Sofá Sonoro

<p>Hay pocos discos en la música que tengan la capacidad de pasar de generación en generación sin perder su fuerza. 'Mediterráneo', la obra cumbre de Joan Manuel Serrat, tiene ese don.</p><p>Hace 50 años el músico catalán, entonces un joven melenudo en el mejor momento de su carrera, se refugió de la fama en una pequeña pensión frente al mar y allí fue dando forma a las canciones que marcarían su carrera para siempre.</p><p>Con motivo de este aniversario el periodista Fernando Navarro viajó al encuentro de Serrat para la entrevista que fue la portada de 'El País Semanal' del mes de junio. De ese encuentro salieron muchas cosas y Fernando se sienta en el Sofá Sonoro para contárnoslas. La historia, el contexto, las canciones y las anécdotas de un disco clave en el pop español.</p><p>En este episodio de Sofá Sonoro nos adentramos en las canciones y la historia de 'Mediterráneo'. ¿Cómo surgió? ¿Qué significó para Serrat? ¿Cómo lo ve y recuerda medio siglo después?</p><p>Esta semana viajamos a la España de 1971 para recuperar este disco mayúsculo junto a Navarro, Jimena Marcos y las canciones eternas de Serrat.</p>

<p>Todo viaje tiene un principio, el de Radiohead conecta con su primer nombre On a Friday, por el día en el que ensayaban. Recuperamos este reportaje de Jimena Marcos que es parte del programa que dedicamos a la banda inglesa.</p>

<p>Hay bandas que están asociadas de un modo especial a un local, bares que cambiaron escenas musicales. El CBGB de Nueva York es uno de ellos. Un local que programaba country, blues y bluegrass y que de la noche a la mañana se convirtió en el santuario del nuevo rock y del punk de los años setenta. Todo ello fue gracias a Television, que se ofreció a tocar en aquel antro del bajo Manhattan cambiando el rumbo de la escena neoyorquina.</p><p>A pesar de llevar un lustro afinando sus canciones, Television no debuta discográficamente hasta 1977, cuando llegó a las tiendas Marquee Moon. Aquel álbum descolocó a todos y marcó un nuevo rumbo en la música. En sus canciones había poesía, crudeza, rock progresivo, punk, jazz y mucha magia. El disco derribó estereotipos y se convirtió en un trabajo de culto que ha ido ganando peso con el paso de las décadas hasta ser una de las grandes joyas de aquella época.</p><p>Construido alrededor de dos guitarras salvajes, Marquee Moon es quizás el mejor ejemplo de como encajar a dos virtuosos, de como entablar diálogos entre los instrumentos. Pocos trabajos han conseguido todo esto de un modo tan sublime como el debut de Television.</p><p>Esta semana hemos querido recordar el primer paso de la banda de Tom Verlaine, su peculiar historia, su contexto y esa potente colección de canciones que trazó un retrato majestuoso de aquel Nueva York al borde del caos y la quiebra. Para este viaje a los años setenta nos acompañan Sara Morales y Lucía Taboada.</p>

<p>Tras la muerte de Charlie Watts recordamos el programa doble que recorre la historia de los Rolling Stones en compañía de Mon Tapias y Manuel Recio. En esta primera entrega repasamos los años sesenta, los inicios de esos Stones que empezaron haciendo versiones de blues y que terminaron la década como una de la bandas más poderosas de la música preparando el terreno para lo que vendría después.<br></p>

<p>Segunda entrega del Sofá Sonoro dedicado a sus Satánicas Majestades. En esta entrega recorremos sus mejores años, con los discos de los años setenta, y llegamos, disco a disco, hasta su última entrega<br></p>

<p>El mundo se paró un instante el 8 de diciembre de 1980 cuando un perturbado mató a John Lennon a las puertas de su casa en Nueva York. De pronto los flashbacks del sueño musical que había protagonizado junto a The Beatles sacudieron a una sociedad que había crecido con sus canciones. Una década antes, John lloraba en un cine casi vacío viendo en documental que narraba el final de la banda, de su banda.</p><p>El viaje de los Beatles apenas duró una década, el de John en solitario aguantó otros diez años. No se puede hacer más en menos tiempo. En esas dos etapas de su carrera John Lennon cambió, junto a otros grandes, la música y la cultura popular.</p><p>La trayectoria de los Beatles resulta fascinante, la de Lennon en solitario también. Tras el colapso de la banda de Liverpool hubo una carrera por llegar a las tiendas y por ganar a los demás. En 1970 se editó el último trabajo de The Beatles y en apenas unos meses llegaron también los discos en solitario de Paul McCartney, Ringo, George Harrison y del propio Lennon. Una etapa oscura en la historia de la banda marcada por declaraciones fuera de tono y reproches en forma de canción.</p><p>Competiciones al margen, la década de los años 70 fue una montaña rusa para John. En esos años, Lennon se convirtió en un activista político de primera línea que libró una batalla a campo abierto contra el presidente Nixon y el FBI. También fue la década del autodescubrimiento, de asumir los errores, de renunciar a su naturaleza violenta. Fueron los años de John y Yoko, pero esos años acabaron en una separación de 18 meses que el músico bautizó como "el fin de semana perdido".</p><p>La reconciliación se plasmó en el nacimiento de su primer hijo y en la retirada de John de la música para darle a su segundo hijo la atención que no pudo darle al primero. La mayor estrella de la música lo dejaba para atender a su familia. Cuando Sean Lennon comenzó el colegio, John preparó su regreso con un disco doble. Dos semanas después de llegar a las

<p>La irrupción de Madonna en los años 80 fue una explosión que puso la música patas arriba. Hace dos años dedicamos a la Reina del Pop un programa completo y este reportaje de Lucía Taboada sobre su infancia e inicios fue parte de él. Puedes escuchar aquí el <a href="https://play.cadenaser.com/audio/001RD010000005567354/" target="_blank">Programa completo</a></p>

