Escuchalo en 1.5

Escuchalo en 1.5 - Episodio 20 - Comedrama y Dramedia | Harold and Maude, Un Burgues Pequeño Pequeño y Trenes Rigurosamente Vigilados ¿Puede una película hacerte reír a carcajadas y dejarte el alma en el piso en la misma escena? ¿Qué dice de una sociedad cuando sus mejores comedias son también sus tragedias más brutales? ¿Por qué el humor negro es la única respuesta honesta al absurdo del mundo? ⚙️ ¿Cuánto de tu identidad sacrificás para que tu hijo escale un peldaño que tampoco vale nada? ¿Se puede reír de un régimen totalitario desde adentro, sin que te aplaste? Un padre lleva a su hijo a rendir un examen. Una bala perdida. Y la película cambia de registro sin avisarte nada. Un chico de veinte años que ensaya suicidios falsos en el living para desesperación de su madre. Un empleado de estación que ve pasar los trenes, ve pasar la guerra, ve pasar su propia sexualidad y su vida entera — como si nada de eso le perteneciera. Tres comedias que no vienen a hacerte reír. Vienen a preguntarte si siempre estuviste llorando. Harold and Maude (1971) — Hal Ashby — Un chico de veinte años obsesionado con la muerte y los suicidios falsos que conoce a una anciana de 79 que le enseña a vivir. Contracultura pura de los 70, jipismo genuino, Cat Stevens como banda sonora de toda una generación. Ashby les pega a la familia, al psicoanálisis, al militarismo y a la iglesia en una sola película — sin subrayar nada. Bud Cort: el actor perfecto para el papel, carismático dentro de su nihilismo, imposible no empatizar. Un burgués pequeño pequeño (1977) — Mario Monicelli — Comedia costumbrista italiana que arranca como una película de Olmedo y Porcel y de pronto te destroza. Alberto Sordi como un burócrata de toda la vida dispuesto a todo para meter a su hijo en el estado. La escena de los masones es espectacular. Y entonces, sin aviso, en medio de un viaje hacia una oficina pública, la película cambia de registro para siempre. El giro más brutal que se discutió en este episodio. Trenes rigurosamente vigilados (1966) — Jiří Menzel — Checoslovaquia bajo ocupación nazi, un joven empleado de estación que ve pasar los trenes cargados de soldados y ve pasar su propia vida sin accionar nada. La película usa la Segunda Guerra para hablar de algo más cercano: la Primavera de Praga, la represión soviética, el socialismo de cara humana. La represión sexual como metáfora perfecta de la represión política. Oscar a la mejor película extranjera 1966. Una obra cumbre de la Nueva Ola Checoslovaca. En este episodio también discutimos: El jipismo de Hal Ashby y su carrera en los 70: Shampoo, Being There y la contracultura norteamericana post-Vietnam ️ La crítica a las instituciones en las tres películas: iglesia, estado, psicoanálisis, masones, burocracia La Nueva Ola Checoslovaca y la Primavera de Praga: Miloš Forman, Milan Kundera y el cine como resistencia política Cat Stevens como banda sonora total de Harold and Maude y por qué eso puede gustarte y saturarte por igual ️ El giro de registro en Un burgués pequeño pequeño: por qué no te lo ves venir — y por qué eso es exactamente el punto Este episodio no viene a recomendarte comedias. Viene a recordarte que la risa y el llanto salen del mismo lugar. Harold and Maude (1971) Harold y Maude. Director Hal Ashby. Actores Bud Cort, Ruth Gordon. Being There (1979) Bienvenido Mr. Chance desde el jardin. Shampoo (1975). Coming Home (1978). Contracultural cinema. Anti-establishment. Cat Stevens Tea for the Tillerman. Vietnam War. Un borghese piccolo piccolo (1977) Un burges pequeno pequeno. Director Mario Monicelli. Actores Alberto Sordi, Shelley Winters, Romolo Valli. Guion Sergio Amidei, Mario Monicelli, Vincenzo Cerami. Commedia all'italiana. Amici miei (1975). La grande guerra (1959) La gran guerra. Cine italiano clasico. Ostre sledovane vlaky (1966) Closely Watched Trains Trenes Rigurosamente Vigilados. Director Jiri Menzel. Actores Vaclav Neckar, Jitka Bendova, Josef Somr, Vlastimil Brodsky, Vladimir Valenta. Guion Jiri Menzel, Bohumil Hrabal. Novela Bohumil Hrabal. Nueva Ola Checoslovaca Czech New Wave. Primavera de Praga Prague Spring. Milan Kundera. La insoportable levedad del ser The Unbearable Lightness of Being. Bohumil Hrabal. Milos Forman. Vera Chytilova. Mi dulce pueblecito My Sweet Little Village (1985). Alondras en el alambre Larks on a String (1969). Comedrama. Tragicomedia. Comedia negra. Black comedy. Cine de los 60. Cine de los 70. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: escuchaloen1.5podcast Con Pablo y Nicolas

Historieta a Martillazos 11 - La Enseñanza | "Polina" de Bastien Vivès ¿Aprendemos porque queremos... o porque alguien o algo nos obliga? ¿La enseñanza nos libera... o es la forma más sofisticada de disciplinar personas desde pequeñas? ¿Qué diferencia a un maestro que te cambia la vida de uno que te arma según lo que el sistema necesita que seas? ️ ¿Podemos distinguir cuándo enseñar es guiar y cuándo es domesticar? ¿Vamos a seguir bailando al paso que alguien más nos coreografió... o vamos a movernos al ritmo de nuestro propio sentir? ¿Cuántas horas le habremos dedicado a calcular derivadas, conocer cuántos moles tiene una banana, o —los que fuimos a escuelas religiosas— memorizando pasajes de un libro escrito hace dos mil años? Años de nuestras vidas. Y al final, el primer laburo fue de cadete, de delivery, o bancándonos puteadas en atención al cliente. Y sin embargo, ahí estamos. Saliendo a la calle para defender la educación pública. Con la misma fuerza con la que otros nos mandaron de chicos a ese colegio al que muchos no queríamos ir. Hay algo en esa contradicción que dice todo sobre lo que la educación nos hace, lo que nos da, y lo que todavía no terminamos de entender sobre ella. Eso es "Polina" — guión y dibujo de Bastien Vivès. Un coming of age de sensibilidad enorme que sigue a Polina Oulinov desde la infancia bajo la tutela del maestro Bojinsky: un tipo exigente hasta las bolas, controversial, con quien Vivès juega todo el tiempo con los puntos de vista. No hay héroe ni villano. Hay una pregunta que flota desde la primera página: ¿hasta dónde debe estar el maestro, y desde dónde debe estar ella misma? En este episodio cruzamos la obra de Bastien Vivès con: ⛓️ Michel Foucault — las instituciones no se evalúan por lo que declaran que hacen, sino por los cuerpos y subjetividades que producen. En esa academia de ballet, el poder disciplinario es total. La sumisión es condición para el éxito. Y cuando eso se convierte en el eje de toda una formación, somos las personas que aprendemos a soportar lo que soportemos, a no-decir lo que callamos, a no-sentir lo que dejamos de sentir ️ Pierre Bourdieu — las instituciones educativas elitistas como instrumentos para mantener el statu quo. Bojinsky enseña las reglas del juego pero no permite cuestionarlas. La duda, la pregunta, el cuestionamiento son percibidos como obstáculos en el camino hacia la perfección Paulo Freire — la "educación bancaria": el maestro deposita conocimiento en el alumno como en una cuenta corriente vacía. El peligro no es producir ignorantes: es producir gente que aprende muy bien a no pensar por cuenta propia. Enseñar no es transferir conocimiento, es crear las posibilidades para su producción Friedrich Nietzsche — el hombre del martillo: destruye lo que creés que sabés para reconstruirlo desde cero. La transformación genuina no viene sin dolor, sin primero destruir lo que ya estaba roto. Bojinsky, según desde dónde lo miremos, es el partero socrático y el martillo nietzscheano al mismo tiempo Carl Rogers — el verdadero aprendizaje surge en ambientes de confianza y respeto mutuo. No en el miedo. No en la subyugación. Esa es la tensión que Polina y Bojinsky negocian a lo largo de toda la obra Ivan Illich — ¿las escuelas realmente educan o simplemente fabrican la necesidad de ser educados? La institución educativa como aparato de control que no solo enseña el contenido: enseña la sumisión como virtud, el sufrimiento en silencio como señal de seriedad ❤️ Martha Nussbaum — las emociones no son un ruido a eliminar en el proceso educativo, sino inteligencia. Una educación que no incorpora la vida emocional no te hace más riguroso, te hace más incompleto. Aprender a pensar sin aprender a sentir produce gente muy eficiente para reproducir lo que ya existe, y muy poco capaz de imaginar algo nuevo Adriana Puiggrós — la escuela pública argentina fue construida sobre una promesa: integrar, incluir, dar a los que menos tienen una herramienta que nadie puede quitarles. Esa promesa sigue siendo real. Por eso sigue siendo amenazada Este episodio no viene a decirte quién es el buen o el mal maestro. Viene a martillar tu certeza sobre quién te enseñó a ser lo que sos. También exploramos la mayéutica socrática y el concepto de partero de ideas, la "educación bancaria" en "Pedagogía del Oprimido" de Paulo Freire, el poder disciplinario y la microfísica del poder en Michel Foucault, el capital cultural y la reproducción social en Pierre Bourdieu, la desescolarización de la sociedad en Ivan Illich, las emociones como inteligencia en Martha Nussbaum, la pedagogía de la autonomía y el aprendizaje significativo en Carl Rogers, la historia de la educación pública argentina y el pensamiento de Adriana Puiggrós, el coming of age como género en el cómic europeo, la obra de Bastien Vivès y las controversias en torno a "Los Melones de la Ira" y "Petit Paul" mencionadas en el episodio, el ballet como disciplina y metáfora política, y las conexiones con "Whiplash" de D

Esto es Historieta a Martillazos | Lo que conocías ya no es lo que hay - Director's Cut Lo que estás por escuchar no es un episodio nuevo. Si ya me escuchaste antes, lo que conocés ya no es lo que hay. ️ Si nunca me escuchaste, esto es exactamente el punto de entrada que necesitás. Historieta a Martillazos es un podcast sobre filosofía y cómics. Pero dicho así suena a algo que uno cierra apenas arranca. Entonces lo digo de otra forma: es un podcast donde una novela gráfica, una historieta, un manga, se sienta a conversar con un problema real. No con un problema de libro de texto. Con algo que nos pasa, que nos incomoda, que no sabemos muy bien cómo nombrar. La muerte. La libertad. La identidad. La angustia. El poder. La justicia. Y en lugar de respuestas, lo que hay son preguntas que se van abriendo. Porque ahí está lo lindo: en el espacio entre lo que es y lo que podríamos ser. Los primeros episodios tenían las ideas. Las tenían todas. Pero había mucho más para decir. Con el tiempo aparecieron los pensadores que faltaban, los enfoques que el tema pedía, las conexiones que en su momento no habían aparecido. Así que los rehíce. Los diez primeros. Más voces, mejor ritmo, ideas más desarrolladas. Si lo que quedó está a la altura, lo van a decir ustedes. Si ya escuchaste el podcast antes: vas a encontrar pensadores e ideas que no estaban, preguntas nuevas, enfoques que en la versión original no existían. El corazón está ahí, en cada episodio, como siempre estuvo. Si nunca lo escuchaste: arrancá por el episodio uno. Está pensado para eso. No necesitás saber nada previo. Solo estar dispuesto a que una historieta te haga pensar en algo que no esperabas. Esto es lo que hay hasta ahora: 01 ️ DIOS | "Dios en Persona" de Marc-Antoine Mathieu 02 ⏳ EL TIEMPO | "Yo Maté a Adolf Hitler" de Jason 03 LA OTREDAD | "Castillo de Arena" de Pierre Oscar Lévy y Frederik Peeters 04 ️ LA REALIDAD | "¿Quién Mató a Rexton?" de Diego Agrimbau 05 LA TRASCENDENCIA | "El Escultor" de Scott McCloud 06 LA PATRIA | "Turba" de Lauri Fernández 07 ⚙️ LA RAZÓN INSTRUMENTAL | "Pulp" de Ed Brubaker y Sean Phillips 08 LA IDENTIDAD | "Grand Dolls" de Osamu Tezuka 09 LA ANGUSTIA | "Los Combates Cotidianos" de Manu Larcenet 10 EL ARTE | "Yo, Asesino" de Antonio Altarriba y Keko 11 LA ENSEÑANZA | "Polina" de Bastien Vivès También exploramos en este podcast la filosofía a través de novelas gráficas, cómics, manga e historietas, cruzando obras de autores como Marc-Antoine Mathieu, Jason, Pierre Oscar Lévy, Frederik Peeters, Diego Agrimbau, Lauri Fernández, Ed Brubaker, Sean Phillips, Osamu Tezuka, Manu Larcenet, Antonio Altarriba, Keko y Bastien Vivès con pensadores como Friedrich Nietzsche, Søren Kierkegaard, Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir, Michel Foucault, Hannah Arendt, Slavoj Žižek, Paulo Freire, Silvia Federici, Ernesto Laclau, Benedict Anderson y muchos otros. Filosofía y cómics. Comiqueando y Escuchalo en 1.5. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 19 - Accion de los 90's | Alerta Maxima, El Ultimo Gran Heroe y Contracara ¿El cine de accion de los 80 llego a su cuspide en los 90... o ya estaba en caida libre? ¿Bruce Willis fue el puente que le permitio a Nicolas Cage y Travolta intercambiarse la cara? ¿Schwarzenegger le arruino la carrera a Stallone sin querer queriendo? ¿El cine de superheroes se comio todo el deseo publico que antes consumia este genero? ¿Seagal tiene carisma real o nos mintieron toda la vida? Un cocinero Navy SEAL infiltrado en un acorazado tomado por terroristas. Tommy Lee Jones como villano. Gary Busey con la mandibula suelta. Y Steven Seagal rompiendo cuellos con una calma que no tiene ningun sentido. Eso es Alerta Maxima. Y eso es el punto de partida de este episodio. Porque los 90's no inventaron el cine de accion. Lo heredaron en su pico maximo, lo estiraron hasta el limite y lo mandaron a morir con dignidad — o sin ella, segun la pelicula. Alerta Maxima (1992) — Andrew Davis — La mejor pelicula de Steven Seagal, que tampoco es un gran merito pero tiene los suyos. Un cocinero que resulta ser Navy SEAL liquida uno por uno a un grupo de ex marines renegados que tomaron un acorazado. Davis, el mismo director que hizo Nico y despues El Fugitivo, saca de Seagal el unico carisma real que el tipo tuvo en pantalla. Con Tommy Lee Jones y Gary Busey de villanos memorables. Una explotacion inteligente del molde de Duro de Matar — Duro de Matar pero en un barco — que funciona porque hay un director de verdad atras. El Ultimo Gran Heroe (1993) — John McTiernan — Un nene entra al universo de su heroe de accion favorito y la pelicula se rie del genero mientras lo celebra. Meta-comedia que llego exactamente cuando el heroe musculoso de los 80 empezaba a mostrar signos de agotamiento. McTiernan, el mismo de Duro de Matar y Depredador, demuestra que puede hacer accion e ironia al mismo tiempo. Una carta de amor al cine de accion que llego demasiado pronto — antes de que el genero efectivamente muriera — y por eso no fue entendida en su momento. ️ Contracara (1997) — John Woo — John Travolta y Nicolas Cage intercambian rostros, identidades y actuaciones over the top. Woo importa el estilo hongkones: palomas, camara lenta, tiroteos coreografiados como ballet. La pelicula donde hay que suspender mas el verosimil de todas — y justamente por eso es la mas disfrutable. El film donde el exito de John Woo en Hollywood encuentra su maxima expresion. En este episodio tambien discutimos: La tesis Schwarzenegger vs. Stallone — como el exito de Arnold empujo a Sly al molde anabolico cuando el tenia otra vision, y la diferencia brutal entre Rambo I y Rambo II como prueba Duro de Matar como bisagra — por que Bruce Willis fue el heroe improbable que cambio el molde y le abrio la puerta a un tipo distinto de protagonista El villano carismatico — Alan Rickman como quiebre del estereotipo, y como a partir de los 90 Hollywood empezo a poner actores de peso en los roles de malo La generacion del cable y el VHS — Telefe, Space, Canal 4, Sabado de Cine: como estos tres peliculas las vimos de pibes antes de poder elegir que ver ⚙️ El cine de superheroes como asesino del genero — como Marvel y DC absorbieron todo el deseo publico que antes consumia el cine de accion clasico La jerarquia de la Serie B — Chuck Norris, Van Damme, Seagal, Michael Dudikoff: quien manda, quien sigue y por que Van Damme era el unico que realmente sabia pelear Este episodio no viene a convencerte de que estas peliculas son alta cultura. Viene a recordarte por que festejabas solo frente al televisor cuando todo explotaba. Tambien exploramos Alerta Maxima (Under Siege), El Ultimo Gran Heroe (Last Action Hero), Contracara (Face/Off), Duro de Matar (Die Hard), El Fugitivo (The Fugitive), Rambo, Rambo II: La Mision, Terminator, Commando (Comando), Arma Mortal (Lethal Weapon), Punto Limite (Point Break), Depredador (Predator), Depredador 2 (Predator 2), Mentiras Verdaderas (True Lies), El Demoledor (Demolition Man), Street Fighter, Rocky, Creed, Nico (Above the Law), Codigo de Silencio (Code of Silence), Conan el Barbaro (Conan the Barbarian), Steven Seagal, Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone, Jean-Claude Van Damme, Chuck Norris, Bruce Willis, Nicolas Cage, John Travolta, Tommy Lee Jones, Gary Busey, Erika Eleniak, Alan Rickman, Harrison Ford, Andrew Davis, John Woo, John McTiernan, Charles Dance, Austin O'Brien, Brigitte Wilson, el cine de accion de los 80 y los 90, la era del VHS y el cable en Argentina, el cine hongkones de accion, Jackie Chan, la Serie B del cine de accion, el cine de superheroes como sustituto del genero, y Gabriel Llagostera de Balance Negativo Podcast. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: @escuchaloen1.5podcast Con Pablo, Nicolas y Gabriel Llagostera (Balance Negativo Podcast)

