Sofá Sonoro

<p>En 1959, Washington grabó 'What a Difference a Day Makes!', un trabajo que la convirtió en una gran estrella y cambió su carrera. Ya en la cima se comió Nueva York con fiestas legendarias antes de abrir su propio club en Chicago, local frecuentado por la mafia. Para entonces ya era una mujer dependiente de las pastillas y con problemas con el alcohol. Su muerte, tremendamente joven, bien pudo servir de anticipo de lo que le sucedería décadas después a Winehouse. Dinah al menos tuvo tiempo para dejarnos sobradas muestras de su talento.</p><p>Otros programas relacionados</p><p><a href="https://open.spotify.com/episode/5wpE7r01IINjToz9GwIJ7q?si=Lfxr8zswRoOXeh0KRRmzPg" target="_blank">El ocaso de Billy Holliday</a></p><p><a href="https://open.spotify.com/episode/4GGEb60CKHWfmyFKeROywF?si=YACPAD2YRpazOx96MzfUhQ" target="_blank">La guerra de Nina Simone</a></p>

<p>El 18 de mayo de 2021 murió uno de los músicos más singulares y únicos de Europa. El Franco bueno. La muerte de Franco Battiato no fue una sorpresa, llevaba años apartado del mundo con un pacto de silencio de sus amigos que nunca hablaron de los motivos que llevaron al músico más especial de Italia a desaparecer de la escena pública.</p><p>Hoy recuperamos el programa que dedicamos junto a Sheila Blanco a recordar La Voce del Padrone.</p><div><br></div>

<p>Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron los inicios en la música de Lady Gaga.</p><p><a href="https://open.spotify.com/episode/3GK6aslvVPReoeTLOV5yIR?si=Jp1cBqDuTGW-jklHbe7pYA" target="_blank">Este reportaje fue parte del programa que dedicamos al disco que grabó junto a Tony Bennett. </a></p>

<div>The Holy Bible, el tercer álbum de los galeses Manic Street Preachers es una llamada de auxilio de su compositor Richey Edwards, autor del 75% de las letras de este disco oscuro, claustrofóbico por momentos y tremendamente personal.</div><div>Durante la extraña gira mundial del álbum -Tailandia, Portugal y Reino Unido- Edwards ingresó en una institución mental para estrellas, la misma por la que pasó Amy Winehouse y en la que coincidió con Eric Clapton. Tras salir de allí, Edwards desapareció en la víspera de un viaje promocional a Estados Unidos. Nunca se le volvió a ver hasta que en noviembre de 2008 fue oficialmente dado por muerto.</div><div>Recorrer las canciones de The Holy Bible es una experiencia intensa, cruda y también vigorizante. Las canciones del álbum rompen con la temática dominante del britpop y aunque el tercer disco de los galeses coincidió con la publicación del debut de Oasis o el Parklife de Blur, sus canciones parecen sacadas de un mundo distinto. Los temas de Edwards hablan del consumismo, del auge del fascismo o de la anorexia. Todo un vuelvo al hedonismo inglés de los noventa.</div><div>Esta semana queremos recordar esa historias y esas canciones, ver el peculiar contexto musical y personal en el que fueron creadas y recordar un disco demasiado olvidado de una banda que triunfó a lo grande años después de la desaparición de su letrista.</div>

<p>Norman Granz, mánager de Ella Fitzgerald y creador del sello Verve es uno de los grandes renovadores del género y una figura clave ajena al canto o a los instrumentos.</p>

<p>A veces, la génesis de una obra maestra se encuentra en pequeños detalles. Una tarde de abril de 2015 una anciana llamada Hattie White celebraba en familia su noventa cumpleaños, en un momento dado la abuela pronunció una frase sin apenas importancia, pero a la vez tremendamente reveladora. En la vida me dieron limones, así que hice limonada. Esa frase inspiró el título de la obra maestra de Beyoncé.</p><p>Lemonade fue la respuesta de la cantante estadounidense al terremoto que vivió su vida personal después de la traición adultera de su marido. Beyoncé cogió esa rabia y la convirtió en su siguiente proyecto, un álbum que analiza las relaciones sentimentales de los afroamericanos en toda su complejidad. Un estudio sociológico abrumador y genial que responde a la idea de que a veces para entenderse a uno mismo hay que entender de dónde viene. Todo eso quiso Beyoncé plasmar en un disco que retrata a la mujer afroamericana y también su propia historia, raíces, incluso las dudas del presente. Lo que la cantante anhelaba era hacer un retrato de cómo la esclavitud había afectado a las relaciones sentimentales entre los afroamericanos.</p><p>El resultado de ese viaje, acompañado de un espectacular álbum visual, fue uno de los discos más asombrosos de su carrera y también de este siglo. Un trabajo que recorremos de la mano de nuestro analista Mario Tornero y con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron los inicios de Camarón de la Isla. </p>

<p>Cuando te crías en una tienda de discos con toda la música del mundo a tu alcance no puede salir nada malo de ahí. A lo largo de su vida, Ben Harper ha hecho cosas de lo más diferentes, trabajos que han sorprendido al mundo y que han buscado nuevos y viejos sonidos que han mostrado las mil caras de este hombre. Desde que alcanzó el estrellato, Harper ha aprovechado su estatus para hacer todo tipo de discos y darse todo tipo de caprichos artísticos. Desde hacer un disco de góspel con los Blind Boys of Alabama a grabar un disco de folk con su madre.</p><p>Cuando te crías en una tienda de discos con toda la música del mundo a tu alcance no puede salir nada malo de ahí. A lo largo de su vida, Ben Harper ha hecho cosas de lo más diferentes, trabajos que han sorprendido al mundo y que han buscado nuevos y viejos sonidos que han mostrado las mil caras de este hombre. Desde que alcanzó el estrellato, Harper ha aprovechado su estatus para hacer todo tipo de discos y darse todo tipo de caprichos artísticos. Desde hacer un disco de góspel con los Blind Boys of Alabama a grabar un disco de folk con su madre.</p><p><br></p><p>En 2013, con 44 años, el californiano se desmarcó con un disco de blues junto al armonicista Charlie Musselwhite, trabajo que fue un regalo para los amantes del género. “Trabajar con Charlie es un sueño hecho realidad y nuestra relación tiene una parte paternal, una parte de hermanos, otra de amigos y también lo veo como a un héroe, así que es alguien que representa muchas cosas para mí tanto musical como personalmente”, explicaba Harper a David Moreu, nuestro invitado de esta semana en el Sofá Sonoro.</p><p>Harper y Musselwhite se conocieron en un concierto de John Lee Hooker, y fue el propio Hooker el que les propuso trabajar juntos. El resultado de esa unión fue Get Up!, un trabajo fresco que muestra la armónica salvaje de Musselwhite y la capacidad de Harper de adaptarse a cualquier género. Aquel disco fue una tremenda sorpresa que se coronó con un Grammy y el disco que Charlie y Ben grabaron juntos, ocho años después repitieron la fórmula.</p><p>Esta semana recordamos esta historia de amistad, de admiración y de blues y lo hacemos de la mano de David Moreu y Lucía Taboada.</p>

<p>Recuperamos el programa que dedicamos a recorrer el Live Aids de 1985 que marcó uno de los momentos más recordados de la banda británica. </p>

