Sofá Sonoro

<p>En la vida se habla y se valora mucho aquello de estar en el sitio oportuno en el momento correcto como una de las claves del éxito, porque a veces es mejor tener algo de suerte que exceso de talento. Big Star tuvo más de lo segundo que de lo primero y nunca encontró su momento.  </p><p>Big Star fue una de las grandes bandas de los setenta, pero no hacían la música que se demandaba y cuando hicieron buenas canciones, que fue la mayoría de las veces, estas rara vez llegaban al público.  </p><p>En pleno boom de rock duro, del progresivo y de la música negra, los chicos de Memphis hacían un pop delicado y elegante que conecta más con el Wilco del siglo XXI que con los grupos de los setenta y los cantautores malditos. Su historia es fascinante y su música preciosa, pero todo comenzó con Number 1 Record, su disco de aquel fascinante 1972 que nos presentó a la banda de Memphis. </p><p>Esta semana David Moreu se sienta en el Sofá Sonoro para recordar la historia, las canciones y la mala suerte que persiguió a Big Star. </p>

<p>Recuperamos este programa de archivo con villancicos fascinantes a cargo de Otis Redding, U2, Stevie Nicks, Solomon Burke, James Brown o The Black Crowes.</p>

<p>Se nos escapa el año, un año intenso, convulso. Un año con guerras, con desastres, con muertes de gente que admiramos y que queremos, pero un año con otra cara en el que también nos han pasado cosas buenas. Cosas que nos han alegrado como individuos. Y todos esos eventos, esos sucesos, han tenido banda sonora. Hoy recopilamos nuestros temas favoritos, los que más compañía nos han hecho.</p><p><a href="https://open.spotify.com/playlist/1sqCt2j513HjuX9rLcwzD0?si=3dcd3a739fae4d9b" target="_blank">Playlist de Spotify con las canciones del programa.</a></p><p><a href="https://open.spotify.com/playlist/6U9h2xQ29NHRdi3dGlg8qx?si=9ae431149b67484b" target="_blank">Playlist del Sofá Sonoro | Descubre nuestra selección semanal.</a></p>

<p>Esta semana recuperamos de nuestro archivo el programa que dedicamos a My Aim is True, el debut de Elvis Costello.</p>

<p>Bill Whiters es uno de los tipos más singulares de la música. Tras servir una década en la armada el bueno de Bill acabó haciendo canciones, vendiendo millones de copias de sus discos y siendo todo un referente con una voz de oro durante otra década hasta que de nuevo Bill se cansó y lo dejó todo para no mirar atrás y empezar una nueva vida ajena a la música en los años 80.</p><p>La irrupción de Whiters fue a lo grande. Una de las primeras cosas que hizo en la música Bill fue escribir y cantar Ain't No Sunshine, un tema que lo convirtió en una estrella. “Nunca había escrito una canción, no sabía tocar nada y nunca había cantado fuera de la ducha, pero pensé que sería bonito entrar en la industria musical así que me arriesgué, puse hasta el último céntimo y grabé un disco yo solo con mi propio dinero. Me llevó dos años conseguir un contrato mientras trabajaba en la aviación. Mucha gente me decía que era muy mayor para comenzar una carrera. Tenía 32 años. Eso lo hizo más interesante", apuntaba. Aquella canción fue parte Just As I Am, el disco con el que se presentó al mundo en 1971, un año con una cosecha mítica de discos eternos entre la que brilla la obra magna de Withers.</p><p>Durante los siguientes años, Bill vivió por y para la música, pero sin ser nunca parte de la industria. Hasta que un día, después de vender millones decidió que ya había tenido bastante y cerró esa puerta de su vida para no volver a abrirla. Medio siglo después de su obra maestra toca volver a la música y al talento de Bill Withers porque no queremos que caiga en el olvido una de las mejores voces del soul. Para este viaje nos acompañan Sheila Blanco y Lucía Taboada.</p>

<p>Esta semana Sheila Blanco nos propone sentar en el Sofá Sonoro 'Just As I Am' de Bill Withers, autor del eterno 'Aint No Sunshine', que es parte de uno de los grandes discos de la historia del soul.</p>

<p>Esta semana dedicamos el programa a recordar 'Achtung Baby', uno de los discos más fascinantes de los años 90 y álbum que transformó la carrera de la banda irlandesa.</p><p>En 1991 solamente habían pasado 11 años desde el debut de U2, pero el mundo era un lugar muy diferente y esa década había pasado factura a la banda que llegó exhausta a ese momento clave que había tumbado a muchas de las bandas que habían inspirado a los irlandeses o que habían empezado a la par que ellos. En ese contexto la banda se reinventó y facturó uno de los mejores discos de su carrera. Hoy dedicamos el sofá sonoro a Achtung Baby.</p><p>En aquel curso enorme en el que se editaron álbumes eternos como Nevermind, el disco negro de Metálica, el debut de Pearl Jam o el Use Your Illusion de Guns and Roses, U2 demostró que tenía capacidad de reinventarse y encabronada por las malas de críticas de su anterior trabajo facturó un disco valiente que cambiaba el paso de su sonido. Para esta grabación la banda acudió al productor Brian Eno cuyo cometido era eliminar del disco cualquier cosa que sonase a U2 y el grupo definió el álbum como el sonido de cuatro tipos talando el Joshua Tree, el referencia a su disco más exitoso hasta ese momento.</p><p>Hace poco Bono reconoció algo en una charla con David Letterman que refleja muy bien la esencia de U2 y cómo ha operado la banda en momentos de duda o de estancamiento como el que vivían. “Raramente estoy en mi zona de confort y creo que ha sido duro para el grupo porque yo tampoco les dejo estar en la suya”, explicó el cantante.</p><p>Esta semana invitamos a la periodista Sara Morales para recorrer este momento clave en la carrera de la banda irlandesa.</p>

<p>Poco antes de morir Justin Townes Earle, uno de los grandes compositores de su generación, contó en una entrevista que si no levantabas la vista de tu móvil y mirabas el mundo tus canciones no serían otra cosa que entradas de tu puto diario y nadie querría leer tu diario. Y era verdad, salvo que fueses Taylor Swift.</p><p>Tuvo que venir una pandemia mundial que nos encerró a todos en casa para que Taylor Swift, que había hecho carrera abriéndose en canal y retratando su vida, amores y errores, decidiese quitarse el foco y mirar a otro lado. “Este es el primer disco en el que no he tenido la necesidad de que fuera 100% autobiográfico. Antes sentía que tenía que hacer eso y que los fans tenían que escuchar un relato de mi vida sacado de los titulares. Eso acabó limitándome porque componer es mucho más que lo que sientes solo en tu experiencia propia”, explicaba la cantante.</p><p>Mientras el mundo se venía abajo, Swift se puso manos a la obra y de la mano de Jack Antonoff y Aaron Dessner dio forma a una canciones diferentes en forma, estilo y sonido. La cantante abandonó su universo musical y desde la distancia y desde su dormitorio creó un disco especial.</p><p>‘Folklore’ llegó por sorpresa y fue recibido con los brazos abiertos tanto por los seguidores habituales de la cantante como por un público nuevo menos dado a escuchar pop. Con este disco, Swift arrasó de nuevo tanto en los premios como en las listas de éxito y demostró que es una de las artistas más grandes de este sigo.</p><p>Para este viaje alrededor de la obra de la estadounidense nos acompaña el periodista Mario Tornero.</p>