Historieta a Martillazos 10 - El Arte | "Yo, Asesino" de Antonio Altarriba y Keko ¿Qué tienen en común la Capilla Sixtina, una película de Tarkovski, Watchmen y una banana pegada con cinta sobre una pared? ¿Puede el arte tener tanta potencia como para que dejemos la vida en él... o le quitemos la vida a otros en su nombre? ️ ¿Quién decidió qué es arte y qué no? ¿Y desde dónde lo decidió? ¿Cuando el arte se vuelve mercancía, decoración o colección... pierde su poder transformador? ️ ¿Dónde está el límite entre el gesto artístico y el gesto monstruoso? Había en la televisión argentina un tipo tremendamente excéntrico llamado Federico Klemm. Una especie de Andy Warhol rioplatense que presentaba arte en cable con un manierismo tan particular como espectacular. Y todos nos reíamos un poco de él. Hasta que leés "Yo, Asesino" y de repente un sudor frío te recorre la espalda. Porque quizás la distancia entre lo ridículo y lo siniestro no es tan grande como creemos. Eso es "Yo, Asesino" — guión de Antonio Altarriba, dibujo de Keko. Una novela gráfica española que toma al artista más extremo posible como protagonista: Enrique, profesor de Historia del Arte con una sórdida doble vida. Cada asesinato, una obra maestra. Cada víctima, un lienzo. Keko dibuja con una sobriedad asfixiante y usa el rojo con una precisión que da escalofríos — violento, perturbador y, eso es lo jodido, estéticamente impecable. En este episodio cruzamos la obra de Antonio Altarriba con: ️ Arthur Danto — el "fin del arte" como narrativa: después de Duchamp poniendo un mingitorio en un museo y Warhol replicando latas de Campbell, la dirección clara se rompió. Todo puede ser arte y nada necesariamente lo es. Eso puede ser una apertura radical... o la trampa donde una banana con cinta se vende por 120.000 dólares porque el mercado así lo decide Theodor Adorno — el arte como última resistencia contra el consumismo y la alienación. Desafiar la comodidad en la que la cotidianidad nos sumerge es un "deber ser" del arte. Cuando el arte le busca una utilidad, lo matás: lo convertís en un medio para un fin que siempre es externo al arte mismo Okakura Kakuzō — la ceremonia del té: el arte no está en el objeto ni en la taza. Está en el acto, en la atención plena, en la intención con que preparás y servís. No se trata de tener arte, sino de hacer arte, de vivirlo. No es lo mismo tener cien libros de poesía en un estante que leer un solo poema que te parta el bocho al medio ️ Ticio Escobar — el arte occidental se cree dueño de la definición. Pero el arte existe cientos de años antes de que existieran las galerías. Vive en la cerámica de los pueblos originarios, en los textiles, en los rituales. El primer ser humano que dejó una marca en una caverna para decir "yo estuve acá y yo sentí esto" ya estaba haciendo arte ️ Edward Said — cuando Occidente "descubre" el arte de otras culturas lo hace desde una posición de poder. Le otorga un carácter exótico, lo despoja de su contexto y su significado, y lo juzga con sus propios valores, no con los del lugar donde fue creado. Eso no es apreciar el arte: es colonizarlo ✊ Bell Hooks — el arte como práctica de libertad: tiene que salir de los márgenes, de los lugares incómodos, de las voces que el sistema no quiere escuchar. Cuando el arte se vuelve solo mercancía que la clase dominante posee y exhibe, pierde su poder transformador Este episodio no viene a decirte qué es el arte. Viene a martillar tu certeza de que sabés dónde están sus límites. También exploramos el concepto de "fin del arte" y el mundo del arte en Arthur Danto, la industria cultural y la dialéctica negativa en Theodor Adorno, la estética del wabi-sabi y la ceremonia del té en "El Libro del Té" de Okakura Kakuzō, el orientalismo y la colonialidad estética en Edward Said, la estética de los pueblos originarios latinoamericanos en Ticio Escobar, el arte como práctica de libertad en Bell Hooks, la mercantilización del arte desde los mecenas del Renacimiento hasta las subastas millonarias contemporáneas, el readymade de Marcel Duchamp y el pop art de Andy Warhol como hitos del quiebre narrativo del arte moderno, el arte de los cómics y la colección como acto de posesión vs. contemplación, la figura del psicópata esteta en la literatura y el cómic, las inteligencias artificiales y la reproducción vs. la producción genuina en el arte, y las conexiones con el cine de Andréi Tarkovski y la obra "Watchmen" mencionadas en el episodio. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 18 - Asesinos Seriales | Henry, The Chaser, La Chica del Dragon Tatuado y Los Ojos Sin Rostro ¿Puede una pelicula sobre un asesino serial ser demasiado realista para el cine mainstream? ️ ¿Es morbo, fascinacion o algo mas oscuro lo que nos hace seguir mirando? ¿Que diferencia hay entre la crueza sucia de McNaughton y la elegancia calculada de Fincher mostrando lo mismo? ️ ¿Henry es un personaje o un espejo que el director te acerca demasiado? ¿Por que el asesino serial sigue siendo uno de los arquetipos mas fascinantes del cine de todos los tiempos? Un asesino que mata sin metodo, sin mascara y sin justificacion. Filmado como si fuera un documental violento con 110 mil dolares de presupuesto. Una pelicula que tardo cuatro anos en estrenarse porque era demasiado para el sistema. Eso es Henry. Y eso es el punto de partida de este episodio. Cuatro peliculas. Cuatro paises. Cuatro formas completamente distintas de mostrar lo mismo — la mente de alguien que mata. Desde el blanco y negro elegante del cine frances de los 60 hasta el thriller coreano que no te suelta hasta el ultimo segundo. Henry, Retrato de un Asesino (1986) — John McNaughton — Michael Rooker en el primer largometraje de su carrera, con 110 mil dolares de presupuesto y una propuesta casi documental: sin artificio, sin musica de suspenso, sin mascara. Henry mata y listo. Lo que hace la pelicula mas perturbadora no es lo que muestra sino como te convierte en voyeurista sin que te des cuenta. La camara aparece en la trama como un personaje mas y cambia completamente la dinamica entre los personajes — y entre la pelicula y vos. Censurada por anos, estrenada con cortes, version definitiva recien en 1990. La Chica del Dragon Tatuado (2011) — David Fincher — Daniel Craig investiga secretos familiares enterrados durante decadas. Rooney Mara es Lisbeth Salander definitiva — hacker, vengativa, implacable, incomoda desde el primer fotograma. La estetica cuidadisima de Fincher en las antipodas de McNaughton: mismo tema, universo visual completamente opuesto. Adaptacion de la primera novela de la trilogia Millennium de Stieg Larsson. Filmada enteramente en Suecia por imposicion de Fincher, que se nego a trasladar la produccion a Estados Unidos. The Chaser (2008) — Na Hong-jin — Ex detective que busca a sus chicas desaparecidas se topa con un asesino implacable. Thriller surcoreano que rompe la estructura del genero a los 30 minutos: el asesino deja de matar y la pelicula va hacia otro lado completamente. Una de las mejores peliculas del cine coreano contemporaneo — y la confirmacion de que ese cine maneja los codigos del thriller policial con una crueldad y una precision que el cine norteamericano perdio hace rato. Los Ojos Sin Rostro (1960) — Georges Franju — Un cirujano intenta reconstruir el rostro de su hija desfigurada al precio de nuevas victimas. Elegancia y pesadilla francesas en partes iguales. Blanco y negro, anos 60, y sin embargo mas inquietante que la mayoria de las peliculas de terror modernas. La pelicula que influyo en la mascara de Michael Myers, en La Piel que Habito de Almodovar y en el body horror de Cronenberg — sin que casi nadie lo cite directamente. En este episodio tambien discutimos: La fascinacion cultural por los asesinos seriales — docuseries, romantizacion, morbo y lo que dice eso de nosotros como audiencia El cine de animacion y el cine argentino como dos generos igualmente ninguneados por el espectador normie ️ El abanico geografico del episodio — Norteamerica, Corea del Sur, Francia y el indie estadounidense de los 80 mostrando cuatro formas de abordar lo mismo La camara como personaje en Henry — como su aparicion en la trama cambia completamente la dinamica entre los personajes La censura como dato cinematografico — por que algunas peliculas tardan anos en llegar y que dice eso del sistema El cine policial coreano como modelo posible para el policial latinoamericano — por que es mas facil creerle a un policia coreano torpe que a un detective incorruptible yankee La historia de Stieg Larsson — periodista militante, cazador de nazis suecos, muerto a los 50 de un paro cardiaco antes de ver publicada su trilogia Este episodio no viene a explicarte la mente de un asesino. Viene a preguntarte por que no podias dejar de mirar. Tambien exploramos Henry, Retrato de un Asesino (Henry: Portrait of a Serial Killer), La Chica del Dragon Tatuado (The Girl with the Dragon Tattoo), The Chaser (Chugyeogja), Los Ojos Sin Rostro (Eyes Without a Face / Les Yeux sans visage), John McNaughton, David Fincher, Na Hong-jin, Georges Franju, Michael Rooker, Rooney Mara, Daniel Craig, Ha Jung-woo, Kim Yoon-seok, Pierre Brasseur, Alida Valli, Edith Scob, Stieg Larsson y la saga Millennium, Los Hombres que no Amaban a las Mujeres (Man som hatar kvinnor), Natural Born Killers de Oliver Stone, Zodiac de David Fincher, Seven (Se7en) de David Fincher, Fight Club de David Fincher, La Red Social (The Social Network) de David Fincher,

Escuchalo en 1.5 - Episodio 17 - Genios Lado B Parte 3 | Vidas al Limite, La Conversacion, Bug y Duel ¿Que pasa cuando un director en su pico hace una pelicula que el mundo no supo ver? ¿Puede una pelicula sobre un ambulanciero loco ser la mejor despedida de una ciudad entera? ️ ¿La paranoia es un estado mental o simplemente prestarle atencion a lo que pasa? ️ ¿Que queda de un genio cuando lo sacas de su obra mas famosa? ¿Friedkin despues del Exorcista? Peor. Mucho peor. Para el personaje, digo. Un ambulanciero que no puede salvar a nadie. Un experto en vigilancia que escucha todo pero no controla nada. Una mujer en un motel barato que empieza a ver bichos que quizas no existen. Un conductor normal perseguido por un camion sin rostro en una ruta vacia. Cuatro peliculas. Cuatro directores en estado de gracia. Ninguna en el top de nadie. Esta es la tercera parte de nuestra trilogia sobre las obras menos canonicas de Scorsese, Spielberg, Coppola y Friedkin — las que quedaron tapadas por El Padrino, Tiburon, Apocalypse Now y El Exorcista, y que sin embargo tienen tanto o mas para decir. Vidas al Limite (1999) — Martin Scorsese — Nicolas Cage hace de ambulanciero al borde del colapso en una Nueva York que esta en sus ultimos anos de ser esa ciudad fantasmagorica y gotica que Scorsese retrato toda su carrera. Escrita por Paul Schrader, el mismo de Taxi Driver. El montaje frenético no es un capricho: es el ritmo de la falopa desde adentro. La pelicula transcurre en el 93, justo antes de que Giuliani "limpiara" la ciudad. Es la despedida de esa Nueva York. ️ La Conversacion (1974) — Francis Ford Coppola — Mientras todos lo asociaban con El Padrino, Coppola saco este thriller psicologico sobre un experto en vigilancia obsesionado con la privacidad y la paranoia. Gene Hackman como un hombre que escucha todo pero no puede controlar su propio destino. Gano la Palma de Oro en Cannes el mismo ano que El Padrino II. Mas vigente que nunca. Bug (2006) — William Friedkin — Ashley Judd y Michael Shannon encerrados en un motel barato de Oklahoma. El descenso a la locura paranoica filmado como obra de teatro — porque lo es: adaptacion de la obra de Tracy Letts, el mismo de Killer Joe. Si pensabas que El Exorcista era lo mas perturbador que Friedkin podia hacer, esta pelicula te corrige. Intensa, claustrofobica, fuera de cualquier radar. Duel (1971) — Steven Spielberg — La primera pelicula de Spielberg. Un conductor normal en una ruta vacia es perseguido por un camion sin rostro ni razon aparente, escrito por Richard Matheson. Puro suspenso sin explicacion. Clase magistral de tension con cero presupuesto. El embrion de todo lo que vino despues. En este episodio tambien discutimos: La etapa rara de Scorsese entre Casino y Los Infiltrados — Kundun, Pandilla de Nueva York, y por que Vidas al Limite quedo enterrada en el medio de todo eso Nicolas Cage en su prime — antes del meme, despues del Oscar, haciendo de heroe de accion Y actor de caracter al mismo tiempo La Nueva York de Scorsese como personaje — y esta pelicula como su despedida de esa ciudad pre-Giuliani ✍️ Paul Schrader como escritor — Taxi Driver, Toro Salvaje, y por que siempre esta haciendo la misma pelicula sobre personajes al borde de la redencion Robert Richardson como director de fotografia — la conexion estetica con Oliver Stone y Natural Born Killers que se cuela en el montaje frenético La paranoia como hilo conductor — las cuatro peliculas hablan de exceso, descontrol y miedo desde adentro Este episodio no viene a darte el top de estos directores. Viene a mostrarte lo que dejaste pasar. Tambien exploramos Vidas al Limite (Bringing Out the Dead), La Conversacion (The Conversation), Bug, Duel, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, William Friedkin, Nicolas Cage, Gene Hackman, Ashley Judd, Michael Shannon, Patricia Arquette, Tom Sizemore, Ving Rhames, John Goodman, Marc Anthony, Cliff Curtis, Paul Schrader, Robert Richardson, Tracy Letts, Richard Matheson, Walter Murch, Taxi Driver, Toro Salvaje (Raging Bull), Casino, After Hours, Pandilla de Nueva York (Gangs of New York), Los Infiltrados (The Departed), El Lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street), El Padrino (The Godfather), El Padrino II (The Godfather Part II), Apocalypse Now, El Exorcista (The Exorcist), Tiburon (Jaws), Kundun, Carretera Perdida (Lost Highway) de David Lynch, True Romance, Ed Wood, Natural Born Killers de Oliver Stone, The Wire, Fear The Walking Dead, Enemigo del Estado (Enemy of the State), La Noche Se Mueve (Night Moves), Take Shelter, Killer Joe, el libro In the Blink of an Eye (El Momento del Parpadeo) de Walter Murch, el cine de los 90 y su estetica MTV, la Nueva York pre-Giuliani, la paranoia nixoniana y el Watergate, el genero fantastico norteamericano, True Detective, Liberacion (Deliverance), Perros de Paja (Straw Dogs), Relatos Salvajes, Christine de Stephen King, Joy Ride (Frecuencia Mortal), y el cine de la generacion de directores de los 70. Spotify | Apple