<div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="ae91i" data-offset-key="8rh2o-0-0" style=""><div role="presentation" style=""><div data-offset-key="8rh2o-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="direction: inherit; position: relative; text-spacing-trim: space-all; padding-bottom: 20px;"><font color="#2f2f2f" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, Segoe UI, Roboto, Helvetica Neue, Arial, sans-serif"><span style="white-space-collapse: preserve;">Cuando era pequeño y llegaba el verano una profunda sensación de felicidad me despertaba cada mañana. Una sensación extraña en la que el tiempo me pertenecía hasta el punto de que dejaba de importarme si era viernes o lunes, si era tarde o temprano. El verano de la niñez era un mundo perfecto y eterno que duraba hasta el día en el que un un adulto desconsiderado me decía que la semana siguiente volvía al colegio. El verano eran gaviotas en la playa, cemento que echaba humo en la ciudad y un mundo sin prisas. </span></font></div><div data-offset-key="8rh2o-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="direction: inherit; position: relative; text-spacing-trim: space-all; padding-bottom: 20px;"><font color="#2f2f2f" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, Segoe UI, Roboto, Helvetica Neue, Arial, sans-serif"><span style="white-space-collapse: preserve;"><div data-offset-key="8rh2o-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="direction: inherit; position: relative; text-spacing-trim: space-all; padding-bottom: 20px;">Al ir creciendo algunas de esas sensaciones se fueron desvaneciendo y otras llegaron. Desde el verano en que cumplí 14 cada año hago una lista de canciones. Lo que comenzó en cintas de casette que grababa de las radios mutó a cedes que grababa con canciones pirata, luego a recopilatorios en mp3 y finalmente a Playlist en streaming. Pero esas canciones se convirtieron en una tradición, en un recuerdo de verano, en la banda sonora que marcaba el paso del tiempo. </div><div data-offset-key="8rh2o-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="direction: inherit; position: relative; text-spacing-trim: space-all; padding-bottom: 20px;">Muchas de esas canciones han seguido siendo parte de mi vida. Unas me llevan al verano de mi primer amor, otras a baños nocturnos en el Mediterráneo o la niebla mañanera de Galicia. En este episodio de Sofá Sonoro voy a compartir esas canciones con vosotros y vosotras, espero que os gusten.</div><div data-offset-key="8rh2o-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="direction: inherit; position: relative; text-spacing-trim: space-all; padding-bottom: 20px;"><a class="src-reactapp-DraftEditor-plugins-draft-js-anchor-plugin---link" title="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank" rel="noopener noreferrer" style="color: rgb(70, 161, 220); touch-action: manipulation; font-size: 16px; background-color: rgb(255, 255, 255);"><span data-offset-key="aulvj-0-0" style="font-weight: bold;">*Toda la información del programa, discos, recomendaciones y anécdotas de música en nuestro canal de WhatsApp, apúntate y no te pierdas nada*</span></a><br></div><div data-offset-key="8rh2o-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="direction: inherit; position: relative; text-spacing-trim: space-all; padding-bottom: 20px;"><br></div></span></font></div><div data-offset-key="8rh2o-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="direction: inherit; position: relative; text-spacing-trim: space-all; padding-bottom: 20px;"><font color="#2f2f2f" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, Segoe UI, Roboto, Helvetica Neue, Arial, sans-serif"><span style="white-space-collapse: preserve;"><br></span></font><br></div></div></div><div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="ae91i" data-offset-key="aulvj-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI",

<p>Esta semana recuperamos el programa que dedicamos a Mystery Girl, el disco póstumo del cantante de las gafas de pasta.</p>

<p>Cuando Pink Floyd comenzó su viaje a finales de los años 60, nadie hacía lo que hacían ellos. Nadie sonaba como ellos. La banda inglesa, comanda por un visionario Syd Barrett hacía una música totalmente nueva que remitía a la psicodelia y que era la banda sonora de un viaje de ácido al centro del universo</p><p>Syd fue el primero en apuntar a una nueva dirección y en abrir un camino musical que muchos otros siguieron. Pink Floyd ha roto muchas barreras a lo largo de su carrera y ha firmado discos inmensos y eternos que son parte de la historia de la música, a varios de ellos les hemos dedicado episodios en este mismo programa, The Piper At The Gates of Dawn, el debut de la banda es quizás el más influyente de todos.</p><p>The Piper at the Gate of Dawn fue el primer gran paso en la música de Syd Barrett, también el último antes de dejar el grupo y empezar un errático y triste peregrinaje alejado de los focos, después de que su grupo le diese la espalda cansado de su carácter en un momento en el que Pink Floyd apuntaba al estrellato.</p><p>Esta semana recordamos el comienzo de aquella aventura musical de la mano del periodista Ricardo de Querol y con los reportajes de Lucía Taboada.</p><p><b>Escucha los otros programas dedicados a Pink Floyd:</b></p><p><a href="https://open.spotify.com/episode/5zPcII02oPo5BhXMukmAhN?si=fb2bb0f880274188" target="_blank">The Dark Side of the Moon</a> | <a href="https://open.spotify.com/episode/3o0HFogBWACU1Zog1Srl00?si=a2211ee29b4b47be" target="_blank">The Wall</a> | <a href="https://open.spotify.com/episode/1IMweKVIlr4a5g4vaLl28y?si=f182e5dec6c74062" target="_blank">Animals</a></p><p><a class="src-reactapp-DraftEditor-plugins-draft-js-anchor-plugin---link" title="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank" rel="noopener noreferrer" style="color: rgb(70, 161, 220); touch-action: manipulation; font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; font-size: 16px; white-space-collapse: preserve; background-color: rgb(255, 255, 255);"><span data-offset-key="3ia2a-0-0" style="font-weight: bold;">*Toda la información del programa, discos, recomendaciones y anécdotas de música en nuestro canal de WhatsApp, apúntate y no te pierdas nada*</span></a><br></p>

<p>En este episodio de Sofá Sonoro nos vamos de viaje por el el cartel del BBK Live 2024, decimoséptima edición del festival bilbaíno, cita con un cartel muy variado con grandes nombres como Arcade Fire, Air, Los Planetas, Massive Attack, pero también formaciones muy interesantes como Cymande, Parcels o Slowdive. Hacemos un recorrido por algunos nombres poco conocidos y os presentamos el que sería nuestras bandas favoritas día a día. </p><p><a href="https://open.spotify.com/episode/2i6h5SRCSYh2AjtY7HXlF9?si=941f9142ef7042d1" target="_blank">Escucha el Sofá Sonoro dedicado al debut de Arcade Fire.</a></p>

<div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="dtouk" data-offset-key="3irgc-0-0" style=""><div role="presentation" style=""><div data-offset-key="3irgc-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="direction: inherit; position: relative; padding-bottom: 20px; text-spacing-trim: space-all;"><font color="#2f2f2f" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, Segoe UI, Roboto, Helvetica Neue, Arial, sans-serif"><span style="white-space-collapse: preserve;">Cuando Marisa Monte era una niña apuntaba a ser una suerte de María Callas brasileña, pero Marisa creció escuchando muchas cosas, bailaba con el rock y con la samba, se relajaba con la música clásica y lloraba con Billie Holiday, toda esa escuela y una energía desbordante acabaron dando forma a una de las carreras más fascinantes de las últimas décadas. La carrera de Marisa Monte toca muchos palos, estilos y sonidos y son el reflejo de esa cantante intrépida y curiosa que acabó abrazando la música de su propio país cuando llegó a Roma a estudiar clásica y acabó subiéndose a un escenario para cantar a las estrellas de Brasil sin saber entonces que ella misma acabaría siendo una por méritos propios. Tras hacerse un hueco en la música de su país y comerse el mundo con sus amigos de Tribalistas, Marisa hizo un movimiento extraño y maravilloso, un día de 2006 Monte publicó dos discos a la vez, dos discos diferentes que se pueden leer como las dos caras de una misma manera, como sus dos mellizos. Esta semana viajamos a Brasil para recordar esos dos álbumes, Infinito Particular y el Universo Ao Meu Redor, dos trabajos excelsos y brillantes que muestran las caras, las diferentes caras, de Monte. Para esta aventura nos acompaña, como es habitual, Arturo Lezcano y Lucía Taboada.</span></font><br></div></div></div><div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="dtouk" data-offset-key="6iv44-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; white-space-collapse: preserve;"><div role="presentation"><div data-offset-key="6iv44-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="direction: inherit; position: relative; padding-bottom: 20px; text-spacing-trim: space-all;"><a class="src-reactapp-DraftEditor-plugins-draft-js-anchor-plugin---link" title="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank" rel="noopener noreferrer" style="color: rgb(70, 161, 220); touch-action: manipulation;"><span data-offset-key="6iv44-0-0" style="font-weight: bold;">*Toda la información del programa, discos, recomendaciones y anécdotas de música en nuestro canal de WhatsApp, apúntate y no te pierdas nada*</span></a></div></div></div>

