Sofá Sonoro

<p>Hay artistas que se han hecho famosos por sus letras, otros por su actitud, algunos lo tuvieron todos y luego está Nina Simone, cuyos temas propios removieron conciencias, pero que también, como Aretha Franklin, tuvieron la capacidad de hacer suya, y de nadie más, cualquier canción que tocaron.</p><p>La vida de Nina Simone la hemos contado en algún que otro programa, también hemos dedicado algún Sofá Sonoro a alguno de sus trabajos. En este episodio queremos centrar el programa en sus versiones.</p><p>A lo largo de su carrera, Simone tocó muchos palos, distintos estilos y versionó a artistas que van desde Bob Dylan o los Beatles pasando por Leonard Cohen o Bob Marley. Muchas de esas grabaciones se concentraron en un periodo muy interesante de la historia y de la carrera de la pianista, esta semana vamos a recorrer algunas canciones editadas entre 1969 y 1971, un periodo que comienza en realidad un año antes, un agitado 1968 marcado por el asesinato de Martin Luther King.</p><p>En esta etapa Simone se radicalizó en su lucha contra el racismo. "Si me hubieran dejado sería una asesina. ¿Entiendes? Esa es la verdad. Si tuviera pistolas iría al sur y les daría violencia, balas contra las balas... si me dejaran. Pero mi marido me dijo que no sabía nada de armas y que no debía aprender, que lo que único que tenía era la música y que la usase, pero si me dejasen no estaría aquí hoy. Probablemente estaría muerta porque habría que usado las armas en esos años. Nunca fui una persona no violenta", aseguraba la pianista en una entrevista de los años ochenta.</p><p>Pero Simone no usó las armas, usó las canciones. De esta etapa datan algunos de sus temas más recordados, pero también se apoyó en las canciones de otros como Bob Dylan para sus reclamaciones.</p><p>En este episodio ponemos el foco en la lucha de Simone y en las versiones que grabó alejándose del jazz, principalmente en dos discos: To Love Somebody y Here Comes the Sun.</p><p>Un viaje trepidante por la agitada etapa de Nina Simo

<p>Lucía Taboada nos cuenta cómo fueron los primeros pasos de los chicos de Guns and Roses, los orígenes de una banda salvaje que estaba destinada a la gloria.</p>

<p>Entre 1970 y 1975 Neil Young vivió una etapa fascinante de su larga e intensa carrera, una época en la que dejó atrás Buffalo Springfield, alcanzó el éxito junto a Crosby, Still y Nash y se lanzó en solitario creando algunos de los mejores discos de su vida. Mirando a esos años se destapa la personalidad del músico, pero también sus valores y lo que realmente es importante para alguien que adora la música.</p><p><span style="font-size: 1rem;">En apenas un lustro Young firmó álbumes fascinantes. Encontró la fórmula del éxito con Harvest y la ignoró en sus siguientes trabajos. Discos menos accesibles pero clásicos del rock como On the beach o Zuma.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">Aquellos fueron años complicados para el músico. La muerte de amigos y colaboradores por las drogas pasaron factura. El verse rico de pronto descolocó también a aquel joven hippie que tardó en entender su nuevo estatus y que ignoró lo que se esperaba de él tanto como artista de éxito como de estrella de la música.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar aquella etapa de la carrera de Neil Young, sus discos, sus giras, las canciones, su contexto y la época en la que todo se gestó. Un repaso que hacemos en la compañía de Yahvé de la Cavada, Fernando Navarro y Lucía Taboada.</span><br></p>

<p>Bobby Charles era apenas un crío cuando descolgó el teléfono y llamó a las oficinas de Chess Records en Chicago. El chaval cantó los primeros versos de su primera canción y consiguió un trabajo. Cuando llegó a Chicago desde su Luisiana natal nada era poco esperaban. Para empezar Charles era blanco, y además era un adolescente. Pero su primera canción, See You Later Alligator, se convirtió en un gran éxito para Bill Haley.</p><p>La historia de Bobby Charles era repleta de grandes canciones, temas que han cantado Neil Young, Ray Charles, Fats Domino o Willie Nelson, pero su nombre apenas es recordado.</p><p>Charles tuvo unos buenos años en Chicago antes de firmar por Imperial Records y componer para Fats Domino, pero a finales de los sesenta Charles se cansó de todo y huyó. Se cobijó en Woodstock y allí se hizo amigo de los chicos de The Band, que le grabaron su primer disco de estudio.</p><p>Desde principios de los setenta hasta su muerte, la vida de Bobby Charles está llena de lagunas. Se le quemó una casa y la siguiente se la llevó un huracán. Tras años desaparecido volvió a grabar algunos discos y siguió siendo una figura respetada por los grandes compositores, incluso participó en El Último Vals de The Band.</p><p>Esta semana dedicamos un Sofá Sonoro especial a contar la vida y carrera de Bobby Charles y a escuchar sus canciones, las que cantó él y las que escribió para otros. Un viaje necesario para recuperar el legado de uno de los grandes nombres olvidados de la música.</p>

<p>En los años noventa pasaron muchas cosas en la música. La explosión del grounge, la respuesta del britpop, el nacimiento del indie en España y la explosión de las boy bands y las girl bands, al margen de todo eso transcurrió la carrera de Radiohead, una banda que golpeó fuerte con su primer disco y que tuvo que pelear contra sus propios demonios y contra las etiquetas de la época para seguir su propio camino.</p><p>Entre 1993 y el año 2000 Radiohead publicó cuatro discos, en esos cuatro trabajos está lo más destacado de la banda inglesa, una colección de canciones que los consagró como una banda diferente, compleja y tremendamente influyente.</p><p>El éxito de Creep marcó de una manera determinante a Radiohead que terminó detestando su primer disco. “Nos pilló totalmente por sorpresa. No teníamos ni idea. Cuando grabamos el primer disco pensábamos en vender 10.000 o 20.000 copias girando por Reino Unido con los discos en el maletero del coche y luego a los 3 o 5 meses grabar otro disco”, explicaba Ed OBrien unos años después.</p><p>El éxito de Pablo Honey provocó a la banda más dudas que certezas, pero en esas llegó a sus vidas un tipo clave: el productor John Leckie, que dio a la banda seguridad a la hora de encarar The Bends, su siguiente trabajo. “John es un hombre maravilloso y nos enseñó a usar el estudio. Cuando empezamos a grabar estábamos mal anímicamente y él fue capaz hacer que el estudio fuese un lugar agradable de trabajo. Una de las cosas por las que le estaré eternamente agradecido es que hiciese que el estudio no fuese un silencioso laboratorio de ciencia. John le quitó todo el misterio a la grabación e hizo que fuese algo que disfrutamos tanto como tocar”, explicaba Thom Yorke en un documental sobre el grupo.</p><p>La segunda entrega reafirmó al grupo y les dio algo de confianza para seguir su propio camino, a buscar ese sonido que los separaba de sus coetáneos británicos. Toda esa búsqueda eclosionó con su tercera entrega, el eterno OK Computer,