Historieta a Martillazos 09 - La Angustia | "Los Combates Cotidianos" de Manu Larcenet ¿La angustia viene de afuera... o es exactamente lo que no podés fotografiar ni poner a distancia? ⏳ ¿La conciencia de que todo va a terminar te paraliza... o es lo único que te obliga a elegir? ¿Por qué elegir duele tanto si se supone que la libertad es lo que más queremos? ️ En el núcleo de la angustia... ¿hay un culpable, o simplemente estás acá y tenés que lidiar con eso? ❓ ¿Cómo hacemos para seguir eligiendo cuando elegir duele? Hay una imagen que le hace justicia a la angustia: estar en la profundidad de un océano, nadando hacia la superficie, con una mochila llena de piedras. Querés escapar hacia cualquier lado, hacia ningún lugar, hacia adentro. Pero la angustia no está afuera. Está adentro. Y no te podés alejar de ella. Eso es "Los Combates Cotidianos" — guión y dibujo de Manu Larcenet. Una novela gráfica con un dibujo amable, casi cartoonish, que contiene una de las historias más honestas sobre el peso de existir que dio el cómic europeo. Marco, el protagonista, es un fotógrafo de guerra. Puede lidiar con cadáveres, ciudades destruidas, violencia abyecta. Mantiene la compostura. Pero no puede con que su pareja le pregunte si quieren tener hijos. Porque los horrores de la guerra están afuera. La angustia existencial, no. En este episodio cruzamos la obra de Manu Larcenet con: ☠️ Martin Heidegger — el ser-para-la-muerte: la muerte no es algo que nos pasa al final como un evento más. Es constitutiva de nuestra existencia. Existimos muriendo lentamente. Y cuando tomamos conciencia real de eso, ahí aparece la angustia. No el miedo a algo concreto: la angustia frente a la nada, a la posibilidad de la no-existencia Søren Kierkegaard — el vértigo de la libertad: la angustia no viene de la falta de opciones sino de tener demasiadas. La libertad absoluta viene con una responsabilidad de igual magnitud. Cuando elegís, siempre está la posibilidad de elegir mal. Y elegir mal, siendo conscientes de nuestra finitud, significa desperdiciar la existencia Albert Camus — el absurdo y el mito de Sísifo: buscamos sentido sabiendo que probablemente no lo hay. Construimos sabiendo que se va a destruir. Amamos sabiendo que vamos a perder. Y sin embargo, lo hacemos. Camus propone algo radical: imaginar a Sísifo feliz. No a pesar del absurdo, sino precisamente por haberlo aceptado Jean-Paul Sartre — no elegir también es una elección, y esa elección también tiene consecuencias. La libertad existencial no es empoderamiento ni "poder hacer lo que querés". Es la condena de tener que elegir sabiendo que cada elección implica una pérdida irreversible Simone de Beauvoir — no hay respuestas claras ni manual de instrucciones para vivir bien. Cada situación es única, cada decisión es compleja, y en las cosas importantes tenés que elegir sin certezas. Y aun así, tenés que seguir. Levantarte cada día y enfrentar la incertidumbre Emil Cioran — el pensamiento que no busca consolarte sino nombrarte con precisión quirúrgica. La angustia como condición, no como patología Este episodio no viene a calmarte. Viene a martillar todo lo que dabas por sentado sobre el peso de estar acá. También exploramos el concepto de angustia existencial en Martin Heidegger y su diferencia con el miedo concreto, el vértigo ante la libertad en "El Concepto de la Angustia" de Søren Kierkegaard, el absurdo y la rebelión en "El Mito de Sísifo" de Albert Camus, la libertad como condena en "El Ser y la Nada" de Jean-Paul Sartre, la ética de la ambigüedad en Simone de Beauvoir, el pesimismo lúcido de Emil Cioran, la angustia como experiencia corporal y no solo filosófica, la ansiedad como manifestación somática de la angustia existencial, el slice of life como género narrativo en el cómic europeo, las referencias cruzadas con "Maus" de Art Spiegelman, "Adolf" de Osamu Tezuka y "Arrugas" de Paco Roca como obras de peso emocional comparable mencionadas en el episodio, y "El Síndrome Guastavino" de Carlos Trillo y Lucas Varela como referente del dibujo amable que contiene historia densa. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Historieta a Martillazos 08 - La Identidad | "Grand Dolls" de Osamu Tezuka ¿Quién sos cuando nadie te está mirando... o cuando todos te están mirando demasiado? ¿Cuánto de lo que creés que sos lo elegiste vos... y cuánto te lo dijeron que eras? ¿Cambiar de opinión es traicionarte a vos mismo... o es exactamente lo contrario? ¿La identidad es algo que tenés... o algo que hacés todos los días? ️ Si te sacás todas las etiquetas con las que te definís o te definen... ¿qué queda? Imaginá esto: alguien se aparece y te dice que detrás de una cortina vas a encontrar quién sos realmente. La cruzás. Y lo que encontrás es una puerta con tu nombre y un cartel que dice "este sos vos, en toda tu esencia". La atravesás. Y del otro lado... es el día después de tu descubrimiento. Entonces, ¿qué vas a buscar después de haber terminado la búsqueda de vos mismo? Eso es "Grand Dolls" — guión y dibujo de Osamu Tezuka. 230 páginas que agarran el cliché de los usurpadores de cuerpos, el pánico de la Guerra Fría, el miedo a ser reemplazado desde adentro, y lo convierten en una bomba filosófica disfrazada de manga para pibitos. Tezuka era un embaucador. En el mejor sentido posible. En este episodio cruzamos la obra de Osamu Tezuka con: Jean-Paul Sartre — la existencia precede a la esencia: primero existís, y a partir de tus decisiones vas creando quién sos. No hay un "yo verdadero" esperándote al final. Eso es liberador y aterrador al mismo tiempo David Hume — no hay un "yo" permanente. Lo que llamamos identidad es una colección de percepciones y experiencias que cambian constantemente. No podés bañarte dos veces en el mismo río John Locke — lo que nos da continuidad es la memoria. Pero si la memoria puede fallar, ser alterada o generar recuerdos falsos pero genuinos... ¿qué tan sólida es tu identidad? ⚡ Michel Foucault — el poder no reprime tu identidad: la crea. La familia, la escuela, el trabajo, los medios te constituyen como sujeto. Pero si el poder te crea, también podés re-crearte. Resistir es posible Slavoj Žižek — la ideología opera como unos lentes que no podés sacarte. Ves el mundo a través de estructuras de control tan naturalizadas que ni siquiera las cuestionás. Grand Dolls, como "They Live" de Carpenter, las hace visibles ️ Gloria Anzaldúa — las "borderlands": la identidad híbrida, mestiza, contradictoria no es una falta de identidad pura. En la frontera, en el mestizaje, hay una potencia enorme. La identidad que no se deja fijar resiste la clasificación Stuart Hall — la identidad no es un ser, es un devenir. No tenés una identidad: tenés múltiples identidades posicionales que ocupás según el contexto. Ninguna es más verdadera que las otras Este episodio no viene a decirte quién sos. Viene a martillar tu certeza de que ya lo sabés. También exploramos el esencialismo aristotélico y su crítica en la filosofía existencialista de Jean-Paul Sartre, el "yo" como haz de percepciones en David Hume, la memoria como fundamento de la identidad personal en John Locke, los dispositivos de poder y la constitución del sujeto en Michel Foucault, la ideología como estructura invisible en Slavoj Žižek y su análisis de "They Live" de John Carpenter, la identidad posicional y la posmodernidad en Stuart Hall, las "borderlands" y la conciencia mestiza en "Borderlands/La Frontera" de Gloria Anzaldúa, el principio ordenatorio como herramienta de control político, la figura del doppelganger como metáfora de la usurpación ideológica, el manga de Osamu Tezuka como dispositivo político y filosófico, "La invasión de los usurpadores de cuerpos" versión 1978 como referente cinematográfico mencionado en el episodio, y la desobediencia como práctica de creación de identidad propia. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Historieta a Martillazos 07 - La Razón Instrumental | "Pulp" de Ed Brubaker y Sean Phillips ⚙️ ¿Por qué cuando alguien te pregunta "¿para qué sirve esto?" automáticamente empezás a justificar? ¿De qué sirve llegar a viejo en una sociedad que solo valora lo que produce? ¿Cuándo fue que dejaste de ser una persona y te convertiste en "capital humano"? ¿El trabajo que sostiene la vida pero no genera ganancia directa... simplemente no existe? ️ ¿Y si la trampa no fuera no tener respuesta... sino creer que tenés que responder? Hay una frase muy argentina, con la sabiduría de las frases cortas bien dichas: "El tango te espera." Te la dicen cuando sos pendejo y querés que todo sea ahora, radical, inmediato. Y tiene razón. Pero hay algo más que también te espera: la vejez. Y la pregunta que la sociedad le hace a la vejez — no siempre con palabras, a veces solo con políticas públicas — es la más brutal de todas: ¿para qué sirven? Eso es "Pulp" — guión de Ed Brubaker, dibujo de Sean Phillips, colores de Jacob Phillips y Elizabeth Breitweiser. 72 páginas que agarran a Max, un ex cowboy del salvaje oeste reconvertido en escritor de historietas de western, viejo, descartado, ninguneado. Y le devuelven la dignidad. No porque sea útil a ninguna industria. Sino porque es un ser humano con historia, con experiencia, con dignidad. En este episodio cruzamos la obra de Ed Brubaker con: ⚙️ Max Horkheimer — la razón instrumental: calculamos medios para fines al menor costo posible. Impecable para cadenas de producción. Un tumor cuando se aplica a las ideas, el arte y las relaciones humanas Herbert Marcuse — la sociedad unidimensional: cuando la única racionalidad aceptada es la instrumental, todo lo que no sirve para algo se vuelve irracional. Y lo irracional se reprime — no siempre con violencia física, sino con burla, desprecio y ninguneo Max Weber — los medios más racionales pueden llevar a los fines más irracionales. La energía atómica es el ejemplo perfecto: cálculo científico perfecto al servicio de pulverizar dos ciudades civiles Silvia Federici — el trabajo reproductivo y de cuidado: todo ese laburo que sostiene la vida pero no genera ganancia directa. Sistemáticamente invisibilizado. Y cuando las mujeres que lo hicieron toda la vida llegan a viejas, la sociedad les pregunta: ¿para qué sirven ahora? Bolívar Echeverría — valor de uso vs. valor de cambio: una persona no vale por lo que ES, vale por lo que PRODUCE. Cuando dejás de producir al ritmo que el mercado exige, te convertís en descartable Este episodio no viene a decirte para qué sirve la filosofía. Viene a martillar tu certeza sobre para qué —y para quién— tenés que justificar tu propia existencia. También exploramos el concepto de razón instrumental en "Crítica de la Razón Instrumental" de Max Horkheimer, la sociedad unidimensional en "El Hombre Unidimensional" de Herbert Marcuse, la racionalización y la jaula de hierro del capitalismo en Max Weber, el trabajo reproductivo y la economía del cuidado en Silvia Federici, la distinción entre valor de uso y valor de cambio en Bolívar Echeverría, la cosificación de las relaciones humanas bajo la lógica productivista, la obsolescencia programada de las personas en el capitalismo tardío, la figura del jubilado y las amas de casa como descartados del sistema, el western post-crepuscular como género y la obra de Ed Brubaker y Sean Phillips, las conexiones con "Érase una vez en Hollywood" de Quentin Tarantino como referente cinematográfico mencionado en el episodio, y el rebranding de "Recursos Humanos" a "Capital Humano" como síntoma ideológico. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 16 - Genios Lado B Parte 2 | Sorcerer y Munich ¿Podés hacer la mejor pelicula de tu carrera y que nadie la vea porque salió el mismo año que Star Wars? ¿Que pasa cuando Spielberg saca el filtro del pochoclo y te deja solo con un nudo en el estomago? ️ ¿Hay diferencia real entre venganza y terrorismo cuando los dos terminan exactamente en lo mismo? ¿Puede una pelicula de accion en la selva ser tambien una meditacion sobre el destino y la redencion? ¿Que queda de un tipo cuando ya no puede volver a ser el que era antes de hacer lo que hizo? Cuatro criminales transportando nitroglicerina por la selva. Un comando de elite cazando responsables de un atentado real por toda Europa. Dos directores en estado de gracia haciendo exactamente lo que quisieron — y pagandolo caro. Continuacion directa de Parte 1. Seguimos con las obras menos canonicas de los gigantes del Nuevo Hollywood — las que quedaron tapadas por la historia y que sin embargo tienen tanto o mas para decir que sus peliculas mas famosas. Sorcerer (1977) — William Friedkin — Cuatro exiliados con el peor curriculum posible llegan a un pueblo del infierno en algun lugar de America Latina. La unica salida: transportar camiones llenos de nitroglicerina por caminos de selva, donde cualquier sacudon puede volarlos por los aires. Friedkin filmo esto en condiciones de produccion casi apocalipticas — enfermedades tropicales, puentes que se llevaba la corriente, un piromano real contratado para volar un tronco. El resultado es un thriller de nervio puro que tuvo la mala suerte de salir el mismo año que Star Wars. Perdio contra Luke Skywalker en la boleteria. Pero si la ves hoy, te vuela la peluca. Munich (2005) — Steven Spielberg — Basada en los atentados durante los Juegos Olimpicos de Munich de 1972, donde un comando de Black September tomo como rehen a la delegacion israelita. La pelicula no se queda ahi: sigue al equipo del Mossad que salio a cazar a los responsables por toda Europa. No hay heroes. No hay redencion. Solo tipos atrapados en un ciclo de violencia que no pueden parar aunque quieran. Spielberg sin el filtro del pochoclo. Spielberg incómodo, crudo, que no te suelta la mano pero tampoco te da el abrazo que esperabas. En este episodio tambien discutimos: El año de Star Wars y por que Sorcerer no tuvo chance — lo que pasa cuando una obra maestra choca de frente con el nacimiento del blockbuster moderno La banda sonora de Tangerine Dream — como la musica electronica de los 70 le da a Sorcerer un tono que ninguna orquesta clasica hubiera logrado La escena del puente colgante — filmada de verdad, en produccion caótica, sin pantalla verde, con un puente que se lo llevó la corriente y tuvieron que buscar otro Friedkin y Buñuel — por que Francisco Rabal esta en esta pelicula y la historia del mal encargo en The French Connection La iluminacion de Munich como lenguaje — la paleta calida cada vez que aparece la familia, cada vez mas apagada a medida que Avner se va perdiendo ️ Los thrillers de paranoia de los 70 como referencia — El Dia del Chacal, Tres Dias del Condor, como Munich esta mas cerca de eso que del Spielberg de ET Este episodio no viene a darte el top de estos directores. Viene a mostrarte lo que dejaste pasar. Tambien exploramos Sorcerer, Munich, William Friedkin, Steven Spielberg, Roy Scheider, Francisco Rabal, Eric Bana, Daniel Craig, Mathieu Kassovitz, Geoffrey Rush, Ciaran Hinds, Tangerine Dream, John Williams, Walter Murch, Henri-Georges Clouzot, El Salario del Miedo (Le Salaire de la Peur, The Wages of Fear), The French Connection (Contacto en Francia), El Exorcista (The Exorcist), Tiburon (Jaws), La Lista de Schindler (Schindler's List), Rescatando al Soldado Ryan (Saving Private Ryan), los Juegos Olimpicos de Munich 1972 (Munich Olympics 1972), el atentado de Black September (Black September attack), el Mossad, la masacre de Munich, Luis Buñuel, Francisco Raval, Star Wars, el nacimiento del blockbuster, el Nuevo Hollywood (New Hollywood), los thrillers politicos de los 70, El Dia del Chacal (The Day of the Jackal), Tres Dias del Condor (Three Days of the Condor), el conflicto israelo-palestino, Operacion Ira de Dios (Operation Wrath of God), la pelicula Angry, la coproduccion europea en los 70, y el libro Vengeance de George Jonas en el que esta basada Munich. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: @escuchaloen1.5podcast Con Pablo y Nicolas

Historieta a Martillazos 06 - La Patria | "Turba" de Lauri Fernández ️ ¿La patria es algo que tenés... o algo que te construyeron sin preguntarte? ¿Qué diferencia real hay entre defender un territorio e invadir uno? ¿Podés quitarte la bandera para responder honestamente? ¿El himno que cantaste en el patio de la escuela te une... o te encierra en un relato que alguien necesitaba que creyeras? ⛓️ ¿Quién escribió el relato de lo que sos? ¿Y qué voces quedaron deliberadamente afuera? ️ ¿De qué patria hablamos? ¿La del pibe que volvió a vender rifas en el tren... o la de los que lo mandaron a poner el cuerpo? Dos ejércitos. Dos relatos. Dos versiones de la misma guerra donde los pibes pusieron el cuerpo y el poder movió las fichas como en un juego de dominó. Andrés Accorsi dijo que no entendía cómo Turba no era lectura obligatoria en todos los colegios del país. Suena exagerado hasta que lo leés. Después no podés dejar de repetirlo. Eso es "Turba" — guión y dibujo de Lauri Fernández. 140 páginas que no cuentan UNA versión de Malvinas: cuentan muchas. Argentinos y británicos. Soldados y civiles. Oficiales y conscriptos. Familias que perdieron hijos. Pibes que volvieron rotos. Una polifonía que va contra la narrativa oficial, contra la Historia con mayúscula, contra la versión única. Nuestro propio Maus. No como logro — como cicatriz. En este episodio cruzamos la obra de Lauri Fernández con: Hannah Arendt — el amor a la patria no es lo mismo que el nacionalismo. El primero es conexión genuina. El segundo es la idea de que tu nación está en la cima de la pirámide, y que los otros son una amenaza a la pureza ideológica ️ Benedict Anderson — las naciones son comunidades imaginadas: no son algo natural ni eterno, son construcciones mentales colectivas que se sostienen en narrativas sobre quiénes somos y qué nos diferencia de los otros Eric Hobsbawm — la "invención de la tradición": los himnos, los próceres, las ceremonias escolares tienen una fecha de nacimiento concreta. Fueron diseñados para generar el sentimiento de pertenencia común. Y si fueron inventados una vez, pueden ser cuestionados ⛓️ Silvia Rivera Cusicanqui — nuestras naciones latinoamericanas fueron imaginadas desde el poder colonial. Las fronteras las trazaron las metrópolis. Los próceres los eligió una narrativa oficial que silenció otras voces. La descolonización debe ser también mental: ¿quién construyó la idea de lo que sos? Jacques Derrida y Homi Bhabha — la identidad nacional no es algo fijo que tenés o no tenés. Es un relato que se cuenta constantemente, que se repite, que se transforma. No existe "el verdadero argentino": eso es una ficción que alguien quiere imponer como verdad Este episodio no viene a decirte qué es la patria. Viene a martillar tu certeza sobre a qué — y a quién — le pertenecés realmente. También exploramos el concepto de comunidades imaginadas en "Comunidades Imaginadas" de Benedict Anderson, la invención de la tradición en "La Invención de la Tradición" de Eric Hobsbawm, el totalitarismo y la condición humana en la obra de Hannah Arendt, la colonialidad del poder y la descolonización mental en Silvia Rivera Cusicanqui, la identidad nacional como narración en Homi Bhabha, los mecanismos de las narrativas hegemónicas, la Guerra de Malvinas y las Islas Falklands como dispositivo político de la última dictadura militar argentina y del gobierno de Margaret Thatcher, el nacionalismo como herramienta de control político, la soberanía territorial y la construcción del enemigo externo, los veteranos de Malvinas y su abandono institucional, la polifonía narrativa como gesto político en "Turba" de Lauri Fernández, y las conexiones con "Maus" de Art Spiegelman y "Los Surcos del Azar" de Paco Roca como referentes del género testimonial en historieta. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 15 - Genios Lado B Parte 1 | Tucker: The Man and His Dream y After Hours ¿Que pasa cuando un genio tiene mas ideas que billetera y el sistema decide que eso es un problema? ¿Puede la peor noche de tu vida ser una comedia... o es una comedia exactamente porque es la peor noche de tu vida? ️ ¿El sueño americano es una promesa o una trampa que te deja bien entretenido mientras te aplasta? ¿Como hacen estos directores para dejarte su marca en una pelicula que filmaron con dos mangos? ¿Que le queda por contar a un genio cuando ya hizo su obra maestra? Preston Tucker quiso revolucionar la industria automotriz norteamericana con un auto adelantado a su epoca. Los tiburones de Detroit lo aplastaron. Un oficinista de Manhattan solo queria pasarla bien una noche. Nueva York lo vomito en una espiral de desgracias que no terminaba nunca. Dos directores del Nuevo Hollywood en sus peliculas mas olvidadas. Dos peliculas que tienen tanto para decir como las obras que les taparon el sol. Esta es la Parte 1 de nuestro especial sobre el lado B de los genios del cine — Coppola, Scorsese, Spielberg y Friedkin. Las joyas que pasaron por abajo del radar y que merecen su revindicacion. Tucker: The Man and His Dream (1988) — Francis Ford Coppola — Jeff Bridges como Preston Tucker, el soñador que quiso enfrentarse a la industria automotriz de Detroit con un auto del futuro y termino aplastado por la burocracia, los lobbies y la corrupcion. Es la primera pelicula que filmo Coppola despues de la muerte de su hija y se nota: es catartica, idealista, casi autobiografica. Coppola usando a Tucker para hablar de su propia pelea con los estudios de Hollywood. Con fotografia de Vittorio Storaro, Martin Landau haciendo de contador con secretos, y Diane Lane como la musa de la generacion. Film good movie de alto voltaje que no te aburre un segundo. After Hours (1985) — Martin Scorsese — Griffin Dunne como un oficinista gris de Manhattan que sale a buscar garchar y termina atrapado en una noche interminable donde todo lo que puede salir mal sale mal. Comedia negra filmada en produccion minima, toda de noche, que parece un especial de terror de Seinfeld escrito por Kafka. La Nueva York de Scorsese como laberinto gotico. Con Rosanna Arquette, Linda Fiorentino, Teri Garr, fotografia de Michael Ballhaus y musica de Howard Shore. La pelicula oculta de Scorsese que con el tiempo se fue convirtiendo en de culto. En este episodio tambien discutimos: El Nuevo Hollywood — Roger Corman como escuela de cine, la crisis financiera de los estudios, la Nouvelle Vague como influencia, y como todo ese milagro se corto rapido ️ Vittorio Storaro en Tucker — el director de fotografia de Bertolucci y Coppola y esas superposiciones de imagenes luminicas que hacen pequena produccion parecer grande Coppola en los 80 — despues de Corazonada, como el tipo que siempre apostaba todo y siempre iba al limite, Tucker como la pelicula donde procesa la derrota con dignidad La Nueva York de Scorsese como personaje — After Hours, Taxi Driver, Calles Salvajes: la misma ciudad en distintos momentos del dia, siempre como un infierno o un purgatorio Howard Shore en su primera colaboracion con Scorsese — como la musica le da el ritmo de pesadilla a una pelicula que en papel parece una comedia Michael Ballhaus y Thelma Schoonmaker — como el director de fotografia que venia de Fassbinder y la montajista de toda la carrera de Scorsese construyen juntos el estilo de la pelicula Este episodio no viene a darte el top de estos directores. Viene a mostrarte lo que dejaste pasar. Tambien exploramos Tucker: The Man and His Dream, After Hours, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Jeff Bridges, Griffin Dunne, Martin Landau, Diane Lane, Lloyd Bridges, Joan Allen, Rosanna Arquette, Linda Fiorentino, Teri Garr, Cheech and Chong, Dick Miller, Vittorio Storaro, Howard Shore, Michael Ballhaus, Thelma Schoonmaker, Roger Corman, el Nuevo Hollywood (New Hollywood), la Nouvelle Vague, Easy Rider, Tucker Preston Tucker, la industria automotriz de Detroit, Taxi Driver, Calles Salvajes (Mean Streets), Toro Salvaje (Raging Bull), Buenos Muchachos (Goodfellas), El Rey de la Comedia (The King of Comedy), El Color del Dinero (The Color of Money), La Ultima Tentacion de Cristo (The Last Temptation of Christ), New York New York, El Padrino (The Godfather), El Padrino II (The Godfather Part II), Corazonada (One from the Heart), La Ley de la Calle (Rumble Fish), Apocalypse Now, Ford contra Ferrari (Ford v Ferrari), Tropico de Cancer de Henry Miller, el homenaje a los Lumiere en la apertura de After Hours, el sueño americano, la paranoia urbana en los 80, y el cine de la generacion del Nuevo Hollywood. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: @escuchaloen1.5podcast Con Pablo y Nicolas

