamericanos encarcelados en EEUU, muchos en la zona de Chicago que había experimentado en las décadas anteriores un tremendo incremento de la población negra que migraba desde el sur escapando del racismo de aquellos estados. La grabación de Live in Cook County Jail fue uno de los mejores discos de la carrera de BB King que se sumaba a esa tradición de conciertos carcelarios, pero no fue el único.</p><p>BB King dio decenas de conciertos en cárceles, en 1971 hizo incluso una gira por presidios y a lo largo de su carrera dio más de 70 conciertos en cárceles por todo EEUU mostrando un fuerte compromiso con la reinserción, pero aquella tarde en Cook fue el primer paso de aquel viaje y nuestro disco de esta semana que compartimos con Ricardo de Querol, Lucía Taboada y Jimena Marcos.<br></p>

<p>Black Sabbath irrumpió en la música a lo grande, con dos discos en seis meses. Con polémica, ruido y un sonido nuevo que marcó a los chavales que estaban todavía en el instituto y que vieron un camino para sus vidas.</p><p>El primer álbum de la banda fue grabado en jornadas diurnas y con un presupuesto de menos de mil libras. Poco después la banda volvía al estudio con un sonido más pulido y una colección de canciones potentes que criticaban la guerra, ensalzaban las drogas, exploraban la inestabilidad mental o dibujaban distopias.</p><p><br></p>

<p>En 1961 tuvieron lugar varios eventos claves de la música. Ese año los Beatles dieron su primer concierto en The Cavern, Frank Sinatra creó el sello Reprise, en el que luego grabarían los Kinks o Hendrix, ese año Fracoise Hardy firmó su primer contrato profesional para grabar su debut y también tuvo lugar la grabación de nuestro disco de de esta semana.</p><p>El 28 de octubre de 1961 un Jacques Brel de 32 años llenó el teatro Olympia de París para un concierto que cambió su carrera.</p><p>Desde mediados de los años 50 Jacques Brel, que había dejado Bélgica para conquistar Francia, se había hecho un nombre en la música gracias a sus letras y a sus intensas interpretaciones. En esos años había girado intensamente por países lejanos, había compartido escenario con los grandes nombres de la época y había firmado un contrato para editar sus discos en EEUU, la vida marchaba bien, sin embargo, su grabación en el Olympia y sobre todo el éxito de su Ne Me Quitte Pass de 1959 lo convirtieron en una estrella de los sesenta.</p><p>En este episodio recorremos aquella histórica actuación y la importancia de Brel en la música francesa de la mano de Igor Paskual y con los reportajes de Lucía Taboada, Jimena Marcos y Griselda Pastor.</p>

<p>No hay en la música figuras tan imponentes como Solomon Burke, su historia es fascinante, pero sus orígenes lo son todavía más. Lucía Taboada nos cuenta los inicios del predicador del soul y el rock.</p><p><a href="https://cadenaser.com/nacional/2022/07/16/solomon-burke-y-el-trono-del-gigante-cadena-ser/" target="_blank">Escucha el programa completo dedicado a Solomon Burke</a></p>

<p>En los años finales de los Beatles pasó de todo, se rompió la magia, la amistad y el sueño de la banda de Liverpool, en esa guerra entre Paul y John se coló un George Harrison en pleno crecimiento que reclamaba su espacio, su foco y su mérito. Cuando todo explotó en 1970, Harrison se encontró con la ocasión de ajustar cuentas con sus viejos compañeros y de demostrar que se equivocaron descartando tantas canciones suyas.</p><p>La obra de los Beatles es el santo grial de la música del siglo XX, la guía perfecta para todos los que llegaron después y siguieron sus pasos. Tras el final de la banda se abrió un nuevo episodio en sus vidas y también en las nuestras y si algo bueno tuvo ese final fue poder descubrir sus discos en solitario, las grandes canciones que fueron dejando tras el viaje juntos. Uno de los discos más interesantes y impactantes fue este All Things Must Pass, un álbum enorme repleto de canciones de todo tipo. Algunas creadas junto a Bob Dylan, otras al calor de la guitarra de Eric Clapton y otras que llevaban años esperando una oportunidad.</p><p>En 1970 llegó a las tiendas Let It Be, pero también álbumes en solitario de Paul, John, George y Ringo. Tras una década de viaje musical ninguno tenía nada que demostrar ya, pero George era el que tenía más ganas de dar un golpe encima de la mesa y lo hizo con una fuerza demoledora.</p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar esa joya eterna de la música de la mano de Sheila Blanco, Fernando Neira y Lucía Taboada.</p>