<p>Lucía Taboada nos cuenta en este reportaje cómo se gestó el final de los Beatles y lo que pasó después. </p>

<p>Cuando en la primavera de 1977 salieron los dos primeros singles de Elvis Costello el chico todavía tenía un trabajo regular, una vida normal y un sueño musical que parecía solo eso, un sueño. En verano de aquel año salió su primer disco y aquella colección de canciones convirtieron a Declan Patrick en una estrella y a su My Aim is True en uno de los discos de debut más recordados de la música.</p><p><span style="font-size: 1rem;">Aquel álbum llegó a una escena que vivía su enésima revolución a mediados de los años 70 con el nacimiento del punk, la llegada de la new wave y el despertar de bandas generacionales como The Clash.</span></p><p>El debut de Costello abrió una nueva vía. Tras siete años haciendo canciones y buscándose la vida, el músico encontró cobijo en un sitio ideal para él, Stiff Records. “Yo firmé por un sello independiente que casi se arruina por firmar a tipos que no encajaban en ningún otro sello. Me contrataron porque era diferente, aunque me ficharon como compositor no como cantante, pero cuando se dieron cuenta de la cantidad canciones que estaba escribiendo y del hecho de que nadie más podía cantar mis temas todo cambió”, recordaba el músico en una entrevista reciente.</p><p>Con 23 años, Costello estaba dispuesto a comerse el mundo y a no desaprovechar su oportunidad. Dejó de lado la idea de ser letrista y asumió con naturalidad que lo suyo era la primera línea del escenario. Formó pareja con Nick Lowe, que ejerció de productor de sus primeros discos, y se lanzó a por todas. Unos meses después, en pleno verano, el chico de las gafas de pasta y aspecto de empollón estaba en la portada de la principal revista musical inglesa.</p><p>Una de las cosas más fascinantes de la historia musical son los discos de debut, la capacidad que tienen esas primeras canciones de cambiar la vida de sus autores, de sacarles de sus trabajos y arrojarlos a la carretera, al estrellato, a la mala vida del rock and roll. El debut de Elvis Costello implicó todo eso, 

<p>Los chicos de Blur eran amigos antes que compañeros de banda y esa condición marcó sus relaciones y las tensiones que les enfrentaron. Lucía Taboada nos recuerda cómo fueron sus inicios y el camino hasta que grabaron Leisure, su primer disco. Este reportaje es parte del programa que dedicamos a la banda inglesa. </p><p><br></p>

<p>Esta semana dedicamos el programa a recordar Birth of The Cool, un disco clave en su carrera que llegó tras un viaje a París clave en la historia del músico. Esta etapa de Davis resulta fascinante, llegó a París con un sonido en la cabeza y volvió de Francia casi sin futuro. Las sesiones que registró antes y después de aquel viaje tardaron en llegar a las tiendas, cuando lo hicieron se convirtieron en un éxito, pero Davis estaba hundido, enganchado a la heroína y en plena depresión.</p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar esta tremenda etapa de la carrera de Miles Davis y lo hacemos en la compañía de Salva Rubio, autor del cómic Miles en París, y con los reportajes de Lucía Taboada. </p>

<p>En plena era del grounge unos tipos de Minnesota se propusieron obviar las normas y apostar por la música de raíces americanas y darle una vuelta, cambiar ciertas reglas y rejuvenecer el género. En lugar de acabar siendo estrellas terminaron enfadados y distanciados, pero 30 años después se los recuerda como unos pioneros de una enorme influencia.</p><p>En 1992 la banda liderada por Mark Olson y Gary Louris vivió muchos cambios. Cambió de sello, de ciudad y subieron la apuesta editando Hollywood Town Hall de la mano de American Recordings, el sello de Rick Rubin.</p><p>Aquel disco fue un punto de inflexión en el nacimiento de ese género llamado Americana, un disco fresco que alejado de los focos sentó las bases de ese movimiento que apostaba por renovar los estilos tradicionales.</p><p>The Jayhawks no se convirtieron en estrellas, pero sí en referentes de una nueva oleada de bandas que abrazarían el country renovándolo y alejándolo de las directrices del Nashville más académico. </p><p>La banda llegó a American Recordings como una apuesta personal del productor George Drakoulias que fue quien fichó a la banda o a The Black Crowes, una historia curiosa la de cómo acabaron los Jayhawks en el sello de Rick Rubin como lo recordaba el propio grupo en un documental sobre este disco. “George tenía un amigo que era Dave Ayers, se conocían del negocio musical. George le llamó para pedirle algo y cuando fue a por ello dejó nuestra demo sonando al lado del teléfono. Cuando Dave volvió, George estaba fascinando y le dijo: “No dejes que nadie fiche a estos tipos, voy a Minneapolis a conocerlos”. Esa llamada fue el punto de inflexión en la historia de la banda con este disco que recordamos junto a la cantante Nat Simons, que trabajó con Louris hace unos años cuando el músico accedió a producir su disco Lights. </p>

<p>Pocas bandas han tenido una irrupción tan salvaje en la música como The Who. Lucía Taboada nos recuerda cómo fueron los comienzos de la banda inglesa en este reportaje que fue parte del programa que les dedicamos. </p>