Historieta a Martillazos 05 - La Trascendencia | "El Escultor" de Scott McCloud ¿Si pudieras crear algo que sobreviva mil años... pero te costaría la vida, lo harías? ¿El miedo a ser olvidado es más fuerte que el miedo a morir? ⏳ ¿La finitud es una condena... o es lo único que hace que lo que hacés importe? ❤️‍ ¿Trascendemos a través del arte... o también a través de las personas que cambiamos para siempre? ¿Qué queda cuando ya no estás? ¿Algo tuyo sigue ahí del otro lado del tiempo... o todo se apaga? Un escultor sin futuro. Un tío muerto que aparece con una oferta. Poder ilimitado para crear cualquier cosa que imagines, darle forma física a todo lo que pase por tu cabeza, sin límites técnicos, sin materiales que te frenen. El precio: doscientos días de vida. Ni uno más. Ni uno menos. David acepta sin pensarlo dos veces. Porque está desesperado. No por el éxito — por el reconocimiento. Por ser recordado. Eso es "El Escultor" — guión y dibujo de Scott McCloud. El mismo tipo que escribió "Understanding Comics" (o como se tituló en su edicion de Astiberri "Entendiendo el cómic") y logró algo que parecía imposible: explicar cómo funciona la historieta usando la historieta misma. Acá demuestra que no solo entiende el lenguaje — lo domina por completo. Una novela gráfica agridulce, metafísica y costumbrista al mismo tiempo, que no te suelta hasta que terminás de pensar qué estás haciendo vos con el tiempo que tenés. ️ En este episodio cruzamos la obra de McCloud con: Martin Heidegger — el "ser-ahí": una humanidad que ES en un tiempo y espacio determinado. ¿Por qué HAY cuando pudo no haber habido nada? Søren Kierkegaard — la angustia existencial que surge cuando te das cuenta de que tu vida es finita. Puede paralizarte. O puede ser el impulso que te empuje a crear Jorge Luis Borges — la paradoja de "El inmortal": si viviéramos eternamente, nada de lo que hacemos tendría valor. Es la finitud la que hace que importe lo que hacemos con ese tiempo Jorge Luis Borges también en "Funes el memorioso" — necesitamos el olvido tanto como la memoria. Cuando creamos algo, estamos eligiendo qué queremos que se recuerde ❤️‍ Simone de Beauvoir — la muerte no es el fin del sentido, es lo que le da urgencia a la vida. Elegir amar a alguien sabiendo que lo vas a perder es una de las formas más radicales de ejercer tu libertad Ernesto Sábato — el arte es una forma de salvación frente al absurdo. No en un sentido religioso. En el sentido de que hace que valga la pena haber estado acá Khalil Gibran — trascendemos no solo a través de lo que creamos con las manos, sino a través de cómo afectamos a los demás. No hace falta ser artista para trascender. Hace falta dejar huella en alguien Este episodio no viene a decirte cómo vivir eternamente. Viene a martillar tu certeza sobre para qué creás y qué querés dejar. También exploramos el pacto fáustico como dispositivo narrativo en "El Escultor" de Scott McCloud, el concepto de ser-ahí o Dasein en la obra de Martin Heidegger, la angustia existencial como impulso creativo en Søren Kierkegaard, la paradoja de la inmortalidad en "El inmortal" de Jorge Luis Borges, el exceso de memoria como parálisis en "Funes el memorioso" de Jorge Luis Borges, la libertad radical ante la muerte en Simone de Beauvoir, el arte como salvación frente al absurdo en Ernesto Sabato, la trascendencia a través del otro en "El Profeta" de Khalil Gibran, y el metadiscurso visual de "Understanding Comics" de Scott McCloud como forma de trascendencia pedagógica. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Historieta a Martillazos 04 - La Realidad | "¿Quién Mató a Rexton?" de Diego Agrimbau ️ ¿Ves la realidad... o ves lo que tus lentes ideológicos te dejan ver? ¿Confiar en tus sentidos requiere más fe que creer en Dios? ¿Quién te está dibujando el mundo sin que te des cuenta? ¿Hay hechos objetivos... o solo interpretaciones que lograron imponerse como LA realidad? ️ ¿Si la realidad puede cambiar, por qué les da tanto terror a los que mandan que lo sepas? Si googleás "qué es lo real" la respuesta más común es "lo obvio". "Lo que se condice con la realidad." Usar una palabra para definirse a sí misma. Circular, vacía, y que no te dice absolutamente nada. Entonces cambiemos la pregunta: ¿cómo me relaciono con la realidad? Y ahí arranca a complicarse todo. Porque si mi relación con la realidad es a través de los sentidos... los sentidos son menos confiables que un político en campaña. Fácilísimos de alterar. Fiebre, duelo, euforia, LSD — la realidad no cambia, pero nuestra visión de ella se va por las nubes. ¿Cómo sabemos qué hay ahí afuera de verdad si nunca podemos verlo sin filtro? Eso es "¿Quién Mató a Rexton?" — guión de Diego Agrimbau, dibujos de Patricio Delpeche, Gabriel Ippóliti, Fernando Baldó, Dante Ginevra, Pietro y Gato Fernández. Una novela gráfica argentina brutalmente metacomiquera que debería estar gastando las fotocopiadoras de la Facultad de Filosofía y Letras. La premisa parece un policial clásico: hay un muerto, Víctor Rexton, historietista despreciable. Hay sospechosos, motivos, versiones contradictorias. Pero acá viene la muñeca de Agrimbau: cada sospechoso es, dentro de la ficción, un historietista. Y su declaración es la historieta que él dibujó sobre los hechos. Cada dibujante real tiene un estilo completamente distinto — uno más realista, otro caricaturesco, otro oscuro, otro con movimiento. Cada estilo es una forma de ver. Cada forma de ver es una realidad distinta. Y Agrimbau no te lo oculta. Te lo pone en la cara. Te hace cómplice. En este episodio cruzamos la obra de Agrimbau con: ️ Slavoj Žižek — la ideología no es algo que "tenés", es la estructura misma de tu percepción. Los lentes que llevás puestos y no podés sacarte aunque creas que sí Ernesto Laclau — hegemonía: cómo un relato particular se naturaliza como LA realidad universal, hasta que cuestionarlo se vuelve un acto subversivo Gianni Vattimo — los medios masivos no te muestran la realidad, te muestran UNA versión de la realidad. La que les conviene que veas Protágoras — "el hombre y la mujer son la medida de las cosas": somos nosotros quienes les damos sentido a lo que llamamos real ⚖️ Immanuel Kant — hay estructuras universales de percepción que compartimos todos, pero el sujeto y el objeto se alteran mutuamente ✒️ Friedrich Nietzsche — "No hay hechos, solo interpretaciones" ️ Walter Mignolo — la colonialidad del saber: ¿quién decidió que el conocimiento occidental era el único válido? Edward Said — el orientalismo: cómo Occidente construyó una "realidad" sobre Oriente que no surgió de preguntarle a los orientales cómo se veían a sí mismos Este episodio no viene a decirte qué es real. Viene a martillar todo lo que dabas por sentado sobre lo que ves. También exploramos el concepto de ideología en relación a "They Live" de John Carpenter, el relativismo de Protágoras, el universalismo de Immanuel Kant, el perspectivismo de Friedrich Nietzsche, la teoría de la hegemonía de Ernesto Laclau, la colonialidad del saber de Walter Mignolo, el orientalismo de Edward Said, y la construcción mediática de la realidad según Gianni Vattimo — todo cruzado con la estructura narrativa y visual de "¿Quién Mató a Rexton?" de Diego Agrimbau con dibujos de Patricio Delpeche, Gabriel Ippóliti, Fernando Baldó, Dante Ginevra, Pietro y Gato Fernández. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 14 - Terror Rioplatense | Aterrados, Muere Monstruo Muere, Ojos de Madera y Al Morir la Matinee ¿Puede el terror argentino y uruguayo sacarse de encima los codigos yanquis y contar algo verdaderamente propio? ️ ¿Por que el conurbano bonaerense —Haedo, zona oeste— se convirtio en la escenografia perfecta del horror contemporaneo? ¿Giallo o Slasher? ¿Importa la etiqueta si la pelicula te deja pensando al dia siguiente? ️ ¿Que tiene que decir una pelicula de terror sobre los femicidios que una nota periodistica no puede? ️ ¿Y si el cine de barrio que se esta muriendo fuera el ultimo lugar donde todavia pasa algo que vale la pena ver? Estreno internacional. Primer invitado del otro lado del charco. Gabriel Llagostera de Balance Negativo y Conexion Comiquera cruza el Rio de la Plata para hablar de lo que nadie habla: el terror con acento rioplatense. Cuatro peliculas. Dos argentinas. Dos uruguayas. Todas filmadas con pocos recursos, mucha inventiva y algo que Hollywood hace decadas que perdio: identidad. Ojos de Madera (2017) — Roberto Suarez y German Tejeira — Opera prima en blanco y negro que funciona como un cuento de terror para adultos. Victor, un nino de 11 anos, pierde a sus padres en un accidente y llega a vivir con sus tios a un pueblo decadente. No habla. Ve cosas. Y la pelicula te hace ver con el. El color aparece solo una vez: en el flashback del accidente. La vida feliz que fue. Todo lo demas es oscuro. Influencias de Polanski, Truffaut, el terror clase B clasico. Una hora y pico que cuenta mas que muchas peliculas de presupuesto millonario. Esta en YouTube, gratis, en 1080p. ️ Aterrados (2017) — Demian Rugna — El director que despues haria la pelicula de terror argentina mas taquillera de la historia comenzo aca. Un barrio del conurbano bonaerense donde algo no cierra. Vecinos que se comportan raro. Apariciones. Fenomenos que desafian cualquier logica. Rugna cambia el punto de vista tres veces antes de asumir el personaje que llevara el climax, y eso solo ya es una decision narrativa que pocas peliculas de genero se animan a hacer. El terror en tu casa. El horror en lo familiar. El escepticismo argentino frente a lo sobrenatural como material dramatico perfecto. Muere, Monstruo, Muere (2018) — Alejandro Fadel — En el Valle de Uco, Mendoza, aparecen mujeres asesinadas. El oficial Cruz investiga. El marido dice que fue un monstruo. Y tiene razon. El monstruo existe y es exactamente tan perturbador como suena: visceral, sexual, brutal, con toda la cordillera de los Andes de fondo en pleno invierno. Fadel mezcla thriller rural, femicidios como subtexto, Cronenberg, Carpenter, y un mundo onirico que no le da tregua al espectador. Seleccionada en la seccion Un Certain Regard del Festival de Cannes 2018. Al Morir la Matinee (2020) — Maximiliano Contenti — Montevideo, 1993. Un cine viejo, casi vacio. Una proyeccion de terror italiana. Un asesino que entra y empieza a matar. La pelicula es a la vez slasher, giallo, homenaje y elegia al cine como espacio fisico y como experiencia colectiva que se esta yendo. El actor y director de terror uruguayo Ricardo Islas —mitico del videoclub de los 90— como asesino. La sala que se tine de rojo con la sangre del proyector. Un nino que lo ve todo y queda marcado. La pregunta que nadie hace en voz alta: cuando el cine muera, ¿quien va a llorar? En este episodio tambien discutimos: Por que el conurbano bonaerense se convirtio en el epicentro del terror argentino independiente, desde Plaga Zombie en los 90 hasta Rugna hoy — y por que siempre fue Haedo y zona oeste ️ Las locaciones del sur como herramienta narrativa: Mendoza, Montevideo, el pueblo rural uruguayo que no necesita un castillo para dar miedo El consumo de contenido en la era de las plataformas y por que peliculas como estas quedan fuera del radar aunque esten disponibles en Cine.ar completamente gratis El debate giallo vs slasher: donde termina uno y empieza el otro, y si la etiqueta ayuda o destruye la experiencia Este episodio no viene a convencerte de que el terror rioplatense es mejor que nada. Viene a demostrarte que hay algo ahi que no sabias que necesitabas ver. Tambien exploramos la filmografia de Demian Rugna (Aterrados / Terrified, Cuando acecha la maldad / When Evil Lurks), la obra de Alejandro Fadel como director (Los salvajes, Muere Monstruo Muere / Die Monster Die) y su trabajo como guionista en Leonera, Carancho y Elefante Blanco de Pablo Trapero, la opera prima de Roberto Suarez y German Tejeira (Ojos de Madera / Wooden Eyes), la filmografia de Maximiliano Contenti (Al Morir la Matinee, Neptunia), el terror independiente argentino y la influencia fundacional de Plaga Zombie, las referencias al giallo italiano de Dario Argento (Opera, Suspiria) y al slasher norteamericano, el actor y director uruguayo Ricardo Islas y su carrera en el terror de los anos 90 (Frankenstein Day of the Beast), el conurbano bonaerense como geografia del horror contemporaneo latinoamericano, l

Historieta a Martillazos 03 - La Otredad | "Castillo de Arena" de Pierre Oscar Lévy y Frederik Peeters ❓ ¿Quién sos realmente... o sos una construcción hecha de pedazos de otros? ¿El otro te da miedo porque es diferente... o porque su existencia te obliga a repensarte? ⛓️ ¿Cuántos centímetros te separan de ser vos el árabe de la playa? ¿El extraño que sobra? ¿Te entrenaron para ver al otro como descartable... y ni te diste cuenta? ️ ¿Y si el hecho de que seamos todos diferentes fuera justamente la característica que nos iguala? "Lo que Juancito dice de otros, habla más de Juancito que de los otros." Frase de patio de primaria. Pero en un momento donde el individualismo se vende como algo cool y la empatía se llama debilidad... nunca estuvo tan cargada. Una pareja de cuarentones en la playa. Aparente paz y serenidad. Hasta que aparece un árabe. Nadie lo invitó. Y eso solo ya es suficiente para que todo se desmorone. Eso es "Castillo de Arena" — guión de Pierre Oscar Lévy, dibujo de Frederik Peeters. Una novela gráfica cruda, ideológica y filosóficamente densa que te mete de lleno en las preguntas más incómodas sobre quién sos y quién es el que tenés al lado. Una de las más potentes de los últimos quince años. Por lo menos. En este episodio cruzamos la obra de Lévy y Peeters con: Emmanuel Lévinas — el YO que totaliza: cataloga al otro, lo incorpora a su narrativa, lo descarta cuando no lo entiende. Y los "muros de la totalidad" que nunca terminan de cerrar del todo Jacques Derrida — el "radicalmente otro": el que no encaja en ninguna categoría y nos obliga a repensar todo lo que creíamos saber Martin Buber — "Toda vida auténtica es encuentro": sin el otro no hay pensamiento complejo, no hay cultura, no hay humanidad ⛓️ Frantz Fanon — ¿hay tanta diferencia entre el imperialismo del siglo XVIII y los slogans de campaña de hoy? Rita Segato y su "pedagogía de la crueldad": el capitalismo no solo permite ver al otro como descartable — nos entrena activamente para que lo hagamos ❤️‍ Bell Hooks — el amor no es un sentimiento, es una acción política. Construir comunidad es la forma más concreta de resistencia Este episodio no viene a darte respuestas. Viene a martillar tu certeza sobre quién sos realmente. También exploramos los aportes de Georg Hegel sobre la imposibilidad del individuo aislado, el concepto de otredad en el lenguaje como sistema de diferencias, la xenofobia como mecanismo de control político, y la representación visual de los muros de la totalidad en el trabajo gráfico de Frederik Peeters. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 13 - Western | My Darling Clementine, El Hombre que Mato a Liberty Valance, Habia una Vez en el Oeste y The Proposition ️ ¿El western murio o solo cambio de piel y de territorio? ¿Por que el tren da mas miedo que cualquier pistolero? ¿Y a quien representa realmente? ⚖️ ¿Cuando la leyenda se convierte en hecho, que conviene mas: la verdad o la leyenda? ¿Por que Argentina — con gauchos, bandidos rurales y campanas del desierto — nunca desarrollo su propio western? ️ ¿Puede la civilizacion fundar un pais sin sangre? ¿O la barbarie siempre viene incluida? Un genero que Estados Unidos uso para explicarse a si mismo. Sus mitos de origen. Sus heroes y sus villanos. El territorio indomable. El hombre con el arma y el codigo de honor que termina siempre siendo desplazado por el progreso que dice defender. Cuatro peliculas. Ochenta anos de evolucion. Del clasico fordiano al western australiano del siglo XXI. My Darling Clementine (1946) — John Ford — El western clasico en su estado mas puro. Henry Fonda es Wyatt Earp: impecablemente afeitado, mas preocupado por su imagen que por los pistoleros. Ford narra el legendario tiroteo en el O.K. Corral de Tombstone, pero en realidad esta contando una tragedia griega sobre el amor, la familia y el sacrificio. Los arquetipos no podrian ser mas claros: el heroe rubio y limpito, el villano sucio y oscuro, la mujer decente y la fatal. Victor Mature como Doc Holliday — tuberculoso, alcoholico, con un pie en el infierno — como el personaje mas gris de toda la pelicula. ⚖️ El Hombre que Mato a Liberty Valance / The Man Who Shot Liberty Valance (1962) — John Ford — Veinte anos despues, el mismo director, otro western completamente distinto. Filmado en blanco y negro cuando casi nadie lo hacia, en interiores de estudio cuando Ford siempre amaba los exteriores de Monument Valley. Jimmy Stewart, John Wayne y Lee Marvin en un triángulo donde ya no hay buenos y malos claros sino codigos en colapso. La pelicula que tiene la frase mas honesta sobre como se construye la historia: cuando la leyenda se convierte en hecho, es mejor publicar la leyenda. El western que le da cierre al western clasico, con la propia conciencia del genero. Habia una Vez en el Oeste / Once Upon a Time in the West (1968) — Sergio Leone — El italiano que amo tanto al western de Ford que hizo la pelicula que Ford no podia hacer. Henry Fonda como villano — uno de los mayores riesgos del casting de la historia del cine. Quince minutos de apertura en una estacion de tren que son pura tension sin una sola palabra de mas. Charles Bronson. Jason Robards. Claudia Cardinale. Ennio Morricone dandole a cada personaje su propio tema musical. Filmada en Monument Valley, Almeria y Cinecitta. El ferrocarril — y el empresario que lo representa — como el verdadero villano del oeste: la civilizacion que viene a someter. The Proposition (2005) — John Hillcoat — El western que se fue a Australia y no romantico nada. Guy Pearce, Ray Winstone, John Hurt. Guion y musica de Nick Cave. Australia colonial a fines del siglo XIX: una colonia penal, un desierto que quiere matarte, familias de forajidos que resistieron al Imperio. El mito de Cain y Abel. Un pacto faustico en el primer acto. Un viaje al corazon de las tinieblas — mas Apocalipsis Now que Monument Valley — hacia el hermano mayor escondido en las colinas. El personaje de Ray Winstone como el unico con algun codigo moral, atrapado entre la barbarie de los bandidos y la barbarie apenas mas vestida de los milicos britanicos. En esta pelicula no podes ir con nadie. Esa es la pelicula. En este episodio tambien discutimos: Por que Argentina nunca desarrollo su propio western — teniendo gauchos, bandidos rurales y frontera con pueblos originarios — y que paralelo existe con el gaucho literario de Martin Fierro y la tradicion criollista El tren como simbolo del progreso y la civilizacion en el western: el elemento que termina con el salvaje oeste y convierte a sus pistoleros en reliquias del pasado El Spaghetti Western: como la crisis de los estudios norteamericanos en los 60 llevo a filmar en Espana e Italia, y como esa mirada externa enriquecio y transgredio el genero La evolucion del western clasico (Ford 40s) al crepuscular (Ford 60s) al europeo (Leone 60s) al contemporaneo (Hillcoat 2000s) — y por que el genero sigue vivo aunque cambie de territorio Este episodio no viene a convencerte de que el western es el mejor genero de la historia. Viene a demostrarte que lo estuviste viendo toda tu vida sin darte cuenta. Tambien exploramos la filmografia de John Ford (Stagecoach / La Diligencia, My Darling Clementine / Pasion de los Fuertes, The Man Who Shot Liberty Valance / El Hombre que Mato a Liberty Valance), la obra de Sergio Leone (Once Upon a Time in the West / Habia una Vez en el Oeste, The Good the Bad and the Ugly / El Bueno el Malo y el Feo, Once Upon a Time in America), el trabajo de John Hillcoat (The Proposition, The Road / La Carretera, Lawless), las act

