Podcast de La Gran Evasión

Edición número 63 de La Gran Evasión, 24/11/2015. En el especial dedicado al Festival de Cine Europeo de Sevilla 2015, desglosamos las secciones de un certamen cuantioso y pródigo en filmes de calidad. Un año en que el Giraldillo de Oro ha sido por primera vez para una producción española, La Academia de las Musas, de José Luis Guerín. Estas mil y una noches de Gomes nos movemos desde Caligary a Hitler, a la sombra de las mujeres de Phiippe Garrel nos comemos la langosta de Lanthimos, visitamos el Pozoamargo de Rivero, hablamos con la Mia Madre de Moretti, deseamos lo mejor a las cinco niñas del Mustang de Erguven, cruzamos The other side para salir por Guanajato con Eisenstein. En definitiva, comentamos las pelis que más nos han impactado de un intenso y prolífico SEFF 2015, José Miguel Moreno a la dirección, Raúl Gallego, Gervi Navío, y María Navarro, compañera de Radiópolis y directora del programa El limón revoltoso.

Edición número 62 de La Gran Evasión, 17/11/2015, Aunque mis ojos ya no puedan ver ese puro destello, que en mi juventud me deslumbraba. Aunque ya nada pueda devolver la hora del esplendor en la hierba, de la gloria en las flores, no hay que afligirse. Porque la belleza siempre subsiste en el recuerdo. Un sueño no es más que un deseo que la realidad se encarga de destrozar, un esplendor del que nos hablaba el poeta Wordsworth y que inspiró a Elia Kazan para realizar la bella Esplendor en la Hierba en 1961. El guerrero Bardés viene cabalgando desde Madrid con ese pensamiento en su mente, esta noche, como todos los martes, se une al Grupo Salvaje del programa La gran Evasión, a cumplir la misión de debatir en mesa redonda sobre su último libro: "El sueño americano (El cine en la era Kennedy)", con prólogo de Anna Bosch y presentación de Miriam Díaz Aroca. En el estudio nos acompañan algunos hombres buenos, y otros no tanto, Otto Preminger, Alfred Hitchcock, Samuel Bronston, John Ford, Doris Day, Sam Peckinpah, Billy Wilder, Bette Davis, Dalton Trumbo, Arthur Penn, Marilyn Monroe, Stanley Kubrick, Marlon Brando, John Frankenheimer, y muchos más grandes hombres y mujeres que se encargaron de dejar su legado en esos tres años idealistas, esperanzados, contradictorios, peligrosos. César Bardés indaga sobre una época en la que John Fitzgerald Kennedy fue presidente de los EEUU,. A través de los directores más representativos, las películas más punteras de la época, sus rodajes, la crueldad del negocio, la factoría de los sueños. Una reflexión amena, limpia y algo nostálgica de un cine que refleja la América que nos ha llevado al mundo que vivimos hoy. César investigó durante más de un año para terminar este ensayo sobre un mundo que estaba cambiando, ya lo cantaba Bob Dylan. El autor comienza cada capítulo con un extracto de un discurso de Kennedy, que parece realizados especialmente para el libro. Hablamos sobre Dalton Trumbo y su creatividad y resistencia, el flamante John Ford y Liberty Valance, las comedias de teléfono blanco, Roger Corman y Poe, sobre la idea de libertad que imbuyó a los componentes de la generación de la televisión, y tantos otros temas que sólo podrán disfrutar de verdad los que tengan entre sus manos el último libro de nuestro crítico César. Esta noche José Miguel Moreno a la dirección, Gervi Navío, y Raúl Gallego, revisamos con nuestro crítico César Bardés en el estudio su último libro, "El Sueño Americano", las falsas promesas de un tiempo de esperanza. .

Edición número 61 de La Gran Evasión, 10/11/2015, Wayne Wang rodaba en 1997 este transito de la colonia británica hacia la china comunista, de fondo, una historia de amor, en primer plano, Hong Kong. Todo cambia para que nada cambie, el termitero sigue lleno, atestado, en un flujo incesante, desde que el mundo es mundo, comprando y vendiendo, corrompido y corrompiendo....tú te mueres pero tu amor por ella no...una caja dentro de otra caja, una historia dentro de otra historia y al final siempre es la misma historia, la de todos los hombres: de Amor y soledad. Tal vez Hong Kong sea eso, una antigua puta que ahora quiere respetabilidad, tan hermosa y fascinante como inalcanzble, imposible de aprehender...una agónica metáfora de la ciudad y de los miserables que la pueblan, comprando y vendiendo porciones de alma, cambia el amo, pero el perro sigue corriendo en la rueda, en su jaula, listo para obedecer, para atacar....otro símbolo, otra metáfora, otra caja dentro de una caja, historias de amor que se mezclan y se pierden, siempre hay alguien que pierde, siempre. Estupendamente interpretada por Jeremy Irons, aunque nos atrapan las actrices chinas: Maggie Cheung y la enigmática Gong Li. John sabe que le queda poco tiempo de vida, está enamorado de quien no debe, vive lejos de casa, casi sin amigos, con un trabajo que no le gusta y la necesidad de atrapar una realidad que se le escapa por más que haga por acercarse a ella. Es fácil querer pasar un rato con este tipo, en este final, ó en este principio, ¿quién lo sabe? Envasamos el aire a orillas del rio, en esta torre sin amo, girando en la rueda, abriendo cajas y cajas llenas de cine...a la dirección José Miguel Moreno, contertulios Rodrigo Ruiz de Villega, Mamen Torres, Raúl Gallego y Gervi Navío.

Edición número 60 de La Gran Evasión, 3/11/2015. John Schlesinger sacudía y golpeaba nuestras conciencias en 1969 con éste Cowboy de Medianoche, la desesperanza toma forma en las frías y despiadadas calles de New York, un viaje desde la inocencia hacia el sórdido callejón que se esconde detrás del sueño americano, sobrevivir entre la podredumbre moral, perversiones y candidez se dan la mano, la jungla de asfalto te obliga a renunciar a tus sueños, vendes tu sangre, tu cuerpo, tu alma, porque la ciudad está llena de depredadores que te van a hacer una oferta, una auténtica amistad forjada en el arrabal de New York, dos amigos descendiendo directos al submundo, a la calle 42, ó calle misericordia, donde los reprimidos van a evacuar sus instintos carnales, donde sobreviven los Ratso y Joe de turno...en todas las ciudades hay una calle 42, poblada de soñadores atrapados...como siempre, la soledad es la enfermedad que une a todos los hombres, soledad...compartida. Comprensión, piedad, inocencia, amor, amor entre un par de tipos, auténtica amistad, todo eso se mezcla con la perversidad, la sordidez, la miseria real, moral y cotidiana de la ciudad más representativa del "american way of life", dos perdedores, bueno Joe aún no lo sabe, tiene ese aire "naif", inocente, cree de verdad que puede ir a la ciudad a ser un vividor, de hecho, esa inocencia, ese sueño infantil que recrea, son las cenizas de su niñez, y se va a tropezar con otro huérfano, otro desheredado, con Ratso, otro parásito, en un ciudad infectada. Schlesinger desmitifica el sueño americano con la cruda y emocionante relación que se establece entre Voight, inocente tejano y Hoffman, un despojo del Bronx, lisiado, tuberculoso, un perdedor, hijo de perdedores. Dos tipos deambulando por la marginalidad, buscando fortuna en las cabinas de teléfonos, en la calle de los invertidos, sobreviviendo entre los escombros, su único refugio es compartir sus sueños, vaya retrato desgarrado, implacable, de la jungla, de Nueva York, apenas sin esperanza, un icono de los años sesenta, una maravilla a revisitar mientras suena "Everybody's talking", la extraordinaria canción compuesta por Neil, interpretada con brillantez por Harry Nilsson, que ya forma parte de nuestra memoria, ya es inmortal... Compartiendo cuchitril, derramando soledad, pasamos esta noche de lluvia y frio... a la dirección José Miguel Moreno, contertulios, el gran Manuel Linares, Raúl Gallego, Gervi Navío y escuchando en su radio a Nilsson mientras cocina un potaje de celuloide, inocencia, desesperación y literatura, nuestro crítico César Bardés.

Edición número 59 de La Gran Evasión, 27/10/2015, Mario Camus adaptaba en 1984 para la gran pantalla la obra inmortal de Miguel Delibes, Los Santos Inocentes. Resignación, sacrificio, obediencia, la dehesa extremeña, un cortijo, una marquesa, la naturaleza, fría, despiadada, hermosa, el vuelo de las zuritas y el destino se mezclan, la capacidad de sufrimiento de los hombres es sorprendente, eso éramos hace un suspiro, esa España, esa época obscura de la que salimos a costa de la sangre y el sudor de Pacos, Azarias, Régulas, de los guardas del campo, de criaturas indefensas, de esos santos inocentes... "A mandar que para eso estamos, tu ver, oír y callar". La pobreza es igual en todas partes, las tiranías y los tiranos también, aquí lo vemos en una época terrible, previa al cambio, que empieza a intuirse en las nuevas generaciones, tanto en los hijos de Paco (Alfredo Landa) y Régula (Terele Pávez), como en la hija de la marquesa, entre medias está el señorito Iván (Juan Diego), que gobierna con puño de hierro, con guante de seda, a sus hombres, a sus vasallos. Película soberbia, cruda, dura, tierna, inocente, cruel... Visión de España, no tan lejana, conmueve y duele porque ese pasado está ahí, aquí al lado, poblado de fantasmas, de santos inocentes, de Pacos, de Azarias (Paco Rabal), de Régulas, de Señoritos, aquí en nuestra Andalucía, era real, es real, todavía hay una generación que paso por esa época de tinieblas, personas mayores que han visto, que han vivido eso, que se quitan la gorra y la arrugan con sus manos agrietadas y mugrientas, bajando la vista, mientras les habla al señorito, esas miradas están dentro de nosotros y no hay que olvidarlas, esta obra las retrata con una sensibilidad y un respeto exquisitos. Espeluznante retrato, magistral novela, geniales los actores, maravilloso el director, en fin, una obra maestra, los personajes ya forman parte del cine, de nosotros, las tribulaciones las manda Dios.., Azarias , demasiado sensible, conecta con la niña chica, con los pájaros, con el espectador, vaya composición que hace Paco Rabal, la forma de correr, de sostener en brazos a la niña, de llamar a la Milana....increíble, disfruten y recuerden con ésta maravilla, con ésta ventana a la verdad, a la terrible y bella verdad. Respiramos el frio de la mañana extremeña, acechando, mientras vuelan las zuritas y el señorito Iván cuelga de una encina...A la dirección José Miguel Moreno, contertulios José Gallego, Raúl Gallego Tirado, Gervi Navío y contemplando la dehesa mientras el Quirce nos abandona hacia un futuro incierto, nuestro crítico de cine César Bardés.

Edición número 58 de La Gran Evasión, 20/10/2015. After de Alberto Rodríguez, 2009, tres interpretaciones soberbias, tres actores en estado de gracia que delinean a tres personajes resecos, vacíos, un brillante guión, una realidad cruda, terriblemente real, un extracto de una generación perdida, de tipos "Ebrios de decepción", de Soledad. Rodríguez dirige magistralmente al trío de actores, con sutileza y pulso firme, sacando lo mejor de ellos, desprenden realidad y verdad, con lo difícil que es eso, podría haber sido una caricatura desfasada, una parodia, un exceso, hay que alabar al dúo sevillano Rodríguez/Cobos, el tiempo los está poniendo en su sitio, cada película se van superando, ahí están Grupo 7, La Isla mínima,... Destacar la puesta en escena, Rodríguez sabe sacar jugo al guión, confeccionado por Rafael Cobos, a todos esos detalles de los personajes, con multitud de visiones, imágenes llenas de inquietud, sin concesiones, reflejando veracidad, dando vida a los personajes, con un lenguaje cotidiano, con situaciones cotidianas, sin manipular a los espectadores...un drama duro, directo, seco...como la vida misma, poblada de estas criaturas sin rumbo, incapaces de definirse, abúlicas, en busca no se sabe bien de qué, en buscan de su propia destrucción...la felicidad no está en ningún vaso, en ninguna raya, en ningún polvo ó si? Fría y dura fotografía de Álex Catalán, con atmósferas precisas y sensibles, la noche, la luz de las discotecas, la ciudad que no duerme...entre amarillo y azul, entre la vida y la sombra. Genial visión de una noche loca, de drogas, sexo, desilusión, soledad, unos niños ricos incapaces de degustar y apreciar lo que tienen, todo lo puedes tirar por la borda cuando vives una vida llena de nada, ni el alcohol reconforta ya, ni los viejos amigos, ni una familia que no reconoces, al fin y al cabo, estamos solos... La maravillosa canción de Mica P. Hinson, Beneath the rose y esos tres seres con un pequeño corazón intermitente, huyendo de ellos mismos, vaya imagen más poderosa, no hace falta más...brillante A la dirección, José Miguel Moreno, contertulios Ismael González, Raúl Gallego, Gervi Navío y ahuyentando los demonios del cine, destrozando una botella del néctar avinagrado de la soledad, nuestro crítico César Bardés.

Edición número 57 de La Gran Evasión, martes trece de octubre del 2015, John Carpenter juega esta noche al quién es quién, en un ambiente aislado, comprobaremos cómo de frágil es la convivencia entre los hombres, veremos brotar la desconfianza, el odio, el miedo, miedo a nosotros mismos, a lo que podemos hacer, en lo que podemos convertirnos.... Aunque el fuego siempre purifica...el monstruo, la cosa, es lo de menos, los monstruos somos nosotros, siempre lo hemos sido, la humanidad está condenada. Genial Carpenter, en 1982, con La Cosa, el enigma de otro mundo, impactó al espectador con esta película que homenajea al film de Howard Hawks The Thing from Another World (1951), tiene reminiscencias del Alíen de Ridley Scott (1979), tanto en el ambiente como en los personajes, aparte del homenaje al bicho con esa cabeza-araña correteando por la sala. Destacar los efectos especiales que fueron hechos por un grupo excepcional de artesanos, liderado por Roy Arbogast, entre los cuales se encontraban Rob Bottin, Albert Whitlock y Stan Winston, que preparó la escena de la perrera, donde vemos por primera vez al extraterrestre, son extraordinarios para la época, fantásticos para 1982, especialmente el trabajo de Rob Bottin, que tiene intervenciones soberbias, es un habitual colaborador de John Carpenter y Paul Verhoeven (RoboCop, Total Recall). Carpenter retrata el horror, el miedo, el suspense, con momentos de brillantez, una vez que vemos al alíen, su poder, lo que puede hacer, que es otro superviviente (la escena de la perrera), a partir de ese instante viene el verdadero miedo, el horror de no saber nunca quién es quién en realidad, ahora los efectos dan corporeidad, esencia a ese terror, como el pecho que se vuelve una gran boca que cercena los brazos del doctor, el fuego y la cabeza-araña, ó la sala de juegos y el monstruo saliendo del pobre Palmer…..han pasado 30 años pero siguen impresionado. Perfecto el elenco de actores, todos nos hacen creibles a esos pobres tipos en mitad de la nada, Wilford Brimley, Keith David, David Clennon, Richad Dysart, Donald Moffat, Richard Masur, con la aparición estelar de Kurt Russell, un cowboy, lleva su revolver al cinto, su sombrero, monta un helicóptero en vez de un caballo, es audaz, valiente y decidido, mata o te matan. (cuando deja seco al encargado de los perros, a Clark, no duda ni un segundo, luego sabemos que no era un alíen, ese sí que es el verdadero terror). Sospechamos de todos, desconfiamos al pasarnos la petaca de whisky en esta torre perdida al lado del rio... a la dirección José Miguel Moreno, contertulios Elio Cubiles, Raúl Gallego, Gervi Navío y manejando el desfibrilador con presteza, directo en el corazón del cine, nuestro crítico César Bardés.