<p>En los años noventa pasaron muchas cosas y pasaron muy rápido. Del grounge pasamos al britpop en un suspiro, pero entre medias sucedieron cosas que marcaron a los jóvenes de entonces. Discos que llegaron sin grandes etiquetas ni géneros y que eran sencillamente buenos álbumes de rock and roll. Uno de los más recordados de aquella época fue Bringing Down the Horse, el segundo trabajo de Wallflowers.</p><p>La banda liderada por Jakob Dylan, hijo del eterno Bob, comenzó su andadura musical a comienzos de los noventa, pero en sus primeros pasos apenas tuvieron suerte. La gran oportunidad para el grupo llegó en 1996 tras años cocinando su segunda entrega. Con Bringing Down the Horse la banda asaltó la banca a base de grandes canciones, un guiño retro con la huella del productor T-Bone Burnett y una puesta escena más que convicente.</p><p>Con aquella segunda entrega Wallflowers vendió millones de discos y devolvió el rock alternativo a la primera línea. Rock sin etiquetas ni sellos, simplemente rock. Con eso bastó. En cuestión de meses la banda se convirtió en una de las revelaciones del momento y Jakob se pudo quitar la etiqueta de "hijo de" para firmar con su propio nombre.</p><p>El viaje de Wallflowers fue interesante, aunque no consiguieron nunca más alcanzar un impacto tan grande como el que alcanzaron con este disco, un álbum que vamos a recorrer de la mano de David Moreu y Lucía Taboada.</p>

<p>Los inicios de Ella Fitzgerald están marcados por una velada en el teatro Apolo. Hasta ese momento Fitzgerald se veía haciendo carrera como bailarina, pero las dos hermanas que actuaron antes que ella bailaron tan bien que a Fitzgerald le dio vergüenza que cantó, lo hizo tan bien que su vida cambió para siempre. Lucía Taboada nos cuenta esta historia parte del programa dedicado a los discos que Ella y Louis Armstrong grabaron juntos. </p>

<p>A finales de los años 50 Ella Fitzgerald y Louis Armstrong grabaron tres discos juntos, tres joyas del jazz que juntaron a las más grandes estrellas de la época. En un momento en el que el jazz vivía una revolución constante en busca de nuevos sonidos, los dos grandes representantes del estilo clásico elevaron sus leyendas a una nueva dimensión creando unos discos con pocas pretensiones, pero llenos de una belleza hipnótica que tantos años después sigue vigente.</p><p>Tras el éxito de Ella and Louis, de 1956, el dúo volvió al estudio poco después para una segunda entrega y unos años después cerró la trilogía con la adaptación de la ópera Porgy and Bess. Eso tres discos, diferentes entre ellos, muestran el enorme talento de ambas estrellas y una cosa más especial: lo bien que casaban sus voces juntas. </p><p><span style="font-size: 1rem;">Aquellos fueron años intensos para ambos. Entre 1956 y 1957, Ella Fitzgerald grabó ocho discos. Diez editó Armstrong a lo que añadió algunas películas. También hubo giras, conciertos por doquier. Un ritmo trepidante que en cierta medida fue eclipsado por los tres discos que hicieron juntos.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">Pocas veces se ha juntado tanto talento y ha combinado tan bien. Ella, que creció admirando a Louis, estaba nerviosa en las grabaciones, pero el buen ambiente y la sonrisa eterna de Armstrong crearon las condiciones perfectas para que la magia fluyese. A pesar de que las canciones eran ya de sobra conocidas por el público, muchas de estas grabaciones han acabado pasando a la historia como las versiones definitivas de temas cantados por todos los grandes nombres de la música.</span><br></p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a estos tresdiscos, a su historia, contexto y canciones y lo hacemos de la mano de Toni Castarnado, Manuel Recio, Lucía Taboada y Sheila Blanco. </p>

<p>Los grandes discos de la historia han hablado de amor, de rebeldía, de sexo, de rupturas. Ninguno hizo jamás una elegía tan acertada y poderosa de los perdedores como el London Calling de The Clash. </p><p>La banda inglesa editó su obra maestra en 1979 con los últimos estertores del punk. El grupo liderado por Joe Strummer quiso mirar más allá del género, recuperar las raíces y crear algo diferente. El resultado de aquel viaje provocó una revolución en la música encumbrando a The Clash como una banda única, como “la única banda que importa”, tal y como se la conoció entonces.</p><p>The Clash consiguió en su tercera entrega aunar un sonido revolucionario con ideas revolucionarias en un disco doble que es un microcosmos. En sus 19 canciones hay rock, ska, reggae, punk y una buena dosis de pop. Todo ello para vestir canciones que hablan de la guerra civil española, de la derrota, del consumismo y de la vida. El mundo entero cabe en este álbum doble de portada eterna que es una de las obras maestras de la historia de la música.</p><p>A pesar de su duración y variedad, London Calling sigue, 40 años después, siendo un disco que se escucha del tirón y en el que todo tiene sentido, armonía, importancia. Un disco así necesitaba un programa propio de una hora y esta semana reunimos a Mario Tornero, Lucía Taboada y Guille Mostaza para recorrer la historia, contexto, canciones, sonido y anécdotas de London Calling, un tributo a uno de esos discos que deben figurar en cualquier colección de discos.</p>

<p>Bob Dylan cumple 80 años y en Sofá Sonoro lo celebramos con un programa especial y distinto. Un recorrido por distintos momentos de la carrera del músico a través de las vivencias del presentador. </p>

<p>En 1993 llegó a las tiendas ‘Get a Grip’, el décimo disco de estudio de Aerosmith y uno de los grandes fenómenos musicales de aquella década marcada por el grounge estadounidense y el britpop de Blur y Oasis. </p><p>En ese contexto llegó esta joya del rock, un álbum que supuso un éxito enorme para los estadounidenses que supieron ver el poder de la MTV. ‘Get a Grip’ trascendió como fenómeno gracias a los vídeos protagonizados por Alicia Silverstone y Liv Tyler. Aquellos vídeos elevaron a la banda que venía enlazando grandes discos con ‘Permanent Vacation’ y ‘Pump’, álbumes que los conectaron con un nuevo público y una nueva generación. </p><p>En ‘Get a Grip’ todo ese trabajo cristalizó y a pesar de desilusionar a los fans más fieles, el disco reforzó al grupo tras más de veinte años de carrera. El rock salvaje unido a unas baladas atemporales y ese espíritu de rebeldía que siempre defendieron fueron la fórmula que catapultó este disco a la categoría de clásico. </p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar el décimo disco de los Toxic Twins, su historia, contexto y canciones. Un viaje que hacemos en la compañía de Toni Castarnado y Lucía Taboada. </p>