<p>En octubre de 1963 el cuerpo de Édith Piaf llegó al cementerio de París. Tenía 46 años. Estaba arruinada y parecía una mujer mucho mayor por las malditas drogas. Su vida está marcada por el peor de los dramas y ese dolor se convirtió en arte, en belleza, a través de sus canciones. Poco antes de morir dio una entrevista donde se mostró sin ningún tipo de careta. “Si volviese a vivir haría lo mismo”, respondió al periodista que le preguntaba por sus arrepentimientos.</p><p>Édith Giovanna Gassion nació el 19 de diciembre de 1915 bajo una farola frente al número 72 de la Rue de Belleville en París. Hija de padre acróbata y madre cantante ambulante, dicen que el padre se emborrachó el día en el que Édith estaba a punto de nacer y que abandonó así a la madre a su suerte.</p><p>A los 14 años, Piaf comenzó su carrera en solitario. A los 17 se quedó embarazada y un año y medio después el bebé murió de meningitis. Otro golpe más para una joven acostumbrada a ellos y que supo convertir el dolor en arte, en belleza.</p><p>Su vida fue dando giros y tumbos, entrelazando pequeñas victorias con sonoros golpes, hasta que ella misma escribió y cantó La Vie en Rose, una canción eterna que la convirtió en una estrella más allá de las fronteras francesas. Piaf escapaba del canon de estrella femenina de la época, pero su voz, su personalidad y su inmenso talento derribaron cualquier prejuicio.</p><p>A pesar de ser una mujer dura la vida fue pasando factura a la cantante, adicta a la morfina y con un alcoholismo que siempre la acompañó, Piaf murió demasiado joven después de haberse bebido el mundo brindando con una sonrisa.</p><p>Su legado, sin embargo, permanece. Nadie cantó al amor como ella, como Billie Holiday, una mujer de vida triste que dio a su voz un poso único. Esta semana vamos a recordar su carrera e historia de la mano de Sara Morales, Toni Castarnado, la cantante Mariaca Semprún y los reportajes de Jimena Marcos.</p>

<p>No hay muchas bandas que puedan presumir en estas últimas décadas de tener una trayectoria tan potente y coherente como Wilco. En 2019 les dedicamos un programa a toda su carrera y de ahí recuperamos este reportaje de Lucía Taboada sobre los inicios de la banda cuando eran todavía Uncle Tupelo. <a href="https://cadenaser.com/programa/2019/08/02/sofa_sonoro/1564732804_592146.html" target="_blank">Puedes escuchar aquí el programa completo</a></p>

<p>En 1984 Prince se comió el mundo con la edición de un disco y una película que cambieron su vida para siempre. Aquel año comenzó con el impacto del Thriller que Michael Jackson había editado a finales del 83, también del Born in the USA de Springsteen, de Wham, de Tina Turner, del debut de The Smiths, pero sobre todo fue el año de Prince que con su sexto disco de estudio dio un golpe de estado en la cima de la música.</p><p>Tras 1999, su anterior disco, Prince comenzó a dar forma Purple Rain, su revolución sonora, una visión que transformó la música y que se adelantó a cosas que sucederían años después.</p><p>Aquel verano, Prince presentó en directo algunas de las canciones de Purple Rain y la idea comenzó a tomar forma. El músico subió la apuesta, al margen de su disco, Prince trazó la idea de grabar una película. Un proyecto ambicioso que pudo ser un fracaso enorme, pero que acabó siendo un paso definitorio de su carrera.</p><p>El 25 de junio de 1984 llegó a las tiendas Purple Rain. La suerte estaba echada. Un mes después se presentó la película. El órdago fue total y la respuesta del público respaldó la apuesta.</p><p>A pesar del éxito incuestionable del proyecto, también hubo críticas. Hubo quien acusó a Prince de venderse al público blanco abrazando el pop. El músico se defendió con firmeza. “Yo crecí en un mundo de negros y blancos y escuchaba todo tipo de música cuando era niño y cuando era joven decía que algún día haría todo tipo de música y que no sería juzgado por el color de mi piel sino por la calidad de mi trabajo y espero que eso siga así”, aseguró en una entrevista de aquellos años.</p><p>Críticas al margen, el éxito de ambos proyectos aupó a Prince como una estrella de primer nivel. Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar aquella aventura, sus canciones, contexto, historias y anécdotas de la mano de Fernando Neira, Yahvé de la Cavada y Jimena Marcos.</p>

<p>En 2002 Norah Jones debutó con Come Away with Me, un éxito tremendo que vendió 20 millones de copias. Esa tremenda cifra era superior a la suma de todos los discos de Blue Note en la década anterior. El inesperado éxito del debut de Jones agobió a la cantante, que llegó a pedir al sello que dejase de imprimir copias, pero ya era tarde. El fenómeno Jones había comenzado. Un año después Norah recibió cinco premios Grammy de manos de las grandes leyendas del jazz y comenzó una carrera fascinante. Recuperamos este Sofá Sonoro para recordar los primeros pasos de Jones de la mano de Toni Castarnado.<br></p>

<p>Hay artistas que se han hecho famosos por sus letras, otros por su actitud, algunos lo tuvieron todos y luego está Nina Simone, cuyos temas propios removieron conciencias, pero que también, como Aretha Franklin, tuvieron la capacidad de hacer suya, y de nadie más, cualquier canción que tocaron.</p><p>La vida de Nina Simone la hemos contado en algún que otro programa, también hemos dedicado algún Sofá Sonoro a alguno de sus trabajos. En este episodio queremos centrar el programa en sus versiones.</p><p>A lo largo de su carrera, Simone tocó muchos palos, distintos estilos y versionó a artistas que van desde Bob Dylan o los Beatles pasando por Leonard Cohen o Bob Marley. Muchas de esas grabaciones se concentraron en un periodo muy interesante de la historia y de la carrera de la pianista, esta semana vamos a recorrer algunas canciones editadas entre 1969 y 1971, un periodo que comienza en realidad un año antes, un agitado 1968 marcado por el asesinato de Martin Luther King.</p><p>En esta etapa Simone se radicalizó en su lucha contra el racismo. "Si me hubieran dejado sería una asesina. ¿Entiendes? Esa es la verdad. Si tuviera pistolas iría al sur y les daría violencia, balas contra las balas... si me dejaran. Pero mi marido me dijo que no sabía nada de armas y que no debía aprender, que lo que único que tenía era la música y que la usase, pero si me dejasen no estaría aquí hoy. Probablemente estaría muerta porque habría que usado las armas en esos años. Nunca fui una persona no violenta", aseguraba la pianista en una entrevista de los años ochenta.</p><p>Pero Simone no usó las armas, usó las canciones. De esta etapa datan algunos de sus temas más recordados, pero también se apoyó en las canciones de otros como Bob Dylan para sus reclamaciones.</p><p>En este episodio ponemos el foco en la lucha de Simone y en las versiones que grabó alejándose del jazz, principalmente en dos discos: To Love Somebody y Here Comes the Sun.</p><p>Un viaje trepidante por la agitada etapa de Nina Simo