Historieta a Martillazos 02 - El Tiempo | "Yo Maté a Adolf Hitler" de Jason ❓ ¿El tiempo es una unidad de medición objetiva... o una experiencia completamente personal e intransferible? ¿Si supieras que vas a repetir esta vida eternamente, tal cual, tomarías las mismas decisiones? ¿Somos seres que ESTÁN en el tiempo... o somos el tiempo mismo manifestándose? ⚙️ ¿El sistema te dejó alguna vez vivir el tiempo sin preguntarte si ese tiempo rinde? ️ ¿La obsesión por cambiar el pasado puede arruinarte el único tiempo que realmente existe? Un cliente entra a una oficina y le encarga a un asesino profesional matar a Adolf Hitler. El hitman pregunta cómo. La respuesta: "Con una máquina del tiempo, por supuesto." Tan natural como pedir pan en la esquina. Eso es Jason. Humor seco, animales antropomórficos, preguntas existenciales que te caen encima sin que parezca que te están dando una clase. "Yo Maté a Adolf Hitler" — 46 páginas noruegas que agarran el dispositivo más trillado de la ciencia ficción y lo convierten en una meditación sobre el propósito, la obsesión y lo que hacemos con el tiempo que tenemos. ⏳ El giro de la historia lo dispara todo: algo sale mal con la misión, el protagonista se pierde en la obsesión de arreglar el pasado... y Jason muestra con brutal claridad que esa obsesión no libera. Destruye. En este episodio cruzamos la obra de Jason con: ⏳ Paul Ricœur — tiempo cósmico vs. tiempo subjetivo: el que se siente como diez minutos cuando estás con alguien que amás Dōgen — el concepto zen "uji" o "tiempo-ser": no estás dentro del tiempo, vos SOS el tiempo manifestándose ahora Friedrich Nietzsche — el eterno retorno y la imagen del demonio que te condena a repetir esta vida tal cual, eternamente ⚙️ Hartmut Rosa — cómo el capitalismo redujo nuestra experiencia del tiempo a una sola pregunta agotadora: ¿esto rinde? Henri Bergson — el tiempo vivido que no se puede medir porque pertenece a un sujeto único Este episodio no viene a explicarte qué es el tiempo. Viene a martillar lo que creías saber sobre cómo lo estás viviendo. También exploramos los aportes de Rodolfo Kusch, el concepto del eterno retorno en "Así habló Zaratustra" y "La Gaya Ciencia" de Friedrich Nietzsche, la distinción entre tiempo cósmico y tiempo subjetivo en la obra de Paul Ricœur, y la temporalidad como trampa existencial en "Yo Maté a Adolf Hitler" de John Arne Sæterøy. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Historieta a Martillazos 01 - Dios | "Dios en Persona" de Marc-Antoine Mathieu ❓ ¿Dios nos creó a nosotros... o lo creamos nosotros a Él para no enfrentarnos solos a la muerte? ¿Y si creer o no creer fuera simplemente una apuesta? ☠️ ¿El "Dios muerto" de Nietzsche es el mismo Dios en el que vos creés? ¿Si la ciencia demostrara que existe, seguiría siendo Dios... o pasaría a ser una hipótesis de laboratorio refutable? ️ ¿Qué queda cuando Dios pierde fuerza como metáfora? ¿Vacío... o libertad? ¿Y si mañana Dios bajara a un café de barrio, pidiera un café con churros y la humanidad entera empezara a discutir quién tiene los derechos exclusivos de la entrevista? No iluminación espiritual. No rodillas en el suelo. Contrato de sponsoreo, campaña publicitaria y guerra por los derechos de imagen. Eso somos. Y "Dios en Persona" de Marc-Antoine Mathieu tiene el descaro de dibujarlo. El único mockumentary de la historia de la historieta — falso documental en viñetas, con toda la ironía del género — para desnudar lo más ridículo y lo más humano de nuestra relación con lo divino. Piensen en "Borat". Piensen en "This Is Spinal Tap". Ahora pongan eso en papel, con diálogos filosóficos de alto vuelo y humor negro con filo de navaja. El clímax: un juicio de la humanidad contra Dios por todos los males del mundo. Los que lo acusan necesitan que sea todopoderoso — para culparlo de todo. Los que lo defienden necesitan que sea casi un jubilado — para desligarlo de todo. Una ironía perfecta que no deja una sola viñeta sin tirar un caño. ⚖️ En este episodio cruzamos la obra de Mathieu con: Voltaire — "Si Dios no existiera, habría que inventarlo" ☠️ Friedrich Nietzsche — "Dios está muerto" y el Dios Moral como herramienta de control Søren Kierkegaard — la fe como salto visceral al vacío, no como certeza racional Miguel de Unamuno — el vértigo de la muerte como motor de la creencia Blaise Pascal — "Entre creer y no creer, me conviene más creer, solo por las dudas" Este episodio no viene a darte respuestas. Viene a martillar todo lo que creías saber sobre lo divino. También exploramos los aportes de Enrique Dussel e Ibn Arabi, el concepto del Dios Moral en "La Gaya Ciencia" de Friedrich Nietzsche, la institucionalización religiosa como dogma, y los paralelos entre certezas científicas y certezas religiosas en la obra de Marc-Antoine Mathieu. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 12 - Capitalismo: El Lado B | They Live, Two Days One Night, Sorry to Bother You y Tiempo de Revancha ¿Por que es tan dificil imaginarse una alternativa al capitalismo y tan facil imaginar el fin del mundo? ️ ¿Si hubiera unos anteojos que te dejaran ver la realidad tal cual es, te los pondrías? ¿O preferirías no saber? ⚙️ ¿Cuando fue que el call center se convirtio en la fabrica del siglo XXI? ¿Y cuando fue que nosotros aceptamos ser engranajes? ¿Que hace una persona cuando sabe que la situacion es una cagada pero igual elige no cuestionarla? ️ ¿Traiconar tus convicciones para sobrevivir el sistema o mantenerlas y que el sistema te destruya? Capitalismo modo dificil. Cuatro peliculas que no te dan discurso: te clavan una pica y la van girando despacio. Con el profe Martín Monsalve como invitado para ponerle nombre filosófico a lo que ya sabemos pero preferimos no nombrar. Marx. Althusser. El velo ideologico. La pulsion de muerte. La subjetividad sin anclaje. Todo eso. ️ They Live / Ellos Viven (1988) — John Carpenter — Oakland en crisis. John Nada —ya desde el nombre— llega a buscar trabajo y se topa con un laboratorio clandestino dentro de una iglesia. Encuentra unos anteojos. Los anteojos le dejan ver la realidad sin filtro: los carteles de publicidad dicen OBEDECE, CONSUME, REPRODUCE. Y los ricos, los policias, los medios: no son personas. Son la clase dominante literalmente vestida de monstruo. Carpenter en el 88, cuando Reagan dejaba el poder, filmando con presupuesto de clase B porque asi podia decir lo que queria sin que los productores lo pararan. Citada desde entonces en el documental de Slavoj Žižek "The Pervert's Guide to Ideology" como la metafora perfecta del velo ideologico: sacarse los anteojos duele. Y aun asi, hay gente que prefiere no ponerselos. Dos Dias, Una Noche / Two Days, One Night (2014) — Jean-Pierre y Luc Dardenne — Marion Cotillard tiene un fin de semana para convencer a sus 15 compañeros de trabajo de que voten a favor de su reincorporacion en lugar de cobrar un bono de 1.000 euros. La empresa ya dijo que puede funcionar con una persona menos. La votacion fue un viernes, sin avisarle, manipulada por el jefe. Lo que siguen es uno de los dilemas morales mas crudos del cine contemporaneo: cada companero tiene sus razones. Ninguno es el villano. Y la pelicula no te deja afuera: te pregunta que harias vos. Los Dardenne en estado puro —neorrealismo, camara encima del cuerpo, ninguna musica que te diga como sentirte— pero con un final que da vuelta todo lo que venias pensando. Sorry to Bother You (2018) — Boots Riley — Oakland, presente alternativo. Cassius Green, joven negro, consigue laburo en un call center. No vende nada. Hasta que un companero viejo le da el consejo: la voz del blanco. No hagas lo que hacias en el barrio. Habla como ellos quieren que hables. Y Cassius empieza a vender. A ascender. A entrar a pisos donde nadie de su mundo llega. Debut de Boots Riley, musico activista de The Coup que tardo diez anos en conseguir financiamiento para filmar esto. Comedia negra que arranca como satira laboral y termina en algo que no vas a ver venir. El incidente de los caballos. Ahi te quedas sin palabras. ⚔️ Tiempo de Revancha (1981) — Adolfo Aristarain — Filmada durante la dictadura. Estrenada durante la dictadura. Con Federico Luppi y Ulises Dumont. Dos trabajadores que se la juegan contra una corporacion minera gigante usando la unica herramienta que tienen. Lo que hace Luppi al final es uno de los mejores cierres de la historia del cine argentino —y latinoamericano, sin exagerar. La pelicula que no deberia haber pasado la censura y paso. La que te deja con la imagen grabada a fuego. La que Aristarain filmo sabiendo exactamente lo que estaba haciendo. En este episodio tambien discutimos: Marx, Althusser y el concepto de ideologia: no como partido politico sino como el horizonte de sentido de una epoca, determinado por los intereses de la clase dominante El call center como fabrica taylorista del siglo XXI: todo cronometrado, todo medido, cuerpos intercambiables, el sueldo como mecanismo de disciplina Detroit como simbolo del colapso del modelo industrial y el pasaje al modelo financiero — y como ese proceso expulso poblacion y destruyo comunidades enteras La diferencia entre cuello azul y cuello blanco como ficcion: cuando ambos son engranajes del mismo sistema y solo cambia el nombre con que los llaman Este episodio no viene a decirte que el capitalismo es una mierda. Viene a preguntarte que estas haciendo mientras tanto. Tambien exploramos la pelicula They Live de John Carpenter (1988) y su titulo alternativo Ellos Viven, el documental The Pervert's Guide to Ideology de Slavoj Žižek sobre la obra de Carpenter, el concepto de ideologia en Karl Marx y Louis Althusser (aparatos ideologicos del Estado), la nocion de pulsion de muerte en Sigmund Freud aplicada al contexto politico contemporaneo, la filmografia de los Hermanos Dardenne (Jean-Pierre y Luc Da

Escuchalo en 1.5 - Episodio 11 - Nuevo Hollywood | Targets, The Taking of Pelham 1-2-3, Vanishing Point y Two-Lane Blacktop ️ ¿Hubo realmente una epoca en que cualquier pelicula yanki de los 70 era buena... o eso es nostalgia de cinefilo? ¿Puede una pelicula sin argumento, sin personajes con nombre y sin final cerrado ser una de las mejores de la historia del cine? ¿Que convierte a un tipo que entrega autos en el ultimo heroe americano... o en su primer martir nihilista? ¿Por que el mejor thriller de los 70 lo dirigio alguien que casi nadie recuerda hoy? ¿Cuando fue la ultima vez que una pelicula termino y necesitaste hablar de ella durante tres dias? Años 70. Cada nueva pelicula norteamericana era una obra maestra. O casi. Scorsese. Coppola. De Palma. Friedkin. Los grandes nombres ya los conoces. Son las vacas sagradas. No vamos por ahi. Este episodio bucea mas hondo. Cuatro peliculas que no estan en las listas de siempre. Cuatro peliculas que cualquier cinefilo deberia haber visto y casi nadie conoce. Targets (1968) — Peter Bogdanovich — La pelicula fundacional. El puente entre el cine clasico de Hollywood y el Nuevo Hollywood que vendria despues. Boris Karloff interpreta a una estrella del cine de terror en plena decadencia, mientras en paralelo un veterano de Vietnam se convierte en un shooter que dispara desde un autocine a los autos que pasan. Bogdanovich la hizo en dos semanas para Roger Corman, reciclando metraje de una pelicula vieja de Karloff, y salio una de las mas profeticas y autoconscientes de la era. La realidad ya da mas miedo que la ficcion. Karloff lo sabe. La pelicula tambien. The Taking of Pelham One Two Three (1974) — Joseph Sargent — Un subte secuestrado en Manhattan. Un millon de dolares de rescate. Un plazo de una hora. Los secuestradores tienen nombres de colores: Mr. Blue, Mr. Green, Mr. Gray. Al frente del operativo de rescate, un burocrata cansado de la policia de transito: Zachary Garber, interpretado por Walter Matthau. Parte thriller de tension absoluta, parte comedia negra urbana con todos los personajes que hacen que Nueva York sea Nueva York. La escena final es un clasico que no se olvida. Quentin Tarantino copio los nombres de colores directamente para Reservoir Dogs. No es una coincidencia, es un homenaje. Vanishing Point (1971) — Richard C. Sarafian — Kowalski tiene que llevar un Dodge Challenger blanco de Denver a San Francisco en menos de 15 horas. Anfetaminas, ruta, policia. Lo que empieza como una apuesta con su dealer se convierte en una persecucion, en un manifiesto nihilista, en un viaje suicida contra el sistema. La voz de su conciencia es Super Soul: un DJ ciego que lo guia por la radio como si fuera un oraculo. Objeto de culto total que Tarantino homenajeó en Death Proof. Probablemente el unico road movie donde el final inevitable es tambien el unico final posible. Two-Lane Blacktop (1971) — Monte Hellman — El Driver es James Taylor, el cantante. El Mecanico es Dennis Wilson, de los Beach Boys. El antagonista se llama GTO. La chica no tiene nombre. Nadie tiene nombre. Una carrera de costa a costa en una ruta de dos carriles que nunca termina como carrera porque la pelicula no le debe nada a nadie. Esquire la proclamo "pelicula del año" antes de que se estrenara. El estudio la tiro sin publicidad en el fin de semana del 4 de julio. No fue nadie. Con el tiempo se convirtio en obra maestra. Monte Hellman fue mas tarde productor ejecutivo de Reservoir Dogs. Los circulos se cierran. En este episodio tambien discutimos: Roger Corman como el maestro invisible del Nuevo Hollywood — la escuela de bajo presupuesto que formo a Scorsese, Coppola, Bogdanovich y Hellman antes de que las escuelas de cine existieran como las conocemos ️ Por que el sistema de blockbusters mato la era dorada — y como los propios directores que construyeron esa libertad la destruyeron con sus propios Vietnam financieros (Coppola y Apocalipsis Now, Scorsese y New York, New York) ️ El cine de carretera existencialista como el genero mas genuinamente americano de los 70, desde Easy Rider hasta Duel de Spielberg y estas cuatro peliculas La autoconsciencia como marca del Nuevo Hollywood — directores que hacian peliculas sobre hacer peliculas, actores que interpretaban versiones de si mismos, estructuras que rompen la cuarta pared sin pedirte permiso Este episodio no viene a decirte que los 70 fueron mejores. Viene a mostrarte cuatro peliculas que todavia no viste y que te van a cambiar la forma de mirar el cine. Tambien exploramos el Nuevo Hollywood norteamericano (New Hollywood) y la crisis del sistema de grandes estudios hollywoodenses a fines de los 60, la influencia del cine europeo de autores en los directores americanos de esa epoca, la produccion independiente de Roger Corman y American International Pictures como escuela de bajo presupuesto para Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Peter Bogdanovich y Monte Hellman, el film noir urbano de los 70, el cine de carretera existencialista y nihil

OFF THE RECORD N°3! | THE FLASH! Let's get nuts! Este NO ES OTRO capitulo mas de ESCUCHALO EN UN 1.5 EL PODCAST! Pero sumamos un nuevo OFF THE RECORD! Como ustedes ya saben, a veces vamos a usar este espacio para romper con nuestras propias reglas y expandir un poquiiito mas las obras que hayamos recomendado en capitulos anteriores o tambien, como en este caso, hablar de obras actuales y un poco mas mainstream. Pablo fue a ver The Flash y salió como loooco del cine, chocho de la vida, olvidándose de la inflación en Argentina y de las propagandas politicas que te meten 100 por minuto cuando ves la tele o escuchas la radio (si, así de mucho le gustó). Mal CGI? Personajes odiosos? Problemas de guión?.... Personas ofendidas porque un actor borracho hizo cosas de borracho?... Te invitamos a escuchar a esta versión hombre-niño-casi-adulto que te va a dar un par de motivos para que te importe poquísimo lo que se anda comentando por ahi y disfrutes vos tambien de una de las peliculas de superheroes mas entretenida de los ultimos 10 años. Ya podes escucharlo en @ivooxcom, @spotify, @spotifyargentina y @spotifyspain #TheFlash #andymuschietti #dc #dccomics #hollywood #dcuniverse #superheroes #batman #batmantheanimatedseries #superman #wonderwoman #timetravel #flash #escuchaloen1.5 #podcast #podcasting #podcastargentina #podcastcolombia #cine #comics #movies #peliculas #anime #estrenos #manga #spotify #spotifyargentina #spotifycolombia #ivoox #argentina