<p>A comienzos de los años setenta el grito de los oprimidos llegó a la música. Bob Marley en Jamaica, Fela Kuti en Nigeria y decenas de afroamericanos en EEUU convirtieron las canciones en un arma, en una forma de denuncia y de retrato del injusto mundo en el que vivían los negros. Uno de los mejores retratos lo hizo Gil Scott-Heron con ‘Pieces of a Man’, una obra clave recordada por ese himno de ‘Television wont be televised’</p><p><span style="font-size: 1rem;">Tras un debut grabado en directo y orientado al ‘spoken word’, el poeta Scott-Heron dio el salto a la música de la mano de Bob Thiele, productor del álbum y dueño del sello que lo sacó y uno de esos visionarios del jazz que había trabajado con John Coltrane o Louis Armstrong.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">Junto a su socio el arreglista y músico Brian Jackson, Scott-Heron definió el mundo negro en este disco conciso y hermoso que provocó que su música fuese considerada la CNN de los barrios negros. “Teníamos que entregar un mensaje, ser los portavoces de lo que estaba pasando en ese momento, eran los años setenta y fueron tiempos marcados por la confusión”, explicaba Jackson en una entrevista reciente.</span><br></p><p>La pareja se puso manos a la obra y realizaron uno de los discos más influyentes de la música negra de la época. Además de erigirse como los portavoces musicales de un movimiento, Jackson y Scott -Heron crearon una colección de canciones que mezclaban estilos, ideas e influencias que marcó a toda una generación de creadores.</p><p>Esta semana recordamos ‘Pieces of a Man’, su contexto, historia y canciones de la mano de Mario Tornero y Lucía Taboada.</p>

<p>Pocas cosechas discográficas son tan potentes como la de 1971. Este año esos discos y eventos cumplen medio siglo y Lucía Taboada nos recuerda algunos de los más importantes.</p>

<p>Muchos de los grandes discos de la historia fueron creados por bandas al borde del abismo, de la ruptura, por tipos que ya no se aguantaban. Machine Head de Deep Purple es uno de esos discos.</p><p>“Era un grupo único e impactante, la banda era la más innovadora del momento. Nadie podía hacerles sombra sobre un escenario”. Así definía Bruce Payne, manager de Deep Purple, el momento que vivía el grupo en 1972, momento en el que llegó a las tiendas el sexto álbum de la banda inglesa, un disco que los consagró definitivamente pero que también marcó el final de la formación más recordada del grupo.</p><p>Para Machine Head, el grupo viajó a Suiza, para grabar en el Casino de Montreux. Lo que allí sucedió marcó el destino del grupo. Un incendio durante un concierto de Frank Zappa derivó en la creación de Smoke on the Water, el tema emblema de la banda inglesa.</p><p>Esta semana recordamos Machine Head, su historia, contexto, canciones y sonido de la mano de Manuel Recio y Lucía Taboada.</p>

<p>En 1974, tras una gira terrible como telonero de Frank Zappa y el escaso éxito de su primer disco un Tom Waits de 24 años volvió al estudio con una nueva idea, otro sonido y una imperiosa necesidad de consolidar su personaje y su carrera. A mediados de año salió de los Wally Heider Studios con el fascinante The Heart of Saturday Night,</p><p>Tres este álbum, Waits respiró tranquilo. Salvó la papeleta. Pocos artistas han experimentado un cambio tan profundo entre su primer y su segundo disco como el que protagonizó el pianista con Closing Time y este corazón de la noche del sábado, un álbum que no figura entre los favoritos del propio Waits, pero que sí está entre los más queridos por muchos de sus seguidores.</p><p>En este disco Waits muta su sonido, define su personaje y consolida su carrera tras el tibio éxito de su debut. Aquí el músico se aleja del folk y abraza un jazz sombrío que marcará parte de su etapa en Asylum Records.</p><p>La obra de Tom Waits ha pasado por muchas fases y etapas, algunas marcadas por sus sellos, otras por sus colaboradores o por su mujer, una de las más impactantes es la de sus inicios, cuando el mito y el personaje fueron tomando forma canción a canción. En esta entrega de Sofá Sonoro hemos querido recordar su segundo disco por ser un paso importante en todo ello y lo hacemos de la mano de Arturo Lezcano y Lucía Taboada.</p>

<p>En el año 2000, Ryan Adams cortó con su novia y decidió dejar Nueva York y volver a Jacksonville, a una calle de distancia de donde había nacido. Adams pensó que antes de dejar la música, tras el final de su anterior banda, debía darse una última oportunidad. Hacer un disco en solitario. Se fue a Nashville y de allí salió con Heartbreaker, un álbum que salvó su carrera tras el final de Whiskytown.</p><p>Este disco, grabado en una situación desesperada, capta el momento que vivía el músico. Gracias a estas canciones, Adams se consagró como el niño prodigio de la música americana. En los años siguientes mostraría también una capacidad única de componer de una manera salvaje que auténticas exhibiciones.</p><p>Con este disco Ryan Adams, que emocionó a una leyenda como Elton John, reflotó su carrera cuando estaba en la cuerda floja con apenas 25 años. Heartbreaker lo puso debajo del foco adecuado. Fue también el punto de partida de una carrera trepidante y compulsiva en un tipo tan extraño como genial, tan borde en las entrevistas y los conciertos como extremadamente sensible en sus composiciones. Ahora la carrera de Adams está en apuros tras las acusaciones de varias mujeres por su conducta, una noticia que derribó lo que el músico había ido construyendo durante tantos años. Esta semana hemos querido dejar aparcado el personaje y centrarnos en la obra, en este primer paso de su carrera.</p>

<p>En 1963, Sam Cooke perdió a su hijo de año y medio, un año después fue asesinado en un hotel de Los Ángeles. Entre medias Cooke tuvo tiempo para grabar Night Beat, el tremendo A Change is gonna come y a lanzar la carrera de Bobby Womack a través de su propio sello.</p><p>Los años finales de Sam Cooke son fascinantes, la muestra de uno de los más grandes artistas de su tiempo en su mejor momento. El triste y oscuro asesinato de Cooke nos privó del enorme talento de este músico visionario que pasó de la música religiosa al soul y que estando en la cima tuvo la visión suficiente para montar su propio sello discográfico y para usar su posición para luchar por la conquista de los derechos civiles de los afroamericanos. </p><p>Night Beat es una muestra de ese momento que vivía Cooke. Grabado en tres sesiones nocturnas, el disco capta toda la fuerza del cantante y toda la magia de una de las grandes voces de la música. Mezclando temas religiosos con baladas, blues y canciones de rock, Cooke vuela por encima de una banda que lo envuelve con delicadeza.</p><p>Quizá este no sea el disco más recordado de Cooke, pero sí es uno de los que mejor resumen la carrera de este pionero visionario. Esta semana recorremos ese momento de la vida de Cooke junto al periodista Fernando Neira y junto a los reportajes de Lucía Taboada, Jimena Marcos y Sheila Blanco.</p>