Edición número 56 de La Gran Evasión, 6/10/2015. El maestro Blake Edwards nos invitaba en 1968 a la mejor fiesta de los sesenta, para enfrentarse a la vida, el humor es nuestra mejor arma, el mejor aliado, la mejor filosofía, Blake Edwards y Peter Sellers son una compañía perfecta para encarar esos días de nubes negras que de cuando en vez nos acechan, te pones El Guateque y pasas 99 minutos de risas, de evasión, un rato de diversión pura, inteligente, llena de carcajadas, de sonrisas, de más vida, pues ya sabemos que reír prolonga la vida. La primera hora es soberbia, con pausa y maestría, el guión de Edwards, ayudado por los hermanos Frank y Tom Waldman, rememora y homenajea a los maestros del mudo, gags geniales, ya de inicio con la explosión del fuerte, el zapato, ese impagable camarero que se toma whisky, vodka, whisky mezclado con vodka, vino, más vodka....nos deleitan con situaciones absurdas y surrealistas, el paso por la piscina es delirante y la cena antológica. No podía faltar la tercera parte de este trío genial, Blake Edwards, Peter Sellers y Henry Mancini, que nos mete en la fiesta con piezas de jazz elegantes y espumosas, sin olvidar la excelente fotografía de otro maestro, Lucien Ballard. A lo largo de la fiesta va evolucionando el fresco que hace Edwards de las clases altas americanas, se vuelve cada vez más punzante, cargado de sarcasmo, no se escapa nadie, pero siempre nos deja un poso de reflexión a pesar de las carcajadas y la torpeza de Sellers, y es esa historia de amor de dos almas gemelas, tímidas, nobles, inocentes, que no encajan en esa piscina llena de tiburones que representa la fiesta, pero que se complementan y claro, la semana que viene, nuestro querido Hrundi irá a recuperar su sombrero. Michele, Claudine Longet, conecta de inmediato con Hrunid, percibe esa ternura, esa inocencia que los demás no ven... Antológico Steve Fraken, el camarero con la dama rubia vestida de lila, otra aspirante a estrella, ella solo quiere beber, él solo quiere beber...apenas sin diálogo, también establecen conexión. Tanto Hrundi cómo el camarero tienen instantes de pura comicidad, apariciones con momentos llenos de amor por el slapstick y el cine mudo, ‘El guateque’ se merece el calificativo de obra maestra, tanto por su visión ácida de la forma de vida de la clase alta americana, completamente aburrida, estresada, llena de lujos fatuos y estulticia, como por el contraste con la filosofía de vida del personaje de Sellers, la del humor, la risa, alegría simple y sincera, además lo dice el propio Hrundi: "lo mejor del mundo es una sonrisa". Arremolinados en la piscina, intentado quitar las pintadas al elefante sagrado..... a la dirección José Miguel Moreno, contertulios, Francisco Ortiz, Raúl Gallego, Gervi Navío y miccionándose encima mientras la chica canta y nos acaricia con su cálida voz, sin nada que perder, nuestro crítico César Bardés.

Edición número 55 de La Gran Evasión, 29/9/2015, El Secreto de sus Ojos, Juan José Campanella modelaba en 2009 todo un thriller, toda una historia de amor desgarrador, bella y melancolica, cine lleno de emoción, de sentimientos, una historia que te retuerce las entrañas, un hombre que no olvida, un amor que no muere. El secreto de sus ojos te atrapa, es conmovedora y sucia, tan real como la vida misma, que ya sabemos puede ser tan injusta y tan cruel, te sumerges en la historia de ese amor oculto, amor larvado, entre Irene y Benjamín, no dejas de pensar: vamos, díselo, atrévete, pánfilo, bésala...y quedamos desolados por el crimen, por ese amor suspendido en el tiempo... como siempre Campanella sustenta el peso de la historia en las palabras, en unos diálogos exquisitos, en la comunicación, ésa que tanto nos falta en estos días que vivimos, días de soledades superpuestas. Con este brillante ejercicio de amor, tanto la novela "La pregunta de sus ojos" de Eduardo Sacheri como la película de Campanella, fueron un éxito de público y crítica, una maravilla para disfrutar en compañía. Grandisimos actores, empatizamos con ese Benjamín Espósito, tan real y tan auténtico, que nos regala Ricardo Darín, ó la exquisita sensibilidad y esa mirada limpia y penetrante de Soledad Villamil, nos obsequian con brillantísimos instantes de amor, de amor contenido, de sueños que acaban en pesadillas, de dudas morales, de dudas existenciales, de vidas vacías, también de momentos de amistad hermosos, simples, perfectos, extraordinario el personaje de Sandoval, magistral Guillermo Francella. La negra realidad salpicada de amor, de fondo todo un mundo, un país quebrado por la dictadura, el aliento de la venganza, la corrupción, el poder, las dudas y el miedo al compromiso....las miradas, siempre los ojos nos dicen tanto, sólo hay que atreverse a mirar al que tenemos al lado....Ojos,ojos, agujeros de los sueños, pozo de los deseos, fosas de la ilusión, delatores de la verdad, esclavos de las mentiras.....memoria, memoria y rencor de Dios. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios Raúl Gallego, Gervi Navío y aporreando una vieja máquina de escribir a la que le falta la "A" nuestro crítico de cine César Bardés Cuellar.

Edición número 54 de La Gran Evasión,22/92015. Wim Wenders ganó La Palma de Oro en el festival de Cannes en 1984 por este recorrido en imágenes por la desolación, por la condición humana, que se ha convertido en una película de culto, apoyada por el guión de Sam Shepard y la fotografía de Robby Müller, ambos extraordinarios. Contiene momentos que se quedan en la retina, ya asociamos París, Texas al diálogo entre Kinski y Dean Stanton en el Peep Show, a un hombre con una gorra atravesando un desierto...a la maravillosa música de Ry Cooder, a los parajes inmensos, al horizonte... París, Texas siembra dudas en todos nosotros, dudas sobre el libre albedrío, sobre las ataduras morales y sociales, sobre la consabida condición humana, a través de imágenes llenas de lirismo, a través de los ojos de un niño, o mejor dicho de dos niños que buscan lo que habían perdido....a través de una madre abandonada por un amor consumido por el fuego, una road movie que recorre los senderos más oscuros del alma. Shepard había escrito un libro de relatos cortos y poemas que llevaba el título de Transfiction (más tarde sería cambiado por el de Motel Chronicles ), libro que acabó por convertirse en la base de Paris, Texas, a partir de él, Wenders y Shepard elaboraron un breve tratamiento que se iniciaba con una escena tan enigmática, tan absorvente: un hombre aparece en pleno desierto de Arizona, en la frontera mexicana; camina sin rumbo aunque con paso decidido, la mirada perdida en la línea del horizonte, en el vacío. No sabemos nada de él, sólo nos intriga reconstruir los datos que nos faltan para elaborar su historia: ¿Quién es?, ¿Dónde va? ¿Qué le ha ocurrido?... A partir de aquí, el relato nos lleva de la mano y vamos encontrando respuestas a la misma vez que Travis, de dónde viene y a dónde va. La fotografía de París, Texas está a cargo de Robby Müller, uno de los mejores directores europeos de fotografía, colaborador habitual de Wenders, también ha trabajado con Jim Jarmusch (heredero de muchos elementos del estilo de Wenders), con Lars von Trier, Peter Bodganovich, Winterbottom...dice Wenders, que Müller y él decidieron plasmar su visión del desierto americano sin recurrir a esos referentes míticos, como las fotografías de Walker Evans, ó los cuadros de Edward Hopper, crearon su propia iconografía de la soledad del individuo, del viaje hacia ninguna parte y de la redención a través del camino. Wenders nos da su propia visión de La Odisea de Homero, su obsesión hacia el tema del viaje como espoleta del auto-conocimiento, de la búsqueda y la aceptación de uno mismo. Magistrales los actores Harry Dean Stanton y Nastassja Kinski, sin palabras nos dicen tanto, portentosos. Llenamos de whisky las tinieblas, forjamos otra vez la esperanza esta ventosa noche de finales del verano, a la dirección José Miguel Moreno, contertulios, Raúl Gallego, Gervi Navío, Mamen Torres, y con el teléfono en la mano y el pasado lleno de películas a la espalda, nuestro crítico César Bardés.

Edición número 53 de La Gran Evasión, 15/9/2015, Sir Alfred Hitchcock realizaba en 1958 su obra mas personal e inquietante, quizás la mejor película de la historia del cine, llena de belleza, de 'amour fou', de necrofilia.... Vértigo es sin duda una película adelantada a su tiempo, tanto que aún a día de hoy, parece pertenecer a otra época, una obra atemporal en el sentido literal del término, que aunque arranca con las constantes del maestro, su miedo a la policía, un crimen que puede salir impune,.... deriva en otra cosa, en una obsesión, en un amor imposible...en una fascinación enfermiza.....en puro cine. Destacar la fuera con la que arranca la película, con los maravillosos títulos de crédito (primera colaboración con el gran Saul Bass), por encima de los tejados de la ciudad de San Francisco en plena persecución policial, y la extraordinaria banda sonora de Bernard Herrmann, ya somos testigos de la enfermedad del protagonista, la acrofobia, Scottie tiene miedo a las alturas y Hitchcock lo mezcla con el vértigo, que es la ilusión de movimiento a nuestro alrededor, la muerte de un compañero, y la incapacidad para ejercer su profesión plenamente, irán minando a Scotttie, la relación con su amiga, diseñadora de sujetadores, (otra obsesión del maestro), tampoco es la que a él le llena, hasta que llega el enigma, el fantasma, la posesión, el misterio....y esa imagen en Earnie's, esa silueta con el fondo rojo, pura pasión ...y ésa será su perdición...Hitchcock nos hace acompañar a Scottie en ese viaje, en ese enamoramiento, sin palabras...extraordinarios esos minutos mientras seguimos a Madeleine y entramos en la historia que de verdad quiere contar el director. Robert Burks nunca ha estado tan inspirado, con ese rojo intenso del restaurante donde vemos a Madeleine por primera vez, ó el neón verde venenoso que hay en la fachada del apartamento de Judy, y que la viste con cierta aureola onírica al salir del baño, disfrazada por primera vez como Madeleine. El efecto es casi embriagador, efectivamente Madeleine, en la mente de Scottie y ante el espectador, parece regresar de los muertos. El beso posterior, con un giro de cámara de 360 grados es uno de los más pasionales de toda la historia. Un beso que une pasado y presente. Maravillosa Kim Novak, nunca ha estado tan guapa, tan extraña, tan vaporosa, tan carnal, tan desnuda como aquí y James Stewart desarrolla ese lado oscuro a la perfección, está desvalido e indefenso pero es decidido y cruel si hace falta, sólo persigue su sueño, su amor, su pasión, su fantasma hecho carne... Ese erotismo es digno de Buñuel, ó Berlanga, maestros que lo la desarrollan y exorcizan a través del cine, igual de sicalípticos, igual de libidinosos, de sátiros....que Hitchcock, un ejemplo perfecto es cuando Madeleine esta en casa de Scottie, después de ser rescatada de la bahía, vemos la ropa interior secándose en la cocina, a Scottie nervioso cuando habla por teléfono con el marido, ella está desnuda en la cama, la elipsis es portentosa, sugerente y cautivadora, ha tenido que desnudarla y meterla en la cama, ahí se ve la obsesión total de Stewart, su enamoramiento, ahí esta el auténtico Hitchcock, el vouayer, el enfermo y nos hace cómplices, participes de sus complejos y obsesiones, simplemente genial... No dejen de asomarse al campanario y contemplar esta maravilla del cine, que nunca se deja de ver, imposible de aprehender, se escurre como el agua entre los dedos, como los días nublados de los que están tan cuerdos y son tan preclaros, que los demás los llamamos LOCOS... Acodados en Earnie´s sorbiendo un whisky con soda, fascinados por la silueta de Judy/Madeleine/Carlota, nos mareamos esta noche tormentosa... a la dirección José Miguel Moreno, contertulios Raúl Gallego, Gervi Navío y despertando encharcado en sudor, con ojos como platos, desesperado ante el fantasma de su amor inmortal, nuestro crítico de cabecera, César Bardés.

Edición número 52 de La Gran Evasión, 8/9/2015, celebramos nuestro primer año en las ondas con un pequeño resumen de ésta andadura llena de películas, humo, whisky y grandes amigos... Nebraska, dirigida en 2013 por Alexander Payne, es todo un regalo, una película sensible que trata la vejez con exquisita elegancia y respeto. Una interpretación excelsa de Bruce Dern, en sus torpes andares, en sus pelos y sus ojos de loco, en su testarudez, en sus sentencias sobre el alcohol y la vida, ("beber cerveza no es beber, si estuvieras casado con tu madre, tú también beberías, te puedo prestar un par de pavos, vengo de ahí detrás y voy hacia delante, hacia allí....."), en su empecinamiento en burlar a la muerte hasta que no cobre su premio, su forma de leer esa carta, doblarla cuidadosamente y guardarla en su bolsillo, los momentos de confusión, ensimismamiento, perdidos en la bruma....son absolutamente reales, auténticos, todo el que tenga cerca a un anciano lo sabe, la atención constante que requiere, lo fácil que es contentarles...son simplemente desgarradores, son verdad y ponen de manifiesto el magnifico actor que es Dern. Es más que un viaje físico, es una road movie emocional, que transita por el drama y la comedia triste, ahonda en lo que queda de ilusión cuando la vida se apaga, en ese mundo de la demencia senil, dónde se confunden sueño y realidad, dónde los recuerdos se convierten en sombras...dónde todos podemos acabar...en esa laguna estigia, perdidos....Nebraska gana con una segunda visión, descubres y paladeas instantes que se escaparon la primera vez, disfrutas de las lecciones de interpretación de esos viejos actores, de Stacy Keach, June Squibb, Bruce Dern, que nos deleitan y conmueven...maravillosos. Probablemente sea el trabajo más contenido de Alexander Payne, con la ayuda impagable del texto de Bob Nelson, apoyado por la fotografía espectacular de Papamichael, ese blanco y negro retrata a la perfección la desolación y la inmensidad de esos paisajes de Nebraska, se siente la melancolía y la tristeza, la pérdida de fe de sus gentes, sin duda Hopper y sus cuadros bellamente llenos de desesperanza están en esta peli, con el perfume en el aire del clasicismo de John Ford, y el regreso al hogar, a las oportunidades perdidas, repletos de lirismo y poesía...una historia sencilla pero profunda. Payne hace todo un ejercicio de nostalgia, no sólo por la elección del blanco y negro, hay todo un homenaje a ese cine clásico, a los viejos tiempos, con múltiples influencias, el citado Ford, a Mann, Houston, Bogdanovich...el clasicismo puro estadounidense, contando historias, incorporando como personaje a los inmensos espacios abiertos, narrando con precisión y elipsis, dejando que el espectador entre en la historia y la complete con sus propias experiencias, que se implique, utilizando los silencios, la contención, la profundidad de campo....dejando la cámara inmóvil mientras entran y salen de cuadro los personajes, mientras la vida pasa...,con viejos actores con el rostro ajado de películas, como el grandísimo Stacy Keach y sus andares, reminiscencias del duro, del matón, del que fue en sus mejores tiempos.....y aún sigue siendo. Viajamos por el páramo del final de la vida, de la última aventura, acompañando a éste viejo loco, en una flamante furgoneta, llena de nostalgia y pasión por el cine... a la dirección José Miguel Moreno, contertulios, Raúl Gallego, Gervi Navío y absorto en si mismo, degustando una cerveza, rumiando películas, recordando a su viejo...nuestro crítico César Bardés.