Escuchalo en 1.5 - Episodio 10 - Cine Coreano | Memories of Murder y Spring, Summer, Fall, Winter... and Spring ¿Puede un thriller de asesino serial ser comedia negra, critica social y policial psicologico al mismo tiempo... o eso solo lo hacen los coreanos? ¿Cuantas vidas necesita una persona para entender el peso de sus propios errores? ¿Que tiene el cine coreano que Hollywood no puede copiar por mas que lo intente? ¿Si el ciclo de la vida siempre se repite, que sentido tiene intentar romperlo? ¿Por que el mejor cine del siglo XXI no viene de donde siempre vino? Corea conquisto el mundo. No solo de Parasite vive el ser humano: BTS, Samsung, el kimchi, Byung-Chul Han, el Juego del Calamar. La expansion cultural coreana es el fenomeno cultural mas grande del siglo XXI despues de Hollywood. Y tiene razon de ser. Porque los coreanos supieron hacer algo que muy pocos en la historia del cine lograron: dominar el genero popular y al mismo tiempo producir autores de primera linea. Dos polos que en cualquier otra cinematografia se ignoran mutuamente. En Corea conviven, se hibridan, se hacen mas fuertes el uno al otro. Este episodio trae dos peliculas que representan esos dos polos. Un salto al vacio de genero a festival. De humor negro a contemplacion pura. Memories of Murder (2003) — Bong Joon-ho — Corea del Sur, 1986, dictadura. En un pueblo rural aparecen mujeres asesinadas. Dos detectives con metodos y filosofias opuestas se hacen cargo del caso: el de pueblo, intuitivo y violento; el de Seoul, metodico e institucional. La investigacion no avanza. Los sospechosos se acumulan. El caso real estuvo sin resolver por 33 años. Bong Joon-ho lo convierte en un thriller policial que tambien es una comedia negra, una critica descarnada a la dictadura coreana y un estudio de como el sistema forma y deforma a los que lo sirven. Los tonos cambian de escena en escena — del gag mas absurdo al momento mas perturbador — sin que nada se sienta forzado. El ultimo plano rompe la cuarta pared y te mira a vos. Es uno de los ultimos planos mas perfectos de la historia del cine. Spring, Summer, Fall, Winter... and Spring (2003) — Kim Ki-duk — Volantazo total. Un monasterio flotante en medio de un lago en el Parque Nacional Juwangsan, Corea del Sur. Un maestro monje y su discipulo. Cinco estaciones. Cinco etapas de una vida: infancia, adolescencia, adultez, madurez, vejez. Sin dialogos innecesarios. Sin explicaciones. El ciclo del karma, el peso del deseo, la violencia como parte inseparable de la naturaleza humana, la redencion que no llega gratis. El set fue construido especialmente en ese lago — seis meses de negociaciones con el Ministerio de Ambiente para obtener el permiso. Kim Ki-duk murio por COVID en 2021. Aparece el mismo como actor en el segmento del invierno, un rol que tomo a ultimo momento cuando otro actor cancelo. En este episodio tambien discutimos: La industria del cine coreano desde los 90: como construyeron una maquina de genero popular que al mismo tiempo permitio florecer a directores de autor — algo que ni Hollywood logro sostener El paralelo entre la historia moderna de Corea (dictadura, neoliberalismo de los 90, crisis del FMI) y la historia argentina: por que los personajes coreanos le resultan tan reconocibles al espectador latinoamericano La tension entre polo de genero y polo art house en el cine coreano — Bong Joon-ho, Park Chan-wook y Kim Jee-woon en un extremo; Kim Ki-duk, Lee Chang-dong y Hong Sang-soo en el otro Por que la critica social en Memories of Murder esta mas en voz baja que en Parasite — y por que eso puede hacerla mas eficaz El budismo en Spring, Summer como camino de sufrimiento, no como postal de paz: los valores tradicionales coreanos en tension con la modernidad capitalista que vendria en los 80 Este episodio no viene a explicarte que es el cine coreano. Viene a mostrarte por que, una vez que entraste, no podes salir. Tambien exploramos el cine coreano contemporaneo (Korean Cinema / K-Cinema) y la expansion cultural coreana conocida como Hallyu o Korean Wave, la dictadura en Corea del Sur de los años 80 y su impacto en la produccion cinematografica, los crimenes reales de Hwaseong (Hwaseong serial murders) que inspiraron Memories of Murder de Bong Joon-ho (Salinui Chueok, 살인의 추억), la confeson del asesino real en 2019, los personajes moralmente grises en el cine de Bong Joon-ho en Parasite (Gisaengchung, 기생충), The Host (Gwoemul, 괴물), Mother (Madeo, 마더) y Okja, el simbolismo budista en Spring, Summer, Fall, Winter... and Spring (Bom Yeoreum Gaeul Gyeoul Geurigo Bom, 봄 여름 가을 겨울 그리고 봄) de Kim Ki-duk (Kim Gi-deok), el concepto del karma y el eterno retorno en su obra, la filmografia de Park Chan-wook incluyendo Oldboy, Sympathy for Mr. Vengeance y Lady Vengeance (trilogia de la venganza), la filmografia de Kim Jee-woon en A Bittersweet Life (Dal-kom-han In-saeng) e I Saw the Devil (Akmareul Boatda), la filmografia de Lee Chang-dong en Burning (Beoning), Poetry (Shi) y Peppermint Candy (Bakha

Bonus Track Episodio N°9: The Fade Out Este NO ES OTRO capitulo mas de ESCUCHALO EN UN 1.5 EL PODCAST! Pero sumamos un nuevo Bonus track! Como ustedes ya saben, a veces vamos a usar este espacio para romper con nuestras propias reglas y hablar de obras actuales y un poco mas mainstream o tambien, como en este caso, expandir un poquiiito mas las obras que hayamos recomendado en capitulos anteriores. Para seguir en el tren de las obras NOIR sobre las que hablamos en nuestro último episodio, Pablo nos recomienda un comic que salió entre el 2014 y el 2016 llamado THE FADE OUT. El guionista a cargo es un especialista en el género, ED BRUBAKER, a quien pueden tener de otros comics de casi el mismo género como CRIMINAL, o KILLED OR BE KILLED o FATALE y dibujado por su compañero perfecto, SEAN PHILLIPS The Fade Out es sin ninguna duda, uno de los MEJORES cómics del genero Noir que se hayan a publicado a lo largo de la ultima década pero por lejos! Si te copan las historias de misterio, de intriga criminal, de runfla empresaria, de los secretos mas oscuros y aberrantes pero que también tengan crítica social y política, metete de cabeza en esta novelita gráfica que no le vas a pifiar. #edbrubaker #seanphilips #thefadeout #policial #hollywood #noir #serienegra #seanphillips #image #imagecomics #thriller #brubaker #femmefatale #criminal #fatale #filmnoir #escuchaloen1.5 #podcast #podcasting #podcastargentina #podcastcolombia #cine #comics #movies #peliculas #anime #estrenos #manga #spotify #spotifyargentina #spotifycolombia #ivoox #argentina #argentinapodcastera #colombia #blacksad #sincity #frankmiller #robertrodriguez #thekillers #sabogal

Escuchalo en 1.5 - Episodio 9 - Especial Noir | The Killers, Blacksad y Sin City ️ ¿Puede el crimen tener tan buenos modales y tan pocas salidas? ¿La femme fatale manipula al hombre... o el hombre es simplemente tan boludo que se deja? ️ ¿Puede una historieta blanco y negro sobre animales antropomorficos ser la mejor novela noir de los ultimos 30 años? ¿Que queda cuando trasladás literalmente un comic a la pantalla, viñeta por viñeta? ¿Por que la ciudad de noche tiene mas moral que cualquier personaje que la habita? Gabardinas. Ciudades que se pudren solas. Tipos que no pueden escapar de su pasado. Femmes fatales que saben exactamente lo que quieren y exactamente como conseguirlo. Finales que no son final feliz porque el final feliz nunca existio en este mundo. Inauguramos segunda temporada con el genero mas amargo del siglo XX. Un episodio entero dedicado al NOIR — desde el clasico de Hollywood de los 40 hasta el comic francobelga mas premiado de los 2000, pasando por la traslacion cinematografica mas audaz de la historia de las adaptaciones. ️ The Killers (Los Asesinos / Forajidos, 1946) — Robert Siodmak — Un exboxeador espera su propia muerte sin oponer resistencia. Un investigador de seguros decide averiguar por que. Lo que sigue es la vida entera de un hombre reconstruida a pura flashback, a traves del testimonio de quienes lo conocieron. Ava Gardner en el rol definitivo de la femme fatale: Kitty Collins, el tipo de mujer que destruye a un hombre mientras el la mira destruirlo. Burt Lancaster en su debut cinematografico. Ernest Hemingway — que odiaba las adaptaciones de su obra — dijo que esta era la unica buena. Nominada a cuatro Oscar incluyendo Mejor Director. Siodmak, exiliado aleman que huyo del nazismo, trae el expresionismo europeo al corazon del Hollywood de posguerra: esa oscuridad no es decoracion, es una forma de ver el mundo. Blacksad (2000) — Juan Diaz Canales (guion) y Juanjo Guarnido (dibujo) — John Blacksad es un gato-pantera detective privado que opera en los Estados Unidos de los años 50. La serie tiene siete albumes publicados en el mercado francobelga — escrita en frances por españoles, ambientada en EEUU —, ganadora de multiples premios internacionales incluyendo el Premio Eisner y el Premio Harvey. El dibujante Guarnido es animador de Disney, y se nota: cada viñeta tiene el peso narrativo de una escena, las expresiones de los animales antropomorficos transmiten matices que un rostro humano tardaria paginas en explicar. Las historias van del noir clasico a la critica social del racismo y el supremacismo blanco, pasando por corrupcion, perversion y elites que se protegen entre si. Hay una edicion nacional argentina disponible. Sin City (2005) — Robert Rodriguez y Frank Miller — El comic de Miller trasladado literalmente a la pantalla, viñeta por viñeta. Blanco y negro absoluto con toques de color selectivo — la sangre roja, los labios rojos, el vestido verde. Quentin Tarantino dirigio un segmento. No es una adaptacion: es el comic en movimiento. Tres historias cruzadas en Basin City — una ciudad sin ley, sin esperanza y sin redenciones baratas. Lo que propone Miller es una version grotesca y extrema del noir: todo exagerado hasta el limite, todos los personajes llevados al maximo de sus arquetipos. Un experimento que funciono y que casi nadie logro replicar. Incluye a Bruce Willis, Mickey Rourke, Clive Owen, Rosario Dawson, Jessica Alba, Benicio del Toro. Sabogal (2015) — Jesus Ernesto Lozano y Santiago Mejia — Bonus colombiano. Produccion del estudio 3 Dados, Bogota. Un abogado ficticio defensor de derechos humanos que recibe amenazas de muerte y debe escapar del pais. El telón de fondo son crimenes reales: el asesinato del periodista y comediante Jaime Garzon, los falsos positivos, las masacres. Primera produccion colombiana realizada con Motion Capture de cuerpo y rostro en simultaneo. Esteticamente inspirada en Vals con Bashir de Ari Folman. Disponible en el canal de YouTube de 3 Dados. En este episodio tambien discutimos: ️ La distincion entre hardboiled y film noir — y por que la linea es mas porosa de lo que parece ️ La ciudad como personaje del noir: no solo escenario sino estado de conciencia del protagonista El exilio europeo que creo el noir americano — Siodmak, Fritz Lang, Billy Wilder, Otto Preminger y otros directores que escaparon del nazismo y llevaron el expresionismo aleman a Hollywood El Codigo Hays y el crimen que siempre paga — y como el noir trabajo dentro de esa restriccion para subvertirla La femme fatale: lectura clasica (la mujer que destruye al hombre) vs. lectura feminista (la mujer que usa las armas que tiene en un mundo de hombres) Este episodio no viene a explicarte que es el noir. Viene a meterte en la oscuridad y apagar la luz. Tambien exploramos el film noir norteamericano clasico (cine negro) y sus origenes en la novela negra de Dashiell Hammett (El halcon maltes / The Maltese Falcon) y Raymond Chandler, la influencia del expresionismo aleman en el

Off The Record N°2 | Scream 6, la más mediocre de la saga? Este NO ES OTRO capitulo mas de ESCUCHALO EN UN 1.5 EL PODCAST! Pero sí es el 2do OFF THE RECORD que vamos a estar haciendo! Intentaremos usar este espacio para romper nuestras propias reglas, salir de nuestro propio cuadrado y nuestra propia jaula tematica para dejar de buscar obras tapadas y permitirnos recomendar cositas fuera de los episodios habituales, hablar de obras actuales y mainstream y sumarnos a las discusiones que pueden estar sucediendo al momento de grabar esto. En esta ocasión Demi nos cuenta no solo que le pareció la ultima entrega de Scream 6, sino que tambien hace un repaso las obras que formaron el camino necesario para llegar a los slasher en general, incluyendo a perlitoas del giallo! Nos gustó? le sobran cosas? marvelearon otras? Escuchate este capitulito cortiiiisimo y en el que no vamos a hacer spoilers (uno chiquito en realidad) y debatí con nosotros sobre cuan equivocados estamos al respecto! Vos ya la viste? contános que te pareció en los comentarios! #escuchaloen1.5 #podcast #podcasting #podcastargentina #podcastcolombia #cine #comics #movies #peliculas #anime #manga #spotify #spotifyargentina #spotifycolombia #ivoox #argentina #argentinapodcastera #colombia #scream #wescraven #scream6 #terror #comedia #misterio #Slasher

Off The Record N°1: Avatar: El camino del agua Este NO ES OTRO capitulo mas de ESCUCHALO EN UN 1.5 EL PODCAST! Pero sí es el primer OFF THE RECORD que vamos a estar haciendo! Intentaremos usar este espacio para romper nuestras propias reglas, salir de nuestro propio cuadrado y nuestra propia jaula temática para dejar de buscar obras tapadas y permitirnos recomendar cositas fuera de los episodios habituales, hablar de obras actuales y mainstream y sumarnos a las discusiones que pueden estar sucediendo al momento de grabar esto. En esta ocasión les vamos a traer 7 motivos por los cuales vale la pena ir al cine a disfrutar de Avatar: El camino del agua! La segunda parte del imaginario del genio de James Cameron, un tipo que nos ha dando grandes joyas de la historia del cine pero que también muchos han tomado como deporte criticar y defenestrar solo porque está de moda. En un capitulito cortiiiisimo y en el que no vamos a hacer spoilers, es válido preguntarse: Porque Pablo eligió esta obra para ser la primera de nuestros OFF THE RECORD? La respuesta, es muy simple… pero va a estar detallado en 7 motivos que esperamos te convenzan de pagar la entrada al cine y verla en la mejor calidad posible! Vos ya la viste? contanos que te pareció en los comentarios! #escuchaloen1.5 #podcast #podcasting #podcastargentina #podcastcolombia #cine #comics #movies #peliculas #anime #manga #spotify #spotifyargentina #spotifycolombia #ivoox #argentina #argentinapodcastera #colombia #avatar#jamescameron #avatar2 #avatarthewayofwater #aventura

Escuchalo en 1.5 - Episodio 8 - Navidad Lado B | Tokyo Godfathers, The Silent Partner y Eyes Wide Shut ¿Qué pasa cuando la Navidad baja la guardia y muestra lo que esconde? ¿Puede un Papá Noel psicópata ser el mejor villano navideño del cine? ¿Tres vagabundos en Tokyo pueden ser la familia más navideña de todas? ¿El matrimonio perfecto puede destruirse en una sola noche de verdad? ¿Hay algo más navideño que descubrir que el mundo que conocés es una mentira? La Navidad que Coca Cola no te quiere mostrar. Tres indigentes con un bebé abandonado en la basura. Un cajero de banco que decide robarle al ladrón antes de que el ladrón lo robe. Un doctor de Manhattan que cruza la puerta equivocada y termina en una orgía de élite con máscaras venecianas. Este es el especial navideño de Escuchalo en 1.5. Tres películas. Un solo eje: el lado B de la Navidad. Tokyo Godfathers (2003) — Satoshi Kon — Gin, un alcohólico; Hana, una drag queen; Miyuki, una adolescente fugada de su casa. Los tres encuentran un bebé abandonado en la basura una Nochebuena en Shinjuku, Tokyo. La misión: devolvérselo a sus padres. Todo Tokyo se interpone. Satoshi Kon toma el cuento navideño y lo arrastra por el lado B de la ciudad — mafia, pobreza, violencia — sin perder nunca el corazón del relato. Animada por Madhouse Studios con una precisión visual que convierte los fondos urbanos en caras que sienten. La película más accesible del director, y por eso mismo la puerta de entrada perfecta a su obra. The Silent Partner (1978) — Daryl Duke — Miles Cullen es cajero de banco. Solitario, invisible, predecible. Hasta que descubre que un Papá Noel está planeando robar su banco. En vez de avisarle a alguien, decide robarlo él primero. Thriller canadiense con guion de Curtis Hanson — el mismo que dos décadas después dirigiría L.A. Confidential — y Christopher Plummer como uno de los villanos más perturbadores del cine de los 70. Elliott Gould en uno de sus mejores roles. Capitalismo dentro del capitalismo: un shopping center, un banco, y debajo de todo, el mismo instinto de siempre. Producto del boom del Can-Exploitation y el tax shelter canadiense. Una de las pocas películas que trasciende la categoría. Eyes Wide Shut (1999) — Stanley Kubrick — La última película de Kubrick, estrenada de forma póstuma cuatro días después de su muerte. Bill Harford es médico, casado con Alice, acomodado. Una noche, ella le dice algo que le destroza el ego. Y él sale. Una sola noche. Prostituta, orgía de élite con máscaras venecianas, ritos esotéricos, amenaza de muerte. La ciudad entera parece una red que lo atrapa. Colores rojo y azul. El arcoíris como guía. Máscaras que valen más que las caras. Tom Cruise y Nicole Kidman lo filman mientras atraviesan su divorcio real. Kubrick muere cuatro días después de entregar el corte final. El misterio sigue abierto. En este episodio también discutimos: Dos tipos de películas navideñas: las que celebran y las que critican la Navidad Coca-Cola La represión sexual como motor de la trama — Eyes Wide Shut como análisis del matrimonio, el deseo y el ego masculino ⚙️ El capitalismo y la clase social en The Silent Partner — el shopping center, el banco y la mentira bonita del sistema Satoshi Kon y la familia rota — Tokyo Godfathers como crítica a la familia tradicional japonesa ☠️ Kubrick: simbología esotérica, lecturas conspirativas y una muerte que sigue siendo un misterio Can-Exploitation: el boom del cine clase B canadiense de los 70 y cómo The Silent Partner lo trasciende Este episodio no viene a iluminar el árbol de Navidad. Viene a mostrarte lo que hay debajo del papel de regalo. También exploramos la filmografía de Satoshi Kon incluyendo Perfect Blue, Paprika, Millennium Actress y Paranoia Agent; animación de Madhouse Studios; Stanley Kubrick incluyendo 2001 A Space Odyssey, 2001 Odisea del Espacio, A Clockwork Orange, La Naranja Mecánica, The Shining, El Resplandor, Full Metal Jacket, Barry Lyndon, Dr. Strangelove y Lolita; Curtis Hanson y L.A. Confidential; Los Angeles Confidential; Christopher Plummer; Elliott Gould; Susannah York; Celine Lomez; Eyes Wide Shut basada en Traumnovelle de Arthur Schnitzler; referencias cruzadas a Black Christmas de Bob Clark, After Hours de Martin Scorsese, Inception de Christopher Nolan, Dolor y Gloria de Pedro Almodóvar, Bad Santa de Terry Zwigoff y Klaus de Sergio Pablos; Can-Exploitation cinema; tax shelter films Canada; cine canadiense años 70; represión sexual y matrimonio; esoterismo e Illuminati; Jeffrey Epstein; cine de animación japonesa navideño; Tokyo Godfathers Shinjuku; navidad oscura cine. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: escuchaloen1.5podcast Con Pablo, Nicolas, Alejandra y Demian