<p>Algunos discos ganan con el tiempo el crédito que no tuvieron en su día. A finales de los años sesenta la cantante inglesa Dusty Springfield cruzó el charco y firmó con el sello de Aretha Franklin para grabar Dusty In Memphis, un álbum que no consiguió su propósito de establecerla como una estrella en EEUU pero que con los años ha terminado siendo un clásico de la música soul. </p><p>La carrera de Dusty Springfield resulta de lo más curiosa y fascinante pero su cumbre, sin duda, es este Dusty in Memphis, un álbum poderoso, sugerente, cálido y una apuesta arriesgada en su día para una estrella inglesa que salió de su zona de confort para jugar con otras reglas y con otros músicos. </p><p>Con su quinto álbum de estudio, la cantante se encontró en un momento de duda, de buscar retos. Esos retos los encontró en el sello de Aretha y junto a los productores de la gran dama del soul.</p><p>A pesar de las dudas iniciales, Springfield se acabó adaptando a la forma de trabajar de Atlantic y firmó un disco mayúsculo y atemporal que figura entre lo mejor de su repertorio y entre los grandes discos de la historia del soul.</p><p>La carrera de Dusty Sprinfield tocó todos los palos, Dusty presentó programas de televisión, se convirtió en una de las más grandes cantantes inglesas, incluso en un icono de la cultura gay. Traspasó barreras, rompió techos de cristal y por el camino dejó algunas canciones eternas, grandes discos y esta joya, este Dusty In Memphis al que dedicado el programa de esta semana junto a Igor Paskual y Lucía Taboada. </p>

<p>Hay amigos que te cambian la vida. La de Paul Simon cambió gracias a la cantante Heidi Berg que le dejó una cinta de un grupo sudafricano llamado The Boyoyo Boys, esa cinta obsesionó de tal modo al compositor que hizo las maletas, cogió a un vuelo a Sudáfrica y grabó Graceland, el disco de nuestro episodio de esta semana.</p><p>En 1986 llegó a las tiendas Graceland, séptimo álbum de estudio de Paul Simon tras sus días junto a Art Garfunkel. Un álbum con el que Simon no tenía nada que perder y mucho que descubrir. En Sudáfrica se enfrentó al veto de la ONU y la rebelión de quienes lo señalaron por saltarse el boicot cultural a la Sudáfrica del apartheid, pero Simon también encontró apoyos en el mundo de la cultura que valoraron lo que el músico quería hacer.</p><p>Simon llegó a Sudáfrica sin ninguna idea en la cabeza y con ganas de dejarse llevar. Allí descubrió un nuevo mundo musical lleno de riqueza que captó de maravilla en unas pistas de sonido que fueron completadas a su regreso a EEUU con letras occidentales. “Estaba haciendo letras absurdas, muy neoyorquinas, que pensé que no encajarían con esos ritmos africanos pero finalmente encontraron su camino”, explicó el músico en una entrevista.</p><p>Con Graceland, Paul Simon reflotó su carrera y dio un golpe encima de la mesa. Tras la separación de The Clash, Joe Strummer dio una entrevista, allí aseguró que solo debían hacer discos los adolescentes, que eran los jóvenes los que hacían los mejores álbumes. “Salvo Paul Simon, salvo Graceland”, dijo Strummer. Por ello hemos querido dedicarle este Sofá Sonoro que compartimos con Javier Márquez, Lucía Taboada e Igor Paskual.</p>

<p>En 1978 llegó a las tiendas un disco que iba a poner la música latina patas arriba. Un álbum de salsa que era mucho más, como también era mucho más su creador, un Rubén Blades que fue abogado, político, actor y uno de los grandes referentes de la música latina.</p><p>Aquel año llegó a las tiendas Siembra, la obra maestra de Rubén Blades y Willie Colón, un disco cargado de mensajes que llevaron la salsa a una nueva dimensión.</p><p>Salsa intelectual llamaron a aquella música que a los ritmos tradicionales incorporó un retrato de la sociedad latina de los barrios estadounidenses creando una idea identitaria y de comunidad, con sus valores y sus denuncias. Un álbum que llegó con la etiqueta del sello Fania, y que transformó el rumbo de la salsa con canciones largas con historias sencillas pero llenas de mensaje.</p><p>“Siento que es nuestro deber hablar de la falta de información que hay sobre Latinoamérica y romper los estereotipos que existen sobre los latinos”, apuntaba Blades en una entrevista de la época. Y todo eso lo consiguieron con canciones tan potentes e inmortales como Pedro Navaja o Plástico.</p><p>Siembra triunfó porque era un retrato de aquella vida hecho con un lenguaje familiar para el oyente y con un ritmo que era parte de sus raíces, un sonido a cargo de Willie Colón, un maestro capaz de meter violines en la salsa y que formó junto a Blades una de las parejas artísticas más importantes de la música.</p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar esta joya de la mano de Arturo Lezcano y con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar 'Siembra', el álbum que catapultó a Rubén Blades y Willie Colón. Para contextualizar el momento Lucía Taboada nos cuenta los orígenes del sello Fania, que popularizó los ritmos latinos en Estados Unidos. </p>