<p> Hay bandas que se meten en la música por la gloria, otras por dinero y fama, algunas, solo algunas, lo hacen por el placer de hacer canciones que se hagan eternas.</p><p>Genesis comenzó a finales de los años sesenta y arrancó con fuerza y con ganas de comerse el mundo. Es verdad que al principio querían dinero, pero algo hizo click en el interior de la banda que vio que el camino rápido no les llevaba a donde querían y que había dar una vuelta larga y apostar por las canciones para que la gloria acabase llegando. "Nuestra meta en el 69 era hacer dinero, en el setenta también y lo era desde entonces. Y lo intentamos, pero normalmente nos volvemos ambiciosos. Nos volvemos ambiciosos cuando empezamos a pensar en lo que queremos hacer y a diseñar lo que vamos a hacer y eso precisamente suele acabar con el dinero que tenemos en nuestros bolsillos”.</p><p>La ambición de la banda se llevaba su dinero, pero esa ambición fue la también la que dejó joyas como Selling England by the Pound, un disco valiente, arriesgado, lleno de rincones en los que perderse y una apuesta que mostró lo mejor de la banda. El quinto disco de Genesis llegó en 1973 y marcó un cambio de rumbo en la trayectoria de la banda que se consagró como uno de los referentes del rock progresivo. Para recordar esta época, estas canciones y esta historia nos acompañan Fernando Neira y Lucía Taboada.</p>

<div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="62e6i" data-offset-key="ef8e5-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; white-space-collapse: preserve;"><div role="presentation"><div data-offset-key="ef8e5-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="position: relative; direction: ltr; padding-bottom: 20px;"><span data-offset-key="ef8e5-0-0">Los grandes discos, los trabajos que hemos escuchado una y mil veces tienen algo en común: la capacidad de seguir sorprendiendo, mostrando nuevos recovecos. Eso, precisamente eso, los hace eternos.</span></div></div></div><div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="62e6i" data-offset-key="c36mi-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; white-space-collapse: preserve;"><div role="presentation"><div data-offset-key="c36mi-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="position: relative; direction: ltr; padding-bottom: 20px;"><span data-offset-key="c36mi-0-0">Bruce Springsteen ha firmado varios de esos discos. Desde los que lo consagraron como estrella:</span><a class="src-reactapp-DraftEditor-plugins-draft-js-anchor-plugin---link" title="https://cadenaser.com/audio/001RD010000004962849/" href="https://cadenaser.com/audio/001RD010000004962849/" target="_blank" rel="noopener noreferrer" style="color: rgb(70, 161, 220); touch-action: manipulation;"><span data-offset-key="c36mi-1-0"><span data-text="true"> </span></span><span data-offset-key="c36mi-1-1" style="font-style: italic;"><span data-text="true">Born to Run, The River o Born in the USA</span></span></a><span data-offset-key="c36mi-2-0" style="font-style: italic;">,</span><span data-offset-key="c36mi-2-1"> a los que álbumes que enamoraron a sus seguidores como </span><a class="src-reactapp-DraftEditor-plugins-draft-js-anchor-plugin---link" title="https://open.spotify.com/episode/1m9nnLewUgTCJNFtqwjezF" href="https://open.spotify.com/episode/1m9nnLewUgTCJNFtqwjezF" target="_blank" rel="noopener noreferrer" style="color: rgb(70, 161, 220); touch-action: manipulation;"><span data-offset-key="c36mi-3-0" style="font-style: italic;">Nebraska </span></a><span data-offset-key="c36mi-4-0">o The</span><span data-offset-key="c36mi-4-1" style="font-style: italic;"> Darkness of the Edge of Town</span><span data-offset-key="c36mi-4-2">.</span></div></div></div><div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="62e6i" data-offset-key="5h7tl-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; white-space-collapse: preserve;"><div role="presentation"><div data-offset-key="5h7tl-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="position: relative; direction: ltr; padding-bottom: 20px;"><span data-offset-key="5h7tl-0-0">En este episodio de Sofá Sonoro vamos a recorrer la discografía del músico de Nueva Jersey, pero lo vamos a hacer prestando atención a sus canciones más olvidadas.</span></div></div></div>

<p>Cuando Jimi Hendrix aterrizó en el aeropuerto de Londres, en septiembre de 1966, el chico de Seattle no era consciente de la enorme influencia que iba a tener en la música. Ese viaje a la capital inglesa fue su puerta de acceso a la primera división y Hendrix no iba a desaprovechar esa oportunidad. Unas semanas después llamó a casa, a su padre, asegurándole que iba a triunfar tras un lustro recorriendo EEUU como guitarrista de otras bandas.</p><p>En su primer concierto en Inglaterra, con apenas unos pocos espectadores, dejó con la boca abierta a Paul McCartney. Hizo su show. Tocó de espaldas, con los dientes, inventó paisajes sonoros y llevó la guitarra a una nueva dimensión. Desde ahí, todo fue cuesta abajo. Unos meses después grabó su primer disco acompañado de una banda que le habían montado para la ocasión y en un sello creado para sacar su música.</p><p>El resultado de esa apuesta por el guitarrista fue Are You Experienced, uno de los discos de debut más apabullantes e influyentes de la historia del rock. Hendrix, un chico que apenas tenía interés en algo que no fuese la música, floreció cuando el álbum se establecía como concepto, como elemento artístico más allá de ser un contenedor de canciones radiables. El guitarrista vio en ello un mundo de posibilidades para dar rienda suelta a sus obsesiones y de ese modo elevó la música a una nueva dimensión.</p><p>Esta semana Manuel Recio y Lucía Taboada nos llevan a finales de los años sesenta para recordar el advenimiento de Jimi Hendrix.</p>

<p>Pues nos hemos liado este verano y hemos escrito un libro. Vidas Perras: cuentos musicales del Sofá Sonoro (Ed. Silex) es el primer libro de Alfonso Cardenal, director del programa, y en este episodio especial os contamos de qué trata. </p><p><a href="https://www.casadellibro.com/libro-vidas-perras/9788419661494/14289855" target="_blank">Comprar el libro en La Casa del Libro</a></p>

<p>Fatoumata Diawara es una de las mujeres más poderosas de la música actual, una cantante que usa su música como arma y altavoz y cuya carrera resulta tremendamente fascinante.</p><p>En 2018 Diawara dio un paso más en su carrera grabando un disco que presentaba un manifiesto ya desde el título. Fenfo se puede traducir como “cosas que decir” o “algo que decir” y eso fue lo que Diawara hizo cantando sobre las migraciones, la mutilación femenina o la aceptación de tu realidad y el racismo.</p><p>Con su tercer disco, Diawara subió la apuesta. Esta chica, que empezó haciendo cine y que se enamoró del sonido de las guitarras eléctricas, ha derribado muchas barreras a lo largo de su viaje. En su música hay ritmo, pero también activismo. Hay cosas que decir, como indica ese fenfo, y a la par una tremenda energía y ganas de disfrutar de la vida.</p><p>La carrera de Fatoumata dio un salto cuando The New York Times se fijó en su música y la señaló como una de las grandes voces de la World Music. Desde entonces ha compartido escenario con Paul McCartney y proyectos con Damon Albarn (Blur), pero sobre todo ha mantenido un paso firme en sus propias aspiraciones y ha editado discos que le han conseguido un público global rendido a su música.</p><p>Para recorrer la historia y las canciones de Diawara nos acompaña en el Sofá Sonoro la periodista Jimena Marcos.</p>