<p>Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron los primeros pasos de los chicos de Guns and Roses, los orígenes de una banda salvaje que estaba destinada a la gloria.</p>

<p>Entre 1970 y 1975 Neil Young vivió una etapa fascinante de su larga e intensa carrera, una época en la que dejó atrás Buffalo Springfield, alcanzó el éxito junto a Crosby, Still y Nash y se lanzó en solitario creando algunos de los mejores discos de su vida. Mirando a esos años se destapa la personalidad del músico, pero también sus valores y lo que realmente es importante para alguien que adora la música.</p><p><span style="font-size: 1rem;">En apenas un lustro Young firmó álbumes fascinantes. Encontró la fórmula del éxito con Harvest y la ignoró en sus siguientes trabajos. Discos menos accesibles pero clásicos del rock como On the beach o Zuma.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">Aquellos fueron años complicados para el músico. La muerte de amigos y colaboradores por las drogas pasaron factura. El verse rico de pronto descolocó también a aquel joven hippie que tardó en entender su nuevo estatus y que ignoró lo que se esperaba de él tanto como artista de éxito como de estrella de la música.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar aquella etapa de la carrera de Neil Young, sus discos, sus giras, las canciones, su contexto y la época en la que todo se gestó. Un repaso que hacemos en la compañía de Yahvé de la Cavada, Fernando Navarro y Lucía Taboada.</span><br></p>

<p>Bobby Charles era apenas un crío cuando descolgó el teléfono y llamó a las oficinas de Chess Records en Chicago. El chaval cantó los primeros versos de su primera canción y consiguió un trabajo. Cuando llegó a Chicago desde su Luisiana natal nada era poco esperaban. Para empezar Charles era blanco, y además era un adolescente. Pero su primera canción, See You Later Alligator, se convirtió en un gran éxito para Bill Haley.</p><p>La historia de Bobby Charles era repleta de grandes canciones, temas que han cantado Neil Young, Ray Charles, Fats Domino o Willie Nelson, pero su nombre apenas es recordado.</p><p>Charles tuvo unos buenos años en Chicago antes de firmar por Imperial Records y componer para Fats Domino, pero a finales de los sesenta Charles se cansó de todo y huyó. Se cobijó en Woodstock y allí se hizo amigo de los chicos de The Band, que le grabaron su primer disco de estudio.</p><p>Desde principios de los setenta hasta su muerte, la vida de Bobby Charles está llena de lagunas. Se le quemó una casa y la siguiente se la llevó un huracán. Tras años desaparecido volvió a grabar algunos discos y siguió siendo una figura respetada por los grandes compositores, incluso participó en El Último Vals de The Band.</p><p>Esta semana dedicamos un Sofá Sonoro especial a contar la vida y carrera de Bobby Charles y a escuchar sus canciones, las que cantó él y las que escribió para otros. Un viaje necesario para recuperar el legado de uno de los grandes nombres olvidados de la música.</p>

<p>En los años noventa pasaron muchas cosas en la música. La explosión del grounge, la respuesta del britpop, el nacimiento del indie en España y la explosión de las boy bands y las girl bands, al margen de todo eso transcurrió la carrera de Radiohead, una banda que golpeó fuerte con su primer disco y que tuvo que pelear contra sus propios demonios y contra las etiquetas de la época para seguir su propio camino.</p><p>Entre 1993 y el año 2000 Radiohead publicó cuatro discos, en esos cuatro trabajos está lo más destacado de la banda inglesa, una colección de canciones que los consagró como una banda diferente, compleja y tremendamente influyente.</p><p>El éxito de Creep marcó de una manera determinante a Radiohead que terminó detestando su primer disco. “Nos pilló totalmente por sorpresa. No teníamos ni idea. Cuando grabamos el primer disco pensábamos en vender 10.000 o 20.000 copias girando por Reino Unido con los discos en el maletero del coche y luego a los 3 o 5 meses grabar otro disco”, explicaba Ed OBrien unos años después.</p><p>El éxito de Pablo Honey provocó a la banda más dudas que certezas, pero en esas llegó a sus vidas un tipo clave: el productor John Leckie, que dio a la banda seguridad a la hora de encarar The Bends, su siguiente trabajo. “John es un hombre maravilloso y nos enseñó a usar el estudio. Cuando empezamos a grabar estábamos mal anímicamente y él fue capaz hacer que el estudio fuese un lugar agradable de trabajo. Una de las cosas por las que le estaré eternamente agradecido es que hiciese que el estudio no fuese un silencioso laboratorio de ciencia. John le quitó todo el misterio a la grabación e hizo que fuese algo que disfrutamos tanto como tocar”, explicaba Thom Yorke en un documental sobre el grupo.</p><p>La segunda entrega reafirmó al grupo y les dio algo de confianza para seguir su propio camino, a buscar ese sonido que los separaba de sus coetáneos británicos. Toda esa búsqueda eclosionó con su tercera entrega, el eterno OK Computer,

<p>Lucía Taboada nos cuenta en este reportaje cómo se gestó el final de los Beatles y lo que pasó después. </p>