<p>En la segunda mitad de los años 50, Billie Holiday había tocado fondo. Sin dinero, presa de las adicciones y mal de salud, a la gran dama del jazz apenas le quedaban unos años de vida y un poco de voz. No necesitó más. El 19 de febrero de 1958, Holiday entró en los estudios de Columbia en Nueva York por penúltima vez. Entró a arrastras, hecha polvo y en apenas dos días registró su testamento musical, el eterno Lady in Satin.</p><p>El último grito de Billie Holiday fue, a la par, su disco más caro, quizá también el más ambicioso. Un trabajo que dividió a la crítica pero que con el tiempo ha terminado siendo uno de los más queridos de su extensa discografía, un disco que llegó en un 1958 repleto de joyas, pero marcado por el ocaso de Holiday.</p><p>Con este disco, Holiday mostró que a pesar de las heridas seguía teniendo magia. Su voz gastada, vestida por una orquesta, sigue teniendo un enorme magnetismo. Con sus memorias publicadas unos años antes y recién salida de la cárcel, la cantante vivía un nuevo intento de resurgir. Tras este álbum, Holiday murió esposada a la cama de un hospital y con la ley pisándola de nuevo la cola del vestido. Este Lady in Satin quedó como su último trabajo en vida y por ello le dedicamos este Sofá Sonoro especial que compartimos con el periodista Toni Castarnado y con los reportajes de Lucía Taboada, Sheila Blanco y Ana Alonso, que nos recuerda el principio de las maravillosas memorias de la gran dama del jazz. </p><p><br></p>

<p>Chet Baker conoció los infiernos de la música por culpa de las drogas, pero los inicios del talentoso joven son fascinantes. Lucía Taboada nos recuerda en este reportaje cómo fueron sus primeros años de la mano de Charlie Parker.</p>

<p>En noviembre de 1962, una chica de 16 años conoció a un chico de 27 en una cafetería de Los Ángeles. Ella quería ser actriz. Él era productor musical. Se fueron a vivir juntos al poco tiempo y no tardaron en casarse. En 1965 llegó a las tiendas su primer disco juntos. </p><p>En aquella segunda mitad de los años sesenta Sonny and Cher se convirtieron en la pareja de moda en Estados Unidos. Sus canciones, sus programas de televisión y su aura los elevó a estrellas. Detrás de todo eso se escondía un matrimonio tóxico para Cher que tras once años acabó escapando de Sonny Bono. El final de aquella historia fue triste, pero el principio fue vibrante y emocionante. </p><p>Look at Us, el debut de Sonny and Cher, mostraba el talento como compositor de Bono y su capacidad para integrar su voz junto a la de Cher en un ambiente musical que remitía al sonido de Phil Spector, junto a quien Sonny Bono se había formado.</p><p>Junto a una selección espléndida de versiones el dúo presentó también sus propios temas, canciones que los consagraron como la gran pareja artística con un lustro mágico repleto de éxitos.</p><p>Esta semana dedicamos el programa a recordar aquella etapa de la mano del músico y productor Igor Paskual y con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>Los inicios de Dire Straits fueron extraños y precarios, surgieron de un apartamento en uno de los barrios humildes de Londres y de allí salieron dispuestos a comerse el mundo. </p>

<p>En 1997 los chicos de The Verve se separaron agotados de estar juntos y de perseguir un éxito que no llegaba. Unos meses después se juntaron para grabar Urban Hymns, nuestro disco de esta semana.</p><p>La banda de Wigan tiene una historia tremenda a sus espaldas y su líder, Richard Ashcroft, se había ganado la fama de genio maldito como admiradores como los hicos de Oasis.</p><p>Sin embargo, con tercer álbum, y al borde del abismo, la banda se sacó de la manga uno de los álbumes más recordados de la década con canciones como Bittersweet Symphony, Lucky Man o The Drugs dont work,</p><p>Sheila Blanco nos acompaña en este episodio para recordar la historia, el contexto y las anécdotas de este clásico del Britpop. Lucía Taboada nos recuerda algunos eventos históricos que ocurrieron en aquel año. </p>

<p>La familia Young dejó Escocia tras un invierno horrible. El clan se trasladó a Australia, donde nació el mito de ACDC. Lucía Taboada nos cuenta los inicios de la banda. <a href="https://cadenaser.com/programa/2019/07/05/sofa_sonoro/1562316444_095830.html" target="_blank">Escucha el programa completo. </a></p>

<p>Algunas bandas, muy pocas, tienen carreras perfectas repletas de coherencia, sentido y un valor artístico que muy pocas alcanzan. The Cure es una de ellas.</p><p>En 1987 la banda inglesa sentía la necesidad de dar un paso al frente tras el buen resultado de su anterior trabajo. Ese paso fue construido a base de Besos, con Kiss Me Kiss Me Kiss Me el grupo de Robert Smith rompió todas las barreras de un 1987 muy musical que marcaría el rumbo de sus siguientes años. </p><p>Con su séptimo trabajo de estudio, The Cure consiguieron abrir las puertas del mercado estadounidense vendiendo un millón de copias de este disco doble de 18 canciones que muestran las relaciones amorosas desde distintos puntos de vista. </p><p> “La razón por la que este disco es tan diverso es porque ha habido aportaciones de los cinco, que es algo que nunca había pasado”, señala Smith es una entrevista. El cambio en la forma de trabajar marcó el inicio de una época dorada para The Cure a nivel comercial consagrándolos como uno de los grandes grupos de la historia alcanzando a un gran público.</p><p>Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar esta joya de The Cure junto al periodista Yahvé de la Cavada y con el reportaje de Lucía Taboada. </p>

<p>Los comienzos de las grandes bandas son siempre curiosos, Lucía Taboada nos recuerda cómo se construyó el mito de los Rolling Stones como los chicos malos de la música británica</p>

<p>Abbey Lincoln es una de las grandes damas del jazz, una con menos nombre que otras estrellas, pero una voz única en una mujer única que fue cantante, actriz, activista, también un terremoto sobre los escenarios y un dolor de muela para quienes trabajaron con ella. </p><p>Lincoln fue una de las grandes voces del jazz, una mujer de inmenso talento que componía sus canciones desde su propia perspectiva introduciendo el tema racial a un cancionero que abordaba la melancolía y el desamor con una carga emocional que la situó a la altura de las más grandes.</p><p>En 2007, Lincoln abordó su último trabajo consciente de que le quedaba poco tiempo. A sus 77 años, Abbey entró al estudio para revisar su propio legado. El resultado fue Abbey Sings Abbey, un trabajo inmenso que recordamos junto a Toni Castarnado y con los reportajes de Lucía Taboada y Sheila Blanco.</p>

<p>Recordamos los inicios de Eric Clapton antes de incorporarse a Cream y convertirse en uno de los más grandes guitarristas de  Reino Unido. Un reportaje de Lucía Taboada <a href="https://cadenaser.com/programa/2019/07/12/sofa_sonoro/1562915573_681571.html" target="_blank">parte del programa dedicado a Cream.</a><br></p>