<p>Hay discos que pillan al mundo con el pie cambiado y que llegan, incluso, a crear polémicas, a provocar insultos. Esos discos suelen venir por cambios de rumbo de sus autores y llegan, normalmente, tras huidas a ninguna parte que provocan revelaciones.  </p><p><span style="font-size: 1rem;">Atlántico, de Xoel López, tiene todos esos ingredientes. Un final, una huida y cambio profundo. También algún insulto. Xoel López es y ha sido siempre un músico inquieto, un tipo que no ha tenido problemas en dejar las cosas y dejarlas cuando todavía funcionan, cuando están en lo alto. Lo hizo con su primer grupo y lo hizo también con Deluxe cuando despidió a la banda en su cima y se marchó a Argentina en enero de 2009 para escapar de todo, para perderse un rato y para ver si de todo aquello podía surgir algo.  </span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">Y de eso surgió Atlántico, nuestro disco de esta semana, un trabajo diferente y especial que ha crecido mucho en esta última década y que finalmente terminó por enamorar a esos seguidores del músico gallego que no terminaron de entender ese giro artístico. </span><br></p><p><br></p><p>Esta semana nos vamos a adentrar en Atlántico y lo hacemos de una manera diferente porque Arturo Lezcano, colaborador habitual del Sofá Sonoro, es amigo de la infancia de Xoel López y residía en Buenos Aires cuando el cantante aterrizó en la ciudad porque lo que fue testigo directo de la gestación de aquellas canciones. También nos acompañan Lucía Taboada, con sus reportajes, y el protagonista del disco con sus testimonios. </p>

<p>El ya lejano 1995 fue un año intenso en la música, sobre todo en Inglaterra cuando el britpop estalló y se expandió la Oasismania por todo el mundo. Aquel año se editaron discos muy recordados y uno de ellos llevaba la firma de Polly Jean Harvey, una mujer diferente, que no se podía etiquetar en nada de lo que se hacía entonces y que consiguió ganarse su propio espacio.</p><p>En aquel curso la inglesa presentó su tercer largo tras dos aplaudidos discos que habían desconcertado y enamorado a la crítica. Aquella chica pálida, de pelo negro y mirada penetrante trasmitía una enorme seguridad en sí misma y parecía la dueña de un universo propio y misterioso que se mostraba en canciones llenas de rabia, honestidad y fuerza.</p><p>En aquella década publicó cinco discos que son perfectos para perderse y para dejarse llevar. Esta semana vamos a dedicar el programa al tercero de ellos, a To Bring You My Love, un trabajo que recorremos de la mano del periodista Toni Castarnado, autor de Las Chicas del Q (Ed. Silex), libro se adentra en el rock femenino de los noventa partiendo de la mítica portada que juntó a PJ Harvey con Tori Amos y Björk.</p>

<p>Esta semana recordamos a Kiss, una de las bandas más recordadas del rock y formación que apostó por una espectáculo que pocas bandas han podido igualar y que muchas han copiado. Para recorrer su historia nos adentramos en Alive, el disco que cambió su historia cuando estaban con el agua al cuello y su sello al borde de la quiebra. Para este viaje nos acompañan Toni Cartarnado y Eva Cruz. </p>

<p>El jazz en un mar tan ancho y profundo como misterioso. Para algunos es una música inabarcable e incomprensible, para otros es medicina para el alma. La realidad es que, como las demás músicas, solamente trata de emocionarte, conmoverte o animarme. </p><p>En el jazz hay cimas, genios, voces eternas y años mágicos. Dave Brubeck fue parte esencial de uno de ellos, el mejor. A pesar de los tremendos años 40, cuando el jazz era la música de los jóvenes modernos, el género tocó techo una década después, a finales de los 50, cuando una generación de aventureros e innovadores dio a luz a la vez a una cosecha eterna.  </p><p>Uno de esos discos de 1959 fue Time Out, del enorme Dave Brubeck. Un álbum arriesgado, innovador e influyente que marcó un nuevo camino sonoro y que acabó siendo uno de los trabajos más vendidos del jazz, junto a otros compañeros de cosecha como Kind of Blue (Miles Davis) o Giant Steps (John Coltrane), ambos de 1959. </p><p>Dave Brubeck tenía 38 años cuando alumbró su obra maestra. A finales de los años 50, Brubeck era uno de los iconos del jazz. Lo era por su talento pero también porque en aquellos EEUU segregados y racistas era más cómodo vender y apostar por un músico blanco que por uno negro. Tras una etapa interesante todo cristalizó en esta obra maestro que lo consagró como uno de los grandes músicos de su generación. Por ello le dedicamos este Sofá Sonoro que compartimos con el músico y productor Igor Paskual. </p>

<p>Aunque hay baterías que se han hecho un nombre propio en la música como Keith Moon, Ringo Starr o John Bonham la mayoría vive el éxito en un segundo plano discreto. Luego, otra especie aparte, en la de baterías que han dado un paso al frente para liderar sus propias bandas como Dave Grohl, a esa liga pertenece nuestro protagonista de esta semana Father John Misty. </p><p>El que fuese batería de los deliciosos Fleet Foxes dejó su grupo para apostar por un proyecto personal, por imponer su voz y mostrar sus creaciones. Tras un par de discos interesantes todo cobró un nuevo sentido en 2017 con la edición de Pure Comedy, un álbum imponente y arriesgado que llegó en un curso agitado marcado por la investidura de Donald Trump como presidente de los EEUU, hecho que dio comienzo a una nueva etapa en el país y el mundo con el auge de los populismos.</p><p>Josh Tillman, nombre real del cantante, vislumbró esos cambios y de una manera inocente y satírica los retrato en su disco más arriesgado. El álbum coincidió con un momento especial en la vida del músico que dejó la bebida, las drogas y dio un paso artístico alejándose de la narración en primera persona para ganar perspectiva.</p><p>Pure Comedy es uno de esos discos que merecen la etiqueta de clásico moderno, sin haber sido un fenómeno de ventas si que es un disco memorable por tener esa capacidad de retratar el mundo y su época. Por ello lo sentamos esta semana en el Sofá Sonoro y lo recorremos de la mano de Fernando Navarro.</p>

<p>Después de editar uno de los discos de debut más exitosos de la historia de la música, Norah Jones tomó el control de su carrera. La pianista aprovechó ese inesperado triunfo para tomar los mandos y dictar las normas.</p><p>Desde entonces, Jones ha tenido una carrera difícil de calificar. Siguió grabando discos exitosos, pero por el camino formó bandas de country, se juntó con sus viejas amigas y se apuntó a cualquier proyecto que llamase su atención. Gracias a esa actitud de subirse siempre al carro, Jones puede presumir de haber colaborado en decenas de proyectos interesantes y diferentes. Junto a su piano han cantado leyendas como Ray Charles, Willie Nelson o Mavis Staples, pero también se ha alejado del jazz para grabar junto a Billie Joe Armstrong, Wilco, Foo Fighters o artistas apenas conocidos.</p><p>Ahora Norah Jones triunfa con un divertido y fascinante podcast en el que se sienta al piano junto a diferentes músicos y ese programa nos ha recordado lo curiosa que es esta mujer y nos ha dado la idea de este programa en el que recorremos su carrera a través de la mil colaboraciones que ha realizado a lo largo de los años.</p>