<div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="djggp" data-offset-key="dg148-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; white-space-collapse: preserve;"><div role="presentation"><div data-offset-key="dg148-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="direction: inherit; position: relative; padding-bottom: 20px; text-spacing-trim: space-all;"><span data-offset-key="dg148-0-0">Cuando David Muñoz podía, siempre elegía el turno de noche en la fábrica. Prefería el silencio. El trabajo monótono, la rutina que le permitía pensar en letras mientras ensamblaba piezas. Cuando lo necesitaban, David y José pedían el día libre para ir algún bolo. Un día pidieron el día para ir a Madrid. Iban a firmar un contrato. Martínez, el jefe de la fábrica, les dio el día, pero les pidió ver luego la cartilla para que demostraran que habían ingresado dinero. Así, de la manera menos glamurosa y más de calle, nació una de las bandas más importantes de las últimas décadas.</span></div></div></div><div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="djggp" data-offset-key="4puq5-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; white-space-collapse: preserve;"><div role="presentation"><div data-offset-key="4puq5-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="direction: inherit; position: relative; padding-bottom: 20px; text-spacing-trim: space-all;"><span data-offset-key="4puq5-0-0">La irrupción de </span><a class="src-reactapp-DraftEditor-plugins-draft-js-anchor-plugin---link" title="https://cadenaser.com/tag/estopa/a/" href="https://cadenaser.com/tag/estopa/a/" target="_blank" rel="noopener noreferrer" style="color: rgb(70, 161, 220); touch-action: manipulation;">Estopa </a><span data-offset-key="4puq5-2-0">en los últimos meses del siglo fue una de las grandes sorpresas de aquellos años. La banda llevaba un tiempo haciendo ruido con una maqueta que, antes de las redes sociales, se había hecho viral. Un rumor que circulaba de coche en coche en un secreto que se fue de madre.</span></div></div></div><div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="djggp" data-offset-key="cqs67-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; white-space-collapse: preserve;"><div role="presentation"><div data-offset-key="cqs67-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="direction: inherit; position: relative; padding-bottom: 20px; text-spacing-trim: space-all;"><span data-offset-key="cqs67-0-0">La edición del disco unos meses después marcó el comienzo de un fenómeno que traspasó todas las barreras de edad, clase, género o estilo musical. En una España casi tan fraccionada como la de ahora parecía haber quorum en una cosa, a todo el mundo le gustaba Estopa.</span></div></div></div><div class="controlled-font" data-block="true" data-editor="djggp" data-offset-key="5afmp-0-0" style="font-size: var(--editor-font-size); color: rgb(47, 47, 47); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", Arial, sans-serif; white-space-collapse: preserve;"><div role="presentation"><div data-offset-key="5afmp-0-0" class="public-DraftStyleDefault-block public-DraftStyleDefault-ltr" style="direction: inherit; position: relative; padding-bottom: 20px; text-spacing-trim: space-all;"><span data-offset-key="5afmp-0-0">Esta semana vamos a recordar el debut de la banda de los hermanos Muñoz y lo hacemos de la mano de Jordi Bianciotto, autor de la más reciente biografía de Estopa, y con los reportajes de Lucía Taboada.</span></div></div></div>

<p>El final de la década de los 60 dejó lo mejor de las bandas que habían definido la década. El año del Festival de Woodstock se publicaron discos brillantes de los Beatles, The Who, los Stones o Led Zeppelin. Aquel año la Creedence Crearwater Revival publicó tres discos ascendiendo de pronto a la más alta cima de la música, el mejor escenario desde el que despeñarse en un abrir y cerrar de ojos.  </p><p>Uno de esos discos fue Green River, una joya de la música americana que mezclaba con tremendo acierto los ingredientes más sabrosos de la tradición musical y que alejado de los sonidos de la época consiguió conquistar al público.</p><p><br></p><p>Aquel año, entre tanto genio, la Creedence reinó con canciones brutales que fueron la banda sonora de un 1969 mágico en el que nadie pudo seguir el ritmo del grupo de John Fogerty.</p><p>Esta semana recordamos aquel disco, esa época y la peculiar historia de una banda que subió a los cielos de la música para explotar y desaparecer dejando un legado inmenso difícil de igualar. Para este viaje nos acompañan Fernando Navarro y Lucía Taboada. </p>

<p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar Walking Into Clacksdale, el primer disco de Plant y Page con temas nuevos tras el final de Led Zeppelin. Para recordar este disco de 1998 nos acompañan Toni Castarnado y Lucía Taboada.</p><p><a href="https://open.spotify.com/episode/0Rom69u0rHPWTOKThuwBp5?si=c4a28d5b2b474d81" target="_blank">Escucha el programa dedicado al disco de Robert Plant a Alison Krauss</a></p><p><a href="https://open.spotify.com/episode/42h9ivd0UoQxz8tEnF8vmf?si=e62d8f7e467544e9" target="_blank">Escucha el programa dedicado a Led Zeppelin, Physical Graffiti</a></p>

<p>Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron los inicios de la banda estadounidense.</p><p><a href="https://open.spotify.com/episode/7i3QepBwHGAo3rxPS7sNxA?si=3ee35a537de740ba" target="_blank">Este reportaje fue parte del programa dedicado a Trouble Will Find Me. Puedes escuchar el programa completo aquí. </a></p>

<p>Recorremos el día a día del la edición del festival de Vitoria descubriendo grupos y recordando bandas. </p>

<p>El viaje de Leño fue breve, underground y muy salvaje. Por el camino dejaron un manifiesto musical en tres entregas y pusieron los cimientos de lo que debía ser el rock en España.</p><p>El sonido de la banda madrileña no miraba al rock londinense o al punk de Detroit sino a los sonidos del barrio y a los personajes que lo habitaban porque como decía el grupo: “No nos considerábamos artistas: éramos trabajadores del rock”.</p><p>En 1982 llegó a las tiendas ¡Corre Corre!, el disco que encumbró al grupo y que marcó también su inesperado final tras la gira más importante de su breve trayectoria.</p><p>En las letras de Rosendo Mercado hay sabiduría, hay calle y un deje de poesía urbana, una poesía que no encajaría en Instagram, pero que sí retrataba aquel Madrid de comienzos de los ochenta que lejos de la modernidad marcaba un pulso rockero en las calles menos visitadas.</p><p>Esta semana recorremos la carrera del grupo madrileño de la mano del periodista Fernando Navarro, con los reportajes de Lucía Taboada y con las declaraciones de Carlos Narea, productor del álbum.</p><p><a href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank">APÚNTATE AL CANAL DE WHATSAPP DE SOFÁ SONORO</a></p><p>Enlace: https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24</p>