<p>Cuando en la primavera de 1977 salieron los dos primeros singles de Elvis Costello el chico todavía tenía un trabajo regular, una vida normal y un sueño musical que parecía solo eso, un sueño. En verano de aquel año salió su primer disco y aquella colección de canciones convirtieron a Declan Patrick en una estrella y a su My Aim is True en uno de los discos de debut más recordados de la música.</p><p><span style="font-size: 1rem;">Aquel álbum llegó a una escena que vivía su enésima revolución a mediados de los años 70 con el nacimiento del punk, la llegada de la new wave y el despertar de bandas generacionales como The Clash.</span></p><p>El debut de Costello abrió una nueva vía. Tras siete años haciendo canciones y buscándose la vida, el músico encontró cobijo en un sitio ideal para él, Stiff Records. “Yo firmé por un sello independiente que casi se arruina por firmar a tipos que no encajaban en ningún otro sello. Me contrataron porque era diferente, aunque me ficharon como compositor no como cantante, pero cuando se dieron cuenta de la cantidad canciones que estaba escribiendo y del hecho de que nadie más podía cantar mis temas todo cambió”, recordaba el músico en una entrevista reciente.</p><p>Con 23 años, Costello estaba dispuesto a comerse el mundo y a no desaprovechar su oportunidad. Dejó de lado la idea de ser letrista y asumió con naturalidad que lo suyo era la primera línea del escenario. Formó pareja con Nick Lowe, que ejerció de productor de sus primeros discos, y se lanzó a por todas. Unos meses después, en pleno verano, el chico de las gafas de pasta y aspecto de empollón estaba en la portada de la principal revista musical inglesa.</p><p>Una de las cosas más fascinantes de la historia musical son los discos de debut, la capacidad que tienen esas primeras canciones de cambiar la vida de sus autores, de sacarles de sus trabajos y arrojarlos a la carretera, al estrellato, a la mala vida del rock and roll. El debut de Elvis Costello implicó todo eso, 

<p>Los chicos de Blur eran amigos antes que compañeros de banda y esa condición marcó sus relaciones y las tensiones que les enfrentaron. Lucía Taboada nos recuerda cómo fueron sus inicios y el camino hasta que grabaron Leisure, su primer disco. Este reportaje es parte del programa que dedicamos a la banda inglesa. </p><p><br></p>

<p>Esta semana dedicamos el programa a recordar Birth of The Cool, un disco clave en su carrera que llegó tras un viaje a París clave en la historia del músico. Esta etapa de Davis resulta fascinante, llegó a París con un sonido en la cabeza y volvió de Francia casi sin futuro. Las sesiones que registró antes y después de aquel viaje tardaron en llegar a las tiendas, cuando lo hicieron se convirtieron en un éxito, pero Davis estaba hundido, enganchado a la heroína y en plena depresión.</p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar esta tremenda etapa de la carrera de Miles Davis y lo hacemos en la compañía de Salva Rubio, autor del cómic Miles en París, y con los reportajes de Lucía Taboada. </p>

<p>En plena era del grounge unos tipos de Minnesota se propusieron obviar las normas y apostar por la música de raíces americanas y darle una vuelta, cambiar ciertas reglas y rejuvenecer el género. En lugar de acabar siendo estrellas terminaron enfadados y distanciados, pero 30 años después se los recuerda como unos pioneros de una enorme influencia.</p><p>En 1992 la banda liderada por Mark Olson y Gary Louris vivió muchos cambios. Cambió de sello, de ciudad y subieron la apuesta editando Hollywood Town Hall de la mano de American Recordings, el sello de Rick Rubin.</p><p>Aquel disco fue un punto de inflexión en el nacimiento de ese género llamado Americana, un disco fresco que alejado de los focos sentó las bases de ese movimiento que apostaba por renovar los estilos tradicionales.</p><p>The Jayhawks no se convirtieron en estrellas, pero sí en referentes de una nueva oleada de bandas que abrazarían el country renovándolo y alejándolo de las directrices del Nashville más académico. </p><p>La banda llegó a American Recordings como una apuesta personal del productor George Drakoulias que fue quien fichó a la banda o a The Black Crowes, una historia curiosa la de cómo acabaron los Jayhawks en el sello de Rick Rubin como lo recordaba el propio grupo en un documental sobre este disco. “George tenía un amigo que era Dave Ayers, se conocían del negocio musical. George le llamó para pedirle algo y cuando fue a por ello dejó nuestra demo sonando al lado del teléfono. Cuando Dave volvió, George estaba fascinando y le dijo: “No dejes que nadie fiche a estos tipos, voy a Minneapolis a conocerlos”. Esa llamada fue el punto de inflexión en la historia de la banda con este disco que recordamos junto a la cantante Nat Simons, que trabajó con Louris hace unos años cuando el músico accedió a producir su disco Lights. </p>

<p>Pocas bandas han tenido una irrupción tan salvaje en la música como The Who. Lucía Taboada nos recuerda cómo fueron los comienzos de la banda inglesa en este reportaje que fue parte del programa que les dedicamos. </p>

<p>En los años noventa pasaron muchas cosas y pasaron muy rápido. Del grounge pasamos al britpop en un suspiro, pero entre medias sucedieron cosas que marcaron a los jóvenes de entonces. Discos que llegaron sin grandes etiquetas ni géneros y que eran sencillamente buenos álbumes de rock and roll. Uno de los más recordados de aquella época fue Bringing Down the Horse, el segundo trabajo de Wallflowers.</p><p>La banda liderada por Jakob Dylan, hijo del eterno Bob, comenzó su andadura musical a comienzos de los noventa, pero en sus primeros pasos apenas tuvieron suerte. La gran oportunidad para el grupo llegó en 1996 tras años cocinando su segunda entrega. Con Bringing Down the Horse la banda asaltó la banca a base de grandes canciones, un guiño retro con la huella del productor T-Bone Burnett y una puesta escena más que convicente.</p><p>Con aquella segunda entrega Wallflowers vendió millones de discos y devolvió el rock alternativo a la primera línea. Rock sin etiquetas ni sellos, simplemente rock. Con eso bastó. En cuestión de meses la banda se convirtió en una de las revelaciones del momento y Jakob se pudo quitar la etiqueta de "hijo de" para firmar con su propio nombre.</p><p>El viaje de Wallflowers fue interesante, aunque no consiguieron nunca más alcanzar un impacto tan grande como el que alcanzaron con este disco, un álbum que vamos a recorrer de la mano de David Moreu y Lucía Taboada.</p>

<p>Los inicios de Ella Fitzgerald están marcados por una velada en el teatro Apolo. Hasta ese momento Fitzgerald se veía haciendo carrera como bailarina, pero las dos hermanas que actuaron antes que ella bailaron tan bien que a Fitzgerald le dio vergüenza que cantó, lo hizo tan bien que su vida cambió para siempre. Lucía Taboada nos cuenta esta historia parte del programa dedicado a los discos que Ella y Louis Armstrong grabaron juntos. </p>