Edición número 51 de La Gran Evasión, 1/9/2015, en la nueva temporada del programa nos atrevemos con un maestro, con Yasujiro Ozu y su Primavera Tardía que nos regaló en 1949......estamos solos, vivimos y morimos solos....el tránsito hacia la vejez, el irresistible e incesante mar que nos recuerda lo frágil y lo maravilloso de la vida, la convivencia de nuevas culturas y viejas tradiciones...el amor incondicional de un padre y su hija, la renuncia frente al egoísmo, el destino inquebrantable, todo ello bañado de poética Zen...estamos solos, la vida es lidiar con esa soledad, soledad escogida a veces, no lo se, con un poco de Sake y Ozu podemos intentar asimilar y reflexionar esta vida cotidiana de un poeta, de un humanista, de un genio. La película nos lleva hacia el entorno familiar de Shikichi (el rostro pacificador y relajado del gran Chishu Ryu), veterano profesor universitario viudo que vive junto a su hija Noriko (Maravillosa y sensual Setsuko Hara). La vida para ellos resulta tan plácida como rutinaria, para Noriko su papel en la vida es cuidar de su padre, aunque su tía y su mejor amiga insistan en el matrimonio, hasta que su propio padre también la empuje a ello, le revelará su intención de volver a casarse, para librarla de sus ataduras, eso provocará un enorme dolor en Noriko, aunque se resignará, veremos el sacrificio del padre, ha simulado su intención de casarse, para que su hija tenga una vida propia,....la mayor muestra de amor siempre es la renuncia, el sacrificio supremo...dejarla marchar. Ozu desarrolla en el filme sus demonios y conflictos más oscuros, siempre dando vueltas a esas obsesiones habituales, la familia que se descompone, la tradición frente al nuevo eje cultural, la convivencia entre generaciones, siempre tamizados por esa forma de contar relajada, todo fluye como en un jardín Zen, sutilmente, el maestro carga la cotidianidad, de inquietud, de desesperanza, de Sake, de resignación, de amor, de aceptación...de soledad Ozu lleva su obsesión hasta el arte, al plasmar esas relaciones y conflictos familiares, aparentemente muy localizados en el Japón de la posguerra, pero universales en el fondo, de una forma tan honda, coherente y densa.....que nos habla de su propia vida, nos hace reflexionar mientras contemplamos la película, La Vida, que fluye en esos personajes, es fascinante, pocos pueden calar tan hondo, muy pocos... Tiene, por tanto, un lenguaje propio, que lejos de ser simple, resulta tremendamente complejo, profundo, hipnótico, fascinante, apoyado en un equipo técnico que mantuvo a lo largo de su obra, su grupo de actores habituales y los magníficos guiones, que conjuntamente con su gran amigo Kôgo Noda, perfilaba y pulía cómo un jardinero, un marionetista, meticuloso y perfeccionista hasta el infinito, botella de Sake a botella de Sake llegaban a la forma pura y simple... Frente al altar de Ozu, una botella de Sake y el símbolo "Mu", de "la nada", admiramos esta primavera que viene tardía, José Miguel Moreno a la dirección, contertulios, Raúl Gallego, Gervi Navío y delicadamente, con parsimonía, rumiando que la felicidad hay que trabajarla, conquistarla día a día...nuestro critico de cine César Bardés.

Edición número 50 de La Gran Evasión, 18/8/2015. El viaje cósmico que nos proponen los hermanos Christopher y Jonathan Nolan (guionista) se inicia en una América rural y amenazada por una plaga de cultivos, donde las tormentas de polvo son cada vez más frecuentes, y el oxígeno está menguando de manera alarmante. Situación nada prometedora para Cooper (Mathew McConaghuey) y su familia. Cooper, ex-piloto de la NASA e ingeniero transformado en forzado granjero, se pasa las tardes en el porche con su suegro Donald (John Lithgow), tomando una cerveza e intentando discernir el significado de esa fuerza misteriosa que tira los libros en el cuarto de su hija Murph (Mackenzie Foy). "Solíamos mirar hacia el cielo y preguntarnos nuestro lugar entre las estrellas, ahora miramos hacia abajo y nos preocupamos por nuestro lugar en el polvo". Cooper ama a sus hijos más que nada en el mundo, pero también es un explorador. Cooper sabe que la humanidad en la tierra tiene los días contados, nació en la tierra pero su destino no puede ser morir allí. Tras la primera parte de la peli que recuerda indefectiblemente al "Encuentros en la tercera fase"de Spielberg, asistiremos al encuentro del ex-piloto de la NASA con un viejo conocido, el profesor Brand (Michael Caine). Cooper descubre una base militar secreta mediante unas coordenadas geográficas reveladas en código Morse por esa fuerza desconocida. Desde allí la Endurance surcará el cosmos. En su espectacular trasiego interestelar, muy similar al que ya formuló el señor Kubrick en 2001, una Odisea del Espacio, la Endurance accede al agujero de gusano en las inmediaciones de Saturno, el pasadizo espacio-temporal que transportará a la tripulación hacia la búsqueda desesperada de otros mundos posibles para la pervivencia de la especie. Un equipo formado por Cooper, Amelia Brand (Anne Hathaway), el geógrafo Doyle (Wes Bentley), el físico Romilly (David Gyasi) y los robots articulados TARS y CASE que evocan de nuevo el espíritu de 2001 y su monólito. ELLOS son los que se pusieron en contacto mediante la gravedad. ELLOS han dispuesto todo para que el plan A pueda cumplirse. Gargantúa abrirá sus fauces de agujero negro y dará vía expédita a Cooper para entrar en el teseracto, la quinta dimensión que le permitirá comunicarse con su hija Murph desde el futuro. Ciencia-ficción de gran calidad ensamblada por un buen Christopher Nolan, asesorado para la realización del film por el astrofísico experto en relatividad Kip Thorne, y fotografiada por el operador Hoyte Van Hoytema. Cual Julio Verne contemporáneo, Nolan se saca de la manga esta epopeya fantástica que trasciende los límites del conocimiento científico actual. Mucho metraje rodado en formato IMAX, y épica música de Hans Zimmer para enfatizar la momentos más emotivos. Naves de fantasía, agujeros de gusano, teseractos multidimensionales, acoplamientos malogrados, campos gravitatorios, planetas inhóspitos, y por encima de todo esto, el amor y la esperanza, entre un padre y una hija que romperá con las leyes conocidas hasta hoy, y la esperanza en el progreso de la humanidad. Reunidos en torno al disco de acreción, esta buena noche entramos mansamente en Radiópolis: José Miguel Moreno a la dirección, Raúl Gallego, Mila González, Elio Cubiles, y Jesús Mayoral.

Edición número 49 de La Gran Evasión, 11/8/2015. En 2003 François Dupeyron nos obsequiaba con la adaptación del relato de Eric-Emmanuel Schmitt, ésta maravilla es un rayo de luz en forma de película, que capta la esencia del delicioso libro de Schmitt, y realiza un retrato socio cultural impresionante, con una ambientación bárbara, con grandes interpretaciones, un buen homenaje, éste trabajo del gran Omar Sharif. Dupeyron ahonda en el respeto mutuo que se deberían tener las religiones entre sí, la falta de conocimiento del que profesa otros credos, nos llena de prejuicios estúpidos, detrás, sólo hay hombres, nada más que hombres, llenos de las mismas tribulaciones todos, aquí tenemos ternura, comprensión, esperanza, respeto..........tal vez no este todo perdido para la humanidad. Gran propuesta la del libro y la de la película, ser feliz y hacer feliz a los que te rodean...vaya reto, la vida diaria es captada con ese filtro, quizás demasiado amable, pero es una bonita parábola.........las prostitutas de esa calle azul, que no es azul están representadas con enorme respeto, imitan el peinado y los gestos de Brigitte Bardot, están perfectas, ya todas las putas de la calle azul serán Brigitte Bardot y Brigitte Bardot será todas las putas de la calle azul, algo edulcoradas pero con detalle y exquisita sensibilidad, gente corriente nada más, vemos el bullicio de las calles, la mezcla de razas y culturas, conviviendo, el mestizaje con la música como argamasa, el mundo en una calle y la calle a ritmo de rock y tambores ceremoniales contiene todo un mundo... Son meros supervivientes, trabajadores....no hay sordidez, pero si hay realidad, al igual que hacia el maestro Capra, una fábula con trasfondo social y esperanza en el hombre.... Parte de un gran guión (Dupeyron, Eric-Emmanuel Schmitt), lleno diálogos interesantes y reflexivos, una fotografía soberbia (Remy Chevrin) con escenas brillantes, como el viaje por Turquía, por la Capadocia, los interiores de la tienda del señor Ibrahim, ó el contraste de la casa de Momó, cuando está el padre, sólo hay oscuridad, frío, tinieblas, una depresión constante y en el momento en que se queda solo... deja que la luz entre, en su casa y en su vida....... El libro es excepcional, al leer El señor Ibrahim y las flores del Corán, vas a pasar un rato increíble, te llenas de luz, te das cuenta de que la verdadera familia, los que te quieren de verdad, son esas personas que nos iluminan, que resplandecen...que disipan las sombras de los días. Una luz en forma de un viejo musulman que regenta una tienda de ultramarinos en un humilde barrio...un niño perdido, abandonado, con un padre herido, con la sombra de una madre ausente.... El relato es maravilloso, Schmitt nos regala un historia universal, intensa, breve y deliciosa, de las que te llevas contigo, de las que nunca te desprendes, grandes personajes, grandes personas, un poco de fe en el hombre, más allá de sus religiones, en lo que somos, hombres, hombres solos, hombres perdidos, ofuscados, corriendo, en vez de pararse a contemplar, a mirar a los que te rodean, a vivir, simplemente a vivir.....con una sonrisa, zas la vida puede ser más hermosa!!! Danzamos esta noche al ritmo del semá, la oración de los monjes Derviches, José Miguel Moreno, Raul Gallego, Manuel Broullón y Mamen Torres...nos convertiremos en antorchas, en comunión con la inmensidad... Nos quedamos con las sabias palabras del Sr. Ibrahim: "Ese amor, lo que tu des, Momó, es tuyo para siempre. Lo que te guardes, está perdido para siempre."

Edición número 48 de La Gran Evasión, 4/8/2015, Xavi Puebla nos visita esta noche, por segunda vez, pero hoy tenemos la suerte de poder hablar con él, de explorar este análisis sobre el alma humana que realizó en 2008, Bienvenido a Farewell-Gutmann es una fábula atemporal y poética. El guión de Jesús G. Vilda y Xavi Puebla está construido con tanta maestría como mala leche, nos mantiene atentos, a pesar de lo teatral de la peli, atentos a los diálogos, a las miradas a los gestos, la historia arranca y no deja de profundizar, de escrutar los miedos y las miserias, lo que de verdad hay dentro de uno cualquiera de nosotros... Rememora a obras de teatro, como ‘El método Gronholm’ (Galceran), ayuda a transmitir esa angustia, pocos decorados, sitios cerrados e inquietantes, como el despacho del director general, conectamos con ese suspense de saber quien será el elegido, mezcla así varios géneros, pues pasamos del teatro, la tragedia, la intriga, al terror psicológico, tocando de fondo el drama social con esos aspirantes, nacidos directamente de la crisis.... Bienvenido a Farewell-Guttman es muchas cosas, una crítica social a la falta de escrúpulos, la traición al servicio de un ascenso, pero el fondo es más profundo, te hace plantearte preguntas, ¿Qué vida llevamos, es lo qué querías hacer, y tu familia, qué amigos tienes, qué vida vives, a qué aspiras, qué estás dispuesto a perder para ganar.....? Un drama sobre las pasiones humanas, no se pueden ocultar nuestras miserias, toda la parte final nos retrotrae a Sartre, "A puerta Cerrrada", otra vez, el infierno son los otros, una habitación cerrada, la eternidad, tres personas escuchando los pensamientos de los otros, juzgándose......sobrevuela esa obra magistral de Sartre por esta peli, y por casi todas las de Xavi Puebla. Intrigante la presencia del muerto, Ruiz, que planea sobre toda la peli, y ese oscuro secreto del dinero distraído de los archivos de la empresa, del año 1999, subyugado a la presencia de ese ángel exterminador y sus métodos, de nuevo nuestra admiración por Héctor Colomé, sublime. Gran retrato de las enfermedades del alma, de neurosis, de adicciones varias.... al trabajo, al alcohol, al sexo, adicciones que ocultan males más oscuros y profundos aún, el fracaso familiar, la degradación profesional y personal, la imposición, esa agresividad de los inseguros, de los medrosos...de los merodeadores de los parkings. Esa lucha por un supuesto ascenso profesional va a ser en realidad una ordalía, juicio de Dios, un sumario del alma de tres infelices, de sus fracasos personales y de sus miserias. Extraordinarios los actores, Ana Fernández, Lluís Soler, Adolfo Fernández, Héctor Colomé, inconmensurables todos. Como en una novela de Kafka, los protagonistas se verán manejados por la voluntad de un poder superior, totalmente despistados, no serán capaces de entender que, en realidad, se están enfrentando a ellos mismos, a sus delitos, a sus faltas, es la mirada final.....es la hora de decidir. Expectantes ante el gran espejo, ese demonio que refleja lo que tu eres, nos arremolinamos junto al gran Xavi Puebla, José Miguel Moreno, Raúl Gallego y Gervi Navío...los cuatro perdidos en este circulo del infierno en el que estamos los amantes del cine, posiblemente tú también estés por aquí....querido oyente, seguro que si.....

Edición número 47 de La Gran Evasión, 28/7/2015. BraveHeart, Mel Gibson en 1995 nos traía este drama épico de 3 horas, lleno de amor, batallas, gloria....Aventuras al más puro estilo del cine clásico, de Mann, de Kubrick, incluso de Curtiz...pero más crudo y violento. Un relato sobre la lucha por la libertad, ya sabemos que la única lucha que se pierde es la que se abandona... con escenas de acción magistrales y una romántica historia de amor que la encumbró con cinco Oscars, nada menos. La historia puede interpretarse como un discurso nacionalista, nada más lejos de la realidad (y mucho menos en la Edad Media), lo vemos más bien como un canto revolucionario, una lucha contra todos los tipos de tiranías, de opresión, hoy, son financieras, antes eran de clases sociales, ó rebeliones de súbditos contra reyes, tiranías todas, al fin y al cabo, igual de injustas siempre para los mismos, para el pueblo, para los que no tienen nada...... sólo un rescoldo de esperanza, que puede prender y convertirse en un fuego abrasador con una simple chispa de libertad, por eso los tiranos temen tanto las revueltas de los pueblos. El príncipe heredero, Eduardo II, Peter Hanly, nos es mostrado como un ser endeble, con una latente, sugerida y más que probable homosexualidad. (Un tabú hasta hace poco) Pero Patrick McGohan borda su papel de villano, el Rey Eduardo I, Longshanks. Sophie Marceau, Isabel I es el contrapunto que suaviza la película debido a los excesos, a los paroxismos violentos en las secuencias bélicas. Esa violencia angustiosa, tan directa como la de Peckinpah, pero menos elegante, Gibson la hace explícita al máximo, difícil de soportar, pero al relato lo vuelve incluso más real, nos hace ver que el sufrimiento humano no tiene parangón, nos hace sentir cada golpe, cada mandoble, incluso demasiado...Luego atempera con elegancia y discreción, mostrándonos momentos íntimos de amor y sensualidad que remarcan aun más la fragilidad de lo que somos....de esta masa de sangre, huesos y visceras que son los hombres, como la noche de bodas de los amantes en el bosque, intima, suave, pudorosa, sensual, elegante, memorable....Romanticismo y Batallas truculentas se dan la mano. En definitiva nos encontramos ante todo un clásico moderno, que ya está grabado en la memoria colectiva del cine con secuencias inolvidables.... Secuencias como la arenga del líder escocés a sus hombres son espléndidas, influenciada claramente por el Enrique V de Shakespeare y su discurso del día de san Crispin, la espada ensangrentada con el crespón de su clan balanceándose al viento, el mítico grito de libertad, las miradas de William a Murron...la intimidad de los amantes..... Pocas veces hemos visto pueblos celtas y la vida escocesa del siglo XIII con tanto encanto y tanto realismo y crudeza como aquí. Contribuye también a eso la espléndida fotografía de John Toll (segundo Oscar consecutivo tras Leyendas de Pasión), unido a la bella partitura de James Horner. Gibson sabe rodearse de gente de primer nivel, y se levanta así un proyecto de fuste y empaque, teniendo en la memoria siempre a Espartaco ó al Cid, sabe enamorarse y enamorarnos de la historia que cuenta, sabe electrizar y conectar con los espectadores, provocar con sangre y apaciguar con delicadeza....la previa de la batalla de Stirling, cuando llegan sus jinetes y se dispone a animar a las tropas con su discurso, desprende una emoción épica como pocas veces hemos visto en una pantalla de cine. Y la batalla, en sí misma, es un esfuerzo visual enorme, magníficamente rodada. Emociona la intensidad y la profundidad de las relaciones entre los personajes, como con Robert the Bruce (Angus MacFadyen), poco a poco van calando las palabras de Wallace, su causa, su ardor convierten a Robert en un aliado, aunque su pragmático padre mueva los hilos y traicione, mienta, y confabule para perpetuar la corona o conseguirla, (como hacen todos los reyes), ese grado de admiración, ese odio a su padre corrompido en cuerpo y alma, harán que ya nunca más se equivoque de bando.... La relación con Hamish (Brendan Gleeson) el eterno escudero, su lugarteniente y su amigo, cuando le dice que el lucha con ese arrojo porque cree que Murron lo ve, "no lo creo lo se, y tu padre también te ve a ti", maravillosa relación, de admiración, de respeto y de amistad Destacar a la bellísima y exquisita Catherine McCormack, una Murron inolvidable, esas miradas con Gibson, con Wallace se quedan con nosotros, sin remisión. su sangre se mezcla con la nuestra. Wallace pasa a ser mártir, Gibson mezcla también lo formidable con lo mitológico, con la leyenda, como ese grito final de ¡Libertad!. Gibson convierte a Wiliam en un Jesús que se entrega, que se sacrifica por una causa mayor, mientras es escupido y apaleado, purificado a través del dolor... Es muy hermoso cuando ve a Murron entre la multitud, tiene ese toque, ese perfume de artista, ese momento que no olvidamos, el pañuelo que cae, el hombre muere y el mito se levanta, nace la leye