<p>Irlanda en los años setenta era un país peligroso, un país del que la gente que podía huía escapando de las bombas y las balas perdidas. En ese contexto el miedo abundaba y la música escaseaba, nadie quería ir a tocar a Irlanda, incluso los músicos de allí tenían miedo de subirse a un escenario porque ni los pubs ni los locales de fiesta estaban exentos de las explosiones.  </p><p>Por todo esto extrañó que, a finales de 1973, entre atentados del IRA, Rory Gallagher, un guitarrista de 26 años, anunciase una gira por su Irlanda, no solo eso. Iba a grabar un disco en directo y un documental. Lo que pasó sobre las tablas aquellas noches fue historia del blues e historia de Irlanda, una de las giras más poderosas de la música de los años setenta. </p><p>A finales de diciembre de 1973 Rory Gallagher, uno de los grandes virtuosos de la nueva hornada del blues, comenzó una gira que pasó por Belfast, Dublín y Cork. Muchas voces aconsejaron a Rory que lo dejase, que no merecía la pena, que no tenía sentido jugarse la vida, pero Gallagher era irlandés, demasiado irlandés, y tenía claro que iba a comenzar el año callando las explosiones con su guitarra, dándole a esos chavales que no veían conciertos en sus ciudades una noche salvaje. Rory cumplió con su promesa y fue reconocido por ello. Su Irish Tour del 74 tiene energía, pasión, amor y transmite y capta algo especial difícil de calificar. Un álbum que eterno al que dedicamos el Sofá Sonoro de esta semana junto a Ricardo de Querol y Lucía Taboada. </p><p><a href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank">APÚNTATE AL CANAL DE WHATSAPP DE SOFÁ SONORO</a></p><p>Enlace: https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24</p>

<p>La irrupción de Jane´s Addiction a finales de los años ochenta supuso un golpe de aire fresco en el rock de aquella época gracias a una banda única y diferente que mezclaba punk con heavy, con funk y con una puesta en escena repleta de energía y originalidad. Con Nothings Shocking y Ritual de lo Habitual el grupo dejó atrás los ochenta y abanderó los nuevos sonidos de la siguiente década.  </p><p>Con su segundo disco, Jane´s Addiction consiguió hacer un disco generacional, una colección de canciones que reflejaban los miedos, las ansias y la emoción de ser joven. En sus canciones hay amor y dudas, adrenalina y rebelión, la necesidad de conectar con algo y el laberinto de las adicciones. De esta manera la banda californiana inauguró los años noventa y lo hizo a lo grande en un año extraño en el que estaban cambiando muchas cosas que iban a perfilar la nueva década sonora a coronar a nuevos héroes. </p><p>El éxito de Ritual de lo Habitual fue tan grande como inesperado y marcó esa tendencia en la que el rock alternativo se iba a convertir en el mainstream de la década, pero Jane´s Addiction no gozaría de su nuevo estatus ya que tras una accidentada gira que arrancó a puñetazos, el grupo se disolvió en su mejor momento.  </p><p>Años después arrancó un carrusel de regresos, cambios y nuevos intentos de retomar la banda, algunos con mejores resultados que otros. Sin embargo, el grupo llega al presente con un optimismo renovado y será uno de los cabezas de cartel de la edición de este año del festival Azkena, que se celebrará en Vitoria entre el 20 y el 22 de junio y donde también acturará Queen of the Stone Age, Mavis Staples, Sherly Crow o Band of Horses. </p><p><a href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank">APÚNTATE AL CANAL DE WHATSAPP DE SOFÁ SONORO</a></p><p>Enlace: https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24</p>

<p>En la música no abundan las figuras que están de paso. La música, la fama, es siempre una meta y rara vez un medio, un lugar en el uno está de paso. Ese es el caso de Cat Stevens. El cantante tuvo una irrupción tremenda en la música siendo muy joven.  </p><p>Sus canciones tranquilas, evocadoras y poéticas conectaron con un enorme público a comienzos de los años setenta y sus discos vendieron millones de copias. Un día el joven estaba nadando en las playas de Malibú cuando tuvo un susto, uno que le cambió la vida. </p><p>Tras ver la muerte de cerca, Stevens se alejó de la música, se convirtió al Islam y estuvo casi treinta años sin grabar un disco, pero a comienzos de los setenta la realidad era otra. En esa época tan fascinante de la música la irrupción del folk tranquilo y reflexivo de Stevens resultó una anomalía, una genial anomalía.  </p><p>Esta semana queremos recordar la historia de aquel joven y recorrer la historia, canciones y contexto que rodeó la edición de Teaser and the Firecat, un disco que marcó la cima del cantante y que recordamos junto a Fernando Neira y Lucía Taboada. </p><p><a href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank">APÚNTATE AL CANAL DE WHATSAPP DE SOFÁ SONORO</a></p><p>Enlace: https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24</p>

<p>PROGRAMA DE ARCHIVO: que recorre el regreso de la cantante a los escenarios y al estudio de grabación en los años noventa tras la muerte de su marido y gracias a una llamada de  Michael Stipe, de REM.</p>

<p>Hace setenta años que se hicieron las primeras canciones de rock and roll y en estas décadas hemos visto y oído de todo, bandas originales, grupos diferentes y otros que fueron pioneros. En todo este tiempo no ha habido, y probablemente no habrá, nadie como The Cramps. </p><p>La banda liderada por Lux Interior y Poison Ivy mostró el lado más perverso de la música creando un mundo propio que mezclaba el rock instrumental de los 50 con la actitud del punk, la estética sado, los cómics, el cine cutre de terror, la literatura pulp y la provocación.</p><p>Poco se puede decir de una banda que antes de grabar un disco había actuado en un centro psiquiátrico con sus miembros hasta arriba de LSD.</p><p>Maquillaje al margen, el debut de los Cramps es un disco excelso, fresco y divertido producido por Alex Chilton de los Big Star y con un sonido arrollador y mucho amor por el rock clásico.</p><p>La banda no llegaría muy lejos, pero marcó un camino propio y mostró una cara auténtica creada a base de mezclar esas cosas que fascinaban a una pareja que se conoció en un curso sobre chamanismo.</p><p>Esta semana sentamos en el Sofá Sonoro uno de los discos más extraños del rock, el perverso debut de The Cramps, trabajo que recorremos junto a Sara Morales y Lucía Taboada.</p><p><a href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank">*Toda la información del programa, discos, recomendaciones y anécdotas de música en nuestro canal de WhatsApp, apúntate y no te pierdas nada*</a></p>

<p>A mediados de los años 90 surgió una banda en España que no ha tenido réplica ni tampoco precedente, una banda especial y diferente. Salvaje, exitosa y femenina. Una banda comandada por dos hermanas de Madrid: Dover.   </p><p>Parece que han pasado dos vidas desde aquella irrupción de Dover con su segundo disco. España y la música en España han cambiado mucho. En algunas cosas para mejor, en otras para peor. La España de Dover era una España en la que los bares no tenían hora de cierre y en el que las salas no cobraban a los grupos por tocar. Pero también era un país más machista y con más techos de cristal. Las hermanas Llanos rompieron algunos. “Éramos dos mujeres y eso imprimía al grupo una serie de cosas, si fuésemos cuatro hombres hubiera habido más grupies. Nos teníamos que recordar que éramos estrellas”, contaban en una entrevista.  </p><p>Devil Came To Me fue un disco inesperado que tuvo un éxito tremendo. Con una fuerte influencia del grounge de Seattle, las banda madrileña protagonizó una revuelta inesperada y se comieron el país de dos mordiscos con canciones frescas, salvajes y divertidas. </p><p>La historia del disco y de la banda resulta trepidante y llena de curiosidades. Esta semana sentamos el segundo trabajo de Dover en el Sofá Sonoro y los recorremos de la mano del periodista Carlos Cano y con los reportajes de Lucía Taboada. </p>