<p>A finales de los años 50 Ella Fitzgerald y Louis Armstrong grabaron tres discos juntos, tres joyas del jazz que juntaron a las más grandes estrellas de la época. En un momento en el que el jazz vivía una revolución constante en busca de nuevos sonidos, los dos grandes representantes del estilo clásico elevaron sus leyendas a una nueva dimensión creando unos discos con pocas pretensiones, pero llenos de una belleza hipnótica que tantos años después sigue vigente.</p><p>Tras el éxito de Ella and Louis, de 1956, el dúo volvió al estudio poco después para una segunda entrega y unos años después cerró la trilogía con la adaptación de la ópera Porgy and Bess. Eso tres discos, diferentes entre ellos, muestran el enorme talento de ambas estrellas y una cosa más especial: lo bien que casaban sus voces juntas. </p><p><span style="font-size: 1rem;">Aquellos fueron años intensos para ambos. Entre 1956 y 1957, Ella Fitzgerald grabó ocho discos. Diez editó Armstrong a lo que añadió algunas películas. También hubo giras, conciertos por doquier. Un ritmo trepidante que en cierta medida fue eclipsado por los tres discos que hicieron juntos.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">Pocas veces se ha juntado tanto talento y ha combinado tan bien. Ella, que creció admirando a Louis, estaba nerviosa en las grabaciones, pero el buen ambiente y la sonrisa eterna de Armstrong crearon las condiciones perfectas para que la magia fluyese. A pesar de que las canciones eran ya de sobra conocidas por el público, muchas de estas grabaciones han acabado pasando a la historia como las versiones definitivas de temas cantados por todos los grandes nombres de la música.</span><br></p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a estos tresdiscos, a su historia, contexto y canciones y lo hacemos de la mano de Toni Castarnado, Manuel Recio, Lucía Taboada y Sheila Blanco. </p>

<p>Los grandes discos de la historia han hablado de amor, de rebeldía, de sexo, de rupturas. Ninguno hizo jamás una elegía tan acertada y poderosa de los perdedores como el London Calling de The Clash. </p><p>La banda inglesa editó su obra maestra en 1979 con los últimos estertores del punk. El grupo liderado por Joe Strummer quiso mirar más allá del género, recuperar las raíces y crear algo diferente. El resultado de aquel viaje provocó una revolución en la música encumbrando a The Clash como una banda única, como “la única banda que importa”, tal y como se la conoció entonces.</p><p>The Clash consiguió en su tercera entrega aunar un sonido revolucionario con ideas revolucionarias en un disco doble que es un microcosmos. En sus 19 canciones hay rock, ska, reggae, punk y una buena dosis de pop. Todo ello para vestir canciones que hablan de la guerra civil española, de la derrota, del consumismo y de la vida. El mundo entero cabe en este álbum doble de portada eterna que es una de las obras maestras de la historia de la música.</p><p>A pesar de su duración y variedad, London Calling sigue, 40 años después, siendo un disco que se escucha del tirón y en el que todo tiene sentido, armonía, importancia. Un disco así necesitaba un programa propio de una hora y esta semana reunimos a Mario Tornero, Lucía Taboada y Guille Mostaza para recorrer la historia, contexto, canciones, sonido y anécdotas de London Calling, un tributo a uno de esos discos que deben figurar en cualquier colección de discos.</p>

<p>Bob Dylan cumple 80 años y en Sofá Sonoro lo celebramos con un programa especial y distinto. Un recorrido por distintos momentos de la carrera del músico a través de las vivencias del presentador. </p>

<p>En 1993 llegó a las tiendas ‘Get a Grip’, el décimo disco de estudio de Aerosmith y uno de los grandes fenómenos musicales de aquella década marcada por el grounge estadounidense y el britpop de Blur y Oasis. </p><p>En ese contexto llegó esta joya del rock, un álbum que supuso un éxito enorme para los estadounidenses que supieron ver el poder de la MTV. ‘Get a Grip’ trascendió como fenómeno gracias a los vídeos protagonizados por Alicia Silverstone y Liv Tyler. Aquellos vídeos elevaron a la banda que venía enlazando grandes discos con ‘Permanent Vacation’ y ‘Pump’, álbumes que los conectaron con un nuevo público y una nueva generación. </p><p>En ‘Get a Grip’ todo ese trabajo cristalizó y a pesar de desilusionar a los fans más fieles, el disco reforzó al grupo tras más de veinte años de carrera. El rock salvaje unido a unas baladas atemporales y ese espíritu de rebeldía que siempre defendieron fueron la fórmula que catapultó este disco a la categoría de clásico. </p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar el décimo disco de los Toxic Twins, su historia, contexto y canciones. Un viaje que hacemos en la compañía de Toni Castarnado y Lucía Taboada. </p>

<p>A comienzos de los años setenta el grito de los oprimidos llegó a la música. Bob Marley en Jamaica, Fela Kuti en Nigeria y decenas de afroamericanos en EEUU convirtieron las canciones en un arma, en una forma de denuncia y de retrato del injusto mundo en el que vivían los negros. Uno de los mejores retratos lo hizo Gil Scott-Heron con ‘Pieces of a Man’, una obra clave recordada por ese himno de ‘Television wont be televised’</p><p><span style="font-size: 1rem;">Tras un debut grabado en directo y orientado al ‘spoken word’, el poeta Scott-Heron dio el salto a la música de la mano de Bob Thiele, productor del álbum y dueño del sello que lo sacó y uno de esos visionarios del jazz que había trabajado con John Coltrane o Louis Armstrong.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">Junto a su socio el arreglista y músico Brian Jackson, Scott-Heron definió el mundo negro en este disco conciso y hermoso que provocó que su música fuese considerada la CNN de los barrios negros. “Teníamos que entregar un mensaje, ser los portavoces de lo que estaba pasando en ese momento, eran los años setenta y fueron tiempos marcados por la confusión”, explicaba Jackson en una entrevista reciente.</span><br></p><p>La pareja se puso manos a la obra y realizaron uno de los discos más influyentes de la música negra de la época. Además de erigirse como los portavoces musicales de un movimiento, Jackson y Scott -Heron crearon una colección de canciones que mezclaban estilos, ideas e influencias que marcó a toda una generación de creadores.</p><p>Esta semana recordamos ‘Pieces of a Man’, su contexto, historia y canciones de la mano de Mario Tornero y Lucía Taboada.</p>