Edición número 46 de La Gran Evasión, 21/7/2015.Un despropósito, irreverente y maravilloso a partes iguales, pero sobre todo "La leyenda de la ciudad sin nombre”, realizada en 1969 por Joshua Logan, es una película entretenidísima, graciosa y divertida, que se toma a broma todo o casi todo, una astracanada de lo más desvergonzado, de la que no se salva ni la religión, ni el civismo, ni la moralidad, ni el mítico oeste, la codicia de los hombres, ó las relaciones mujer/hombre/hombres...ni si quiera los Irlandeses se escapan de la crítica......que golpe de aire fresco poder disfrutar de esta peli en estos días tan oscuros. Una adaptación de un exitoso musical de Broadway de los 50 que fue rescatado en los 60 por la Paramount para aprovechar el enorme éxito de Sonrisas y lágrimas. Es gracias a la dirección de Logan que la peli funciona de forma tan efectiva. La puesta en escena, que no oculta en ningún momento el guiño a las grandes súper producciones (el diseño de producción y de decorados es deslumbrante), consigue sacar el mejor jugo posible a cada uno de los géneros que mezcla. Como obra musical, las canciones aparecen en el film en el momento justo para no interrumpir el avance de la acción, la base de los musicales, que los números hagan avanzar la trama y ahonden en los personajes, eso aquí si ocurre, además sus melodías son tan pegadizas como agradables (atención al vozarrón de Lee Marvin en la versión original). Como comedia, a lo largo del film se suceden episodios que ponen de relieve continuamente el aspecto más cómico del mismo, como la pelea provocada entre Ben y el "Socio" por ganarse el afecto de Elizabeth, el secuestro de las prostitutas, la secuencia del toro, que provocan que la ciudad se venga abajo, puro slapstick. Como western, “La leyenda de la ciudad sin nombre” toma los elementos más básicos para desarrollar la historia, es decir, el marco escénico y la época en que tiene lugar la acción (ese Oeste casi crepuscular), las dura vida de minero, los colonos, los granjeros en busca del sueño, la solidaridad entre desconocidos, el barro, el viento, la lluvia, el sol....la naturaleza más salvaje y extrema. Es curioso ver a Clint Eastwood tomándose medio a cachondeo su papel de pistolero sin nombre de los spaguetti western, porque aquí no sólo hace de galán, sino que además el tío canta al amor y al fracaso....la partida de póker y la canción Golfever es magnifica. Resaltar que el guión tiene una mala leche de cuidado. Se pitorrea de todos los principios morales y de comportamientos habidos y por haber, además, no duda en burlarse de todo y de todos, la moralidad, la religión, la civilización y sus reglas, los atavismos sociales, prejuicios sexuales,..que trio pecaminoso y amoral, pero lleno de amor y renuncia, nos deja para la reflexión.... Pero no lo hace ofendiendo ni insultando, sino con gracia, por lo que no te queda otra que reírte a ti también. Como el momento en que llega al pueblo el predicador, queriendo establecer un poco de orden moral, cuándo descubre que Elisabeth vive con dos maridos, las caras del pobre cura conforme avanza la conversación no tienen precio! Es Sodoma, es el mismísimo Infierno, es el Paraíso... Sin duda el momento que Marvin canta "I Was born under a wandering star" es grandioso, la lluvia, la niebla, la cuidad que se muere, los carros en camino, de nuevo a ninguna parte....memorable la canción de la estrella errante interpretada por esa voz ajada, toda una declaración de intenciones, los nacidos bajo el mismo sino pertenecemos a la misma hermandad, errabundos...viejos perdedores, solitario que das miedo, ¿es que nunca va a ganar este pobre perdedor, este pobre soñador...? Nos ponemos melancólicos, sabiendo que un buen amigo nos recogerá del barro después de esta borrachera de cine y nos llevará a casa: José Miguel Moreno a la dirección, contertulios Raúl Gallego, Gervi Navío y mención especial para José Gallego, que nos deleita con su sapiencia y buena compañía haciendo guardia mientras la bellísima Jean Seberg se baña en el río a la luz de la luna...

Edición 45 de la Gran Evasión. 14-7-2015. A comienzos de los desarrollistas años 60 en España, Galindo, cajero de una sucursal de banco, decide dejar de ser pobre, la vida está muy cara y su salario muy escaso. Galindo esta agotado de hacer reverencias, no le pagan las horas extras, a diario le salpica el barro de los charcos. Galindo tiene un plan, un atraco a las tres en el propio banco donde consume su vida, y no le será difícil convencer al resto de sus compañeros de armas, pistolas de juguete en este caso. Un reparto inmejorable en esta mordaz comedia dirigida por José María Forqué, y escrita por Pedro Masó durante nueve noches, con la colaboración de Vicente Coello. Extraordinaria sátira siguiendo los cánones del cine de atracos, inspirada en el Rufufú de Mario Monicelli, que al mismo tiempo era una parodia del legendario Rififi de Jules Dassin. No sólo brilla el genial López Vázquez, que dejó para la historia su conocida retahíla ante Katia Loritz, "un admirador, un amigo, un esclavo, un siervo". José Orjas como don Felipe, el capriano jefe de toda la vida al que los de arriba han decidido dar un descanso y dividir su sueldo a la mitad, Agustín González, el compañero amargado con ataques de cuernos y de tos asmática, el gran Casto Sendra, Cassen, conserje servicial y bonachón, Gracita Morales es Enriqueta, una chica sencilla que reúne al vecindario en casa para ver la televisión, Manuel Alexandre (Benítez), imborrable ese tipo aprovechado y picarón que pide anticipos a cuenta del atraco, o el miedoso Castrillo, un Alfredo Landa novato en el cine en un rol que inicialmente iba a ser para Manuel Gómez Bur. Esta chapucera camarilla no tiene muchas posibilidades de éxito, con un cerebro que se va de la lengua ante la vedette de piernas infinitas, un chófer sin carnet de conducir, Castrillo. Son todos unos aficionados, uno por uno irán llegando magullados a la oficina, pero cuidado, el repelente y déspota nuevo interventor, Don Prudencio (Manuel Díaz González), les dejará claro que lo primero es que nunca falten al trabajo. Gran comedia del cine español, factura impecable de Forqué, producida y escrita por Masó, montaje de Pedro del Rey, y divertida música compuesta por el argentinoAlfredo Waitzman. En nuestro programa a las diez nos ajustamos las medias sobre las sofocadas cabezas esta noche en Radiópolis; José Miguel Moreno distribuye el juego, Raúl Gallego, Gervi Navío y Helio Salas la tocan con gusto en la medular, y el ariete César Bardés remata a la escuadra.

Edición número 44 de La Gran Evasión, 7/7/2015. El maestro Frank Capra nos obsequió en 1934 con esta maravilla, una comedia legendaria de los años 30, de las primeras 'screwball comedy', una de las obras maestras del mítico Capra, palabras mayores, la inocencia y la esperanza hecha cine, un asidero al que recurrir en las noches en que la luna se oculta y una película de Capra te hace aguantar hasta el nuevo amanecer, así de sencillo. Veremos qué es lo que sucedió una noche..... ni más ni menos que el nacimiento del Amor. Una magnífica película sobre dos personajes condenados a entenderse, un sinvergüenza encantador, Clark Gable y una niña rica, mimada y consentida, Claudette Colbert....en fin el cine clásico, una comedia romántica, literalmente..... imprescindible, tiene 81 años y sigue tan fresca, sólo nos hace falta una cuerda, una manta y una trompeta.... Primera película en obtener el Oscar en las cinco categorías principales, "Sucedió una noche", basada en un argumento extraído de la revista Cosmopolitan, fue un gran éxito de la época. Además hizo despegar a la Columbia Pictures derecha a las llamadas Majors, junto a la Paramount, Warner Bros., MGM, Universal y la Fox. Un guión de Robert Riskin basado en una historia real leída por el propio Frank Capra, unas estrellas que llegaron de otros estudios, Gable y Claudette Colbert exigiendo mas sueldo y fecha límite de rodaje para poder irse de vacaciones, multitud de impedimentos, pero el cine supera los obstáculos cuando los genios confluyen y la maquinaria comienza a crear arte.... De hecho se llevó cinco Oscar: mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz y mejor guión, lo cuál no se volvería a repetir hasta Alguien voló sobre el nido del cuco. (Milos Forman 1975 One Flew Over the Cuckoo's Nest) Un pleno espectacular para una deliciosa comedia romántica que va creciendo secuencia a secuencia. Vaya elenco de actores, Clark Gable deja bien claro que era el Rey, un galán incomparable, salpicando carisma en cada plano. Describe y cala perfectamente a Ellie, en la estación de autobuses le dice lo que nadie le ha dicho nunca, lo que es, lo que representa, ahí ya empieza el interés por este tipo tan directo y seguro de sí mismo. Claudette Colbert tenía un gran talento para la comedia, un rostro angelical que nos termina atrapando a pesar de que nos parezca insoportable al principio, maravillosa la secuencia del autoestop, sin contar las miradas y la complicidad de los dos en las cabañas del camping, con el famoso muro de Jericó, pocas veces asistimos al nacimiento del amor con tanta elegancia y maestría.Las dos estrellas están impecables. Capra era, es uno de los grandes, su cine tiene marchamo propio, aquí, aunque parezca un cuento más de amor, una historia sencilla, esta repleta de los rasgos de este maestro que nos hace llorar y reír de un plano a otro, las lacras de la gran depresión están también en Sucedió una noche, vemos a una mujer desmayarse en el autobús, hace días que no come nada, cruza el país en busca de un empleo, de una oportunidad, su hijo lo cuenta entre lágrimas, ¿nos suena verdad?, y seguidamente entran los rasgos del New Deal, de Roosvelt, el optimismo del propio Capra, la gente es solidaria!!!!! comparte lo poco que tienen....eso es Capra, esperanza en el ser humano...ni más ni menos. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios Fede Rodríguez, Raúl Gallego, Gervi Navío y con el torso desnudo, tocando la trompeta con una mano y apartando la manta con la otra nuestro crítico Cesar Bardés.

Edición número 43 de La Gran Evasión, 30/6/2015, esta melancólica noche llena de humo y bebidas nuestro querido Cesar Bardés nos trae todo un regalo envenenado, un film noir, nada menos que del maestro Jacques Becker, No toquéis la pasta (Touchez pas au grisbi), un terreno a redescubrir y a disfrutar acompañado del tintineo del hielo en un vaso de whisky y unas notas de Jazz. La película que nos ocupa se convirtió en el largometraje más influyente de la época y supuso la vuelta al estrellato de su protagonista, Jean Gabin, que con cincuenta años, tal vez el mejor actor francés de todos los tiempos, volvía a ser admirado y respetado por público y critica a partes iguales. Grisbi, tal como se la conoce en los países anglosajones, es una adaptación de la novela del propio guionista, Albert Simonin, y trata del último robo de una pareja de veteranos delincuentes, que aspiran a retirarse en cuanto puedan convertir en dinero el botín sustraído, como siempre el genero negro, bebe y le debe todo a las novelas negras, y a esos grandes guionistas que dan forma y veracidad a esas historias sórdidas. El director, Jacques Becker, que también colabora en el guión, clava esa atmósfera crepuscular, siempre la noche, la madrugada, dotando a los personajes de una humanidad terrible, realidad sucia y amargura extremadamente carnal...mención especial para las chicas, todo un desfile despampanante de damas de los bajos fondos, de aspirantes a salir de la pobreza alternando con viejos verdes, gánster maduros, mostrando todo lo que tienen....sus cuerpos, su juventud...., su candidez, su ambición y su falta de escrúpulos, preciosa Jeanne Moreau. Es obvio el influjo de La Jungla de Asfalto (The Asphalt Jungle de John Huston, 1950), ahí estaban todas o casi todas las bases del genero, aunque Becker, ahonda un poco más en las relaciones entre los personajes, deteniéndose minuciosamente en el entorno, mima los detalles con exquisitez, eso lo hace grande, genial...... Asistimos a la intimidad de esos viejos delincuentes, estos tienen más glamour que los perdedores de Houston, se parecen más al abogado Alonzo Emmerich (Louis Calhern) que a Dix Handley (Sterling Hayden). Visten mejor, pero comparten destino, su suerte es la misma, aunque para Becker lo que prima es la amistad, sobre todo son viejos amigos...Para Max, la amistad está por encima de todo, esa que ensalza Howard Hawks, ese amor entre hombres que hemos visto tantas veces en las películas del maestro, esa que no necesita gestos, ni palabras, unas miradas bastan.....la amistad por encima de todo, esa es la clave por la que estos tipos aguantan, para no despeñarse por esa vida de hampones que los conduce derecho a la cárcel, al fondo del río, a la cuneta de un descampado perdido en las afueras de París..... ...... Es su última oportunidad y lo saben, bueno Max lo sabe, Riton se niega a ver su decadente final y eso le va a costar caro. Con minuciosidad, el director, nos muestra esos momentos íntimos, hacen que sea tan original y tan terriblemente real, Gabin y Dary se miran el uno al otro para criticar los defectos físicos del contrario (“esa papada, esas bolsas en los ojos”), comparten paté y vino, reparten el sofá y la cama mientras afuera, en las calles, alguien conspira contra ellos.... Max es un tipo listo que sabe que su final está cerca, es lo suficientemente inteligente para verlo venir, no lo cogen en fuera de juego, está siempre atento, el traje impecable, la pistola a punto, el cigarrillo en los labios, amando jovencitas ó abofeteándolas...un gánster en toda regla. En fin, una película que se detiene en el retrato de personajes, en sus vidas y que va mostrando a través de poesía visual, el retrato de unos bajos fondos con aroma a honor trasnochado, a viejos códigos que ya empiezan a morir.... A la dirección José Miguel Moreno, contertulios, Raúl Gallego, Gervi Navío y untando paté a la tostada, impecablemente vestido, pistola en el bolsillo derecho, champan burbujeante en la copa, sonando jazz de fondo...y su mejor arma, una pluma y un papel siempre a su alcance.... nuestro crítico Cesar Bardés.