<p>Recuperamos el Sofá Sonoro dedicado a The Clash que abrió la temporada de verano del 2021, un apasionante viaje al disco más recordado de la banda inglesa.</p>

<p>Nancy Sinatra lo tuvo todo para triunfar. La hija del eterno Frank Sinatra recibió siendo muy pequeña una educación orientada la arte. Frank no sabía si su hija sería cantante, pero tenía claro que él pondría todo de su parte para que la niña fuese lo que quisiese.</p><p>Nancy pronto demostró talento para la música y su padre se volcó en ella. Pero nada resultaría sencillo y quizá lo más complejo de todo para la chica fuese cargar con un apellido tan pesado como el suyo.</p><p>Tras unos inicios poco prometedores, Frank puso la carrera de su hija en las manos de Lee Hazlewood, un tipo con mucho más talento que reconocimiento. El compañero ideal, un músico, productor, arreglista y compositor que además sabía cantar pero que no tenía suficiente nombre para hacer sombra a Nancy.</p><p>Juntos trabajaron duro y fueron dando pasos en la dirección correcta. Cambiaron el tipo de música, el estilo de Nancy y apuntaron hacía otra dirección. De pronto todo explotó con These Boots Are Made for Walkin', el primer gran éxito de Nancy.</p><p>Tras algunos sencillos y los primeros álbumes de Nancy, producidos por Lee, la pareja dio un paso más y grabaron junto Nancy & Lee, un disco de duetos que es una maravilla y que fue el primero de una trilogía fantástica a la que dedicamos el Sofá Sonoro de esta semana junto a Fernando Navarro y Lucía Taboada.</p>

<p>Tras un tremendo 1971, el 72 mantuvo el pulso y vieron la luz una enorme cosecha de discos. Recuperamos este programa de enero para viajar a ese año y recorrer sus discos más recordados.</p>

<p>Las auténticas leyendas tienen despedidas a la altura de su legado. Solomon Burke se fue de la mejor de las maneras: con grandes discos, premios Grammy y actuaciones en grandes festivales del rock en los que cantaba desde un trono de oro en el centro del escenario.</p><p>Tras editar discos menores en los años 90, Burke regresó a la primer línea con el nuevo siglo. Primero llegó The Commitment, un primer paso para coger impulso. Un año después publicó Dont Give Up on Me, trabajo con el que se llevó un más que merecido Grammy en clave de blues y con temas de Bob Dylan, Elvis Costello o Tom Petty, una línea que siguió con Make Do With What You Got, de 2005.</p><p>Después de esa consolidación blusera, Burke abrazó el country con dos discos preciosos, Nashville, de 2006 y Like a Fire, en 2008. Todavía grabaría dos discos más antes de morir en 2010, álbumes que completan una de las discografías más apasionantes, variadas y sensacionales de la historia de la música.</p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar esta etapa y el legado del cantante de la mano de otro vocalista, Jimmy Barnatán y, como siempre, con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>La Velvet Underground de Lou Reed fue una banda adelantada a su tiempo, un grupo salvaje con una mirada diferente. Todo eso provocó que la banda fuese un fracaso tremendo en su época, pero precisamente por ello tuvo una influencia desmedida en los grupos que vendrían después. Lucía Taboada nos cuenta los orígenes del grupo.</p>

<p>ras aquellas gafas negras de pasta y ese matojo de pelo se escondía una de las voces más fascinantes de la música y un artista con una sensibilidad especial que fue capaz de cantar desde una vulnerabilidad sorprendente para un tipo nacido en Texas en los años 30.</p><p>Pero Roy Orbison cantaba con el corazón en la mano y la verdad por delante. La triste muerte de su mujer, seguida por la doble pérdida de sus dos hijos en un incendió marcó para siempre la vida de Orbison.</p><p>Tras unos años ochenta perdido, como la mayoría de pioneros de su generación, Orbison se reencontró de la mano de Jeff Lynne, líder de la ELO, y fue parte de aquel fabuloso experimento de los Traveling Wilburys, banda que lo juntó con Bob Dylan, George Harrison, Tom Petty y el propio Lynne. De todos ellos, Orbison era el que se encontraba en un momento más complicado de su carrera y el que más fortalecido salió de aquel viaje.</p><p>Pero fue en ese periodo cuando Orbison regresó también al estudio para grabar un álbum propio después de varios años. Lo hizo con los Hearthbreakers, la banda de Petty, como escuderos y con canciones escritas para él por tipos como Elvis Costello o Bono y The Edge de U2.</p><p>'Mystery Girl' iba a ser el álbum que consagrase de Orbison como un artista vigente, actual y con futuro, pero Roy no llegó a verlo en las tiendas. Tras unos tiempos de molestias en el pecho le confesó a Johnny Cash que estaba asustado y le prometió ir al médico. Murió unos días después.</p><p>Con el tiempo aquel disco póstumo del enorme Roy Orbison se ha ido olvidando, pero volver a escucharlo sabiendo su historia es una experiencia fascinante que merece la pena y para la cual nos acompañan Fernando Neira y Lucía Taboada.</p>