Escuchalo en 1.5 - Episodio 7 - Distopias | Alphaville y Hijos del hombre (Children of Men) ¿Que tan lejos esta el mundo de Alphaville de los algoritmos que ya deciden por nosotros? ¿Puede una democracia volverse totalitaria sin que nadie lo note y sin que nadie declare un golpe? ¿Que pasaria si la humanidad perdiera la capacidad de reproducirse? ¿Cuanto tardariamos en volvernos monstruos? ️ ¿Tiene sentido comparar el cine de Godard en 1965 con el de Cuaron en 2006? ¿O es la misma pregunta filmada con distintas camaras? ❤️‍ ¿Puede el amor ser un acto de resistencia politica en un mundo gobernado por maquinas y algoritmos? Un detective llega a una ciudad intergalactica en el Paris de 1965. Sin efectos especiales. Sin naves. Solo las calles de noche y una supercomputadora llamada Alfa 60 que controla cada pensamiento, cada decision, cada deseo. Godard no necesito ciencia ficcion para hacer ciencia ficcion. Uso Paris. Cuaron tampoco necesito nada especial. En 2006 filmo una Inglaterra que se rompe: sin bebes, sin futuro, sin piedad. Y lo mas perturbador no es lo que ves en pantalla. Lo mas perturbador es lo que queda fuera. Dos peliculas separadas por cuatro decadas. El mismo miedo. Alphaville (1965) — Jean-Luc Godard — Un investigador privado llega a la ciudad de Alphaville con la mision de encontrar al cientifico que creo la supercomputadora Alfa 60, el sistema que regula cada aspecto de la sociedad. Lo que parece una novela negra de ciencia ficcion es en realidad una critica feroz de la razon tecnico-cientifica, la explotacion del ser humano y el peligro de las sociedades tecnocraticas de control. Godard filma Paris de noche como si fueran autopistas intergalacticas: sin un centavo en efectos especiales, con camara en mano y un montaje que rompe todo lo establecido. Mezcla de cine negro, western y romance, adelantada decadas a cualquier conversacion sobre algoritmos, corporaciones y el fin de los valores. La gran pregunta de la pelicula: ¿que transforma la noche en luz? La respuesta: la poesia. Children of Men / Hijos del hombre (2006) — Alfonso Cuaron — Inglaterra autoritaria, xenofoba, fascista. Hace dos generaciones que no nace un bebe en el mundo. Un hombre comun recibe la mision de proteger a la unica mujer embarazada del planeta y llevarla a lugar seguro. Lo que Cuaron propone no es una distopia lejana: es nuestro presente exacerbado, con sus inmigrantes perseguidos, su control policial, su separacion de clases y su violencia cotidiana puesta siempre fuera de campo. Con planos secuencia imposibles, camara en mano sostenida durante minutos y una puesta en escena que pone el peso en lo que no se muestra, la pelicula no te cuenta el apocalipsis: te hace sentir que ya sucedio. En este episodio tambien discutimos: La diferencia entre mostrar la distopia y hacerla sentir: Godard pone todo sobre la mesa, Cuaron lo deja fuera de campo. ¿Cual funciona mejor en nuestro tiempo? ⚙️ El "totalitarismo invertido" segun el filosofo politico Sheldon Wolin: como una democracia puede girar hacia el totalitarismo sin que nadie lo declare, con el control viniendo de la propia sociedad civil El debate sobre el uso de la camara en mano: cuando el recurso potencia la historia (Mystic River de Clint Eastwood) y cuando se convierte en ruido visual permanente ️ Los paralelismos entre Children of Men, Terminator, V for Vendetta y la serie de comics Trees de Warren Ellis Por que Freud y El malestar en la cultura sigue siendo la mejor brujula para entender el mundo que vivimos, y por que hay que releerlo antes de que cumpla 100 anos Este episodio no viene a darte distopias de ciencia ficcion. Viene a mostrarte que ya estas viviendo en una. Tambien exploramos Alphaville (1965), Lemmy contra Alphaville, Jean-Luc Godard, Nouvelle Vague, Nueva Ola Francesa, Al final de la escapada, A bout de souffle, Sin aliento, Pierrot el loco, Banda aparte, Vivir su vida, Anna Karina, Eddie Constantine, Lemmy Caution, Children of Men (2006), Hijos del hombre, Alfonso Cuaron, Y tu mama tambien, Gravity, Roma, Harry Potter y el prisionero de Azkaban, Emmanuel Lubezki, Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine, cine distopico, ciencia ficcion politica, totalitarismo invertido, Sheldon Wolin, Democracy Incorporated, democracia dirigida, Sigmund Freud, El malestar en la cultura, Slavoj Zizek, Georg Wilhelm Friedrich Hegel, Jacques Lacan, V for Vendetta Alan Moore David Lloyd, Terminator James Cameron, Terminator 2 el juicio final, Mystic River Clint Eastwood, Trees Warren Ellis Jason Howard Image Comics, Soylent Green 1973 Richard Fleischer Charlton Heston, Metal Gear Solid 2 Sons of Liberty Hideo Kojima Konami, The Last of Us Naughty Dog, Snowpiercer Bong Joon-ho, cine de autor, cine politico, sci-fi, 1984 George Orwell, Un mundo feliz Aldous Huxley, Fahrenheit 451 Ray Bradbury, distopia, dystopia, regreso del fascismo, xenofobia, control algoritmico, hipervigilia. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: escuchaloen1.5podcast Con Pablo, Nicolas, De

Escuchalo en 1.5 - Episodio 6 - Terror sin Jumpscares | Cat People, The Lodge, The House y A Tale of Two Sisters ️ ¿Que le hace mas daño a tu cabeza: un monstruo que aparece de golpe o uno que nunca terminas de ver? ¿Puede el terror volverte mas humano? ¿O solo te muestra lo que ya eras? ¿Que tan lejos esta la disfuncion de tu familia de las que se muestran en estas peliculas? ¿Es el jumpscare una herramienta cinematografica legitima o simplemente el reflejo de un director que no confía en su propia historia? ¿El verdadero monstruo en el cine de terror siempre termina siendo el hombre? El violin chirria. La puerta se abre. Algo sale de la oscuridad y te revienta el timpano. Listo: susto. Eso no es lo que trajimos hoy. Hoy trajimos el tipo de terror que no tiene un momento especifico. El que se te mete adentro despacio y se queda varios dias. El que te hace preguntar: cuanto de esto ya esta pasando en algun lugar del mundo. Cuanto de esto ya esta pasando en tu casa. Cat People / La mujer pantera (1942) — Jacques Tourneur — Una mujer serbia radicada en Nueva York lleva consigo una maldicion: si consuma un matrimonio, se transformara en una pantera. Pero la pelicula de Tourneur no es realmente sobre la maldicion. Es sobre una sociedad que no puede tolerar lo que no comprende, sobre el deseo femenino como amenaza, sobre la diferencia cultural como peligro. Filmada en 1942 con casi nada de presupuesto para la RKO, Tourneur inventa sus mejores recursos para ocultar a la bestia: el sonido ambiental en lugar de musica, el fuera de campo como tension maxima. El mismo truco que despues Spielberg usaria con el tiburon en Jaws. Tourneur ya lo habia hecho treinta anos antes, por necesidad. El director de Retorno al pasado (Out of the Past) demuestra que el terror mas efectivo no muestra: sugiere. The Lodge / La cabana (2019) — Veronika Franz y Severin Fiala — Una madrastra con un pasado de suicidio masivo en secta religiosa queda atrapada con los dos hijos de su novio en una cabana nevada. Los directores austriacos de Goodnight Mommy (2014) llevan el terror psicologico hasta sus limites mas crueles: nadie es claramente el villano, todo el mundo tiene algo de victima y algo de victimario. Con Riley Keough en una actuacion imposible de sacudirse y Alicia Silverstone en una aparicion breve y escalofriante, la pelicula es un thriller de clima sostenido donde la pregunta no es si algo va a pasar sino cuanto vas a aguantar mirandolo. ️ The House / La Casa (2022) — Anthology Netflix — Tres cortos de stop motion animado, tres universos distintos, una misma casa como eje. Una familia aristocratica que vende su dignidad por un lugar en la sociedad. Un vendedor de inmuebles invadido por insectos que no puede controlar. Gatos antropomorficos en una inundacion apocaliptica que debate entre construir o escapar. La directora Niki Lindroth von Bahr y el equipo de directores que integran la antologia hacen algo que el terror live action raramente logra: meterse adentro de la angustia de clase y hacerla visible con personajes de peluche. La critica social mas filosa a veces viene envuelta en lana. ️ A Tale of Two Sisters / Una Historia de Dos Hermanas (2003) — Kim Jee-woon — Una joven vuelve a su casa despues de una internacion psiquiatrica y se encuentra con una madrastra que parece sacada de un cuento de hadas al reves: fria, hostil, casi sobrenatural. Lo que sigue es una de las peliculas mas barrocas y retorcidas del cine coreano, con una vuelta de tuerca en el segundo acto cuando todavia queda media hora de metraje y una resolucion que resignifica cada dialogo que viste antes. Mezcla de thriller psicologico, horror paranormal y drama familiar imposible de clasificar. Hay que volver a verla. En este episodio tambien discutimos: Por que el Luton Bus —el primer jumpscare de la historia del cine, en Cat People— sigue siendo mas efectivo que la mayoria de los jumpscares actuales, y que tiene que ver el bajo presupuesto con la creatividad El debate sobre el art horror o terror elevado: por que el termino genera friccion, quien lo usa bien (Ari Aster, Robert Eggers) y quien se queda en la estetica sin el fondo Argentina, 1985 de Santiago Mitre: una digresion necesaria sobre si una pelicula puede ser buena y demasiado didactica al mismo tiempo Sangre de Unicornio (2013) de Alberto Vazquez y My Little Goat (2018): dos cortometrajes de animacion de menos de 10 minutos cada uno que alcanzan para destrozar cualquier certeza sobre la infancia y la familia Por que los finales pesimistas son los que te persiguen, y por que el final feliz a veces es la mayor de las mentirasiones Este episodio no viene a pegarte un susto. Viene a quedarse. Tambien exploramos Cat People La mujer pantera Jacques Tourneur Val Lewton RKO 1942 terror clasico Hollywood cine de los 40 Out of the Past Retorno al pasado I Walked with a Zombie Yo anduve con un zombie The Lodge La Cabana 2019 Veronika Franz Severin Fiala Goodnight Mommy Riley Keough Jaeden Martell Alicia Silver

Escuchalo en 1.5 - Episodio 5 - WTF? Que acabo de ver | Being John Malkovich, Stalker y Animal Man ¿Para que meterse en el metaverso cuando podes meterte directamente en la cabeza de John Malkovich? ️ ¿Que es lo que realmente deseas? ¿Y si cuando llegaras a obtenerlo descubrieras que lo que deseabas era otra cosa? ⚙️ ¿Sos vos quien desea lo que deseas, o sos el producto de un algoritmo que lleva anos decidiendo por vos? ¿Puede un personaje de comic encontrarse cara a cara con su propio creador y pedirle explicaciones? ¿Que camino te lleva mas cerca de la verdad: la razon, la estetica o la fe? Un marionetista frustrado encuentra una puerta en el piso 7 y medio de un edificio de oficinas. La puerta da dentro de la cabeza de John Malkovich. Eso es todo lo que necesitas saber para entender que este episodio no va a ser como los otros. Hoy trajimos tres obras que no te sueltan la mano una vez que las terminas. Que se te pegan. Que hacen preguntas que no tienen respuesta prolija. Que te llevas varios dias en la cabeza. Prepara cafe. Bastante. Being John Malkovich / Como ser John Malkovich (1999) — Spike Jonze — Un marionetista incapaz de vivir su propia vida descubre un portal que lleva directamente a la mente de John Malkovich, el actor. Lo que parece una premisa de comedia negra es en realidad una diseccion brutal del deseo, la identidad, la voluntad y el control. Guion de Charlie Kaufman, quien ya desde aca demuestra que su cabeza funciona de una manera que el resto de la humanidad no puede replicar. Con John Cusack, Cameron Diaz y Catherine Keener en papeles que no se parecen a nada de lo que hicieron antes o despues. El director de Her construye aqui su primer largometraje y lo hace con una seguridad que desconcierta. La pregunta que queda: ¿cuantos de nosotros estamos viviendo la vida de otro en este momento? Animal Man (1988) — Grant Morrison — Un superheroe de segunda linea con el poder de tomar las habilidades de los animales cercanos. Suena menor. No lo es. Morrison agarra este personaje y empieza a hacer algo que el comic de superheroes no habia hecho antes: meterlo en una espiral donde el personaje se pregunta por que le estan pasando todas estas cosas, empieza a sospechar que hay alguien detras de todo, y termina encontrandose cara a cara con su propio creador. Meta-narrativa, derechos de los animales, ruptura de la cuarta pared, existencialismo en spandex. Con dibujos de Chazz Truog. Una de esas obras que, una vez que la lees, ves todo lo que vino despues como deuda con ella. Stalker (1979) — Andrei Tarkovsky — En algun lugar existe la Zona: un territorio cercado, misterioso, donde supuestamente hay una habitacion que cumple el deseo mas intimo de quien llega hasta ella. Un stalker, que es quien guia a las personas hasta ese lugar, conduce a un escritor y a un cientifico a traves de ese viaje. Filmada por Tarkovsky en locaciones que en realidad estaban contaminadas, basada en la novela Picnic al margen de la carretera de los hermanos Strugatski, la pelicula es una meditacion sobre la fe, la razon, el arte y la imposibilidad de conocer el propio deseo. Sepia en la ciudad, color en la Zona. Cada elemento es una decision. Nada es gratuito. Alex Garland la conocia muy bien cuando hizo Annihilation. Quizas demasiado bien. En este episodio tambien discutimos: El debate sobre la representacion en Hollywood y las plataformas: cupos, casting diverso, Amazon con Los anillos del poder, HBO con La casa del dragon y cuando la inclusion es genuina vs cuando es una estrategia de marketing Better Call Saul temporada final vs Breaking Bad: por que la serie derivada termino siendo mejor drama que el original Prey (2022): la mejor pelicula de Predator desde la primera, y por que Predator 2 con Danny Glover merece mas respeto del que recibe Crimes of the Future de David Cronenberg: el regreso al body horror canonico y que tan escandalo de verdad El debate sobre el art horror y los directores que generan fanbases toxicas (Ari Aster, Robert Eggers, Lynch, Tarkovsky) y como ese culto puede ser tan danino como el mainstream Este episodio no viene a explicarte lo que acabas de ver. Viene a asegurarse de que no puedas dejar de pensarlo. Tambien exploramos Being John Malkovich Como ser John Malkovich 1999 Spike Jonze Her Adaptation Charlie Kaufman John Cusack Cameron Diaz Catherine Keener John Malkovich Eternal Sunshine of the Spotless Mind Michel Gondry Animal Man Grant Morrison Chazz Truog DC Comics 1988 meta-narrativa cuarta pared derechos de los animales comics superheroes Stalker 1979 Andrei Tarkovsky Picnic al margen de la carretera Picnic extraterrestre Boris Strugatski Arkadi Strugatski Zona fe razon arte deseo inconsciente Chernobyl Annihilation Aniquilacion Alex Garland Nostalghia El sacrificio Solaris Andrei Rublev cine sovietico cine ruso Better Call Saul Breaking Bad Bob Odenkirk Vince Gilligan Prey 2022 Dan Trachtenberg Predator Predator 2 Danny Glover Crimes of the Future David Cronenberg body horror Los anillo