Edición número 42 de La Gran Evasión, 23/6/2015. Xavi Puebla nos habla de las lacras del capitalismo en este extraordinario documento rodado en 2012, junto a Jesús Gil Vilda confeccionó este soberbio guión, que disecciona en una convención de vendedores de electrónica, el interior del corazón humano y de paso la sociedad en la que vivimos. Todo un privilegio y un honor poder contar con la presencia de Antonio Dechent en el debate, que está magistral interpretando a Salvador Lozano, un lujo hablar con él y escuchar de primera mano sus vivencias y sensaciones sobre A puerta fría, todo un regalo compartir mesa con este monstruo de la interpretación. Una película a descubrir y a poner en valor, porque es una cata de cualquier ciudad, hunde el cuchillo en el corazón de cualquiera de nosotros, porque todos nos reconocemos en esas vidas frustradas, todos, somos vendedores de desesperanza en un mundo en continua crisis, crisis sólo para algunos, los pobres...que peleamos en la jungla contra otros esclavos, vendedores de degradación, de miseria, de falso progreso....símbolo perfecto de lo que ésta sociedad representa, de lo que somos. A puerta fría indaga en los discursos de Miller (Muerte de un viajante) y sobre todo de Mamet (Glengarry Glen Ross), actualizándolos, ya que toda Venta es una degradación moral. Todos, absolutamente todos nos vendemos y cedemos un poco de nuestra comisión, yo diría de nuestra alma, en cada transacción. Los vendedores como símbolo de la decadencia y degeneración de la humanidad, espejo de una sociedad en busca siempre de su comisión, tan falsa, tan llena de hipocresía, como bien muestra el plano de los apretones de mano de esos vendedores de vacuidad con la música clásica de fondo....La pasión según San Mateo de Bach, extraordinario. Reverenciar al plantel de actores, exquisitos todos, desde la Luz que desprende María Valverde, el excelso Héctor Colomé, maravilloso trabajo, ó José Luis García Pérez y José Ángel Egido, ese impecable recepcionista, mención especial para Nick Nolte, aporta su gran presencia, esa voz ajada a fuerza de whisky y desencanto, para mi siempre será el shérif Whitehouse de Aflicción (Schrader 1997), aunque Antonio Dechent no le desmerece en absoluto, le sostiene la mirada y le aguanta el duelo en este Western Crepuscular teñido de soledad, dónde dos viejos vendedores/pistoleros ven que su mundo se acaba, son dinosaurios, se extinguen en esa barra de bar, la mirada fija en el vaso de whisky, los ases y los ochos (la mano del muerto) rondando, el destino bebe con ellos esos sorbos de soledad....magistral esa secuencia sin palabras, escalofriante el silencio... Todo confluye en una secuencia, espléndida, construida a partir del rostro y una puerta de ascensor que no se abre: es el instante en el que Lozano queda atrapado, suspendido en el tiempo, rumiando su propia decisión, ha atravesado la última línea, ha permitido que la muchacha se entregue al empresario como única forma para obtener el puto pedido..... A la tenue luz de una mesa inundada de botellas llenas de emoción y amor por el cine charlamos José Miguel Moreno, Alex López (que nos habla de su película "Infame"), Raúl Gallego, Gervi Navío, Antonio Dechent y con la mirada perdida mientras las puertas de un ascensor no se terminan nunca de abrir, nuestro crítico Cesar Bardés.

Edición número 41 de La Gran Evasión, 16/5/2015. El noruego Bent Hamer se atrevía con la obra de Bukowski, Factótum, sin duda la mejor adaptación hasta la fecha del mundo de Bukowski, de ese genio, de ese borracho, de ese loco, os golpeamos directamente al mentón con uno de sus poemas para saber de qué estamos hablando: CULMINACIÓN DEL DOLOR de CHARLES BUKOWSKI. Oigo incluso cómo ríen las montañas arriba y abajo de sus azules laderas y abajo en el agua los peces lloran y toda el agua son sus lágrimas. oigo el agua las noches que consumo bebiendo y la tristeza se hace tan grande que la oigo en mi reloj se vuelve pomos en la cómoda se vuelve papel sobre el suelo se vuelve calzador ticket de la lavandería se vuelve humo de cigarrillo escalando un templo de oscuras enredaderas. poco importa poco amor o poca vida no es tan malo lo que cuenta es observar las paredes yo nací para eso nací para robar rosas de las avenidas de la muerte. Esto es Charles Bukowski, un escritor de la calle que escribe para gente de la calle, de perdedores, de gente que no encaja, de ti, de mi, de la vida, del mundo en definitiva. Factótum es una oda al alcohol, con toda la irreverencia y toda la verdad, en cada sorbo, en cada trago, ecos de Li Po, de Omar Khayyam... El alcohol es una sinfonía, un calmante, un instrumento para sobrevivir, para escribir....no desmerece las visiones del alcoholismo de Días de vino y rosas (1962. B. Edwards) y Días sin huella (1945. Wilder), un mundo real en una realidad tan sucia y sórdida que apabulla, sólo hay que darse una vuelta por la ciudad y ese mundo que describe Bukowski, que vive Chinaski, aparece, está aquí, a la vuelta de la esquina, en el bar que hay al lado de tu casa... Los seguidores de Bukowski nos conocemos nada mas vernos, como los drogadictos, que sólo al echarse un vistazo identifican al otro, saben que son adictos, con una simple mirada, a mi me gusta pensar que también los fans del viejo cartero nos identificamos al instante, tenemos una hermandad, con solo mirarnos a los ojos...y ver ese fuego, que sólo una copa consigue apaciguar.... Un desprecio por el trabajo, por vivir las vidas que otros te dictan bajo sus normas, por dedicar tu tiempo para que otros se enriquezcan.... el alquiler, el coche, una casa, que para cuando esté pagada (si no te desahucian antes), no quedará nadie para vivir en ella, solo la sombra de lo que una vez puedo ser un Hombre... Vivió y murió sin renunciar a su arte, o mejor dicho, por su arte, por su vida. Recomendar la novela "La Senda del Perdedor", el complemento perfecto para Factótum, pues nos muestra la génesis de Chinaski, su niñez y adolescencia, sus relaciones con los padres, el instituto, sus problemas existenciales que forjaran al Chinaski que vemos aquí, ahora lo entendemos, quizás demasiado bien, tal vez es sólo un ser demasiado sensible....para un mundo demasiado cruel. Sin olvidar el maravilloso documental "Born Into This" de John Dullaghan que desnuda al viejo poeta, dónde recorremos su vida y su obra con una sonrisa, una copa, unas lágrimas y toda la poesía de este viejo que era su propio Dios. Hay que rendirse ante la interpretación de un Dillon que está perfecto, derrotado pero erguido, conmocionado pero lúcido, acompañado de la maravillosa Lili Taylor y la no menos inquietante Marisa Tomei, todo ello regado por la banda sonora de la noruega Kristin Asbjørnsen, que nos regala placidez y sensualidad a partes iguales. Tal vez la vida cobre sentido conforme la vamos escribiendo, quizás sólo sea eso, una pulsión de supervivencia.....no se rindan, otro asalto más, aún no he oído la campana. Ya sabeis lo que decía Nietszche: "Aquel que tiene un "¿por qué?" para vivir se puede enfrentar a todos los "cómos". A la dirección José Miguel Moreno, contertulios Concepción Garrucho, Raúl Gallego, Gervi Navío y vomitando literatura y cine entre dos taxis, nuestro crítico César Bardés. Dedicado a todos aquellos que guardan un pequeño pájaro azul en el interior de su corazón.

Edición número 40 de La Gran Evasión, 9/6/2015. Viajar es útil, ejercita la imaginación Todo lo demás es desilusión y fatiga Nuestro viaje es enteramente imaginario Ahí reside su fuerza Va de la vida y la muerte La cita del escritor francés Céline con que comienza la película resume perfectamente la filosofía de Jepp Gambardella. Jepp pretende ser el ciudadano más mundano en Roma, no sólo estar en todas las fiestas, sino aguantarlas. Pasea con su porte distinguido por la orilla del Tiber, y observa al resto de la gente con una expresión entre indulgente y amable. Elegante, escritor, periodista, bebedor, contradictorio, mujeriego, afable, Jepp celebra su 65 cumpleaños en la terraza de un privilegiado ático en el centro de Roma con vistas al Coliseo. Gambardella mira a la cámara con sonrisa amplia y serena, enciende un cigarro, rodeado de la fauna variopinta y disipada que conforma esa nada que tan bien conoce. Paolo Sorrentino y su amigo, el brillante actor Tony Servillo, homenajean a la ciudad eterna y decadente en este torrente de obras de arte, momentos fugaces, músicas y grotescos personajes. Desde ese comienzo en la cumbre del Janículo con un sublime coro de mujeres de fondo junto a la Fontana dell´Acqua Paola, y el drástico cambio de plano a una mujer desaforada que grita a la cámara y la fiesta nocturna al ritmo de música de discoteca y chabacano estribillo de Rafaela Carrá. Gambardella contempla su propio naufragio cuando mira el Costa Concordia varado. Su primer amor ya no lo espera en las rocas. Jepp siente profunda esa nostalgia de la que habla su amigo Romano (Carlo Verdone), la única distracción para quien ya no tiene fe en el futuro. El afán por recuperar la pasión nunca olvidada, y el talento perdido en el camino. Inevitablemente nos acordamos de Fellini en este baile de máscaras, falsos intelectuales, mujeres deformadas por el botox, viejos verdes, strippers melancólicas, monjas centenarias, cardenales glotones y artistas posmodernas. El desencanto y la fatiga de Gambardella sólo encuentran consuelo en la búsqueda de la gran belleza. Jepp, observador de los rincones y la gentes diversas de esa Roma que tanto ama, de sus palacios, de su río, de sus niños, de las esculturas clásicas de un pasado glorioso. Jepp busca con la mirada a Ramona (Sabrina Ferilli), que fotografía la estatua de Niobe y sus hijos a la luz de la luna. La joven y procaz fornarina de Rafael no oculta la sorpresa ante los intrusos. Sublimados por la gran belleza, y tomándonos en serio sólo la carta del restaurante, conversamos desde Radiópolis: José Miguel Moreno a la dirección, Raúl Gallego, Jesús Mayoral, y desde Madrid, nuestro crítico César Bardés.

Edición número 39 de La Gran Evasión, 2/6/2015. OldBoy, la obra capital que Chan-Wook Park realizó en 2003. Cine visceral, potente, para esta noche de luna llena, no por lo que representa, sino por las abismos del corazón humano que explora y deja al descubierto....en fin la tragedia griega en definitiva, ni más.....ni nada menos.... ¿No han de sufrir cosas terribles los que acometieron actos terribles?. Orestes. Eurípides. Desde ese vibrante comienzo donde el protagonista sostiene a un personaje de la corbata para impedir que se suicide (y poder contarle su historia), ‘Old Boy’ te atrapa, llama tu atención para hundirte en una historia de venganza pero llena de matices y tonos elegíacos en cada fotógrama. Park Chan-Wook desprende sutileza para narrar mucho en pocas imágenes, rompe los esquemas en ‘Oldboy’, te deja aturdido y con deseos de saber más, es intrigante, repleto de muchos ¿por qué?, los espectadores, pronto conocemos al “héroe” de la historia, después de la intensa presentación vemos a Daesu encaminarse a cumplir su propósito, ése que ha germinado dentro de él durante 15 largos años, una terrible y sangrienta venganza. Decir que Oldboy es el segundo de los tres títulos que componen la ‘Trilogía de la Venganza’ de Park Chan-Wook, ‘Sympathy for Mr. Vengeance’ y ‘Sympathy for Lady Vengeance’. De la venganza y del secuestro, podríamos añadir, aunque lo segundo es más bien el oportuno macguffin para contarnos otras cosas. Una trilogía compuesta por tres películas que no guardan relación argumental entre sí, pero donde sus protagonistas se mueven por ese deseo tan humano como trágico de la venganza, hay un acercamiento del espectador hacia el personaje, al que comprende y a veces incluso justifica. Daesu se llega a proclamar como una bestia en un momento de la película, algo a lo que nosotros hemos llegado ya mucho antes, desde un sentimiento de comprensión, incluso, de identificación. La violencia se muestra así, como algo inherente al ser humano, que si no controlas (nos acordamos aquí del maestro Peckinpah), te puede llevar a la más absoluta destrucción, tanto externa como interna. Todos podemos ser esa bestia en la que se transforma Daesu. la película es una especie de puzzle donde hasta que no pongas las piezas importantes en su sitio, no vas a comprender el conjunto, acompasados al ritmo de una banda sonora espectacular del genial Young-wuk Cho. Una mención a los actores principales, Choi Min-sik, que interpreta a Oh Daesu, el protagonista de la historia, impecable, sufrió un duro entrenamiento para ponerse en la piel de Daesu, un personaje que necesitaba de una transformación física creíble para el desarrollo de la trama, algo que logra a la perfección Min-sik. Yoo Ji-tae es el rival, el cerebro detrás del secuestro del protagonista y de toda la operación, con final insospechado (para Daesu y para el espectador). El actor está espléndido interpretando a Woo-jin, aportando una presencia inquietante para un personaje diabólico. Woo-jin es malvado, divertido, brillante y esconde mucho más de lo que parece a primera vista, te arrasa su decisión final, tal vez él sea el verdugo pero porque primero fue víctima, como le ocurre a Daesu, como nos ocurre a todos. Sin olvidar a la preciosa Gang Hye-jung, en el papel de Mido, el objeto de deseo de Daesu tras su liberación, que, al igual que Woo-jin, guarda más de un inesperado secreto que se van desvelando conforme avanza el metraje. OldBoy es una fascinante mezcla de violentas reacciones humanas y preciosa factura técnica, un thriller magistral que bebe de la tragedia griega para componer una retorcida historia de venganza y redención. Proporciona imágenes bellas a las cosas más terribles. Bonus Track: La maravillosa pieza The searchers después del tema de Woo Jin, Cries and Whispers. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios Miguel Asuero, Lázaro Díaz, Gervi Navío y buscando desesperadamente un restaurante coreano con unas empanadillas de característico sabor...Raúl Gallego. Para el próximo programa analizaremos La Gran Belleza de Paolo Sorrentino.

Edición número 38 de La Gran Evasión, 26/5/2015. En 1961 el maestro Berlanga nos obsequiaba con este dulce navideño, dulce emponzoñado, con toda la mala uva y el humor negro del guión de Azcona, y con toda la técnica exquisita en planos-secuencias que forman ya parte de la historia del cine español, de Don Luis García Berlanga, ahí es nada, ponga un pobre en la mesa y limpie su conciencia...esa era la España de principios de los sesenta, esa es la España que no terminamos de desterrar, que seguimos siendo.... Plácido es un retrato social desolador, disfrazado de comedia costumbrista pero cargado de ironía y sarcasmo, humor negro y esperpento, asistimos a una de las comedias de la historia del cine y una de las grandes películas de la filmografía española, mezcla perfecta de Azcona y Berlanga, la acidez social embozada con amargura existencial, ecos del "Ladrón de Bicicletas" de Vittorio de Sica, de Fellini,...... simplemente un clásico universal. En Plácido encontramos la crítica más feroz no ya a la dictadura sino a una sociedad hipócrita, que se preocupa mas por las apariencias que por el fondo. Esa falsedad, la hipocresía que encierra una campaña de caridad en la que confluyen sorteos de pobres y subastas de artistas, cenas con ollas Cocinex retransmitidas por radio, cestas de Navidad, cabalgatas en paralelo con desfiles funerarios,... sirve a Berlanga para desarrollar una mordaz disección de los comportamientos burgueses y a la desdicha de la mayoría del pueblo, espejo de una sociedad llena de carencias, de miserias, no solamente se hace una radiografía de esa España franquista, hipócrita, moralista, pretenciosa, bien pensante y católica, todo esto hace que sea imprescindible su visionado, mucho más ahora, en estos tiempos...sin alma que vivimos. Técnicamente la película inaugura lo que será marca belanguiana: el plano-secuencia, que aglutina a todos los seres que navegan sin rumbo por la película, la cámara sigue el deambular de los personajes hasta el final, un momento culminante, arrebatador y es que: "estos desgraciados son todos iguales". Nuestro pésame a Concheta, por su Pascual, ese momento es extraordinario, Pascual negando con la cabeza el matrimonio, con su último aliento el pobre dice NO, dice no a la iglesia, a la mojigatería, al régimen, a la hipocresía burguesa, a todos, dignamente..... y es que están todos representados, hasta el ejército, todos ahí junto al moribundo, mientras su mujer en pecado lo mira con admiración y orgullo,.....no sabes si reír o llorar, excepcional. Pasamos frio, hambre, nos reímos y nos traqueteamos en el motocarro de Plácido esta noche buena de 1961 José Miguel Moreno a la dirección, contertulios Francisco Ortiz, Raúl Gallego, Gervi Navío y guardándose el salchichón y las letras pagadas en su abrigo raido, nuestro crítico César Bardés.