<p>La vida de Tammi Terrell fue un infierno, su carrera, sin embargo, fue poderosa recordada por sus duetos junto a Marvin Gaye. Para llegar a esa cima la cantante pasó por un infierno.</p><p><b><a href="https://open.spotify.com/episode/3LyY5Hzny4M5xe0ehPQLR0?si=790aaef767e7438b" target="_blank">Este reportaje de Lucía Taboada es parte del programa que dedicamos a su carrera y que puedes escuchar aquí. </a></b></p>

<p>Nat King Cole es una de las figuras más importantes de la música estadounidense y una enorme influencia para cientos de estrellas que vieron y se rindieron al talento de Cole para tocar, cantar y para llenar un escenario con elegancia y clase.</p><p>La obra de Cole es enorme desde sus primeros discos de los años 40 hasta sus discos de mediados de los sesenta, cuando Cole murió convertido ya en leyenda.</p><p>La historia de Cole lo tiene todo y retrata también el papel, complicado papel, de las estrellas afroamericanas en aquel país racista de los años cuarenta y cincuenta.</p><p>Con todo en contra el vocalista llegó a emerger y a trascender asaltando las listas de éxitos blancas y tocando para presidentes de todos los partidos.</p><p>En 1957, cuando se había convertido en el primer afroamericano en presentar un programa en televisión, Cole dejó a un lado su cara más pop para grabar After Midnight, un disco inmenso que muestra su cara más fascinante.</p><p>Esta semana partimos de ese disco nocturno e íntimo para contar la historia de uno de los músicos más importantes de la primera mitad del siglo XX y lo hacemos de la mano del periodista Manuel Recio.</p>

<p>Cuando Liza Minnelli visitó la RAI 1 en la cima de su carrera dio una entrevista y acabó hablando de música. La protagonista de Cabaret habló de su heroína, allí dejó una frase que me parece perfecta para definir a Mina. "Es es a la música lo que De Niro al cine", dijo la cantante.</p><p>La lista de voces que han aclamado a Mina es excelsa. De Sarah Vaughan a Louis Armstrong el abanico es enorme como lo es Mina, una mujer con una carrera extensa y eterna, muy vanguardista y siempre asumiendo riesgos y en la primera línea.</p><p><span style="color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; font-size: 16px; white-space-collapse: preserve;">Mina Mazzini es una de las figuras más peculiares de la música europea. Trabajó en el cine, en la televisión, cantó éxitos que se tradujeron a una docena de idiomas y transgredió las reglas de la Italia más conservadora y católica. También se depiló las cejas, se maquilló a su manera y en la cima de su popularidad se cansó de todo, fabricó su propio estudio y desapareció de la escena pública. Escondida en Lugano, en Suiza, la cantante ha editado 30 discos desde su exilio pero hoy vamos a poner el foco en Studio Uno, el álbum que grabó cuando presentaba el conocido espacio de la televisión pública italiana, un disco que llegó en 1965 y que esta semana recorremos de la mano del músico Igor Paskual y con los reportajes de Jimena Marcos.</span><br></p>

<p>ARCHIVO | Esta semana recuperamos el Sofá Sonoro que hicimos dedicado al álbum más recordado de George Harrison.</p>

<p>Esta semana hacemos un programa diferente. Con motivo del nuevo lanzamiento de la banda inglesa vamos a recorrer su discografía escuchando las canciones menos reproducidas de los diez discos de los Stones que llegaron a lo más alto de las listas inglesas.</p>

<p>En 1995 se editaron discos de Radiohead, de Pulp, de Blur, de Massive Attack, de los Chemical Brothers, The PJ Harvey o de Elastica. La música británica se engalanó con su mejores ropas y el fenómeno del britpop llevó a su culmen. Aquel año en las islas británicas la música sonaba en cualquier esquina, en cada ciudad presumían de sus bandas locales y los festivales se peleaban por contratar primero a sus estrellas. Aquel año el foco acabó fijado en Manchester. El 2 de octubre Oasis publicó Whats the Story (Morning Glory).</p><p>La edición del segundo disco de la banda de los hermanos Gallagher marcó el punto álgido del aquel movimiento cultural creado por las revistas musicales y multiplicado por la prensa sensacionalista y generalista. Todos compraron la rivalidad entre Blur y Oasis, todos entendieron que lo que estaba pasando a mediados de los años noventa era comparable a aquel Swinging London de los años sesenta e Inglaterra se preparó para una nueva British Invasion que no fue del impacto de la que comandaron Beatles y compañía, pero que transmitió una sensación parecida. Un año después debutaron las Spice Girls en Inglaterra y los Back Street Boys en EEUU y el rock perdió fuerza en las listas de éxito, pero todo lo que sucedió en aquellos maravillosos noventas tuvo un impacto enorme en la música de los años posteriores.</p><p>El viaje de los hermanos Gallagher fue tremendamente agitado, pero para este disco todo encajó. El primer álbum de la banda contenía temas que llevaban años cociéndose a fuego lento, pero tras gastar todas las balas en ese debut, el grupo llegó al estudio con la necesidad de demostrar que nada de aquello había sido casualidad. Sin darle muchas vueltas, sin sentir la presión, Oasis firmó un disco redondo grabado casi del tirón. "Creo que todo el proceso duró 12 días de trabajo lo que es acojonante, lo hicimos del tirón y eso que llegamos al estudio con la mitad de las canciones sin terminar. Eso es algo que solo logras cuando eres joven porque no le das vueltas a las cosas", contaba la banda en un documental.</p><p>Esta semana comenzamos nueva temporada en Sofá Sonoro y lo hacemos recordando junto a Arancha Moreno la historia de uno de los discos más recordados y exitosos de los años noventa.</p>

<p>Recuperamos el programa, ya emitido, que dedicamos a recorrer Night Beat de Sam Cooke junto a Fernando Neira</p>