<p>Pocas cosechas discográficas son tan potentes como la de 1971. Este año esos discos y eventos cumplen medio siglo y Lucía Taboada nos recuerda algunos de los más importantes.</p>

<p>Muchos de los grandes discos de la historia fueron creados por bandas al borde del abismo, de la ruptura, por tipos que ya no se aguantaban. Machine Head de Deep Purple es uno de esos discos.</p><p>“Era un grupo único e impactante, la banda era la más innovadora del momento. Nadie podía hacerles sombra sobre un escenario”. Así definía Bruce Payne, manager de Deep Purple, el momento que vivía el grupo en 1972, momento en el que llegó a las tiendas el sexto álbum de la banda inglesa, un disco que los consagró definitivamente pero que también marcó el final de la formación más recordada del grupo.</p><p>Para Machine Head, el grupo viajó a Suiza, para grabar en el Casino de Montreux. Lo que allí sucedió marcó el destino del grupo. Un incendio durante un concierto de Frank Zappa derivó en la creación de Smoke on the Water, el tema emblema de la banda inglesa.</p><p>Esta semana recordamos Machine Head, su historia, contexto, canciones y sonido de la mano de Manuel Recio y Lucía Taboada.</p>

<p>En 1974, tras una gira terrible como telonero de Frank Zappa y el escaso éxito de su primer disco un Tom Waits de 24 años volvió al estudio con una nueva idea, otro sonido y una imperiosa necesidad de consolidar su personaje y su carrera. A mediados de año salió de los Wally Heider Studios con el fascinante The Heart of Saturday Night,</p><p>Tres este álbum, Waits respiró tranquilo. Salvó la papeleta. Pocos artistas han experimentado un cambio tan profundo entre su primer y su segundo disco como el que protagonizó el pianista con Closing Time y este corazón de la noche del sábado, un álbum que no figura entre los favoritos del propio Waits, pero que sí está entre los más queridos por muchos de sus seguidores.</p><p>En este disco Waits muta su sonido, define su personaje y consolida su carrera tras el tibio éxito de su debut. Aquí el músico se aleja del folk y abraza un jazz sombrío que marcará parte de su etapa en Asylum Records.</p><p>La obra de Tom Waits ha pasado por muchas fases y etapas, algunas marcadas por sus sellos, otras por sus colaboradores o por su mujer, una de las más impactantes es la de sus inicios, cuando el mito y el personaje fueron tomando forma canción a canción. En esta entrega de Sofá Sonoro hemos querido recordar su segundo disco por ser un paso importante en todo ello y lo hacemos de la mano de Arturo Lezcano y Lucía Taboada.</p>

<p>En el año 2000, Ryan Adams cortó con su novia y decidió dejar Nueva York y volver a Jacksonville, a una calle de distancia de donde había nacido. Adams pensó que antes de dejar la música, tras el final de su anterior banda, debía darse una última oportunidad. Hacer un disco en solitario. Se fue a Nashville y de allí salió con Heartbreaker, un álbum que salvó su carrera tras el final de Whiskytown.</p><p>Este disco, grabado en una situación desesperada, capta el momento que vivía el músico. Gracias a estas canciones, Adams se consagró como el niño prodigio de la música americana. En los años siguientes mostraría también una capacidad única de componer de una manera salvaje que auténticas exhibiciones.</p><p>Con este disco Ryan Adams, que emocionó a una leyenda como Elton John, reflotó su carrera cuando estaba en la cuerda floja con apenas 25 años. Heartbreaker lo puso debajo del foco adecuado. Fue también el punto de partida de una carrera trepidante y compulsiva en un tipo tan extraño como genial, tan borde en las entrevistas y los conciertos como extremadamente sensible en sus composiciones. Ahora la carrera de Adams está en apuros tras las acusaciones de varias mujeres por su conducta, una noticia que derribó lo que el músico había ido construyendo durante tantos años. Esta semana hemos querido dejar aparcado el personaje y centrarnos en la obra, en este primer paso de su carrera.</p>

<p>En 1963, Sam Cooke perdió a su hijo de año y medio, un año después fue asesinado en un hotel de Los Ángeles. Entre medias Cooke tuvo tiempo para grabar Night Beat, el tremendo A Change is gonna come y a lanzar la carrera de Bobby Womack a través de su propio sello.</p><p>Los años finales de Sam Cooke son fascinantes, la muestra de uno de los más grandes artistas de su tiempo en su mejor momento. El triste y oscuro asesinato de Cooke nos privó del enorme talento de este músico visionario que pasó de la música religiosa al soul y que estando en la cima tuvo la visión suficiente para montar su propio sello discográfico y para usar su posición para luchar por la conquista de los derechos civiles de los afroamericanos. </p><p>Night Beat es una muestra de ese momento que vivía Cooke. Grabado en tres sesiones nocturnas, el disco capta toda la fuerza del cantante y toda la magia de una de las grandes voces de la música. Mezclando temas religiosos con baladas, blues y canciones de rock, Cooke vuela por encima de una banda que lo envuelve con delicadeza.</p><p>Quizá este no sea el disco más recordado de Cooke, pero sí es uno de los que mejor resumen la carrera de este pionero visionario. Esta semana recorremos ese momento de la vida de Cooke junto al periodista Fernando Neira y junto a los reportajes de Lucía Taboada, Jimena Marcos y Sheila Blanco.</p>

<p>Algunos discos ganan con el tiempo el crédito que no tuvieron en su día. A finales de los años sesenta la cantante inglesa Dusty Springfield cruzó el charco y firmó con el sello de Aretha Franklin para grabar Dusty In Memphis, un álbum que no consiguió su propósito de establecerla como una estrella en EEUU pero que con los años ha terminado siendo un clásico de la música soul. </p><p>La carrera de Dusty Springfield resulta de lo más curiosa y fascinante pero su cumbre, sin duda, es este Dusty in Memphis, un álbum poderoso, sugerente, cálido y una apuesta arriesgada en su día para una estrella inglesa que salió de su zona de confort para jugar con otras reglas y con otros músicos. </p><p>Con su quinto álbum de estudio, la cantante se encontró en un momento de duda, de buscar retos. Esos retos los encontró en el sello de Aretha y junto a los productores de la gran dama del soul.</p><p>A pesar de las dudas iniciales, Springfield se acabó adaptando a la forma de trabajar de Atlantic y firmó un disco mayúsculo y atemporal que figura entre lo mejor de su repertorio y entre los grandes discos de la historia del soul.</p><p>La carrera de Dusty Sprinfield tocó todos los palos, Dusty presentó programas de televisión, se convirtió en una de las más grandes cantantes inglesas, incluso en un icono de la cultura gay. Traspasó barreras, rompió techos de cristal y por el camino dejó algunas canciones eternas, grandes discos y esta joya, este Dusty In Memphis al que dedicado el programa de esta semana junto a Igor Paskual y Lucía Taboada. </p>