<p>Pocas vidas tan trepidantes como la de Marianne Faithfull, una mujer capaz de llegar a la cima, dormir en los infiernos y consagrarse siendo ya una veterana curtida en mil batallas. Lucía Taboada nos cuenta los orígenes de Marianne, protagonista de uno de los programas de la próxima temporada. </p>

<p>Dicen que el tiempo todo lo cura y suele ser verdad. Para entrar en el Salón de la Fama del Rock tienen que haber pasado 25 años desde tu debut, tiempo de sobra para que todas esas bandas que acabaron en el barro hayan podido lamer sus heridas. No sucedió así con la Creedence Crearwater Revival, una banda mítica que en 1969 editó tres álbumes capitales y que apenas duró uno más antes de que el odio, los egos y las envidias se la llevasen por delante. Hasta el punto de que John Fogerty acudió en solitario al ingreso de la banda en el Salón de la Fama del Rock. </p><p><span style="font-size: 1rem;">El final de la década de los 60 dejó lo mejor de las bandas que habían definido la década. El año del Festival de Woodstock se publicaron discos brillantes de los Beatles, The Who, los Stones o Led Zeppelin. Aquel año la Creedence Crearwater Revival publicó tres discos ascendiendo de pronto a la más alta cima de la música, el mejor escenario desde el que despeñarse en un abrir y cerrar de ojos.  </span><br></p><p>Uno de esos discos fue Green River, una joya de la música americana que mezclaba con tremendo acierto los ingredientes más sabrosos de la tradición musical y que alejado de los sonidos de la época consiguió conquistar al público. </p><p>Aquel año, entre tanto genio, la Creedence reinó con canciones brutales que fueron la banda sonora de un 1969 mágico en el que nadie pudo seguir el ritmo del grupo de John Fogerty. </p><p><span style="font-size: 1rem;">Esta semana recordamos aquel disco, esa época y la peculiar historia de una banda que subió a los cielos de la música para explotar y desaparecer dejando un legado inmenso difícil de igualar. Para este viaje nos acompañan Fernando Navarro y Lucía Taboada. </span><br></p>

<p>Este verano dedicamos un programa a Antonio Vega y para ello Lucía Taboada nos dibuja el viaje de la primera gran banda de Antonio</p>

<p>En octubre de 1970, Janis Joplin entró al estudio de grabación llena de energía y con la idea clara de hacer un disco propio, distinto, fuerte, uno que marcarse el nuevo rumbo que iba a dar su carrera con ella como protagonista principal tras su paso por varias formaciones.  </p><p>Janis estaba segura de que aquel álbum iba a cambiarlo todo. El 4 de octubre grabó las pistas vocales de Mercedes Benz y se fue a su hotel. Esa noche murió. </p><p>Unos meses después llegó a las tiendas Pearl, el álbum póstumo de la cantante texana y uno de los discos más recordados de la breve pero intensa carrera de Joplin. </p><p>En aquel álbum se muestra a Janis en todo su esplendor y apunta el rumbo que hubiera tomado su carrera si la muerte no se hubiera cruzado con la cantante en aquel hotel de Los Ángeles. </p><p>Esta semana recorremos aquel disco y el último año de vida de Janis Joplin, un recorrido por unos meses trepidantes que dieron lugar a un álbum legendario que nos desgrana Mario Tornero, director del Fruta Extraña, y con los reportajes de Lucía Taboada.  </p>

<p>En los años ochenta, Patti Smith se alejó de la música para cuidar a sus dos hijos. En esos años se centró en la escritura, fueron años claves para su formación y para lo que vendría después. En aquella década, Smith solo publicó un disco, Dream of Life, junto a su marido. Tras la inesperada muerte de Fred Smith, Patti se encontró viuda a los 48 años, sin trabajo y con dos adolescentes a su cargo. </p><p>En aquel momento de dudas apareció Michael Stipe, cantante de REM, que con  una llamada nocturna cambió la carrera de Smith que volvió a los escenarios junto a Bob Dylan y más tarde al estudio con Gone Again, un disco fascinante que marcó su nuevo regreso. Esta semana recordamos esta historia y estas canciones junto a Toni Castarnado y Lucía Taboada.</p>