<p>Hay canciones que lo cambian todo, la vida de sus autores, la de sus intérpretes y la de los oyentes. En 1964 un experimento musical dio como resultado The Girl From Ipanema, una canción eterna que frenó la conquista mundial de los Beatles y que elevó la bossa nova a una nueva categoría.</p><p>Firmado por Stan Getz y Joao Gilberto, el disco cuenta también con Tom Jobim al piano, y autor también de las canciones, y presenta al mundo a Astrud Gilberto, la joven mujer de Joao. Astrud llegó de casualidad al proyecto y el éxito de los dos temas que cantó la convirtió en una estrella.</p><p>Esta semana invitamos al Sofá Sonoro a Arturo Lezcano para adentrarnos en la historia de este disco y de sus personajes para entender cómo se gestó este histórico disco y que supuso para sus intérpretes, que volvieron a coincidir en nuevos proyectos en los siguientes años.</p><p><br></p>

<p>En la fotografía a blanco y negro del disco se ve a un hombre en mangas de camisa y con corbata fina. Está sentado frente a un micrófono en una habitación que parece un sótano. En la pared hay un reloj inmenso y una carpeta con pinza. En la mesa, junto al micrófono, se ve un cenicero medio vacío, a su lado unas cerillas y un paquete. Mas allá hay un tocadiscos. La imagen es misteriosa, inquietante, hermosa. Arriba, con letra firme en color azul se le un nombre y un título. Donald Fagen. The Nightfly.</p><p>Tras media vida junto a Steely Dan, Donald Fagen grabó un disco en solitario. Un disco extraño, seductor. Nocturno y algo oscuro. En aquellas canciones, Fagen miraba con nostalgia a su infancia, a esos años 50 atenazados por el desastre nuclear y la Guerra Fría. Pero ese poso y esa mirada se van desarrollando a lo largo del disco en unas letras complejas que Fagen tardó ocho meses en terminar.</p><p>Aquel álbum poderoso fue disco de oro a comienzos de los años ochenta, en plena era de las estrellas del pop. Aquel logro resultó totalmente inesperado. Fagen no lo buscaba ni lo anhelaba. Él, que se había calificado de esnob del jazz, había triunfado conjugando pop y jazz con enorme maestría en una grabación compleja. Fagen tardó casi un año en dar por concluido el disco y después entró en una profunda crisis personal.</p><p>Donald Fagen no volvió a grabar un disco en 12 años. Su historia, como su música, resulta hipnótica. Hoy queremos recordar este The Nightfly, un trabajo que recorremos de la mano del periodista Fernando Neira y con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>Con Camino Soria, el primer disco de Gabinete Caligari en EMI, el grupo madrileño asaltó la banca y se convirtió en una de las grandes bandas de los años ochenta con unas canciones originales, frescas y que reclamaban las raíces españolas frente a las influencias anglosajonas y el modernismo de cierta ola de la Movida Madrileña. </p><p>Hay discos que captan un momento clave de una banda, una época de enorme inspiración donde todas las piezas encajan fácilmente, de una manera sencilla. Como por arte de magia. Tras un lustro intenso ese momento llegó para Gabinete Caligari con su disco de 1987. Treinta y tantos años después la obra culmen de Gabinete sigue teniendo fuerza y sonando de cine. </p><p><span style="font-size: 1rem;">Camino Soria es en realidad un disco de ruptura, de desamor, una oda a los perdedores, a los que lo intentan y nunca lo consiguen. Sobre esas bases fueron tomando forma las canciones de un disco que también tiene espacio para los amigos caídos y para los poetas rotos. Las muertes de Uli, saxofonista de la banda, y de Eduardo Haro Ibars, que murió antes de que se editase el disco, dejaron su huella en este disco. </span><br></p><p>Cuando el álbum llegó a las calles, la carrera de Gabinete cambió de la noche a la mañana. Tras una década de duro trabajo en el underground musical, el grupo se abrió paso en las grandes ligas y comenzaron a actuar en las grandes plazas con un gira eterna y presencia constante en las radios. </p><p>Esta semana recordamos la historia de estas canciones y el contexto de este álbum de la mano de la periodista Arancha Moreno y con los reportajes de Lucía Taboada. </p><p><a href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank">APÚNTATE AL CANAL DE WHATSAPP DE SOFÁ SONORO</a></p><p>Enlace: https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24</p>

<p>Hay pocos artistas que hayan tenido la habilidad, la capacidad y el talento para cambiar el rumbo de la música. Entre 1959 y 1960 Miles Davis, Bill Evans y John Coltrane y lo hicieron dos veces. Juntos con Kind of Blue y por separado. Coltrane con Giant Steps y Evans con sus Portrait in Jazz.  </p><p>Ocho meses del monumental Kind Of Blue, Bill Evans volvió a un estudio de grabación junto a al bajista Scott LaFaro y él batería Paul Motian e hicieron un disco mágico en el que cabe todo y que retrata todo.  </p><p><span style="font-size: 1rem;">¡El pianista reinventó el sonido del trío en el jazz poniendo todos los instrumentos en primer plano y con un peso equitativo, un experimento sonoro que nació sin ensayos y que se basa en el enorme talento de los músicos y en su capacidad de conectar, responder y conectarse al sonido que iban creando. </span><span style="font-size: 1rem;">Por desgracia el trío de Evans no duró mucho, poco después de empezar a rodar, en julio de 1961, Scott LaFaro murió prematuramente. A pesar de ello el legado sonoro de estos tres músicos es enorme y figura entre lo más destacado de la apabullante discografía de Bill Evans, protagonista del episodio de esta semana al que invitamos al periodista Fernando Navarro. </span></p><p><a href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank">APÚNTATE AL CANAL DE WHATSAPP DE SOFÁ SONORO</a></p><p>Enlace: https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24</p>

<p>El año 2017 fue un año aciago para la música. Ese año nos dejaron figuras mayúsculas como Chuck Berry, Gregg Allman, Chester Bennington, Glen Campbell, Tom Petty, Fats Domino o Malcolm Young. Ninguno congregó a tanta gente en su adiós final como Johnny Hallyday. Casi un millón de personas acompañaron su cuerpo sin vida por los Campos Elíseos de París para despedir a un ícono francés. Una leyenda que moría a los 74 años y que vivió cada uno de ellos como si fuese el último ya fuese pisando el acelerador de su deportivo como esnifando hasta la última raya.</p><p>Hallyday representó mejor que nadie ese ideal del rock de vivir de deprisa y morir joven, pero vivió demasiado para esa máxima y su carrera y su figura se instalaron en una montaña rusa que tanto le subía al cielo de lo música como lo convertía en un paria, en algo obsoleto pasado de moda. Pero Johnny siempre volvía, se reinventaba y cuando no sabía qué hacer copiaba alguna nueva moda. Muchas de esas jugadas le salieron bien y su legado fue enorme.</p><p>Johnny coleccionó excesos, deportivos, mujeres, amantes, depresiones, pero sobre todo fue un hombre de escenarios. Nadie giró más que él o al menos nadie giró como lo hizo él. "En el escenario me evado. Estoy en mi propio mundo, puedo hacer de todo. Ya no soy yo mismo. No estoy allí. Olvido quien soy e intento interpretarme. Me da la confianza que no tengo como persona cuando no trabajo. Olvido quién soy en la vida real”, contaba Johnny en el documental de Netflix.</p><p>La carrera de Johnny Hallyday no tiene comparativa, Johhny lo hizo casi todo y fue único intentando ser otros. El adolescente que empezó copiando a Elvis y luego a las bandas inglesas, acabó siendo algo inimitable. Con una voz potente, unos profundos ojos azules y su melena rubia, Hallyday se comió Francia y también el mundo. Se puede decir que no inventó nada o que no fue el mejor en nada y sin embargo esto no quizá un ápice de mérito a su carrera. Hoy queremos recordar parte de su viaje y hemos puesto el ojo en Rivière Ouvre Ton lit su disco de 1969, un trabajo que se mueve entre el blues rock y la psicodelia de la época y que fue uno de sus trabajos más ambiciosos. Para recordar la obra de Johnny y sus canciones nos acompañan el músico Igor Paskual y Lucía Taboada con sus reportajes.</p>