<p>Hay amigos que te cambian la vida. La de Paul Simon cambió gracias a la cantante Heidi Berg que le dejó una cinta de un grupo sudafricano llamado The Boyoyo Boys, esa cinta obsesionó de tal modo al compositor que hizo las maletas, cogió a un vuelo a Sudáfrica y grabó Graceland, el disco de nuestro episodio de esta semana.</p><p>En 1986 llegó a las tiendas Graceland, séptimo álbum de estudio de Paul Simon tras sus días junto a Art Garfunkel. Un álbum con el que Simon no tenía nada que perder y mucho que descubrir. En Sudáfrica se enfrentó al veto de la ONU y la rebelión de quienes lo señalaron por saltarse el boicot cultural a la Sudáfrica del apartheid, pero Simon también encontró apoyos en el mundo de la cultura que valoraron lo que el músico quería hacer.</p><p>Simon llegó a Sudáfrica sin ninguna idea en la cabeza y con ganas de dejarse llevar. Allí descubrió un nuevo mundo musical lleno de riqueza que captó de maravilla en unas pistas de sonido que fueron completadas a su regreso a EEUU con letras occidentales. “Estaba haciendo letras absurdas, muy neoyorquinas, que pensé que no encajarían con esos ritmos africanos pero finalmente encontraron su camino”, explicó el músico en una entrevista.</p><p>Con Graceland, Paul Simon reflotó su carrera y dio un golpe encima de la mesa. Tras la separación de The Clash, Joe Strummer dio una entrevista, allí aseguró que solo debían hacer discos los adolescentes, que eran los jóvenes los que hacían los mejores álbumes. “Salvo Paul Simon, salvo Graceland”, dijo Strummer. Por ello hemos querido dedicarle este Sofá Sonoro que compartimos con Javier Márquez, Lucía Taboada e Igor Paskual.</p>

<p>En 1978 llegó a las tiendas un disco que iba a poner la música latina patas arriba. Un álbum de salsa que era mucho más, como también era mucho más su creador, un Rubén Blades que fue abogado, político, actor y uno de los grandes referentes de la música latina.</p><p>Aquel año llegó a las tiendas Siembra, la obra maestra de Rubén Blades y Willie Colón, un disco cargado de mensajes que llevaron la salsa a una nueva dimensión.</p><p>Salsa intelectual llamaron a aquella música que a los ritmos tradicionales incorporó un retrato de la sociedad latina de los barrios estadounidenses creando una idea identitaria y de comunidad, con sus valores y sus denuncias. Un álbum que llegó con la etiqueta del sello Fania, y que transformó el rumbo de la salsa con canciones largas con historias sencillas pero llenas de mensaje.</p><p>“Siento que es nuestro deber hablar de la falta de información que hay sobre Latinoamérica y romper los estereotipos que existen sobre los latinos”, apuntaba Blades en una entrevista de la época. Y todo eso lo consiguieron con canciones tan potentes e inmortales como Pedro Navaja o Plástico.</p><p>Siembra triunfó porque era un retrato de aquella vida hecho con un lenguaje familiar para el oyente y con un ritmo que era parte de sus raíces, un sonido a cargo de Willie Colón, un maestro capaz de meter violines en la salsa y que formó junto a Blades una de las parejas artísticas más importantes de la música.</p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar esta joya de la mano de Arturo Lezcano y con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar 'Siembra', el álbum que catapultó a Rubén Blades y Willie Colón. Para contextualizar el momento Lucía Taboada nos cuenta los orígenes del sello Fania, que popularizó los ritmos latinos en Estados Unidos. </p>

<p>En la segunda mitad de los años 50, Billie Holiday había tocado fondo. Sin dinero, presa de las adicciones y mal de salud, a la gran dama del jazz apenas le quedaban unos años de vida y un poco de voz. No necesitó más. El 19 de febrero de 1958, Holiday entró en los estudios de Columbia en Nueva York por penúltima vez. Entró a arrastras, hecha polvo y en apenas dos días registró su testamento musical, el eterno Lady in Satin.</p><p>El último grito de Billie Holiday fue, a la par, su disco más caro, quizá también el más ambicioso. Un trabajo que dividió a la crítica pero que con el tiempo ha terminado siendo uno de los más queridos de su extensa discografía, un disco que llegó en un 1958 repleto de joyas, pero marcado por el ocaso de Holiday.</p><p>Con este disco, Holiday mostró que a pesar de las heridas seguía teniendo magia. Su voz gastada, vestida por una orquesta, sigue teniendo un enorme magnetismo. Con sus memorias publicadas unos años antes y recién salida de la cárcel, la cantante vivía un nuevo intento de resurgir. Tras este álbum, Holiday murió esposada a la cama de un hospital y con la ley pisándola de nuevo la cola del vestido. Este Lady in Satin quedó como su último trabajo en vida y por ello le dedicamos este Sofá Sonoro especial que compartimos con el periodista Toni Castarnado y con los reportajes de Lucía Taboada, Sheila Blanco y Ana Alonso, que nos recuerda el principio de las maravillosas memorias de la gran dama del jazz. </p><p><br></p>

<p>Chet Baker conoció los infiernos de la música por culpa de las drogas, pero los inicios del talentoso joven son fascinantes. Lucía Taboada nos recuerda en este reportaje cómo fueron sus primeros años de la mano de Charlie Parker.</p>