Edición número 37 de La Gran Evasión, 19/5/2015, Frank Darabont en su debut (1993), nos sorprendió a todos con esta exquisita historia sobre la amistad, la libertad y la esperanza, con una base literaria espléndida, arranca en el magnífico relato de Stephen King "Rita Hayworth and Shawshank Redemption": -"Me pregunto que deberia hacer. Aunque en realidad no cabe duda alguna. Todo se reduce a dos posibilidades: o te consagras a vivir o te dedicas a morir." -"Recuerda que la esperanza es una buena cosa, Red, tal vez lo mejor del mundo, y lo bueno jamas muere." Tim Robbins tiene una contenida interpretación que te sobrecoge, quizás lo mejor de su carrera junto a Mystic River, y Morgan Freeman está simplemente soberbio, con una miradas que muy pocos actores pueden desplegar, nos dicen todo y nos hacen sentir todas las tribulaciones de ese hombre que consigue cosas. Cadena Perpetua es un canto a la amistad, a la esperanza, nos grita que la vida hay que lucharla, no perder nunca la capacidad de soñar, de creer en la libertad, quizás al final de todo....nos encontraremos en Zihuatanejo. Nos alienta a luchar, una lucha (incesante), la que Andy no abandona nunca, la que está representada por un martillo de gemas y un póster de Rita Hayworth, y la que Andy contagia a su amigo Red durante su larga estancia en prisión, una lucha que Red creía olvidada, quizás ignorada, pero que recupera gracias a las convicciones de este hombre al que no pueden encerrar con barrotes ni muros...mientras la música y el arte sigan crepitando en su cabeza. Darabont incluye un breve pero emocionante añadido, desarrolla la historia de Brooks, James Whitmore que en el relato apenas se esboza, en la película, sabemos más sobre Brooks, un anciano que lleva toda su vida en prisión, un lugar donde (aunque parezca imposible), es plenamente feliz, ya que en medio de los presos es alguien importante; (con homenajes al pajarero de Alcatraz), comprobamos que al quedar libre ya no concibe la vida, en la calle sólo es uno más, no sabe comportarse, un hombre completamente desubicado, en un mundo que ya no conoce; somos testigos de la infinita capacidad de soledad y desesperanza del ser humano, anciano y olvidado, frágil, vulnerable, es la cruda y terrorífica realidad, así termina, acabando con una vida que para él ya no existía... En la cárcel te adoctrinan, apagan tu fuego interior, te convierten en hombres institucionalizados, minan tu personalidad, tu autoestima, al salir de allí, ya nos sabes actuar, te dicen cuando y cómo hacer todo, dormir, ir al lavabo, comer,... soñar. Un final que deja claro que la esperanza está por encima de todo, que no debemos dejarla escapar nunca.....por muchos alcaides y jefes de guardianes que te encuentres entre estos muros. Hay películas que le devuelven a uno las ganas de vivir, el deseo de seguir a ver qué pasa, un poco más de esperanza, así de sencillo. No se olviden de soñar y mirar al océano, si, ese que no tiene memoria, que te permite empezar de cero y....Vivír. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios Federico Rodríguez, Raúl Gallego, Gervi Navío y observando en la penumbra un póster de Rita Hayworth, mientras el sueño de la libertad arde en su interior, nuestro crítico César Bardés.

Edición número 36 de La Gran Evasión. 12/5/2015. Obra Maestra, de Martin Scorsese, 1980, guión de Paul Schrader, sobre la biografía de Jake Lamotta. Soberbio Scorsese, retrata como nadie la derrota, la miseria que crece en el corazón de los hombres, sus demonios más profundos y siniestros, se sintió inmediatamente identificado con este boxeador que peleaba como si no mereciera vivir. La decisión más complicada para Scorsese fue la elección del blanco y negro (excelso Michael Chapman) frente al color, es inimaginable esta película en color. Su blanco y negro no solamente trae reminiscencias de un cine de los años cuarenta y cincuenta (su admirado Kazan), también son una declaración de intenciones: esto no iba a ser otra historia comercial sobre boxeo, si no un descenso a los infiernos. Descenso que recorre Jake LaMotta, un sujeto excitable y violento hasta la locura, aunque también, quizá, demasiado humano: atormentado, doliente, lastimado en su interior. Desde el principio de la historia nos queda claro que el mayor enemigo de LaMotta es él mismo, está lleno de complejos, de sentimientos de inferioridad, nunca esta en paz, nunca tiene calma interior...viaja directo a la autodestrucción. Impactantes imágenes, en distintas etapas del boxeador: en los créditos, él sólo calentando en la lona (expresión exacta y terrible de su vacío interior, de su odio a sí mismo), a continuación muchos años más tarde, gordo y acabado, y finalmente, en plena forma pero perdiendo por estar el combate amañado por la mafia. ‘Toro salvaje’ es sin duda uno de los relatos más estremecedores que se han filmado sobre la soledad y la autodestrucción, sobre el boxeo como metáfora del castigo, el sacrificio, el arrepentimiento....sobre la violencia y lo espiritual. Extraordinario Robert de Niro, portentoso y extremo hasta la vesanía, extraordinario Pesci y Kathy Moriarty, auspiciado por un Trio excepcional de amantes del cine, el conformado por el director Scorsese, el guionista Schrader y la montadora Thelma Schoonmaker. Scorsese se adentra, sin remisión, en el alma del héroe, de la desesperanza anímica y la desazón psicológica que lo abruma. "...Si es pecador, no lo sé; una cosa sé, que habiendo yo sido ciego, ahora veo.” -San Juan 9,24- Antes de hacer Toro salvaje, Scorsese también estaba ciego, como reza la cita con la que termina su película, vio la luz, porque quería salir del “periodo suicida” en que estaba y el cine, esta película, que tal vez sería la última pensó entonces, lo iba a salvar. Escenas que hablan de si mismo, de nosotros, como cuando Lamotta está llorando desconsolado tras haber hecho tongo, tras haber perdido lo único que tiene un boxeador, su dignidad, su honor, su valor, su profesionalidad....vendió su alma literalmente para ser campeón, para disputar el título...las lagrimas de su entrenador, rogándole que no vuelva a pelear.......sin palabras, estremecedor. Sube al ring y enfréntate a esta maravilla, llega al final de la velada con la trompeta cadenciosa y melancólica de Chet Baker, triste como la vida de Lamotta, de cualquiera.....de ti, de nosotros. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios, José Gallego, Raúl Gallego, Gervi Navío y golpeando con furia la pared de una mugrienta celda, perdido pero empezando a ganar....nuestro crítico César Bardés.

Edición número 35 de La Gran Evasión. 5/5/2015. Master and Commander: El otro lado del mundo. En 2003 Peter Weir nos regalaba un auténtico recital de aventura, cine clásico y técnica al depurar las maravillosas novelas de Patrick O´Brian para deleitarnos con esta magnífica singladura de 137 minutos por los mares de la amistad y la guerra. Nos embarcamos en la Surprise, surcamos el océano con las velas henchidas de épica, pero sin perder la visión humana....este viaje nos lleva a rememorar las grandes películas de acción y aventuras, a David Lean, a la camaradería de Hawks, o al espíritu aventurero de John Huston, ...a los grandes maestros, una visita a la épica a través de la tradición, del clasicismo y de la técnica más moderna. Con sutileza y poderío, la película explora la complejidad de los hombres en guerra, sus relaciones, sus miedos, sus miserias y actos heroicos, vemos transcurrir la vida hace 200 años a bordo de un barco de guerra británico, con un rigor histórico sorprendente y un pulso narrativo excepcional. Master and Commander es un filme que pivota alrededor de la amistad y la camaradería que hay entre Jack Aubrey (Russell Crowe) y Stephen Maturín (Paul Bettany), dos personajes completamente opuestos, con fuertes personalidades, que apoyados en esa fraternidad, vencen todos los obstáculos que el rango, las convenciones, el combate, la marina y sus deberes en alta mar le van creando. No hay personajes lineales, “buenos” perfectos ó “malos” viles y despreciables, sino que son sólo hombres, hombres en guerra, que se enfrentan a decisiones vitales cada día, con honor. Todo esto le da la película un aliento de realismo, nos mete de lleno en un barco de guerra, en sus batallas y en su rutina, en su día a día........ en sus almas. Nuestro recuerdo para el guardia marina Hollom, aferrado a la bala de cañón, hundiéndose en las tinieblas,...le faltaba carácter, este marino demasiado sensible y caído en desgracia sabe que su única salida está en esa oscuridad impenetrable, en el fondo de ese mar encontrará La Paz que tanto ansía y sus compañeros dejarán atrás la mala suerte. Mención especial para la fotografía, extraordinario Russell Boyd, simplemente preciosa, toma protagonismo el mar (nos remite a las pinturas marinas de Turner, Aivazovsky, Friedrich) y la majestuosa banda sonora con geniales fragmentos de Bocherini. Bonus Track: Después del exquisito chelo de Bach el delicioso Dúo para cuerda de Bocherini. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios, Elio Cubiles, Raúl Gallego, Gervi Navío y avistando con su catalejo desde la cofa del palo mayor al enemigo, después de un buen trago de grog, nuestro crítico César Bardés.

Edición número 34 de La Gran Evasión. 28/4/2015. Bailamos esta noche al ritmo del maestro Leonard Bernstein en este prodigio que dirigió otro maestro, Robert Wise en 1961. Intolerancia, odio, emigrantes odiando a emigrantes, cerrazón, fatalidad, fatum, amores prohibidos, tragedia y amor clásicos y eternos. Los Montesco y Capuleto ahora no son familias sino bandas callejeras, pasamos de Verona a Manhattan, y asistimos a las tribulaciones de estos jóvenes amantes gracias a una conjunción estelar de verdaderos genios, a la dirección Wise, la música de Bernstein, los números de baile de Jerome Robbins, las letras de las canciones de Stephen Sondheim, el guión de Ernest Lehman basada en la eterna obra de Shakespeare, los títulos de crédito de Saul Bass, un reparto de lujo con Natalie Wood, Richard Beymer, George Chakiris, Russ Tamblyn, Rita Moreno....Forma parte sin duda de la historia de los musicales, imprescindible. Magistral el prólogo, de una audacia y de una fuerza narrativa inigualables. Vemos la vida latir en ‘West Side Story’, sentimos la calle respirar, la tragedia sobrevolándolo todo, como en cualquier ciudad, ésta autenticidad contrasta con lo superficial de los clásicos del musical, consiguiendo una epifanía visual y sonora, impactante, perfecta,... la música se funde con la historia, los números de baile la hacen avanzar junto al destino de los personajes, simplemente eso, una obra maestra. Bonus Track al final del programa con el maravilloso número "Cool". Disfruten esta maravilla. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios, Helio Salas, Raúl Gallego, Gervi Navío y en un sucio garaje, chasqueando los dedos, intentando mantener la calma, nuestro crítico César Bardés.

Edición número 33 de La Gran Evasión. 21-4-2015 La estética inconfundible de Pedro Almódovar nos acompaña esta noche con "Ätame", una tragicomedia rocambolesca e insólita, un cuento de hadas con final ambiguo, y una galería de personajes estrafalarios. Ricky, un Antonio Banderas impulsivo y vulnerable que tiene 23 años. 50.000 pesetas, está solo en la vida y espera ser un marido y un buen padre para Marina. Será su frase de presentación a una genial Victoria Abril (Marina), actriz porno toxicómana que se enamora de su secuestrador bajo la influencia de un extraño síndrome de Estocolmo. Las referencias cinéfilas a lo largo del metraje son varias: “La invasión de los ladrones de cuerpos"; “La noche de los muertos vivientes”; “El Coleccionista” de William Wyler en el trasfondo del argumento, con la diferencia de que en este largometraje Samantha Eggar no se enamora de su captor, Terence Stamp. El gran Paco Rabal es Máximo Espejo, el director de películas de bajo presupuesto a lo Jess Franco, que mueve su silla de ruedas tal como hace Jack Lemmon en “En bandeja de plata” de Billy Wilder, y desea a Marina con la misma fuerza que Luis Calhern a Marilyn en “La jungla de asfalto” de John Huston. “Átame” resulta una de las obras mayores del manchego. La naturalidad y el encanto de las situaciones que plantea, los rojos, verdes, y amarillos tan vivos como la historia que cuenta, los recargados decorados, las imágenes de santos y vírgenes con estilo Andy Warhol, la música de Ennio Morricone, banda sonora que no terminó de convencer a Pedro a última hora, el cine dentro del cine en el rodaje, el homenaje a su madre en varias escenas en las que aparece junto a su sobrina, los guiños al cine de terror, o Victoria Abril desnuda en la bañera con su submarinista, son algunos argumentos que ayudan a comprender el estatus de culto de esta cinta. El tan querido como odiado Almodóvar tiene la virtud de convertir una situación violenta en una historia de amor real. La química entre Banderas y Abril nos hace sonreír ante un acto de posesión forzada. El momento mágico y efímero en el coche no tiene precio, al son del "Resistiré" del Dúo Dinámico, Ricky pasa de la soledad del reformatorio, y de su pueblo en ruinas a la esperanza de convertirse en alguien normal, con tarjetas de crédito y una familia. Las lagrimas ilusionadas de Marina, y la mirada de recelo de Loles León lo rompen. El manchego genial ya presiente que ese sufrimiento cotidiano en algún momento será mitigado por unas cuerdas bienvenidas y una mordaza protectora. Raúl Gallego Apiñados en torno al toque Almodóvar comentamos la peli: José Miguel Moreno en la dirección, Raúl Gallego, Paco Bellido, Mamen Torres, Antonio Holguín (autor del estudio sobre Pedro Almodóvar editado por Cátedra), y nuestro crítico de cine César Bardés.

Edición número 32 de La Gran Evasión. 14-4-2015. Tony Kaye se enfrentó a Norton, a los productores, y a esta historia de odio para ofrecernos un estudio soberbio sobre la violencia y los violentos en 1998. Veremos esta noche que las semillas del odio siempre se siembran en la infancia y se cosechan en la juventud, viajaremos a los terrenos del arrepentimiento a través de la cámara lenta y el blanco y negro....La violencia escrutada. Los velos del fundamentalismo caen cuando chocan con la realidad, caen porque son simplemente MENTIRAS, no hay nada detrás de ellos, solo falacias y ansias de poder. Mera Vacuidad. En esta sociedad, en la vida, y mas aún en la cárcel, el único color que prima es el Verde, el de los dólares, lo demás es propaganda, retórica, basura.... Asistimos a la siembra de esas semillas del odio, el modo en que las ideas de los mayores pasan a la siguiente generación, manipulando su forma de pensar, quizás para siempre...victimas y verdugos siempre en la misma persona, inadaptados, frustrados, marginales, vidas miserables que encuentran en el otro, en el diferente, la causa de sus problemas, el enemigo....siempre mentes aún por eclosionar, manipulables, siempre la educación como punto de partida, siempre el odio como punto de unión. Magnifico duelo interpretativo entre Norton y Furlong, actor de composición, de método frente a la frescura y la intuición, nos dejan imágenes que se quedarán para siempre en nuestra retina, al ver un bordillo, al entrar en un urinario escolar.... Algunas citas de esta obra: -"El odio es un lastre, la vida es demasiado corta para estar siempre cabreado". -“- ¿Alguna vez has hecho algo que mejorara tu vida? -“No somos enemigos, sino amigos, no debemos ser enemigos. Si bien la pasión puede tensar nuestros lazos de afecto, jamás debe romperlos. Las místicas cuerdas del recuerdo resonarán cuando vuelvan a sentir el tacto del buen ángel que llevamos dentro”. Abraham Lincoln. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios, Fernando Gutiérrez "Guti", Raúl Gallego, Gervi Navío y con su arma más potente bajo el brazo, un puñado de libros, nuestro crítico a ritmo de Rammstein, César Bardés. La educación es nuestra arma, nuestra única esperanza.