<p>Rickie Lee Jones es una artista que ha hecho de todo. Desde sus días de camarera en el Troubadour de Los Ángeles, hasta su merecido estatus de maestra de la canción. Su carrera y su vida han transitado mil caminos y por ese viaje ha retratado personajes de todo tipo.  </p><p>Jones es una mujer difícil de calificar. En su música hay riesgos y aventuras. A lo largo de los años ha hecho discos de pop, de folk, de jazz e incluso de electrónica y a veces lo ha mezclado todo. Su discurso, además, resulta interesante. Hoy queremos sentar en el Sofá Sonoro un disco que es apabullante y también una locura. Con The Sermon On Exposition Boulevard, la cantante y compositora creó un álbum diferente que registró en una exposición y adaptando a canciones los textos del libro The Words, de Lee Cantelon, un proyecto que buscaba adaptar las palabras de Jesucristo para audiencias modernas. </p><p>Partiendo de esta premisa, Jones se sumerge en un mundo fascinante que retrata ideas y sentimientos que se distancias de sus trabajos habituales. Con este disco, Jones dio un paso más en una dirección desconocida y puso a la crítica a sus pies rendida a la carrera de una mujer todoterreno que en este trabajo subió la apuesta. Para recordar estas canciones y esta historia nos acompañan Toni Castarnado y Lucía Taboada. </p>

<p>Hay pocos músicos que hayan dejado una huella tan profunda, siendo tan distantes, como Morrissey, un artista capaz de arañar el alma con sus canciones. Tras una breve etapa con The Smiths, en la que marcó el rumbo de la música inglesa de sus años, Morrissey emprendió un viaje en solitario, un viaje marcado por sus siempre polémicas declaraciones y sus casi siempre tremendas canciones. Hoy vamos a aparcar al misántropo para recordar al músico sensible que hace veinte años editó Are You The Quarry, uno de los discos más recordados de aquel año.  </p><p>En 2004 Morrissey regresó a las tiendas tras siete años de silencio discográfico. A sus 45 años, Morrissey era ya un hombre maduro con una carrera fascinante que se remontaba tiempo atrás y que parecía que ya no tenía que demostrar, sin embargo el cantante y compositor entregó un álbum intenso, hermoso y poderoso que era de lo mejor de su carrera, aquel disco llegó a una Inglaterra muy diferente de la de sus inicios.</p><p>Sara Morales nos acompaña por la historia, contexto y canciones del regreso de Morrissey.</p><p><a href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank">APÚNTATE AL CANAL DE WHATSAPP DE SOFÁ SONORO</a></p><p>Enlace: https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24</p><p><a href="https://open.spotify.com/playlist/6U9h2xQ29NHRdi3dGlg8qx?si=ee5ae756b3b54ff7" target="_blank" style="background-color: rgb(255, 255, 255); font-size: 1rem; font-weight: bolder;">Todos los episodios y canciones del programa</a></p>

<p>Astral Weeks, el segundo disco de Van Morrison es una de grandes obras maestras de la música. Una religión para músicos como Bruce Springsteen. Un disco marcado por la mafia, la presión extrema y la seguridad de un chico de Belfast de 22 años que estaba convencido en las canciones que quería hacer, aunque nadie las quisiera escuchar. </p><p><br></p><p>Cuando Van Morrison llegó al número 1 cantando Brown Eye Girl parecía que el viento soplaba a su favor, todo lo que pasó en los siguientes meses fueron golpes y más golpes. Muertes, demandas, negociaciones con matones, intentos de deportación, una boda fugaz y una huida a Boston para un nuevo comienzo. Tras esquivar mil obstáculos, Morrison terminó un disco que no gustó a nadie pero que es parte del maravilloso legado musical de los años sesenta. </p><p><br></p><p>La historia de Astral Weeks lo tiene todo y fue el primer trabajo del músico de Belfast para Warner, un sello que quería fichar a la nueva estrella del pop y que se llevó a casa un viejoven huraño y estraño que hacía canciones próximas al jazz y que nadie entendía. </p><p><br></p><p>Pero todos estos riesgos, miedos y obstáculos quedaron en nada con el paso del tiempo, cuando el disco de Morrison fue ganando peso y erigiéndose como un álbum mayúsculo, hermoso y poderoso, como una obra maestra de la música popular de los años sesenta.  <span style="font-size: 1rem;">Esta semana invitamos al periodista Fernando Neira a recorrer esta joya de la música.  </span></p><p><a href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank">SIGUE NUESTRO CANAL DE WHASTAPP</a> | https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24<a href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank"></a></p>

<p> El 9 de octubre de 1973 murió Sister Rosetta Tharpe. Apenas nadie acudió a su funeral y nadie puso dinero para una lápida en condiciones. Rosetta llevaba una década malviviendo en un piso barato con una pierna amputada y sin apenas visitas. Así fue el final de una de las mujeres más importantes de la historia de la música.  </p><p>Cuando el mundo se volvió loco con el rock and roll a finales de los años cincuenta, Sister Rosetta llevaba 20 años tocando una Gibson E150 y haciendo una música que partiendo del góspel, el jazz y el blues había llevado en una dirección que bien se podría identificar como rock and roll. Aquella mujer que sonaba en las radios de las casas de los chicos negros y blancos fue la maestra de la siguiente generación.  </p><p>Medir hoy en día el legado de Rosetta es complicado, quizá la forma más adecuada es seguir el rastro de sus seguidores más apasionados. El Elvis adolescente la adoraba, Buddy Holly la era su fan número uno. Little Richard dio su primer concierto nocturno junto a ella y Chuck Berry se llegó a calificar como el mejor imitador de Sister Rosetta. Cuando Johnny Cash ingresó en el salón de la fama del rock en su discurso recordó a la gran maestra de los pioneros con un gran tributo. </p><p>Medio siglo después de su muerte esta semana queremos recordar a esta pionera en el Sofá Sonoro y lo hacemos recordando su vida y sus canciones de la mano de Mario Tornero y Lucía Taboada. </p>

<p>En la música abundan los hermanos. Los hermanos cabrones. Los que se odian, insultan y compiten. Los lazos de sangre que han impulsado el rock. Los Davies, los Gallagher, los Knopfler o los Allman. Luego están ellos, los Young, los exiliados escoceses que crecieron marginados en Australia y que se conjuraron para vivir siempre por y para el rock and roll. George, Malcolm y Angus crearon ACDC y convirtieron esa banda en la más grande del rock y siguieron juntos, hermanados. Hasta que, como los buenos matrimonios, la muerte los fue separando.</p><p>ACDC irrumpió en la música con la idea de ir a por todas, de no dejarse nada dentro. En 21 meses grabaron sus cuatro primeros discos y luego llegaron a Europa y más tarde a EEUU para comerse el mundo. Cuando mejor estaban, cuando tras mucho trabajo, las cosas se ponían de cara, murió su cantante. “Al principio no sabíamos qué hacer, no queríamos a nadie que lo imitase, cuando Brian apareció nos voló la cabeza”, contaba Angus en una entrevista de la época.   </p><p>La muerte de Bon Scott llegó con la banda irrumpiendo en EEUU, país que conquistaron a base de giras y más giras. "En un año hicimos más que los Rolling Stone en toda su carrera", bromeaba el grupo. A pesar del duro golpe, ACDC se levantó rápido. Unos meses después de la muerte de Scott volvían al estudio junto a su nuevo cantante para grabar Back in Black, su tributo al amigo caído.</p><p>Con aquel disco los hermanos Young tocaron el cielo, vendieron millones de copias impulsados en parte por el morbo y en parte porque habían firmado una colección de canciones que se ganarían la eternidad y que pasarían a ser recitadas de memoria. </p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar esa historia y esas canciones de la mano de Toni Castarnado y Lucía Taboada.</p>