<div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="442v" data-offset-key="g87e-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; white-space-collapse: preserve;"><div role="presentation"><div data-offset-key="g87e-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="position: relative; direction: ltr; padding-bottom: 20px;"><span data-offset-key="g87e-0-0">El final de los Beatles marcó el final de una era y de un sueño, pero fue también el comienzo de una nueva etapa para sus músicos, una nueva vida con mucha incertidumbre, dudas y también expectativas.</span><a class="src-reactapp-DraftEditor-plugins-draft-js-anchor-plugin---link" title="https://cadenaser.com/programa/2019/12/27/sofa_sonoro/1577440805_340799.html" href="https://cadenaser.com/programa/2019/12/27/sofa_sonoro/1577440805_340799.html" target="_blank" rel="noopener noreferrer" style="color: rgb(70, 161, 220); touch-action: manipulation;"> El mismo año en el que llegó el disco final de la banda sus cuatro miembros</a><span data-offset-key="g87e-2-0"> coincidieron en las tiendas con sus primeras entregas en solitario. Quien peor lo pasó en esos años fue Paul McCartney, quizá porque era el que más interés tenía en seguir con sus amigos, en seguir siendo un Beatle. Puede que por ello Paul no tardase en volver a montar una banda.</span></div></div></div><div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="442v" data-offset-key="2shvh-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; white-space-collapse: preserve;"><div role="presentation"><div data-offset-key="2shvh-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="position: relative; direction: ltr; padding-bottom: 20px;"><span data-offset-key="2shvh-0-0">Junto a Wings, Paul volvió a volar, a sentirse en comunidad. Con ellos editó siete discos de estudio durante una década, cuando Paul ya se sintió listo para seguir solo en la música.</span></div></div></div><div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="442v" data-offset-key="cou45-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; white-space-collapse: preserve;"><div role="presentation"><div data-offset-key="cou45-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="position: relative; direction: ltr; padding-bottom: 20px;"><span data-offset-key="cou45-0-0">En 1973, Paul estaba repleto de confianza tras volver al número 1 con </span><span data-offset-key="cou45-0-1" style="font-style: italic;">My Love</span><span data-offset-key="cou45-0-2">, pero siente que tiene que dar un golpe encima de la mesa, que tiene que sacar ese disco redondo al que nadie le pueda poner un pero. Para preparar ese disco el músico le pidió a EMI un listado de los estudios de grabación que tenían disponibles y subrayó uno. Paul McCartney decidió grabar </span><span data-offset-key="cou45-0-3" style="font-style: italic;">Band On The Run</span><span data-offset-key="cou45-0-4"> en Lagos, Nigeria.</span></div></div></div><div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="442v" data-offset-key="f1mtl-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; white-space-collapse: preserve;"><div role="presentation"><div data-offset-key="f1mtl-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="position: relative; direction: ltr; padding-bottom: 20px;"><span data-offset-key="f1mtl-0-0">El experimento africano de Paul tuvo grandes resultados, pero fue una odisea. Antes de salir de Inglaterra dos de sus

<p>Hay canciones que son parte de tu vida, de tu historia, incluso de tu relato. Frases que narran historias, que dicen verdades y cuentan mentiras. Canciones que tienen frases que hemos gritado, llorado y a veces, también cantado. Muchas de esas frases, en castellano, tienen como autor a Joaquín Sabina, muchas de ellas las escribió Joaquín para 19 días y 500 noches, un disco hermoso, redondo y con sabor a despedida.</p><p>En 1999 parecía que el mundo se iba a acabar, la gente hablaba con miedo del efecto 2000, del fin del siglo, de las últimas horas del milenio. En ese contexto, o quizás ajeno a todo ello, Joaquín Sabina entró a un estudio de grabación con la obsesión eterna de escribir la canción más hermosa del mundo. Quizá no le salió, pero sí consiguió acabar el mejor disco de su carrera. El músico más canalla, golfo y callejero se acercaba a los malditos 50 y con el peso de su propia historia acuestas grabó un disco que es parte de la historia de la música en castellano y que lo consolidó como uno de los mejores compositores españoles.</p><p>La historia de este disco comienza tras la fallida alianza con Fito Páez y termina con Sabina dejando las drogas tras la intensa gira que siguió al lanzamiento del álbum. Para este disco Joaquín se hizo acompañar de Alejo Stivel y dio un paso al frente mostrando su voz desnuda, sin adornos. Arenosa y a cara de perro para cantar al olvido, a la melancolía, a la derrota y al amor tóxico.</p><p>Un cuarto de siglo después ese disco se ha mostrado como la cima de Sabina, con un álbum con personalidad propia que envejece con estilo, sin perder un ápice de fuerza. Por todo ello, y porque era una deuda eterna, esta semana invitamos a Juan Puchades, director de Cuadernos Efe Efe y autor de un tremendo libro sobre esta joya, a recordar el contexto, las anécdotas y las canciones de este disco.</p>

<p>Bob Marley es uno de los grandes personajes de la música, un hombre ligado a un género, a una religión y a un país como casi nadie más lo ha sido o lo será. Marley vivió su vida a su manera, con sus normas y sus ideas, a veces polémicas pero casi nunca contradictorias.</p><p>Bob Marley tuvo una vida trepidante, repleta de grandes momentos y de situaciones al límite en una Jamaica que vivió una agitada independencia a comienzos de los años sesenta. Una década más tarde, Marley era una figura poderosa en la isla y tras un intento de asesinato escapó a Londres donde editó Exodus, el disco más importante de su carrera y nuestro trabajo de esta semana.</p><p>Exodus es un disco con dos caras bien diferentes e igual de poderosas. En la cara A se escucha al Marley más político y activista. El que contesta con Exodus al eslogan de la campaña electoral del primer ministro de Jamaica y el que reflexiona sobre la situación de la isla. La cara B es otra historia, es una colección de himnos perfecta, canciones pegadizas y eternas que son parte de la vida del reggae y de su autor.</p><p>El contexto, la historia y las canciones de este álbum resultan vibrantes y sorprendes y por ello es el disco perfecto para adentrarnos, de la mano de Arturo Lezcano y Lucía Taboada, en la carrera de Bob Marley y en este momento clave de su vida.</p>

<p>La historia de Jerry Lee está marcada por su música del diablo y por su veloz ascenso a la cima del rock para luego despeñarse desde lo más alto quemándolo todo como quemaba su propio piano. Cuando en su primera gira por Reino Unido la prensa descubrió que la niña que lo acompañaba era su mujer y que era su prima segunda de 13 años todo acabó para Jerry.</p><p>Tras ese escándalo Lewis pasó de cobrar 10.000 dólares por concierto a no más de 200. Vivió diez años en el abismo tocando cada noche saltando de ciudad en ciudad conduciendo como un loco para mantenerse a flote. Tras una década maldita salió a flote como cantante de country en los años setenta, una década marcada por sus adicciones y la muerte, la de dos mujeres y su hijo primogénito.</p><p>En los años ochenta comenzó su redención y en los dos mil grabó discos muy populares con colaboradores de lujo como Bruce Springsteen o Neil Young. Esta semana dedicamos el programa a recordar la tremenda vida de Jerry Lee Lewis junto a Fernando Navarro y Lucía Taboada.</p>

<div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="9d98e" data-offset-key="79qor-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; white-space-collapse: preserve;"><div role="presentation"><div data-offset-key="79qor-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="position: relative; direction: ltr; padding-bottom: 20px;"><span data-offset-key="79qor-0-0">Tammi Terrell debería haber sido una de las grandes estrellas de la música, pero murió demasiado joven. A los 24 años y tras ocho operaciones murió de un tumor cerebral. Su vida no había sido nada fácil. La violaron siendo una niña y varios novios músicos la maltrataron, pero Tammi nunca perdió la sonrisa ni el amor por la música y acabó llegando a Motown donde formó pareja artística con Marvin Gaye. Juntos grabaron varias canciones perfectas, la cima de los duetos de amor y buena muestra de ello es United, su disco de 1967. Esa colección de canciones capta la plenitud de una chica que para entonces había vivido tres vidas y había grabado mucho.</span></div></div></div><div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="9d98e" data-offset-key="aqfn8-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; white-space-collapse: preserve;"><div role="presentation"><div data-offset-key="aqfn8-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="position: relative; direction: ltr; padding-bottom: 20px;"><span data-offset-key="aqfn8-0-0">Cuando Tammi alcanzó la cima de la música vino el golpe. Una tarde, durante una actuación se desmayó en brazos de Gaye. Poco después los médicos encontraron el motivo por el que llevaba años padeciendo terribles dolores de cabeza. Un tumor cerebral. Poco después de grabar su disco con Marvin pasó por quirófano. La primera de ocho veces. En cuanto tuvo fuerzas volvió al estudio a grabar con Gaye. Luego Motown sacó un disco de Terrell en solitario para hacer frente a las facturas médicas. De nada sirvió. Tammi Terrell murió con 24 años y su muerte destrozó profundamente a Marvin Gaye. Marvin se deprimió y comenzó a consumir drogas. Unos años después dio un giro en su carrera, se alejó de los duetos y grabó una obra maestra como </span><span data-offset-key="aqfn8-0-1" style="font-style: italic;">Whats Going On.</span><span data-offset-key="aqfn8-0-2"> Pero el drama también persiguió al músico. Tras un intento de suicidio y un inesperado regreso con Sexual Healing fue el padre de Marvin el que lo acabó matando tras una discusión familiar poniendo fin a esta terrible historia.</span></div></div></div>