<p>En noviembre de 1962, una chica de 16 años conoció a un chico de 27 en una cafetería de Los Ángeles. Ella quería ser actriz. Él era productor musical. Se fueron a vivir juntos al poco tiempo y no tardaron en casarse. En 1965 llegó a las tiendas su primer disco juntos. </p><p>En aquella segunda mitad de los años sesenta Sonny and Cher se convirtieron en la pareja de moda en Estados Unidos. Sus canciones, sus programas de televisión y su aura los elevó a estrellas. Detrás de todo eso se escondía un matrimonio tóxico para Cher que tras once años acabó escapando de Sonny Bono. El final de aquella historia fue triste, pero el principio fue vibrante y emocionante. </p><p>Look at Us, el debut de Sonny and Cher, mostraba el talento como compositor de Bono y su capacidad para integrar su voz junto a la de Cher en un ambiente musical que remitía al sonido de Phil Spector, junto a quien Sonny Bono se había formado.</p><p>Junto a una selección espléndida de versiones el dúo presentó también sus propios temas, canciones que los consagraron como la gran pareja artística con un lustro mágico repleto de éxitos.</p><p>Esta semana dedicamos el programa a recordar aquella etapa de la mano del músico y productor Igor Paskual y con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>Los inicios de Dire Straits fueron extraños y precarios, surgieron de un apartamento en uno de los barrios humildes de Londres y de allí salieron dispuestos a comerse el mundo. </p>

<p>En 1997 los chicos de The Verve se separaron agotados de estar juntos y de perseguir un éxito que no llegaba. Unos meses después se juntaron para grabar Urban Hymns, nuestro disco de esta semana.</p><p>La banda de Wigan tiene una historia tremenda a sus espaldas y su líder, Richard Ashcroft, se había ganado la fama de genio maldito como admiradores como los hicos de Oasis.</p><p>Sin embargo, con tercer álbum, y al borde del abismo, la banda se sacó de la manga uno de los álbumes más recordados de la década con canciones como Bittersweet Symphony, Lucky Man o The Drugs dont work,</p><p>Sheila Blanco nos acompaña en este episodio para recordar la historia, el contexto y las anécdotas de este clásico del Britpop. Lucía Taboada nos recuerda algunos eventos históricos que ocurrieron en aquel año. </p>

<p>La familia Young dejó Escocia tras un invierno horrible. El clan se trasladó a Australia, donde nació el mito de ACDC. Lucía Taboada nos cuenta los inicios de la banda. <a href="https://cadenaser.com/programa/2019/07/05/sofa_sonoro/1562316444_095830.html" target="_blank">Escucha el programa completo. </a></p>

<p>Algunas bandas, muy pocas, tienen carreras perfectas repletas de coherencia, sentido y un valor artístico que muy pocas alcanzan. The Cure es una de ellas.</p><p>En 1987 la banda inglesa sentía la necesidad de dar un paso al frente tras el buen resultado de su anterior trabajo. Ese paso fue construido a base de Besos, con Kiss Me Kiss Me Kiss Me el grupo de Robert Smith rompió todas las barreras de un 1987 muy musical que marcaría el rumbo de sus siguientes años. </p><p>Con su séptimo trabajo de estudio, The Cure consiguieron abrir las puertas del mercado estadounidense vendiendo un millón de copias de este disco doble de 18 canciones que muestran las relaciones amorosas desde distintos puntos de vista. </p><p> “La razón por la que este disco es tan diverso es porque ha habido aportaciones de los cinco, que es algo que nunca había pasado”, señala Smith es una entrevista. El cambio en la forma de trabajar marcó el inicio de una época dorada para The Cure a nivel comercial consagrándolos como uno de los grandes grupos de la historia alcanzando a un gran público.</p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar esta joya de The Cure junto al periodista Yahvé de la Cavada y con el reportaje de Lucía Taboada. </p>

<p>Los comienzos de las grandes bandas son siempre curiosos, Lucía Taboada nos recuerda cómo se construyó el mito de los Rolling Stones como los chicos malos de la música británica</p>

<p>Abbey Lincoln es una de las grandes damas del jazz, una con menos nombre que otras estrellas, pero una voz única en una mujer única que fue cantante, actriz, activista, también un terremoto sobre los escenarios y un dolor de muela para quienes trabajaron con ella. </p><p>Lincoln fue una de las grandes voces del jazz, una mujer de inmenso talento que componía sus canciones desde su propia perspectiva introduciendo el tema racial a un cancionero que abordaba la melancolía y el desamor con una carga emocional que la situó a la altura de las más grandes.</p><p>En 2007, Lincoln abordó su último trabajo consciente de que le quedaba poco tiempo. A sus 77 años, Abbey entró al estudio para revisar su propio legado. El resultado fue Abbey Sings Abbey, un trabajo inmenso que recordamos junto a Toni Castarnado y con los reportajes de Lucía Taboada y Sheila Blanco.</p>

<p>Recordamos los inicios de Eric Clapton antes de incorporarse a Cream y convertirse en uno de los más grandes guitarristas de  Reino Unido. Un reportaje de Lucía Taboada <a href="https://cadenaser.com/programa/2019/07/12/sofa_sonoro/1562915573_681571.html" target="_blank">parte del programa dedicado a Cream.</a><br></p>

<p>Hay discos que tienen historias brutales detrás, otros como el debut de los Traveling Wilburys nacieron directamente de la magia.</p><p><span style="font-size: 1rem;">La súperbanda de los años 80 nació de la casualidad, de un encuentro entre grandes estrellas como George Harrison, Bob Dylan, Tom Petty, Roy Orbison y Jeff Lynne.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">En 1988 llegó a las tiendas el primer disco de los Traveling Wilburys, una aventura musical que juntó un talento descomunal que dejó aparcados sus egos, incluso inventándose sus nombres, para trabajar juntos en unas canciones divertidas que nacieron de forma conjunta.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">Los Traveling Wilburys eran amigos que querían pasárselo bien y eso se transmite en estas canciones. Lejos de ser pretencioso este álbum retrata una manera distinta de entender la música. Esta semana en Sofá Sonoro recordamos su historia, contexto y canciones de la mano de Fernando Navarro y Lucía Taboada.</span><br></p>

<p>Blondie tuvo una de las carreras más fascinantes de los años 70 y 80, hoy recordamos los inicios de Debbie Harry. Un reportaje de Lucía Taboada</p>