<p>El año 2004 nos dejó una tremenda colección de discos que en los próximos meses cumplirán su vigésimo aniversario: Arcade Fire, The Killers, Wilco, Interpol, Tom Waits o Nick Cave.</p><p><b><a href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank">SIGUE EL CANAL DE SOFÁ SONORO EN WHATSAPP</a></b></p>

<p>Lucía Taboada recorre los inicios del músico gallego hasta el final de Deluxe.</p><p><b><a href="https://open.spotify.com/episode/3fqa7gWyagyUUDlASZsfqe?si=8a624c506cb743ef" target="_blank">Escucha el episodio dedicado a Atlántico de Xoel López</a></b></p>

<p>Esta semana no hay programa con motivo de los Goya así que recuperamos este Sofá Sonoro que dedicamos al 'Básico' de Antonio Vega junto a Arancha Moreno y Lucía Taboada.</p><p><b><a href="https://whatsapp.com/channel/0029VaMe1UfH5JM7mh1YQo24" target="_blank">Suscríbete al canal de WhatsApp de Sofá Sonoro. En serio, que mola.</a></b></p>

<p>Hay discos que son hijos de su tiempo y otros que se enmarcan en una tierra desconocida que nadie ha pisado antes y que pocos lo harán después. Juju, el cuarto trabajo de  Siouxsie And The Banshees encaja con esa etiqueta. Un disco poderoso, sugerente y divertido que ha sido reclamado por Radiohead o Suede como un referente, como una poderosa inspiración.</p><p><span style="font-size: 1rem;">Susan Ballion proviene de un barrio residencial, llega a Londres siendo una cría y de la nada acaba subida a un escenario compartiendo festival con Sex Pistols y Clash en los orígenes del punk. Aquella chica no sabía cantar y nunca se había subido a un escenario. Esa fuerza, ese no tener miedo a nada, ese carácter la definen como personaje, como una artista capaz de todo que derribó muchas barreras y que lideró su propia banda y su propio proyecto desafiando a todo.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">En Juju la banda alcanzó su cima creativa de la mano del guitarrista John McGeoch, que estuvo poco tiempo en el grupo, pero que tuvo una enorme influencia a la hora de perfilar un sonido propio, novedoso y a la par sugerente. Por todo ello esta semana sentamos en el Sofá Sonoro a la periodista Sara Morales para recorrer esta joya ochentera.</span><br></p>

<p>Lucía Taboada nos recuerda cosas que pasaron en el mundo hace 20 años</p>

<p>Muddy Waters hizo en los años sesenta toda una declaración de intenciones cuando cantó aquello de "el Blues tuvo un hijo y lo llamaron rock and roll". Sin embargo, a finales de aquella década, el blues volvió a rugir gracias a una nueva generación de músicos blancos que reclamaron el legado de sus mayores. Entre los Doors, Janis Joplin, John Mayall o Johnny Winter se coló una formación de chavales salvajes marcada por su amor a la raíces y la mala suerte que les persiguió: Canned Heat.</p><p>No es descabellado afirmar que todos los músicos fueron, antes que estrellas, enamorados de la música. El caso de Canned Heat va más allá. El grupo nació directamente de una comunidad de coleccionistas del discos de blues que decidió probar suerte y comenzar a hacer sus propias interpretaciones de las canciones que les volvían locos, pero las cosas, como suele decirse, se les fue de las mano y acabaron tocando en Monterey, Woodstock, Newport y conquistando Europa.</p><p>Esa cultura de coleccionistas, de tipos forofos con un gran conocimiento del género se plasma es su primer disco, trabajo que graban de la mano de Johnny Otis pero que no vería la luz hasta unos años después de tal modo que su debut oficial es el homónimo de julio de 1967 y con ese disco se presentan en el festival de Monterey con una actuación notable que les valió para ser portada de la prestigiosa revista Downbeat, eso es estar en el sitio adecuado en el momento perfecto.</p><p>Un punto clave del grupo fue 1968 cuando entre una conquista y la siguiente grabaron Boogie with Canned Heat, un disco con temas propios que fue un paso en una nueva dirección. Un trabajo que los convirtió en una banda con otro poso, un grupo capaz de partir de viejas composiciones perdidas para crear sus propias canciones y su propio sonido.</p><p>Por todo esto la historia de Canned Heat resulta fascinante y apuntaba alto, pero el grupo estuvo marcado por la muerte y la mala suerte que los condenó cuando el mundo empezaba a rendirse a su música. Esta semana rendimos tributo al grupo recordando sus canciones y su comienzo musical de la mano de Manuel Recio y Lucia Taboada.</p>

<p>En aquella revolución cultural de los años ochenta en España florecieron decenas de bandas de todos los estilos, géneros y orígenes. Muchas de aquellas formaciones estaban allí porque se podía, porque todo valía, porque ese aire de libertad que flotaba en el ambiente invitaba a ello. En ese contexto nació El Último de la Fila, un grupo diferente a los demás en cuanto a su propuesta, su sonido y sus letras.</p><p>Tras un llamativo debut el grupo editó Enemigos de lo ajeno, un álbum que fue un salto en su carrera y que llegó en un 1986 que fue un punto de inflexión para Manolo y Quimi. En comparación con otras banda que irrumpieron en los ochenta, ellos ya estaban en la treintena, habían pasado (y fracasado) por otras bandas y veían que el sueño de una vida musical se alejaba. Pero esta ocasión, esta banda, iba a ser la buena y la definitiva y todo explotó con Insurrección y con Enemigos de lo ajeno, un disco que es parte de la historia del pop en España.</p><p>Tras años curtiéndose en la música todo explotó con este disco que capta el talento de Manolo para escribir letras afiladas, honestas y cruda que conectaron con miles de jóvenes y el ingenio musical que Quimi, capaz de coger por primera vez una guitarra de doce cuerdas e improvisar la música de Insurrección.</p><p>Esta semana sentamos en el Sofá Sonoro el segundo disco de El Último de la Fila y para recorrerlo nos acompañan Arancha Moreno y Lucía Taboada.</p>

<p>Con 22 años los chicos de Green Day tenían tantas cosas a sus espaldas que ya estaban cansados de su escena, de su sonido e incluso de la propia vida. En 1993 el grupo se propuso de un giro y un salto al vacío... y ese salto acabó en una conquista mundial unos meses después, ya en 1994, cuando Dookie salió a las calles.</p><p>Tras el éxito de Dookie, Green Day se convirtió en la gran esperanza de la industria musical tras la muerte prematura de Kurt Cobain que en abril de aquel 19994 se pegó un tiro dejando un panorama extraño en el grounge, esa música que había trasformado la escena musical de comienzos de la década. Green Day no tuvo problemas en asumir su rol y dar un paso al frente con actitud y tomando riesgos.</p><p><span style="font-size: 1rem;">Esta semana celebrados el </span><span style="font-size: 1rem;">aniversario</span><span style="font-size: 1rem;"> de esta joya noventera de la mano del periodista David Moreu y con los reportajes de Lucía Taboada.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;"><b><a href="https://open.spotify.com/playlist/3mUzkLIGpAVXpW9pQUVGzu?si=UP1y2XXCTG6SAGUNdgXB3w&pi=e-nt7s3CP4RH-R" target="_blank">Todos los episodios de Sofá Sonoro dedicados a discos de los 90.</a><br></b></span><br></p>

<p>Recuperamos la entrevista que le hicieron a Alfonso Cardenal en La Ventana el pasado mes de diciembre por la edición de Vidas Perras (Ed.Silex), el libro de cuentos musicales alrededor de personajes de vidas duras que encontraron cierta redención en las canciones.</p>