<p>Una joven Melody Gardot (1985) iba un día paseando en su bicicleta cuando un coche la arrolló. Melody no murió aquella tarde, pero su vida cambió para siempre. La contusión cerebral fue de tal calibre que aquella adolescente tuvo que empezar su vida de cero y aprenderlo todo paso a paso y con mucha paciencia. Gardot revivió y salió adelante sin memoria a corto plazo y en esa etapa comenzó una terapia musical que le abrió un nuevo camino vital cuando descubrió que sin memoria lo mejor que podía hacer era improvisar y para ello nada mejor que el jazz.</p><p><br></p><p>Unos años después de aquel accidente Melody Gardot grababa su primer disco, un trabajo por amor, sin pretensiones. Pero aquel disco llegó a las oficinas de Verve que fichó a la cantante y reeditó el álbum. Ahí la estadounidense fue cuando realmente pensó que la música podría ser una opción real. Se lo tomó en serio, pensó qué quería hacer y dos años después editó My One And Only Thrill, uno de los mejores discos de jazz vocal de este siglo. Un trabajo valiente, con personalidad y abrumador que vendió más de un millón de copias y convirtió a Gardot en una estrella.</p><p>Tras este éxito, Gardot ha tenido una carrera interesante y diferente, sin prisas. Mujer viajera y curiosa, Melody investiga para cada disco, viaje, aprende idiomas, se enamora de la comida, lee, charla y sobre todo escucha. Con esta receta ha ido dando forma a un cancionero único al que hoy dedicamos este episodio de Sofá Sonoro en compañía del periodista y escritor Toni Castarnado.</p>

<p>La súperbanda de los años 80 nació de la casualidad, de un encuentro entre grandes estrellas como George Harrison, Bob Dylan, Tom Petty, Roy Orbison y Jeff Lynne.</p><p><span style="font-size: 1rem;">En 1988 llegó a las tiendas el primer disco de los Traveling Wilburys, una aventura musical que juntó un talento descomunal que dejó aparcados sus egos, incluso inventándose sus nombres, para trabajar juntos en unas canciones divertidas que nacieron de forma conjunta.</span><br></p>

<p>Los padres de Jerry Lee Lewis hipotecaron su casa para comprar un piano a su hijo, así comienza una de las leyendas más increíbles del rock, una historia condenada por el diablo. Lucía Taboada nos cuenta su historia, sus primeros pasos hasta su fichaje por Sun Records.</p>

<p>Tras triunfar en 1985 con De un país en llamas Radio Futura subió la apuesta y cambió el rumbo. La banda cambió su alineación y se encerró en el estudio con la idea de dar con un sonido nuevo, de romper con los cánones anglosajones y definir un algo propio, nuevo y diferente.</p><p>Fueron meses de dudas y certezas, pero sobre todo de mucho trabajo y mucha presión. La banda iba a ir a grabar a Nueva York, a los estudios de Talking Heads y no querían perder el tiempo. Tras unos meses frenéticos llegaron a Manhattan con todo su nuevo disco perfilado, ensayado y definido. Allí se incorporaron The Uptown Horns y Daniel Ponce, percusionista cubano. En cinco semanas alumbraron La canción de Juan Perro, uno de los discos que definieron el sonido de la banda, de los años ochenta y del rock en castellano, el rock con acentos en su sitio, una forma de encajar las palabras sin forzaras y doblarlas.</p><p>Aquel álbum encumbró a la banda de los hermanos Auserón como una de las grandes formaciones de su generación y abrió puertas para nuevas apuestas sonoras. Esta semana recordamos aquella aventura neoyorquina y la gestación de aquel disco junto a los periodistas Arancha Moreno, Manuel Recio y con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>El intento de asesinato de Bob Marley fue un suceso que marcó su vida y también su carrera. Tras aquel terrible suceso el músico y su séquito se trasladaron a Londres. En la capital inglesa, Marley grabó Exodus, uno de los discos más importantes de su carrera y de la historia de la música jamaicana.</p>

<p>El 9 de noviembre de 2015 Allen Toussaint se subió a las tablas del Teatro Lara de Madrid. Con su pelo blanco, una chaqueta verde y su eterna sonrisa, el músico se sentó al piano y trajo a Madrid los ritmos de su adorada Nueva Orleans. Aquel fue el último concierto de Allen Toussaint, tras bajarse del escenario el pianista se empezó a encontrar mal. Murió en Madrid aquella misma noche.</p><p>Allen Toussaint fue uno de los grandes músicos de la ciudad más musical de EEUU, a lo largo de su carrera ha hecho de todo, casi siempre poniendo su talento al servicio de otros. Suyo es el piano de grandes discos de la músico y es el autor de los mejores himnos de Nueva Orleans, Allen ha trabajado con The Band, Dr. John o Paul McCartney, pero el resurgir de su figura llegó tras el maldito huracán que mató a 2.000 personas y que dejó a Allen sin casa, sin estudio y sin nada.Ante esa situación el músico dejó la ciudad. Se instaló primero en Baton Rouge y poco después en Nueva York. Lo que parecía que iba a ser una etapa breve acabó siendo un par de años, años clave en la carrera de Toussaint. En esa agitada etapa el pianista grabó un disco de éxito junto a Elvis Costello y de la mano del inglés viajó por los mejores escenarios de Estados Unidos, poco después comenzó una residencia en el Joe´s Pub de Nueva York. Allí, cada domingo y en un formato íntimo, actuaba recorriendo su extensa carrera. Toussaint grabó un disco en aquel local y ese es nuestro punto de partida para contar su historia en este episodio que compartimos con el periodista David Moreu y Lucía Taboada.</p>