Edición número 31 de La Gran Evasión. 7-4-2015. Subimos a la montaña esta noche, con un hombre sólo, que huye de la civilización, de la guerra, de las ciudades, un hombre que huye de los hombres, de si mismo....una aventura en comunión con la naturaleza, una búsqueda, un viaje hacia la soledad. Sidney Pollack rodaba en 1972 éste canto de vida y muerte, junto a Robert Redford, que da vida al comedor de hígados de indios Crow Jeremiah Johnson. Con él emprendemos un viaje hacia la montaña, hacia las Rocosas, que se convierten en un personaje más de ésta película, llena de espíritu aventurero, cuando los hombres tomaban posesión de la tierra conforme iba siendo descubierta, rodeados de imágenes desbordantes de poesía, de naturaleza, de miedo y desarraigo, de descontento y reinicio de los principios vitales,....un portento de intensidad narrativa y visual que nos hace acompañar a Jeremiah, a estar allí, en medio de la nada, quizás, justo en el medio de la creación. Destacar el guión de Anhalt y Milius con frases profundas y hermosísimas: -Cabalgue hacia la puesta del sol y gire a la izquierda en las Montañas Rocosas. -No puede sacar nada de la montaña que no lleves dentro. -Nunca encontré nada bueno en el corazón de una mujer. -Creo que me he perdido una guerra. No se ha perdido nada. Os dejamos que la odisea de este hombre os atrape en mitad de un cementerio Crow, dónde se presiente la llegada de la tragedia, los silencios hablan esta noche de ventisca y Rock Sureño. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios Federico Rodriguez, Raúl Gallego, Gervi Navío y untando una tostada con exquisito paté de Crow nuestro crítico César Bardés.

Edición número 30 de La Gran Evasión, 31/3/2015. Basilio Martín Patino realizó en 1971 este maravilloso collage sobre la posguerra española, no se pudo estrenar hasta 1976. Patino nos ofrece una conmovedora visión de esos años ominosos y terroríficos, sobre los que deambularon nuestros padres y abuelos, después de la guerra más cruenta, la que se hace entre hermanos, los verdaderos perdedores de la guerra civil, las únicas víctimas son la gente, el pueblo. Siempre se dice que la historia sólo la escribe el vencedor, que las cosas no son cómo fueron, sino cómo las recordamos, por eso es importantísimo estas imágenes, la memoria fílmica de este documento notarial, que nos muestra lo que somos, de donde venimos, lo que ha costado ese camino. El director salmantino toma imagenes de diversas fuentes: documentos audiovisuales reales de acontecimientos de la historia de España, peliculas y publicidad de las decadas de los cuarenta y los cincuenta principalmente, acompañados en todo momento por coplas y canciones populares. Las imágenes adquieren nuevos matices y las letras de las canciones pasan, a veces en tono sarcástico, irónico y otras en tono emotivo por nuestra historia. Los fragmentos que componen el todo se complementan e impregnan de memoria y emotividad, quizás lo más acertado sería decir que es un film sobre los sentimientos de una sociedad..... Eran y vuelven a ser canciones que el pueblo hacía suyas no sólo al escucharlas, sino al cantarlas, como las cantaban Imperio Argentina, Estrellita Castro, Miguel de Molina, Lola Flores, Celia Gámez, Juanita Reina,.... Los créditos finales están presididos por Se va el caimán, una referencia alegre y desenfadada a la inminente muerte del dictador en 1971, con ese aura en la mirada de un niño, la verdadera victimas de la guerra siempre es la infancia, con esos ojos excrutadores nos quedamos... Esta noche honramos la memoria de Miguel de Molina y de tantos otros represaliados por la cobardía y la canalla, que gobernó este país durante cuarenta años. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios Francisco Ortiz, Gervi Navío y denunciando e identificando fascistas cobardes y asesinos, Raúl Gallego.

Edición número 29 de La Gran Evasión, 24/3/2015. Tierras de Penumbra, 1993, sin duda lo mejor de Richard Attenborough. La fe puesta a prueba, un ajuste de cuentas con Dios, un huracán de sentimientos que lo destruye todo a su paso y te deja desolado, vagando entre penumbras, cuando ella ya no está, cuando la muerte te lo ha quitado todo y tú ni siquiera lo sabias. Todos hemos pasado o pasaremos por este proceso, por este estado, perdidos en esas tierras, en esas tinieblas, total y absolutamente solos.....rodeados de melancolía, de dolor, de rencor, de ira ante esas ausencias, que se hacen insoportablemente presentes, perdidos, cuando te enfrentas a la muerte y ésta te arrebata un trozo de vida....y la película lo muestra sin ambages, amor y dolor, vida y sentimientos para esta lluviosa noche de marzo. Maravillosa historia de amor, un relato intenso, emocionante, conmovedor, tan estremecedor como el ensayo en que está basada la película: "Una pena en observación", tan duro y sincero como la cinta, se lee con una emoción y un sentimiento extraordinarios, tanto si eres católico como si no, sólo me atrevo a recomendar que justo después de ver la película, leamos este soberbio compendio de dolor, este ajuste de cuentas con ese Dios que nos habla a través del dolor, que esculpe a los hombres a golpes de cincel y martillo. Anthony Hopkins simplemente nos deleita con una magistral interpretación, un dolor en "crescendo" que se va a quedar pegado a tu alma, quizás para siempre...Debra Winger mantiene el duelo interpretativo, conmoviendo con miradas escalofriantes, puras... "El dolor de ahora es parte de la felicidad de entonces. Ese es el trato". "Leemos para saber que no estamos solos". Algunas frases de la película, rezuman una profundidad y espiritualidad simplemente perfectas, no hay nada más que decir, deja que el amor descoloque tu mundo y te haga sentirte vivo, aunque puede ser efímero, cruel....... y maravilloso. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios, Adrián Gómez, Raúl Gallego, Gervi Navío y buscando el valle dorado de la infancia perdida....nuestro crítico César Bardés. A mi madre con todo mi corazón.

Edición número 28 de La Gran Evasión. 17/3/2015. Lars von Trier y su Melancolía, rodada en 2011, para aguantar esta noche lluviosa de marzo. Un mirador hacia la tristeza, desde la propia tristeza. Escrutador de Almas y Apocalíptico Lars von Trier. Una metáfora maravillosa: La tristeza tiene nombre de planeta....es el lugar por el que todos transitamos, por el que algunos se quedan (nos quedamos), quizás para siempre, melancolía pura, simple, profunda.....esperando, siempre esperando......... quizás que un planeta llamado melancolía colisione con La Tierra y termine con la maldición de los hombres, con la plaga bíblica, con el germen que incubamos...... Mientras la araña que todos llevamos dentro sigue tejiendo la tela, en lo mas profundo, es algo inherente a la raza humana...es sólo Melancolía. Lars von Trier: Un loco, un trastornado, un provocador, un visionario, un genio con problemas mentales, bipolar, hiperactivo, depresivo, alcohólico, cocainómano, lleno de fobias, miedos, inseguridades....demonios y monstruos que el cine trata de dejar al descubierto y catárticamente zarandear al espectador. Indaga en la condición humana, rebusca en su propia alma y el resultado puede ser maravilloso ó terrible.....todo un tratado sobre la depresión, ¿se puede morir de belleza?. Influencias claras en el cine de Lars von Trier del maestro Dreyer en su libertad, de Tarkowski en su belleza visual, de Lang, Hitchcock,....loco entre los locos. Todo un elenco de actores que están soberbios en Melancolía: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Charlotte Rampling, Alexander Skarsgård, Stellan Skarsgård, Udo Kier, John Hurt...todos exprimidos hasta la locura. En esta noche lluviosa nos perdemos con los fantasmas de Nietsche, Dostoyevski ó Melville, con esos globos de luz que suben al cielo estrellado para perderse o quemarse incluso antes de elevarse...........Los vanos DESEOS de los Hombres? Nos abandonamos a la Melancolía. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios Elio Cubiles, Raúl Gallego, Gervi Navio y perdido en el hoyo diecinueve con un carrito de golf nuestro crítico César Bardés

Edición número 27 de La Gran Evasión. 10/3/2015.Obra maestra del cine. Esta noche tenemos Romanticismo, una mirada Humanista, Utopías que no mueren si alguien se atreve a soñarlas....como un mundo en paz, solidaridad entre hermanos, entre naciones...mentiría si no creyeramos en las utopías que el cine nos hace soñar. En 1937, Renoir rueda La gran ilusión, toma el cine como un punto de partida para narrar una historia comprometida con el destino del hombre y la realidad que le rodea, porque Jean Renoir más que de guerra habla de paz y de equidad social. El director francés insistía en que los hombres están menos separados por las fronteras entre naciones que por las barreras entre clases. La gran ilusión es un film pacifista. Es un alegato sobre la belleza y el dolor, sólo valoramos lo perdido. Subraya aquello que puede quebrarse entre naciones, bajo la responsabilidad de los hombres. La guerra vista desde el naturalismo poético francés o realismo negro. “Por un lado, chicos que juegan a ser soldados, y por otro, soldados que juegan como niños”, le dice Boïeldieu a Maréchal "el hombre es uno solo", y esto es lo que subraya Renoir. “¿qué hay de justo en la guerra?”, Renoir toma la confrontación y la traslada a un terreno más lúdico, en lugar de mostrar su enfrentamiento bélico, intentará expresar un deseo latente y compartido por los hombres: vivir en paz y en libertad. Esa es la ilusión que propone; una ilusión que pregona una sociedad sin diferencias de clases ni división de razas. Un grupo de jovencísimos reclutas, casi niños, haciendo la instrucción. "Marechal: Lo que me fastidia, amigo, no es la música, ni los instrumentos... Es el ruido...el ruido de los pasos, que es el mismo en todos los ejércitos." Rodeados por Gabin y Von Stroheim debatimos, a la dirección José Miguel Moreno, contertulios Jesús Mayoral, Raúl Gallego, Gervi Navío y regando un solitario geranio entre los muros de la fortaleza medieval del horror de la guerra...nuestro crítico César Bardés.

Edición número 26 de La Gran Evasión. 3/3/2015. Tarantino salpicaba de sangre y tacos las salas de cine en 1992, sorprendiendo y dando un aire nuevo a esta industria. Sangre, violencia, amor enfermizo por el cine, señores con nombres en clave de colores, vestidos de negro y con una pistola al ritmo de música setentera, atracadores profesionales atormentadamente reales...palabras y diálogos excepcionalmente cotidianos y banales, en fin, asistimos al nacimiento de Tarantino para el cine. Un joven envenenado de cinefilia, amante del cine clásico, de subproductos de serie Z, de series televisivas, de películas de Kung Fu, de cómics, de la música de los setenta....plasmó de un plumazo todo sus neuras y obsesiones en un soberbio guión, que acabó convirtiéndose en la génesis de un nuevo estilo de hacer cine...ya inconfundible, Quentin Tarantino es cine, un cine violento, divertido, fragmentado, absorbente y obsesivo. Primero las repuestas, luego las preguntas... *Algunas fuentes/homenajes que podemos encontrar en su guión: -Atraco perfecto’ de Kubrick, marginalidad e identificación con los atracadores. -‘Pelham 1, 2, 3’ de Sargent, como la utilización de los nombres en clave de colores. -‘Rififi’ (de Jules Dassin), el atraco a una joyería que acaba con el enfrentamiento de sus ladrones. -A Better Tomorrow II’ (‘Honor, plomo y sangre’ de John Woo) o los trajes negros y corbatas delgadas. -‘El cuarto hombre’ (‘Kansas City Confidential’ 1952 de Phil Karlson) atracadores que no se conocen entre si. A la dirección José Miguel Moreno, conterturlios Raúl Gallego, Gervi Navío y desangrándose de cinefilia y literatura en un sucio almacén nuestro crítico César Bardés.

Edición número 25 de la Gran Evasión. 24-2-2015. Cine clásico para esta noche, que mejor muestra que un western, intenso y absorbente, lleno de venganza, de justicia, de ley, de ética, de amistad, de odio racial, de las consecuencias de los actos, de mujeres de vida difícil, de hijos que muestran el fracaso cómo padre de sus progenitores, de huérfanos...de violencia contenida, de amor incondicional y todo ello con una hora límite para que el tren abandone la estación, una tragedia griega...un western clásico. Profundizamos en la dualidad de la esencia humana, de la mano de esta magnifica obra que Sturges rodara en 1959, Kirk Douglas y Anthony Quinn, grandísimas estrellas del Hollywood de los 50 son la pareja protagonista de este western, dos grandes amigos que ahora están uno a cada lado de la ley, intentando criar a sus hijos, intentando hacer lo correcto, uno detrás de una estrella de latón otros detrás del miedo y la fuerza del dinero y el poder...Carolyn Jones es nuestra dama independiente, inteligente, sarcástica y víctima de la relación entre el hijo malcriado de Quinn y él, el amor lo tiene difícil esta noche... En los westerns de Sturges, el mundo, como la vida real, ni es justo, ni hay finales felices...todos pierden, todos perdemos ante las vicisitudes de esta vida cruel, polvorienta y despiadada....absolutamente todos. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios Marta Chaves, Raúl Gallego, Gervi Navío y con una silla de montar sobre el hombro y la estilográfica en la mano nuestro crítico César Bardés.

Edición número 24 de La Gran Evasión. 17-2-2015. En nuestro programa buscamos el cine como evasión a la realidad pacata y lastimera del momento, algo parecido a lo que hizo el maestro Fellini en su octavo largometraje (y medio). El prestidigitador de Rimini volcó sus sueños y recuerdos en un espléndido y abigarrado retrato autobiográfico sobre el arte, el negocio, la inspiración, la fantasía y el circo de las ilusiones. El cine dentro del cine, o la crisis creativa y vital de Guido, el alter ego felliniano, un Marcelo Mastroianni genial al que las ojeras no restan un ápice de clase. Un director no sabe como terminar su película y quiere calmarse en un balneario propio de novela de Thomas Mann, donde le asediarán Luisa, su mujer, una Anouk Aimée llena de reproches, su voluptuosa amante de cejas afeitadas, Carla (Sandra Milo), Claudia Cardinale, la musa de belleza angelical, el atosigante crítico y asesor Carini (Jean Rougeul), que terminará matando en una de sus ensoñaciones, o el cardenal que responde que no se vino a este mundo para ser feliz. Las fantasmagorías de Guido se yuxtaponen como retazos de la mente de un tipo impotente ante la falsedad que le rodea, los productores, fotógrafos, y comentarios vacuos en fiestas burguesas le aburren enormemente. Saraghina, la grotesca prostituta de la playa, despierta la sexualidad del niño, los curas corren por la orilla con los faldones al viento, el fantástico harén de todas las mujeres que han pasado por su vida, o el cementerio donde se encuentra con sus padres. Guido prefiere evocar estas imágenes por no enfrentarse a esa nave espacial sin destino conocido, colocada sobre una enorme plataforma de la que terminarán bajando todos los personajes de su vida, al son de la música de Nino Rota. Apoteósico final presidido por un desfile de payasos, y cerrado por el joven Guido, actor principal de esta comedia burlesca. Desfilamos entre fanfarrias con Fellini esta noche: José Miguel Moreno, Raúl Gallego, Helio Salas, y nuestro crítico César Bardés.