<p>Hay discos que tienen historias brutales detrás, otros como el debut de los Traveling Wilburys nacieron directamente de la magia.</p><p><span style="font-size: 1rem;">La súperbanda de los años 80 nació de la casualidad, de un encuentro entre grandes estrellas como George Harrison, Bob Dylan, Tom Petty, Roy Orbison y Jeff Lynne.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">En 1988 llegó a las tiendas el primer disco de los Traveling Wilburys, una aventura musical que juntó un talento descomunal que dejó aparcados sus egos, incluso inventándose sus nombres, para trabajar juntos en unas canciones divertidas que nacieron de forma conjunta.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">Los Traveling Wilburys eran amigos que querían pasárselo bien y eso se transmite en estas canciones. Lejos de ser pretencioso este álbum retrata una manera distinta de entender la música. Esta semana en Sofá Sonoro recordamos su historia, contexto y canciones de la mano de Fernando Navarro y Lucía Taboada.</span><br></p>

<p>Blondie tuvo una de las carreras más fascinantes de los años 70 y 80, hoy recordamos los inicios de Debbie Harry. Un reportaje de Lucía Taboada</p>

<p>Entre el verano de 1964 y la primavera de 1964, The Supremes consiguieron cinco números 1 de forma consecutiva en EEUU cambiando el rumbo de la música negra. El pasado 8 de febrero murió Mary Wilson, una de las tres voces de aquella aventura fantástica, y por ello dedicamos este Sofá Sonoro a recordar el viaje de estas tres chicas de Detroit que hicieron frente a la Beatlemania.</p><p><span style="font-size: 1rem;">Aquel 1964 comenzó con la aparición de los Beatles en The Ed Sullivan Show, uno de los espectáculos televisivos más vistos de la historia. El desembarco de los ingleses en Inglaterra iba a ser un paseo de rosas. Nadie iba a poder pararlos. Pero aquel guion iba a tener un obstáculo inesperado. En aquellos Estados Unidos segregados nadie podía pensar que una banda de tres chicas negras iba a romper todas las barreras para encadenar una, por entonces, histórica racha de números 1.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">Pocas historias en la música son tan apasionantes como la de The Supremes en aquellos años en los que hicieron más por la conquista de los derechos civiles y por derribar las barreras raciales que cientos de políticos. Su música no hablaba de igualdad, pero su presencia en las emisoras de radio blancas o en la televisión consiguió normalizar el consumo de música negra entre los jóvenes blancos.</span><br></p><p><span style="font-size: 1rem;">En este episodio recordamos la historia de Motown y el contexto en el que llegaron estas cinco canciones memorables que fueron parte de sus 12 números uno y de su legado para la historia de la música.</span><br></p>

<p>Pocas bandas han tenido un comienzo de carrera tan perfecto y fulgurante como Led Zeppelin, un grupo surgido de las cenizas de la mejor banda inglesa de blues y que irrumpió con fuerza a finales de los sesenta para convertirse en uno de los referentes del rock de la década siguiente. Lucía Taboada nos cuenta la historia de sus inicios.</p>

<p>El 1 de noviembre de 1994 llegó a las tiendas uno de los discos más esperados por los jóvenes de aquella década. El MTV Unplugged de Nirvana fue el punto final a la carrera de una banda de chavales que en 5 años había cambiado el rumbo de la música. Siete meses antes de que se editase ese disco final, Kurt Cobain se había pegado un tiro en la cabeza.</p><p><span style="font-size: 1rem;">La muerte de Kurt Cobain fue sin duda uno de los eventos más trágicos y recordados de 1994, al menos por los jóvenes que se habían enamorado de su música. Todo esto hizo que la llegada a las tiendas del disco que recordó aquella velada en Nueva York fuese uno de los álbumes del momento. Al margen del éxito comercial y del Grammy que consiguió, aquel directo tenía algo especial, una cara nueva de una banda recordada por su ruido, su rabia y sus directos salvajes.</span><br></p><p>El acústico de la MTV mostró otro sonido de Nirvana, un formato que no convencía a la banda pero que acabó entregando uno de los conciertos más recordados de aquella serie.</p><p><span style="font-size: 1rem;">Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a aquel disco de la mano de Sheila Blanco y con los reportajes de Lucía Taboada e Igor Paskual.</span><br></p>

<p>Para los que vivimos la música de una manera especial el paso del tiempo no lo marca tanto el calendario como los aniversarios de los discos que nos han acompañado. Esta semana vamos a viajar en el tiempo, a dar saltos en el tiempo mejor dicho, para celebrar los discos que cumplen años. </p><p>Un viaje que comenzamos en 1961 y en el que recordaremos también las joyas de 1971, 81, 91, 2001 y 2011. Una tradición que vamos a empezar en Sofá Sonoro cada mes de enero a modo de tributo y para medir el paso del tiempo a través de canciones.</p><p>En este programa veremos cómo la música fue cambiando década a década desde el rock primigenio a lo años dorados del indie pasando por el rock ácido de los 70, el pop de los ochenta y las bandas que protagonizaron el boom de comienzos de los noventa. Un Sofá Sonoro variado y con mucha fuerza. </p>

<p>En 1964 tuvo lugar uno de los grandes fenómenos musicales de los años sesenta, la llamada Invasión Británica, en apenas unos meses un buen número de bandas encabezadas por The Beatles y The Kinks asaltaron las listas de éxito de EEUU. Esta es su historia.</p>

<p>La música está repleta de tipos de enorme talento que vivieron deprisa y se fueron pronto. John Coltrane es sin duda uno de ellos, un visionario que en 1960 publicó uno de los discos más sobrecogedores de la historia del jazz.</p><p>Giant Steps, el disco más poderoso de John Coltrane, fue el intento del músico de poner banda sonora a su tiempo, a su sentir, un proceso complicado y ambiguo que refleja la forma que tenía el saxofonista de entender el arte</p><p>“Creo que la música es una expresión del corazón humano, del ser humano siendo él mismo, expresando lo que está viviendo. Toda la experiencia humana siendo expresada en un momento concreto. Eso es la música”, proclamaba John Coltrane en una entrevista poco antes de su muerte. Coltrane intentó plasmar todo eso en este disco, todo ese mundo agitado que se vivía con el final de la década de los cincuenta y el comienzo de los años sesenta.</p><p>Tras sus años junto a Miles Davis y su aprendizaje al lado de Thelonious Monk, Coltrane despegó en solitario y en este disco se abrió a nuevos horizontes sonoros poniéndose en la primera línea de la vanguardia musical del jazz.</p><p>Esta semana recordamos esta joya del jazz de la mano de Yahvé de la Cavada y con los reportajes de Lucía Taboada.</p>