<p>Cuando los jóvenes de Estados Unidos comenzaban a volverse locos con el rock and roll sucedió algo con lo que nadie contaba. Esa música nueva y peligrosa que iba a provocar el declive de la sociedad estadounidense no era solo cosa de hombres. Entre los Elvis, los Chucks Berry o los Jerre Lee Lewis se coló una mujer. Una chica morena, valiente y con voz rota que llevaba vestidos con flecos que le cosía su madre. Wanda Jackson enseñó a todas las mujeres de los años cincuenta que en el rock también había hueco para las chicas.</p><p>Wanda Jackson tenía 2 años menos que Elvis y acabó enterrando a todos los compañeros de generación, a todos los pioneros del rock hasta que se quedó sola en su trono, grabando discos maravillosos pasados los 70 años. Su historia resulta fascinante, desde sus días en el rock a su resurgir final, Wanda ha pasado por todo.</p><p>Tras sus días de rockera regresó al country para luego dejarlo todo por el góspel y su conversión religiosa. Tras años apartada del circuito regresó a la primera línea cuando nadie la esperaba y grabó discos tremendos con Elvis Costello, Jack White o más recientemente junto a Joan Jett. Por todo esto merecía mucho la pena adentrarse en la vida y en la música de Wanda Jackson y dedicarle este programa que compartimos con el periodista Fernando Navarro y con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>Aunque la música evoluciona y cambia a buen ritmo dando síntomas de buena salud hay géneros que se mantienen en el tiempo ajenos a modas, tendencias y algoritmos. Siempre habrá voces que anuncien la muerte del jazz o el asesinato del blues. La verdad es que a pesar de ello quedan chicos, chicas y bandas que siguen enamorados de estos sonidos y que siguen haciendo discos y canciones fascinantes.</p><p>En Sofá Sonoro nos gusta escuchar grandes discos, discos clásicos y creemos que el tiempo es un elemento necesario para ver y apreciar las cosas con poso y perspectiva, lejos de modas, ruidos en redes y tendencias. Por ello nos gusta ver la música desde la distancia, aunque eso no significa que no escuchemos música actual ni descubramos nuevos nombres cada semana.</p><p>En este episodio hemos querido traer al programa algunos de esos descubrimientos, algunos son recientes y otros llevan años con nosotros, pero todos son jóvenes y están en los primeros pasos de carreras que apuntan a ser más que interesantes. Para hacer la selección de este episodio hemos querido ver quiénes podrán ser los grandes referentes de los géneros que nos gustan y con esa premisa hemos juntado en el Sofá Sonoro a Colter Wall, J.S Ondara, Marcus King, Bobby Oroza, Lady Blackbird o Samara Joy.</p>

<p>Mirando el cartel del Live Aid de 1985 tardas menos nombrando a los ausentes que a los presentes. No estuvo ni Prince, ni Springsteen ni Michael Jackson. Casi todos los demás acudieron a la llamada de Bob Geldof, que un año antes un reportaje de la BBC sobre la hambruna en Etiopía cambió su vida para siempre. Bob decidió hacer algo y acabó montando uno de los eventos más gigantes y arriesgados de la música. Un festival con dos sedes en dos países diferentes y con todos los grandes nombres de los últimos 20 años. En esos conciertos actuaron Paul McCartney, Queen, U2, Madonna, Led Zeppelin, los Who, Dire Straits, Bob Dylan, Neil Young, los Beach Boy y la lista sigue y sigue.</p><p>En el Live Aid sucedieron mil cosas. Hubo fallos técnicos que dejaron sin sonido el micro de Paul McCartney durante Let It Be, también hubo reuniones imposibles como Led Zeppelin, Black Sabbath o los Beach Boys. También hubo duetos enormes, colaboraciones imposibles y mucha estrella dando conciertos de andar por casa.</p><p>También hubo momentos eternos, la mayoría de ellos tuvieron lugar en Wembley. El más recordado lo protagonizó Queen que dio un pase de 25 minutos mágicos e inolvidables que sirvieron para recordar al mundo la altura de Freddie Mercury como cantante. Otro momento tuvo a Bono de U2 de protagonista, cuando rescató del público a un chica que estaba siendo aplastada y se puso a bailar con ella. También brilló David Bowie cantando Heroes y Elton John con la actuación más larga de la cita.</p><p>En el Live Aid sucedieron muchas cosas y se recaudó mucho dinero. Luego hubo polémicas y críticas por el uso que se hizo de todos esos millones y por las formas de Geldof, pero ante todo quedaron algunas actuaciones eternas y la sensación de que la música y los músicos tenían fuerza para cambiar las cosas.</p>

<p>The Stranger es uno de esos escasos discos casi perfectos donde todo está en su sitio, donde todo encaja y donde las cosas tienen sentido. The Stranger es una colección de canciones perfecta para convertirse en una banda sonora.</p><p>El quinto trabajo de Billy Joel, el Piano Man, como se le conocía, llegó cuando el músico estaba al borde del abismo. Joel había tenido algunos éxitos importantes tras años dando tumbos, pero Columbia se estaba planteando rescindir su contrato al no alcanzar sus anteriores discos las cifras que esperaban desde la discográfica.</p><p>Con toda esa presión Joel subió la apuesta. Decidió formar una banda estable tras años trabajando con músicos de sesión diferentes. Justo esa banda fue la que le separó de George Martin, el productor de los Beatles, que no quiso trabajar con la nueva banda de Joel. Finalmente el pianista siguió sus instintos, confió el Phil Ramone y grabó el disco que cambió su carrera.</p><p>The Stranger es un disco tierno, al estilo Broadway, con arreglos elegantes y letras sugerentes en las que brillan las baladas. La formula cuajó y el quinto álbum de estudio de Billy Joel se convirtió en el álbum más vendido de Columbia en la década consolidando a Joel como una superestrella.</p><p>Esta semana recordamos este clásico del pop de la mano del periodista Fernando Navarro y con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>En 1988 una Madonna en proceso de divorcio de Sean Penn y con la mirada triste entró de nuevo a un estudio de grabación tras vender millones de copias de sus tres primeros discos. La chica, que acababa de cumplir 30 años, tenía miles de cosas en la cabeza. La muerte de su madre, la relación con su padre, la necesidad de ser ella misma, de tener una voz propia. Con todas esas cosas en mente Madonna dio forma a una de las grandes obras maestras del pop: Like a Prayer.</p><p>En 1988 una Madonna en proceso de divorcio de Sean Penn y con la mirada triste entró de nuevo a un estudio de grabación tras vender millones de copias de sus tres primeros discos. La chica, que acababa de cumplir 30 años, tenía miles de cosas en la cabeza. La muerte de su madre, la relación con su padre, la necesidad de ser ella misma, de tener una voz propia. Con todas esas cosas en mente Madonna dio forma a una de las grandes obras maestras del pop: Like a Prayer.</p><p><br></p><p>Para ese momento de su carrera, Madonna ya no tenía nada que demostrar, se podía haber retirado o sentado en su trono a mirar sus éxitos, pero ella no era así, era una chica ambiciosa y quería más. La cantante venía de firmar el disco más vendido de 1986, un trabajo que arrasó y que sacó 10 millones de copias al segundo disco de aquella lista. Para finales de década la cantante de Bay City era la gran figura de los ochenta junto a Michael Jackson, Whitney Houston y Prince, pero Madonna quería más y en 1989 publicó Like a Prayer y llegó a la cima más alta de la música.</p><p>Tantos años después es fácil valorar ese disco como una obra maestra del pop. Desde sus arreglos a su propuesta sonora y estética, pero entonces, cuando se editó, Like a Prayer era un trabajo arriesgado y diferente. Hace unos años, Patrik Leonard, socio y productor de Madonna recordaba en una charla ese momento. "Cuando terminamos Like a Prayer el sello le dijo a Madonna que si lanzaba esa canción iba a acabar con su carrera. Era una balada de 7 minutos que paraba y empezaba varias veces y que era armónicamente diferente a todo lo demás en la radio. Ella dijo que vale, que lo sentía pero que la iba a editar. Lo hizo y vendió 18 millones de copias, fue número 1 en todos los países y cambió el rumbo de la música en todos los sentidos".</p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar ese momento clave en la carrera de Madonna y lo hacemos junto al músico Igor Paskual y con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>En los primeros años de los noventa hubo una revolución musical que alumbró a una generación de músicos salidos del circuito underground que se había ido creando en los EEUU desde la década anterior con fanzines, sellos y salas y apostaron y defendieron otro tipo de música. Nirvana fue la que derribó la puerta y puso el foco en esa música y en esa escena, por allí se colaron Pearl Jam, Soundgarden o Alice in Chains.</p><p>Cada una de esas bandas marcó su camino y lograron sus propio hitos. Alice in Chains tuvo un viaje fascinante y un éxito enorme. Tras el poderoso debut, la banda se topó con un reto y muchos obstáculos. El camino no iba a ser sencillo. Dirt, el segundo paso del grupo, se grabó en Los Ángeles durante las salvajes protestas por la agresión a Rodney King. La ciudad estalló en saqueos y enfrentamientos policiales. El grupo tuvo que escapar durante unos días y refugiarse en el desierto. Pero aquel no fue el único problema, tampoco el más grave. La adicción a la heroína de Layne Staley, que recayó durante la grabación, fue un obstáculo enorme.</p><p>A pesar de todos los problemas, Alice in Chains consiguió facturar un disco rabioso y poderoso con un visión triste y tórrida del amor, las relaciones y la juventud y ese álbum caló profundamente en una generación que abrazó esas canciones y convirtió Dirt en su banda sonora y en himnos generacionales.</p><p>El impacto de Dirt fue enorme, sus ventas también y por todo ello sentamos estás canciones en el Sofá Sonoro de la mano de Toni Castarnado y Lucía Taboada.</p><p><b><a href="https://open.spotify.com/playlist/3mUzkLIGpAVXpW9pQUVGzu?si=c48b6c5dcb76445d" target="_blank">Todos los episodios dedicados a discos de los años 90.</a></b></p>