Escuchalo en 1.5 - Episodio 4 - Vampiros | Stake Land, Cronos, Una Chica Regresa a Casa Sola de Noche, Dejame Entrar y Lo que Hacemos en las Sombras ¿Qué hace más miedo: el vampiro bestia que no entiende de amor o el que te entiende demasiado bien? ¿Déjame Entrar es una historia de amor o la historia de cómo un vampiro consigue su próximo sirviente? ¿El romanticismo vampírico es una herramienta del horror o la trampa más vieja del mundo? ¿Se puede ser vampira, feminista y fascista al mismo tiempo? ¿Por qué el mockumentary es el formato perfecto para parodiar siglos de mitología vampírica? Un vampiro puede ser una bestia sin piedad que devora un bebé en los primeros diez minutos. O puede ser una nena de 12 años que te parte el alma. O cuatro roommates en Wellington que no saben limpiar la sangre del sofá. Este episodio es temático de punta a punta: repasamos la historia del mito vampírico desde Lilith hasta Crepúsculo, con escalas en Nosferatu, la era Hammer y el Drácula de Coppola. Sangre, colmillos y distintas formas de no morir nunca. Stake Land (2010) — Jim Mickle — Road movie post-apocalíptica donde los vampiros son animales sin protocolo ni romanticismo. Un chico rescatado por un cazador solitario cruza una América devastada en dirección al Norte, cruzándose con sobrevivientes, una monja y criaturas que no negocian. En los primeros minutos, un vampiro devora un bebé en cámara. El tono queda establecido y ya no hay vuelta atrás. Serie B honesta, efectos prácticos y supervivencia sin esperanza. ️ Cronos (1993) — Guillermo del Toro — La ópera prima del Toro, cuando todavía no lo había domesticado Hollywood. Un antiquario de Ciudad de México encuentra una máquina alquímica dorada que cabe en la palma de la mano y que genera una transformación lenta, melancólica e inexorable. Vampirismo sin colmillos ni capas: solo un viejo, su nieta y una caja que cobra precio. Tango de fondo, Ron Perlman enorme como villano y del Toro filmando con total libertad. Una Chica Regresa a Casa Sola de Noche (2014) — Ana Lily Amirpour — Filmada en California con actores de raíces iraníes pero con el corazón puesto en Irán. Blanco y negro preciosista, vampira en patineta que elige a sus víctimas con criterio propio. Sus víctimas son hombres que hacen lo que hacen, y a quien deja ir también lo elige. ¿Justiciera feminista? ¿Ángel fascista? ¿Las dos cosas? La sola idea de que una mujer camine sola de noche en Irán ya es el acto de rebelión. Ciudad fantasma, música espectacular y la protagonista en cada escena sosteniendo sola la película. Déjame Entrar (2008) — Tomas Alfredson — Suecia, las afueras de Estocolmo, invierno perpetuo. Oscar, el nene solitario que colecciona noticias de crímenes y ensaya venganzas contra un árbol con un cuchillito. Eli, la vecina nueva que no siente el frío ni parece necesitar invitación para entrar. Coming of age vampírico que funciona como historia de amor, como thriller y como algo mucho más oscuro si le prestas atención. La lectura rosa y la lectura perturbadora son igual de válidas. Una de las películas de vampiros más importantes de los últimos veinte años. Lo que Hacemos en las Sombras (2014) — Taika Waititi & Jemaine Clement — Cuatro vampiros comparten departamento en Wellington: Petyr el monstruoso (análogo de Nosferatu), Deacon el de los 80 (análogo de The Lost Boys), Vladislav el aristocrático (análogo del Drácula de Gary Oldman), Viago el romántico (análogo de Louis de Entrevista con el Vampiro) y Nick el crepusculesco recién transformado. Mockumentary de improvisación pura con 125 horas de material rodado. La historia avanza de verdad, los personajes tienen arcos y el mejor personaje es Stu: el amigo humano ingeniero de sistemas que cayó bien en rodaje y terminó en la película. En este episodio también discutimos: La historia del mito vampírico: de Lilith al siglo XVII, de Nosferatu a la era Hammer con Christopher Lee y Peter Cushing Drácula de Francis Ford Coppola (1992): el vampiro como héroe romántico del siglo XIX, los inventos industriales como contrapunto y Gary Oldman rompiendo todo Los vampiros de los 80: The Lost Boys, Near Dark de Kathryn Bigelow y la dualidad Christopher Lee / Peter Cushing El vampiro como héroe romántico en el sentido del movimiento cultural: la criatura desplazada, maldita y más viva que los vivos Vampiros en La Habana (1985, Juan Padrón) — animación cubana de Guerra Fría con jazz, vampiros y una guerra de mafias por el derecho a tomar sol Este episodio no viene a darte fichas de Wikipedia sobre vampiros. Viene a partirte la certeza de que ya sabías todo sobre ellos. También exploramos Stake Land, Strikeland, Tierra de Vampiros, Let the Right One In, Lat den ratte komma in, Dejame Entrar, What We Do in the Shadows, Lo que Hacemos en las Sombras, Caso Vampiro, Jim Mickle, Cold in July, Nick Damici, Tomas Alfredson, Tinker Tailor Soldier Spy, El Topo, Taika Waititi, Thor Ragnarok, Jojo Rabbit, Jemaine Clement, Flight of the Conchords, Guillermo del Toro, Cronos,

Escuchalo en 1.5 - Episodio 3 - Ilusiones Temporales | Me quiero comer tu pancreas, Castillo de Arena y Picnic en las Rocas Colgantes ⏳ ¿Qué harías con tu tiempo si supieras que se acaba mañana? ¿El amor duele más cuando sabés el final desde el principio? ️ ¿Puede una playa ser trampa mortal y metáfora al mismo tiempo? ¿Por qué los mejores misterios son los que nunca se resuelven? ¿Cuánto de lo que hacemos tiene sentido si de todas formas nos vamos a morir? Una chica con el páncreas enfermo que elige pasarla bien igual. Una playa que te roba décadas en horas. Unas alumnas que suben a las rocas. Y no vuelven. Tres obras. Un eje brutal: el tiempo como arma. Me quiero comer tu páncreas (2018) — Shinichiro Ushijima Drama animado japonés que arranca con un spoiler y te golpea igual. Un chico reservado encuentra en una sala de espera el diario de una compañera que va a morir pronto: lo que empieza como un secreto compartido se transforma en algo que no tiene nombre limpio. Animación hermosa, ritmo que engancha, y un giro final que no ves venir aunque ya sabés el final desde el minuto uno. Una de esas películas que te abrazan mientras te rompen por dentro. ⏳ Castillo de Arena — Pierre Oscar Lévy & Frederik Peeters Novela gráfica suizo-francesa. Un grupo de familias llega a una playa aislada y descubre que el tiempo se acelera de forma brutal: los niños crecen en horas, los adultos envejecen en días. La obra no explica de dónde viene el fenómeno. Esa es exactamente su apuesta más salvaje. Cada personaje reacciona distinto ante la certeza del final inminente: el médico racionalista que niega lo evidente, la joven que decide aprovechar lo que le queda, el viejo que teoriza sin parar. Un espejo de la sociedad francesa y de cualquier sociedad. Dibujada por Frederik Peeters con una economía de línea que aprieta página a página. Base de la película Old (2021) de M. Night Shyamalan, que no llegó ni cerca. ️ Picnic en las Rocas Colgantes (1975) — Peter Weir El gran disparo de salida del cine australiano. San Valentín de 1900: chicas de un internado salen de excursión a Hanging Rock, una formación geológica volcánica en Victoria, Australia, y un grupo no vuelve. La película no resuelve el misterio. No le importa. Lo usa como excusa para hablar de todo lo que importa: sexualidad femenina reprimida bajo el colonialismo victoriano, el choque entre civilización y naturaleza, el despertar que ninguna institución puede contener. Y la naturaleza como amenaza — ese elemento constante del cine australiano que no es decorado sino protagonista. Hipnótica, extraña, perfecta. En este episodio también discutimos: Hannibal (NBC, 2013-2015) — la serie que convirtió la relación entre Will Graham y Hannibal Lecter en algo perturbadoramente bello, con Mads Mikkelsen en el rol de su vida Stranger Things temporada 4 — qué funciona, qué ya no, y por qué las primeras temporadas son difíciles de superar ️ El Demonio Neón (The Neon Demon, 2016) — Nicolas Winding Refn y sus metáforas visuales que dividen aguas ️ El Diablo a Todas Horas (The Devil All the Time, 2020) — gótico sureño, realismo sucio, esas historias del sur profundo norteamericano Lo fantástico como género — la diferencia entre fantasía y fantástico, por qué las obras de este episodio pertenecen al segundo, y qué tiene de poderoso un misterio que no se resuelve La nueva ola australiana de los 70 — el movimiento que transformó al cine australiano en una industria con identidad propia: naturaleza como amenaza, choque colonial, sexualidad como explosión Este episodio no viene a explicarte qué pasó en la roca. Viene a preguntarte qué estás haciendo vos mientras el tiempo pasa. También exploramos Shinichiro Ushijima, Kimi no Suizou wo Tabetai, I Want to Eat Your Pancreas, Yoru Sumino, Studio VOLN, anime drama japonés, animación japonesa coming of age, Pierre Oscar Lévy, Frederik Peeters, Château de sable, Castle of Sand, novela gráfica europea, bande dessinée suiza, Peter Weir, Picnic at Hanging Rock, Hanging Rock Victoria Australia, nueva ola australiana, Australian New Wave, cine australiano años 70, M. Night Shyamalan, Old 2021, The Truman Show, Dead Poets Society, Gallipoli, Nicolas Winding Refn, The Neon Demon El Demonio Neon, Hannibal NBC, Mads Mikkelsen, Hugh Dancy, Will Graham, Hannibal Lecter, Clarice, Stranger Things temporada 4, Dark serie alemana, True Detective, El Diablo a Todas Horas The Devil All the Time, lo fantástico como género literario y cinematográfico, cine de género, cine de autor, sexualidad reprimida cine, colonialismo británico cine, Australia colonia británica, pueblos originarios australianos, aborígenes australianos, ilusiones temporales, el tiempo como metáfora, anime drama, Midsommar, Wake in Fright Outback, George Miller Mad Max. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: escuchaloen1.5podcast Con Pablo Jimenez, Nicolas y Alejandra

Escuchalo en 1.5 - Episodio 2 - Dramones Turbios | Magical Girl, Cuando Marnie Estuvo Alli y BoJack Horseman ⏳ ¿Hasta dónde llegarías por salvar a alguien que querés con todo? ¿Podés conectar con alguien que quizás no existe del todo? ¿El amor puede convertir a alguien bueno en monstruo? ¿Cuánto tiempo podés huir de lo que sos antes de que te alcance? ¿Un vínculo imposible puede salvarte de vos mismo? Un padre que necesita dinero para cumplirle el último deseo a su hija. Una nena rota que conoce en un pantano a alguien que no debería existir. Un caballo famoso que destruye todo lo que toca, incluso a sí mismo. Tres historias oscuras. Tres tipos de amor que lastiman. Magical Girl (2014) — Carlos Vermut — Concha de Oro en San Sebastián Thriller español que empieza como un drama familiar con toque de crítica social —un padre sin trabajo quiere conseguirle a su hija Alicia, que tiene leucemia, el traje de su personaje de anime favorito— y en algún momento del primer acto te cambia el piso sin que te des cuenta. La película está dividida en tres actos, cada uno con un protagonista distinto: Luis, el padre; Bárbara, una mujer psicológicamente frágil con plata; Damián, un hombre con un amor obsesivo y oscuro hacia Bárbara. Los tres van girando en espiral hacia el mismo punto sin saberlo. Todos son personajes grises: ninguno es víctima pura, ninguno es villano limpio. El horror siempre queda fuera de campo —Vermut viene del cómic y lo filma casi todo con cámara fija, planos estáticos al estilo del cine japonés clásico— y sin embargo aprieta el estómago. Ganó la Concha de Oro en San Sebastián y hay razones para eso. Cuando Marnie Estuvo Allí (2014) — Hiromasa Yonebayashi — Studio Ghibli Ana es una nena de 12 años que no tiene amigos, no se quiere y está convencida de que nadie la quiere a ella. La mandan al campo a lo de unos tíos. Ahí, cerca de un pantano, conoce a Marnie —rubia, misteriosa, que aparece y desaparece— con quien siente una conexión inmediata que no sabe cómo explicar. La película habla de depresión adolescente, familia adoptiva, identidad y ese filo entre el amor y la obsesión que puede haber entre dos chicas cuando una de ellas todavía no sabe quién es. El pantano funciona como lugar de pasaje entre el mundo real y otro lado que la película no termina de nombrar. Basada en la novela británica de Joan G. Robinson —la más occidental de todas las Ghibli, según el mismo Yonebayashi— y visualmente imposible: cada fotograma podría ser un fondo de pantalla. Fue nominada al Oscar a mejor animación y perdió. Eso también habla de los Oscar. BoJack Horseman (2014-2020) — Raphael Bob-Waksberg — Netflix BoJack es un caballo antropomórfico que fue estrella de un sitcom familiar en los 90 llamado Horsin' Around y desde entonces no levantó cabeza. Alcohólico, egocéntrico, autodestructivo, incapaz de mantener ningún vínculo sin romperlo. La serie creada por Raphael Bob-Waksberg (también creador de Undone en Amazon) parece una comedia animada para adultos y es, en realidad, una de las series más honestas sobre depresión, adicción y las consecuencias reales de ser una mala persona que hizo Netflix. Voz de Will Arnett. La trampa es el humor: te hace reír, te afloja, y cuando estás abierto te mete la hoja. No es para maratonar. Exige atención. Y devuelve más de lo que pediste. En este episodio también discutimos: ️ Snowpiercer — el cómic original de Jacques Lob y Jean-Marc Rochette: ochentoso, hermoso, muy distinto a la película de Bong Joon-ho y a la serie The Last Days of American Crime — cómic de Rick Remender y Greg Tocchini: arte impresionante, personajes sórdidos, historia que se pasa rápido pero no deja mucho más Batman (2022) — Matt Reeves: más policial, menos músculos, arranque interesante que cae en el tramo final Trilogía de Adolfo Aristarain: Tiempo de Revancha, Últimos Días de la Víctima y Plata Dulce — cine argentino de los 80 que nadie está hablando y que habría que estar viendo Los Simuladores / Hermanos & Detectives — Damián Szifrón en su mejor versión televisiva Los Oscar y la animación — por qué los premios de la academia no sirven para nada, con evidencia concreta Este episodio no viene a darte catarsis. Viene a hacerte preguntas que no tienen respuestas lindas. También exploramos Carlos Vermut, Diamond Flash, Quién te cantará, Manticore, cine español contemporáneo, neo-noir español, Yorgos Lanthimos, Dogtooth Canino, La piel que habito, cine de personajes grises, Hiromasa Yonebayashi, Omoide no Manie, El mundo secreto de Arrietty, Studio Ghibli, Joan G. Robinson When Marnie Was There, Hayao Miyazaki, Isao Takahata, Studio Ponoc, Mary and the Witch's Flower, anime drama japonés, Raphael Bob-Waksberg, BoJack Horseman Netflix, Will Arnett, Amy Sedaris, Aaron Paul, Undone Amazon, animación adultos, Simpsons, Futurama, Rick and Morty, Better Call Saul, Fat Cat Comics Robert Crumb, Snowpiercer Le Transperceneige Jacques Lob Jean-Marc Rochette, Rick Remender Greg Tocchini, Batman 2022 Matt Reeves, Adolfo A

Escuchalo en 1.5 - Episodio 1 - Memoria y Duelo | La Casa, Burning y Nausicaa del Valle del Viento ️ ¿Que hacemos con las casas de los que ya no estan? ️ ¿Hasta donde llega la culpa cuando no sabes si paso algo real? ¿Puede una pelicula de 1984 hablar del mundo mejor que una de hoy? ¿Cuando termina el duelo y cuando empieza la excusa para no soltar? ¿Que pasa cuando una obra te habla de vos antes de que te hayas dado cuenta? Primer episodio. Tres obras completamente distintas que terminan hablando de lo mismo. De lo que queda cuando alguien se va. De los lugares que guardan memoria. De la culpa, los recuerdos y la decisión de seguir cargando o soltar. Un padre muere y deja una casa a tres hermanos que no saben qué hacer con ella. Una chica desaparece y nadie sabe si hubo crimen o ella simplemente decidió irse. Una princesa defiende un mundo que todos quieren quemar. La Casa (2015) — Paco Roca — Novela gráfica española de 128 páginas. Tres hermanos adultos regresan a la casa familiar para limpiarla y venderla tras la muerte del padre. En los primeros cuadros ya sabes lo que pasó: el padre estuvo viviendo solo sus últimos años, la casa quedó expuesta al tiempo, y cada hermano llegó con su propia mochila. La obra va alternando drama y comedia sin aviso, y hay momentos donde te da una cachetada emocional que no viste venir. Trazo de línea clara, ágil, lectura rápida. Universal porque en algún punto de tu vida vos también vas a ser alguno de esos hermanos. Burning (2018) — Lee Chang-dong — Thriller psicológico coreano basado en el cuento Quemar Graneros de Haruki Murakami. Jong-su es un aspirante a escritor que se reencuentra por azar con Haemi, una chica que vive en un micro departamento en Seul donde casi no entra la luz. Haemi vuelve de un viaje a Africa con Ben: rico, encantador, sin que nadie entienda bien de dónde saca la plata. La película se cocina a fuego lento durante cuarenta minutos antes de cambiar de género sin que te des cuenta. Narrador no confiable, tensiones de clase entre la Corea tradicional y la Corea de Samsung, y una escena de dialogo que es la mejor de toda la película. El final tiene tres lecturas posibles y las tres se sostienen. Nausicaa del Valle del Viento (1984) — Hayao Miyazaki — La película que inspiró Evangelion: Hideaki Anno fue animador en esta producción y de ahi salió el diseño de los angeles. Adaptación del manga del propio Miyazaki: una princesa de un valle pacífico defiende a criaturas gigantes que todos quieren destruir en un mundo devastado. Mad Max con Heidi, dicen. Música de Joe Hisaishi. Pelicula de 1984 que envejecio hacia adelante: anticipa Chernobyl, habla de contaminacion y guerra en el momento exacto en que estaban pasando. Protagonista femenina que sigue siendo un modelo a seguir cuarenta años despues. En este episodio tambien charlamos sobre: Vinland Saga (2019) — anime de Shuhei Yabuta sobre la conquista vikinga de Inglaterra, más enfocado en historia y personajes que en los clichés de violaciones y pillaje que vendió la tele. ️ The Innocents / Los Inocentes (2021) — Eskil Vogt — pelicula noruega de terror bajo el sol del verano nordico. Niños con poderes, algunos para el bien, otros muy retorcidos. Brawl in Cell Block 99 (2017) — S. Craig Zahler — drama carcelario violento, protagonizado por Vince Vaughn. Tiene el ritmo lento con explosion al final que caracteriza a Zahler. Este episodio no arranca con un manifiesto sobre el podcast. Arranca directamente con lo que importa: las obras. Tambien exploramos La Casa, The House, Paco Roca, Arrugas, Wrinkles, novela grafica espanola, novela grafica, comic espanol, duelo familiar, Premio Eisner 2020, Burning, Beoning, Lee Chang-dong, Haruki Murakami, Quemar Graneros, Barn Burning, Steven Yeun, Yoo Ah-in, Jong-su, cine coreano, Korean cinema, tension de clase Corea, Bong Joon-ho, Park Chan-wook, Poetry Lee Chang-dong, Secret Sunshine, Green Fish Pez Verde, Peppermint Candy Menta y Canela, Nausicaa del Valle del Viento, Nausicaa of the Valley of the Wind, Kaze no Tani no Naushika, Hayao Miyazaki, Studio Ghibli, Joe Hisaishi, Hideaki Anno, Neon Genesis Evangelion, manga Miyazaki, El viaje de Chihiro, Spirited Away, Mi vecino Totoro, Porco Rosso, Howl no Ugoku Shiro, El castillo ambulante, Vinland Saga anime, Shuhei Yabuta, manga Vinland Saga, vikingos anime, The Innocents Los Inocentes Eskil Vogt, cine noruego, Brawl in Cell Block 99 S. Craig Zahler, Vince Vaughn, Bone Tomahawk, Dragged Across Concrete, thriller coreano, thriller psicologico, animacion japonesa, anime clasico, cine asiatico. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: escuchaloen1.5podcast Con Pablo, Nicolas y Alejandra