<p>Hay bandas que anhelan tanto el éxito que cuando los consiguen parece que el mundo se desmorona ante ellos. Los chicos de Counting Crows pasaron de tener trabajos normales a vender 7 millones de copias de su primer disco.</p><p>El éxito de la banda californiana llegó de la nada y fue fulgurante. Su paso por el programa Saturday Night Live los convirtió en estrellas, pero detrás de Mr. Jones había mucho más. August and Everthing After resultó ser un disco espléndido lleno de melancolía y letras sugerentes.</p><p>En medio del boom del grunge y del rock duro, los chicos de Counting Crows se hicieron un hueco con una música de sonido clásico y alma americana que sedujo a millones de personas en todo el mundo. </p><p>Counting Crows protagonizó en aquellos años 90 el sueño de toda banda de rock, hasta que comprobaron que a veces los sueños no son lo que parecen. A pesar de ello la banda firmó con este disco uno de los debut más recordados de los años noventa, un disco repleto de himnos que mostraban los anhelos, miedos y recuerdos de un chico de 29 años que se convirtió en uno de los rostros conocidos de aquellos años y Adam Duritz también pagó su precio por ello. Esta semana recordamos aquellas canciones de la mano de Toni Castarnado y con los reportajes de Lucía Taboada. </p><div><br></div>

<p>En medio de una de las giras más intensas de su carrera los chicos de REM fueron dando forma a New Adventures in Hi Fi, un disco creado y en parte grabado en autobuses, vestuarios o pruebas de sonido, un disco que pretendía registrar ese momento de caos pero que acabó siendo algo más.</p><p>El décimo disco de estudio de la banda de Georgia es una de las grandes joyas de una discografía larga y llena de momentos de genialidad. Sus canciones son parte de la banda sonora de millones de chicos y chicas que crecimos en los noventa y que nos atrapó la melancolía de estas letras y de esos paisajes fugaces como los que se ven cuando atraviesas horizontes a gran velocidad. En este disco pausado se plasmó parte de esa época, un 1996 en el se publicaron discos de Pearl Jam, Jamiroquai, Fiona Apple o Belle and Sebastian.</p><p>No hay muchas bandas que puedan decir que han hecho uno de sus mejores trabajos tras diez discos y más de 15 años de intensa carrera. REM lo consiguió con el que fue para muchos su último gran disco de la banda y por ello hemos querido recordarlo esta semana en la compañía de David Moreu y con los reportajes de Jimena Marcos y Guille Mostaza.</p><div><br></div>

<p>En la música las musas cuentan, la inspiración marca épocas, rachas, periodos en los que grandes artistas deslumbraron al mundo. Jimena Marcos nos recuerda rachas inolvidables en las que importantes músicos registraron grandes discos en periodos muy cortos. </p>

<p>Entre 1955 y 1958 un chico de veinte años que llevaba media vida subido a un escenario comenzó una revolución, la mayor revolución cultural del siglo XX. A aquel chico le llamaban Little Richard y en mayo de 2020, en plena pandemia, murió sin el reconocimiento que su obra merecía.</p><p>La influencia de Little Richard en la música es enorme. En su último curso de colegio, Paul McCartney tocó para sus compañeros uno de los temas de Richard. Algo parecido le sucedió a Bob Dylan, que en el anuario de su colegio de 1959 dejó escrito su sueño. “Unirme a la banda de Little Richard”. Los dos, a su manera, cumplieron su sueño. Dylan compartió gira con su héroe en los años noventa y los Beatles compartieron escenario con Richard cuando se fogueaban en sus noches de Hamburgo. Tras la muerte del pianista, Paul McCartney escribió una carta que merece la pena escuchar…</p><p>“Las canciones de Little Richard llegaron gritando a mi vida cuando era un adolescente. Le debo mucho de lo que soy a Little Richard y su estilo y él lo sabía. Solía decir que me había enseñado todo lo que sabía y era verdad. Fue un gran hombre con un genial sentido del humor al que los amantes del rock and roll echaremos de menos. Siempre le agradeceré lo que me enseñó, la generosidad que tuvo al dejarme ser su amigo”, explicó el músico de Liverpool.</p><p>La vida y carrera de Little Richard son una fábula, un relato duro en muchos aspectos, pero marcados con una imaginación fuera de lo común, una imaginación que le permitió pensar en una música nueva, pero más allá de eso, pudo dotar a ese sonido de todos los ingredientes que lo convirtieron en algo especial. En 1957 llegó a las tiendas el primer LP de Little Richard, esta semana recordamos su historia, contexto y canciones de la mano de Fernando Navarro, Lucía Taboada e Igor Paskual.</p><div><br></div>

<p>En el año 2016 Van Morrison publicó Keep Me Singing, un álbum fabuloso que devolvió al León de Belfast a la primera línea de la música. Lo que no sabíamos entonces es que el viejo músico de 71 años iba a publicar cinco discos más en los siguientes tres años y medio. Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a la gran racha de Van Morrison.</p><p>Los artistas viven de la inspiración, pero a veces fuerzan a la musa para ofrecer al público rachas que nos dejan con la boca abierta y la cartera tiritando. </p><p>Desde aquel aplaudido álbum de 2016, Morrison no ha parado. En los siguientes meses volvió una y otra vez a las tiendas con discos que mezclaban temas propios con versiones y que lo juntaban con amigos de todo tipo. Primero llegó Roll with the punches, poco después Versatile. Un disco de blues y otro de jazz que se vieron acompañados de You are driving me crazy y The Prophet speaks para cerrar la racha con el espléndido Three cords and the truth. </p><p>Para poner un poco de orden en esta avalancha musical invitamos al Sofá Sonoro a Miguel López, gran experto en Morrison, y al periodista Fernando Neira, además de contar con los reportajes de Lucía Taboada y Jimena Marcos.</p>