<p>Estrenamos el 2024 a lo grande en el Sofá Sonoro y como es un día especial queremos hacer algo especial y pasar esta hora de radio a lo grande, con buena música y con las mejores cantantes de todos los tiempos, al menos para nosotros. Quería meter 24, una por cada año de este siglo, pero no serán tantas. Este episodio lo hemos bautizado como las Reinas de la Música y ahí cabe de todo, hay soul,  jazz, también blues, algo del rock, pero sobre todo mucha magia en este homenaje a las grandes mujeres y a las grandes voces de la historia.  </p><p><b><a href="https://open.spotify.com/playlist/6Jh64UKJS6wFmijKFOXkkZ?si=2adf655190314f76" target="_blank">PLAYLIST | Los mejores programas dedicados a nuestras cantantes preferidas.</a></b></p>

<p>En 1994 sucedió de todo y todo a la vez: el grounge coincidió con el britpop, la explosión del hip hop, el nacimiento del indie en España o el debut de las bandas de triphop de Bristol. Pocas veces tantas corrientes musicales diferentes han coincidido en un periodo de tiempo tan pequeño.</p><p>Durante un tiempo parecía que cada país tenía su propio género. Mientras que en Estados Unidos sonaban Offspring, Green Day o Soundgarden y Pearl Jam, en Reino Unido irrumpían Blur, Oasis, Suede o Portishead y Massive Atack, mientras en España triunfaba el canto gregoriano y daban sus primeros pasos Extremoduro o Los Planetas.</p><p>Todo esto aderezado con el regreso de los Rolling Stones y discos fabulosos de Eric Clapton o Van Morrison, a lo que hay que sumar el renacimiento musical de Johnny Cash de la mano de Rick Rubin.</p><p>Hace 30 años se publicaron discos que son parte de la historia de la música y de la banda sonora de varias generaciones. La lista es eterna. Jeff Buckley editó Grace y se convirtió en una estrella, Weezer irrumpió con el delicioso disco azul. Alice in Chains llegó a lo más alto del Billboard con un EP, algo que nunca había sucedido anteriormente. En aquel año hubo álbumes eternos de Nine Inch Nails, Korn, Rancid, Massive Attack, Hole o Stone Temple Pilots.</p><p><b><a href="https://open.spotify.com/playlist/3mUzkLIGpAVXpW9pQUVGzu?si=UP1y2XXCTG6SAGUNdgXB3w&pi=e-nt7s3CP4RH-R" target="_blank">TODOS LOS EPISODIOS DEDICADOS A DISCOS DE LOS NOVENTA</a></b></p>

<p>Esta semana vamos a hacer un Sofá Sonoro diferente, un programa para hablar de egos, de finales y de separaciones. En este episodio lo que vamos a escuchar son esos discos que las estrellas grabaron cuando estaban hartas de sus bandas, cuando se habían quedado solas o cuando estaban aburridas. Hay mil casos diferentes, pero todos tienen algo en común: la firma en la portada del disco ya no es la de un grupo.</p><p>En este episodio rendimos tributo a los Rolling Stones porque grabar un disco 60 años después del debut de tu banda es algo único y también mágico y hermoso. Sin embargo, los Stones, en concreto Jagger y Richards, llevan décadas enfrentados y en parte por el intento de Mick de hacer carrera en solitario, algo que Keith nunca vio bien. Ese caso se ha ido replicando a lo largo de la historia una y mil veces y ha sido el motivo de separación de decenas de grupos.</p><p>Con esta excusa vamos a ver los proyectos en solitario de músicos de los Beatles, Blur, Oasis, Roxy Music, Wilco o Dire Strait. Pero también de Destiny's Child, The Cranberries, Police o The Band. Cada caso es diferente, pero también tiene cosas en común y nos sirve para escuchar esos discos y conocer esas historias. Historias de egos, a veces de traición, pero también hay casos de aburrimiento o de soledad. Un programa diferente para disfrutar de la mejor música.</p>

<p>The Super Super Blues Band fue el proyecto de Chess Records que juntó a Muddy Waters con Howlin' Wolf y Bo Diddley</p><p><span style="font-size: 1rem;">En Chess Record había grandes músicos y grandes egos. El sello de Chicago había marcado tendencia en los años 40 electrificando el blues rural del sur de los Estados Unidos de la mano de los grandes intérpretes del género.</span><br></p><p>Veinte años después de los días de oro de Chess el panorama era otro. El esplendor del blues, si algún día fue tal, había pasado y los grandes maestros sobrevivían como podían. Sin embargo, al final de los años sesenta estalló el revival del blues rock de la mano de músicos y bandas como Jimi Hendrix, The Doors o Janis Joplin. A esa ola se intentaron subir las viejas estrellas de Chess que en los siguientes años grabarían discos acompañados por sus alumnos más aventajados. Antes de eso, Chess probó otro invento. Copiando el modelo de Fania Records, el sello de Chicago intentó juntar a todas sus estrellas en un mismo disco. Pero hubo un problema: todos eso músicos se llevaban mal y competían entre ellos.</p><p>En 1967 llegó el primer intento y en 1968 subieron la apuesta juntando a Howlin' Wolf con Muddy Waters y Bo Diddley. Mucho gallo en un gallinero que rellenaron con jóvenes y futuras estrellas como Otis Spann o Buddy Guy. El experimento no tuvo el éxito esperado. Quizá por el título del disco -The Super Super Blues Band-, puede que por su fea portada o incluso porque la suma de talentos no siempre ofrezca un mejor resultado.</p><p>A pesar de ello el álbum de estos gigantes es una obra poderosa. Producido por el eterno Willie Dixon, autor también de varios de los éxitos de los protagonistas, el disco es el testimonio de una reunión histórica de enemigos íntimos y leyendas del género que bien merece una escucha. Para recorrer esta joya del blues hemos invitado al periodista Ricardo de Querol y a Lucía Taboada.</p>

<p>Muchos de los grandes artistas han acabado plasmando en sus obras una parte de su propia historia que no han podido o sabido sacar de otra forma. En la música hay muchos ejemplos. Sinéad O'Connor es uno de ellos. “Cuando era pequeña no había terapias así que me metí en la música. Únicamente quería gritar”, contaba la cantante.</p><p>Para muchos Sinéad O'Connor es la chica de la cabeza rapada que lloraba cantando Nothing Compares 2U, para otros la joven que rompió una foto del Papa en televisión protestando por los abusos en la Iglesia. Pero O'Connor fue muchas cosas e hizo muchas cosas. La mayoría, cuando conoces el contexto, tienen explicación.</p><p>Sinéad fue víctima de abusos, luego una niña problemática y finalmente una madre desequilibrada. También una artista especial y tremendamente valiente. En este episodio queremos recordar su figura como la de una artista enorme que se atrevió con todo porque creemos que hay que recordar su legado, una historia que comenzó en 1987 cuando la cantante editó The Lion and The Cobra y que alcanzó su cima con I Do Not Want What I Haven't Got, cuando se convirtió en una de las grandes estrellas de la época.</p><p>Pero el reinado de la irlandesa fue breve porque se enfrentó a todo y luchó por todo. “La sociedad no espera que las mujeres digamos cosas”, apuntó en una entrevista al ser cuestionada sobre sus polémicas. El caso es que O´Connor criticó al Papa por los abusos sexuales que miles de irlandeses habían recibido, se negó a actuar en EEUU si antes de que saliese al escenario ponían su himno nacional, protestó por la invasión a Irak o el racismo en los Grammy, también cantó contra las políticas de Thatcher.</p><p>O´Connor siempre dijo lo que pensaba y lo que creía justo. Y el mundo no estaba preparado para ella. Todo por lo que luchó, como el derecho al aborto, y lo que criticó, como los abusos, fueron luchas justas y el tiempo ha acabado dando la razón a la irlandesa, pero su voz sonó demasiado alto demasiado pronto. En el año de su muerte queremos recordar su música en este Sofá Sonoro que compartimos con Mario Tornero.</p>