<p>El festival celebra una nueva edición encabezada por los Arctic Monkeys o Florence and The Machine, pero en su enorme cartel hay mucha banda y artista nuevo por descubrir. </p><p><b><a href="https://open.spotify.com/episode/4QqGoUMaaJDCZpbcKj6Fpd?si=7187f2aa4cbc483d" target="_blank">Escucha el programa dedicado a los Arctic Monkeys</a></b></p>

<p>En el año 2006 llegó a las tiendas el debut de los Arctic Monkeys, la primera banda surgida de las redes sociales y quizá el último gran grupo de rock de este siglo. Ese fue el primer paso de una banda que rompió las reglas de la industria y que mostró un nuevo camino a muchas que vinieron después. Con desparpajo, tomando riesgos y confiando en ellos mismos, los chicos de Sheffield han ido creando su propio relato y madurando disco a disco.</p><p>Este viaje de los Arctic Monkeys resulta curiosos y demuestra mucha inteligencia para unos chicos que dieron sus primeros pasos siendo adolescentes, lo que se podía haber quedado en una anomalía, en un golpe de suerte se ha transformado en una carrera fascinante con buenos discos, pasos a ciegas y riegos musicales que no siempre han sido bien recibidos.</p><p>AM, su disco de 2013, mostró un arriesgado cambio de sonido y una capacidad necesaria para mantenerse en la música: la de evolucionar. Con aquel disco nocturno y arriesgado el grupo inglés mostró matices que iban más allá de crear temas rompepistas. Han pasado diez años desde entonces y el grupo ha seguido su viaje y ha seguido tomando riesgos y con el tiempo se ve la importancia de este disco como el puente entre dos claras etapas. Por todo ello sentamos AM en el Sofá Sonoro y nos adentramos en su historia, en su contexto y en sus canciones de la mano del periodista Carlos Cano y con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>Se cumplen 30 años de la noche en la que Alan McGee acabó de casualidad en un local en el que descubrió a la banda de los hermanos Gallagher. </p>

<p>Wanda Jackson creció en el country y debutó siendo una adolescente a la que acompañaba su padre mientras su madre le cosía vestidos con flecos. La chica tenía talento y apuntaba al estrella del country, pero un acontecimiento lo cambió todo. Wanda compartió gira con Elvis Presley justo cuando el rock estaba estallando en EEUU. Elvis y Wanda se hicieron novios y Presley convenció a su amiga para que se adentrase en el rock and roll. Jackson hizo caso a Elvis y se convirtió en una de las grandes pioneras del género y última superviviente de aquella generación que prendió la música.</p>

<p>Judee Sill atracaba gasolineras antes de cumplir los 20. A esa edad ya iba por su segundo marido y había estado en prisión. Tras unos años al límite la joven compositora se centró en la música y editó dos discos de folk delicado, complejo y hermoso que pasaron sin pena ni gloria muchas veces boicoteados por su propia autora. Tras una bronca con el dueño de su sello, Sill se alejó de la música y murió en el olvido. </p><p>Hoy en día la figura de Judee Sill está siendo reclamada por diferentes artistas de renombre y su historia recuperada a través de un documental estadounidense y un cómic español. Para recuperar su música y reconstruir su vida hemos invitado al Sofá Sonoro a los autores de 'Éxtasis y redención' (Ed Norma) el guionista Juan Díaz Canales (Premio Nacional de Cómic) y al ilustrador Jesús Alonso Iglesias. </p>

<p>Esta semana rompemos el formato habitual porque vamos a revisar el cartel del Festival Azkena que se celebra en Vitoria entre el 15 y el 17 junio, fechas en las que la ciudad se engalana, se viste de negro y atrae a las mejores bandas de rock. Pocos ambientes mejores que el Vitoria durante el Azkena y un año más tenemos un cartel potente con Steve Earle, Lucida Williams, Incubus o Iggy Pop, pero también con Cordovas, Reverend Paytons Big Damn Band, Calexico o Nude Party. </p><p><b><a href="https://open.spotify.com/playlist/38ueDqK2fXpduGNNB7usxL?si=c3d16f3c28ec4d58" target="_blank">Escucha los programas dedicados a Lucinda Williams, Iggy Pop, The Runaways, Incubus y Pretenders</a></b></p>

<p>Tras unos años intensos en el underground, Incubus decidió subir la apuesta con el nuevo siglo. La edición de Make Yourself supuso un paso adelante, pero también se tradujo en cartas con amenazas y mensajes llamándolos vendidos, pero el grupo ignoró todo eso, se alquiló una casa en Malibú, frente a la playa y grabó Morning View, un disco más comercial, menos ruidoso y uno de los trabajos más recordados del rock de comienzos de los años 2000. </p><p>El disco captura un momento mágico de la juventud. Está marcado por la ruptura que vivió meses antes Brandon Boyd, cantante y compositor de la banda. Pero ese duelo, Boyd lo pasó frente al mar y junto a sus amigos, escapando del dolor, pero dejando cierto poso melancólico en algunas canciones.  </p><p>Incubus disfrutó del proceso de creación de este disco y echó en falta algunas semanas más para escapar de la presión. Lo que sí había en aquel contexto eran ciertas dudas por el futuro. Por saber si la banda era un modo fiable para ganarse la vida o si los chicos tendrían que empezar a pensar en un plan b para sus futuros. Este disco y su enorme éxito catapultó a la banda y despejó todas esas incógnitas. </p><p>Más de 20 años después el cantante de Incubus se sienta en el Sofá Sonoro para recordar ese disco y ese momento junto a Toni Castarnado y con los reportajes de Lucía Taboada.  </p>