Edición número 23 de La Gran Evasión. 10-2-2015. Hoy la cita la tenemos con uno de los grandes maestros de este invento llamado cine, Fritz Lang, el hombre del monóculo, y una de sus grandes obras, rodada en Hollywood en su época americana, La Mujer del Cuadro, con guión y producción de Nunnally Johnson. Cine negro psicoanalítico muy en boga en la época, Lang rodará filmes muy relacionados en el tono y la historia como "Perversidad" y "Secreto tras la Puerta". La fascinación por un cuadro desencadena el conflicto. El profesor Wanley (Edward G.Robinson), un ciudadano medio que se aburre con su vida, queda hipnotizado por los encantos de la turbadora Joan Bennet, la desconocida que se refleja en ese cuadro que contempla. El hombre corriente, aparentemente inofensivo, que en una situación límite es capaz de asesinar, e incluso de planear el envenenamiento del chantajista, perfectamente trazado por Dan Duryea, otro actor habitual de este periodo americano, el tipo con sonrisa perversa que entra en el apartamento de Alice, la personificación del mal que te acorrala en todo su esplendor languiano. La atmósfera enrarecida, la telaraña de acontecimientos fatales que van envolviendo al protagonista, el desenlace inesperado, la luz y las sombras, y la visión arquitectónica y tenebrosa de un hombre que nace con el cine. Fritz Lang utiliza el montaje, los planos austeros, los objetos y los decorados para estremecer al espectador. Un espectador que se pone de parte de ese hombre solo ante el destino, que se delata continuamente, porque no tiene alma de criminal, pero sí instinto de supervivencia y deseos ocultos. Entre la luces y sombras de una noche de febrero, charlan en el programa: José Miguel Moreno, Adrián Gómez, Raúl Gallego, y nuestro crítico de cine César Bardés.

Edición número 22 de La Gran Evasión. 3-2-2015. Este martes cinéfilo traemos al programa la ópera prima de Benito Zambrano, "Solas". Tenemos el honor de contar con un invitado especial, Carlos Álvarez Novoa, actor asturiano que da vida al entrañable Don Emilio, el vecino solitario de María que vive con su perro Aquiles. Cuento de soledades y gente humilde , con genial guión de Zambrano durante sus años de formación en Cuba. Película de personajes, realista, humana, una obra redonda hecha con un bajo presupuesto. La música, de Antonio Meliveo, y en la fotografía, Tote Trenas. María (Ana Fernández) vive sola en un suburbio de Sevilla, y su madre (María Galiana) llega del pueblo para pasar unos días en el piso de la hija porque su marido está convaleciente en el hospital. Don Emilio romperá la monotonía de estas dos mujeres solas. La visión retrógrada de la España negra, personificada en ese padre hosco y déspota con mirada de odio (Paco de Osca), que se pregunta si alguna vez fue bueno, la madre dócil que espera el final sentada en el porche de su casa, con sonrisa resignada, el viejo vecino, náufrago y noble como su fiel perro, y María, la joven de provincias que subsiste entre trabajos temporales, botellas robadas, y autobuses de línea. En su peor momento, María enfrenta sus ojos tristes a un tren que quizás sólo pase una vez, y una mendiga al otro lado de las vías amenazantes se refleja en su propio miedo. Desde el estudio de Radiopolis, hoy departimos con Carlos Álvarez Novoa: José Miguel Moreno, Paco Bellido, Mamen Torres, Raúl Gallego, y nuestro crítico César Bardés.

Edición número 21 de La Gran Evasión. 27-1-2015. El Espejo de Andrei Tarkovski, 1975...toda una bomba fílmica la que nos ofrece este ruso loco, un genio, un poeta, un visionario, un artista en definitiva.... Esta noche citando a H. Hesse. "...es sólo para locos, el precio de la entrada es ...LA RAZÖN." Estos cientos seis minutos esta llenos de pura poesía en imágenes, de reflejos herméticos y metafísicos...transcendencia y desarraigo narrativos, Tarkovski prescinde de la trama para obligarnos a sentir. Un lienzo de cine, de otro cine, que va directo al alma, con otros códigos, con otras armas pero con la misma emoción que el cine tradicional, sin convenciones comerciales, provocando emociones que es la esencia de este arte. Revisitamos los recuerdos del propio Tarkovski, a través de los ojos de su mujer, su madre, su hijo y él mismo, siendo todos y ninguno a la vez, un espejo para el espectador que convierte la película en su propio reflejo. Todo un puzle emocional que el espectador ha de ir desentrañando partiendo desde la infancia. No hay que intentar racionalizar el film, comprenderlo, sólo hay que sentirlo dejarse llevar...CATARSIS. El arte es convertir el mundo en algo hermoso, lo infinito está en lo concreto y sólo es comunicable en imágenes....El pensamiento es efímero, la imagen...ABSOLUTA. La imagen tiende hacia el infinito y conduce hacia Lo Absoluto. Belleza en imágenes, penetrar a través de una capa que el tiempo había extendido, como el viento sobre el inmenso campo de trigo, ó el incendio del granero a través del pórtico de la cabaña, con la lluvia siempre incesante, ese agua que se filtra y lo destruye todo....Las imágenes documentales de la marcha del ejercito soviético por el lago Sivach(1943) son sobrecogedoras ó las despedidas de los niños evacuados durante la guerra civil española...simplemente estremecedoras, que se unen y se funden siendo el núcleo y el corazón de la película..... Nos sobrevuelan Fiódor Dostoyevski, Leonardo, Dreyer, Mizoguchi, Pushkin, Buñuel, Bergman...y la hipersensible poesía del padre del autor, de Arseni Tarkovski. A la dirección esculpiendo el tempo radiofónico José Miguel Moreno, contertulios aventurándose en lo absoluto Raúl Gallego, Gervi Navío y observando como desaparece las huellas de un vaso dejado por un fantasma en la mesa de su despacho nuestro crítico César Bardés.

"Las pequeñas zorras han vivido en todas las épocas. Esta familia vivió en el profundo sur en el año 1900" Desde los primeros títulos de crédito el perfeccionista William Wyler nos sumerge en ese sur tradicional y altivo de los Estados Unidos. Esta elegante adaptación de la obra de teatro de Lillian Hellman, "The little foxes", fue realizada en 1941 y traducida al castellano como "La loba", En su tercera película con Bette Davis como estrella principal, tras "Jezabel" y "La Carta", Wyler nos ofrece una joya del cine universal. Tres hermanos obsesionados con el poder y el dinero, sin ningún tipo de escrúpulos, intentarán forjar una fortuna mediante el negocio del algodón y la mano de obra barata procedente de los antiguos esclavos, convertidos en sirvientes explotados. Asociado con el mítico director de fotografía Greg Toland, Wyler rodará secuencias imborrables, utilizando innovadoras técnicas para la época como la profundidad de campo, recurso que permitía resaltar lo que se ve en primer plano y al mismo tiempo mostrar lo que ocurre en segundo término. El grupo de actores que procedía del prestigioso National Theatre ya conocía al dedillo sus respectivos papeles, puesto que habían representado la obra de Hellman en Broadway. Dan Duryea (el tonto Leo), Carl Benton Reid y Charles Dingle (los hermanos Hubbard), y Patricia Collinge (la mortificada señora Birdie). En este intenso melodrama asistimos a un duelo de actrices que gana la luminosa Bette Davis, la malvada loba Regina, la perversidad hecha mujer, sin dejar atrás a la debutante Theresa Wright como Alexandra, la hija, y su padre Horace (Herbert Marshall). Alexandra va siendo testigo a lo largo de la historia del matrato de su tío a la lastimosa Birdie, de los tejemanejes entre su madre y los dos burdos hermanos, y finalmente, en el clímax de la película, abrirá los ojos para escapar de las garras de ese nido de alimañas en que ha crecido. Una noche fría con unos tipos que charlan entusiasmados con la película: José Miguel Moreno, Raúl Gallego, Gervi Navío, Helio Salas, y nuestro crítico de cine César Bardés.

Edición número 19 de La Gran Evasión. 13-1-2014. Richard Lester nos regalaba en 1976 esta emotiva y melancólica obra de arte, Robin y Marian es todo un deleite para el espectador. Crepuscular, violenta, conmovedora, elegiaca, desmitificadora, romántica...todos los epítetos son pocos para esta visión del mito de Robin Hood tamizado por el paso de los años, Robin vuelve al bosque de Sherwood veinte años después de sus aventuras, pero el bosque ya no es lo mismo, ni nuestros héroes de la infancia, ni nosotros....un sueño de lo que fueron pero que ya no podrán ser. Extraordinario reparto para completar el maginífico guión de Goldman, la ambientación de Gil Parrondo y la fotografía de Watkin, tenemos a Sean Connery, Audrey Hepburn, Robert Shaw, Richard Harris, Ian Holm, Nicol Williamson. Destacar la relación de respeto y admiración del Sheriff y Robín, magistral Robert Shaw, la amistad incondicional de little John y sobre todo la relación de amor puro y verdadero, la segunda oportunidad de estos viejos y cansados amantes, el amor más allá de la frontera de la muerte,la última batalla... no se pierdan la fascinante declaración final de amor de nuestra Marian(nunca hubo una madre abadesa ni una Lady Marian más guapa) a su amado Robin....nos vemos dónde caiga la flecha. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios Raúl Gallego, Gervi Navío y afeitándose a pelo con su daga mientras asedia el bosque de Sherwood, nuestro crítico César Bardés.

Esta noche nos visita el maestro austriaco Billy Wilder y su irreverente película "Bésame, tonto", que escribió junto a su colaborador I. A. L. Diamond. Una comedia amarga que deja un sabor agridulce en la boca y nos congela la sonrisa con personajes neuróticos y celosos como Orville (Ray Walston), que sospecha hasta de un niño de 14 años, Dino, un cantante canalla engreído, un magnífico Dean Martin que realiza una parodia de sí mismo, la comedida y prudente espolsa Zelda (Felicia Farr) se soltará el pelo también, y como no, la explosiva Kim Novak, en el papel de Polly, la prostituta de ojos tristes y bellas curvas que cambia el ritmo de la historia en cuanto aparece en escena. Este título Wilderiano fue condenado por los organismos censores de la época, tachado de soez, e inmoral, y vapuleado por la mayor parte de los críticos que no entendieron el humor cáustico y el ataque frontal a la sociedad bienpensante e hipócrita de la América profunda. Kim Novak y Felicia Farr se me antojan como lo mejor de este alocado relato, dos mujeres que intercambian sus roles pero comparten bondad e inteligencia, frente a los tres mezquinos representantes del sexo masculino. Sin olvidar que Wilder, el responsable de todo esto, fue acusado de misógino por los mismos que denostaron su obra. Esta noche navideña se enfrascan en distendida discusión: José Miguel Moreno al timón, Mamen Torres, la bella pirata, Raúl Gallego en los cañones, y el vigía César Bardés.

Edición número 17 de la Gran Evasión. 23-12-2014. Incidente en Ox-Box,1943. Simplemente una obra maestra del western, sin paliativos, obra matriz de la que muchas películas beben y siguen bebiendo todavía de sus fuentes, del cine puro y clásico que destila cada uno de sus fotogramas. Willian Wellman nos introduce en Nevada, año 1885, una antigua novia, un asesinato, un sheriff ausente, un grupo de linchamiento.....la cobardía oculta entre la turba....escarbamos en el alma de los pioneros, en las abyectas excrecencias de los hombres y también en la conciencia y la honradez de unos pocos...Toda una disertación sobre el material del que están hechas las criaturas que pululan sobre la tierra, alzados sobre dos pies y creyéndose superiores, empuñando un revolver, llamándose humanos aunque lo pongamos en duda.... A la dirección José Miguel Moreno, contertulios Raúl Gallego, Adrian Gomez y con una cuerda balanceándose entre sus manos con un sospechoso nudo corredizo nuestro crítico Césas Bardés.

Edición número 16 de La Gran Evasión. 16-12-2014. Tenemos la suerte de contar esta noche con Alberto Rodríguez y Rafael Cobos, Director y Guionista de La Isla Mínima. Este magnifico thriller negro, profundo en la forma y en el fondo, te atrapa y no te suelta durante todo el metraje, ambigua e inquietante historia que nos muestra que el alma de los hombres tiene anverso y reverso... Todo un privilegio poder tener una charla distendida y cordial con los creadores de esta historia que aún esta proyectándose en las salas, acompáñanos por el paraje desértico de las marismas del Guadalquivir, en los albores de los años ochenta, conoce los pormenores de la gestación de este relato... recréate con nosotros en esos planos cenitales, mecidos por la partitura de Julio de la Rosa, que retratan marismas que parecen lóbulos cerebrales para acentuar la pequeñez de esta historia mínima, dándonos a entender que los asesinatos de Estrella y Carmen sucedían, suceden y sucederán en este mundo sin alma... A la dirección José Miguel Moreno, invitados especiales Alberto Rodríguez y Rafael Cobos, contertulios Raúl Gallego, Gervi Navío y con un impermeable verde acechando por entre la negritud de las marismas nuestro crítico César Bardés.

Edición numero 15 de La Gran Evasión. 9-12-2014. Esta noche comentamos la monumental epopeya de Akira Kurosawa, Los Siete Samurais, ambientada en el Japón feudal del siglo XVI. Unos campesinos viven aterrorizados por los continuos ataques de bandidos que roban sus cosechas de arroz para todo el año. Tras reunirse con el sabio anciano de la aldea, deciden contratar a un grupo de samurais a cambio de techo y tres platos de comida al día, para defenderse contra los villanos. Comienza el fascinante reclutamiento de los ronin, samurais errantes caídos en desgracia que ya no tienen un amo a quien servir, y que gustosamente los adiestrarán y ayudarán a luchar. El lenguaje visual espectacular del maestro Kurosawa, los planos pictóricos y la perfección formal de las secuencias, el montaje ágil y el movimiento, el aceleramiento de la acción en momentos clave, y el trazo perfecto de los personajes con unos rasgos humanos que dotan de una personalidad distintiva e inolvidable a cada samurai y campesino de la historia. Kambei, el lider estratega interpretado por Takeshi Shimura, Toshiro Mifune en la piel de Kakuchiyo, el vagabundo desesperado que se empeña en ser samurai, Katsuhiro, el joven discípulo de Kambei que da el toque romántico a la historia al enamorarse de Shino, la campesina, Kyuzo (Seiji Miyaguchi), el maestro de la espada, de rostro hierático y solemne, siempre presto a la batalla, Gorobei, el hombre de confianza de Kambei, Shihiroji (Daikuse Sato), un actor procedente del teatro Kabuki que trabajó con Yazujiro Ozu, y Heichahi Hayashida, al que encuentran cortando leña y siempre tiene una sonrisa que ofrecer. A partir de la muerte de Heihachi, tras una gran elipsis narrativa, nos encontramos con esa espada recortada contra el cielo sobre el túmulo funerario. Glorioso plano que antecede la épica e inolvidable batalla final, y el melancólico desenlace de esta película, una de las más grandes de la historia del cine universal. Raúl Gallego Comentan, intentando seguir el Bushido, código ético samurai: José Miguel Moreno, Gervi Navío, Lázaro Díaz, Raúl Gallego, y nuestro crítico de cine César Bardés.

Edición número 14 de la Gran Evasión. 2-12-2014. Nos visita Roman Polanski, el polaco perverso que realizó en 1992 este análisis de la relación de pareja, esta degeneración del amor....brutal y descarnada. Vemos lo que no se ve cuando acaba el cuento, lo que está después del final feliz: un maduro escritor americano que encuentra en París a una jovencita carnal y sensual que se convierte en su musa, en su pasión....pues este arranque maravilloso y onírico pasa a la humillación, la locura, la degeneración, la lujuria, el envilecimiento del amor. Polanski nos enseña con crudeza y claustrofobia, corrosiva y compulsivamente la profanación del amor. ¿Es utópico el amor adulto? Habrá que pasar al camarote y dejar que Coyote nos narre sus vivencias con Seigner, nos sentamos al lado de Grant y Scott-Thomas y somos testigos morbosamente asqueados de esta historia de sexo, amor, odio, humillación, crueldad, indiferencia, desprecio, compasión y muerte. A la dirección José Miguel Moreno, contertulios: Mamen Torres, Raúl Gallego, Gervi Navío y visiblemente mareado atisbando desde su camarote la escena, nuestro crítico César Bardés.