Escuchalo en 1.5

Escuchalo en 1.5 - Episodio 20 - Comedrama y Dramedia | Harold and Maude, Un Burgues Pequeño Pequeño y Trenes Rigurosamente Vigilados ¿Puede una película hacerte reír a carcajadas y dejarte el alma en el piso en la misma escena? ¿Qué dice de una sociedad cuando sus mejores comedias son también sus tragedias más brutales? ¿Por qué el humor negro es la única respuesta honesta al absurdo del mundo? ⚙️ ¿Cuánto de tu identidad sacrificás para que tu hijo escale un peldaño que tampoco vale nada? ¿Se puede reír de un régimen totalitario desde adentro, sin que te aplaste? Un padre lleva a su hijo a rendir un examen. Una bala perdida. Y la película cambia de registro sin avisarte nada. Un chico de veinte años que ensaya suicidios falsos en el living para desesperación de su madre. Un empleado de estación que ve pasar los trenes, ve pasar la guerra, ve pasar su propia sexualidad y su vida entera — como si nada de eso le perteneciera. Tres comedias que no vienen a hacerte reír. Vienen a preguntarte si siempre estuviste llorando. Harold and Maude (1971) — Hal Ashby — Un chico de veinte años obsesionado con la muerte y los suicidios falsos que conoce a una anciana de 79 que le enseña a vivir. Contracultura pura de los 70, jipismo genuino, Cat Stevens como banda sonora de toda una generación. Ashby les pega a la familia, al psicoanálisis, al militarismo y a la iglesia en una sola película — sin subrayar nada. Bud Cort: el actor perfecto para el papel, carismático dentro de su nihilismo, imposible no empatizar. Un burgués pequeño pequeño (1977) — Mario Monicelli — Comedia costumbrista italiana que arranca como una película de Olmedo y Porcel y de pronto te destroza. Alberto Sordi como un burócrata de toda la vida dispuesto a todo para meter a su hijo en el estado. La escena de los masones es espectacular. Y entonces, sin aviso, en medio de un viaje hacia una oficina pública, la película cambia de registro para siempre. El giro más brutal que se discutió en este episodio. Trenes rigurosamente vigilados (1966) — Jiří Menzel — Checoslovaquia bajo ocupación nazi, un joven empleado de estación que ve pasar los trenes cargados de soldados y ve pasar su propia vida sin accionar nada. La película usa la Segunda Guerra para hablar de algo más cercano: la Primavera de Praga, la represión soviética, el socialismo de cara humana. La represión sexual como metáfora perfecta de la represión política. Oscar a la mejor película extranjera 1966. Una obra cumbre de la Nueva Ola Checoslovaca. En este episodio también discutimos: El jipismo de Hal Ashby y su carrera en los 70: Shampoo, Being There y la contracultura norteamericana post-Vietnam ️ La crítica a las instituciones en las tres películas: iglesia, estado, psicoanálisis, masones, burocracia La Nueva Ola Checoslovaca y la Primavera de Praga: Miloš Forman, Milan Kundera y el cine como resistencia política Cat Stevens como banda sonora total de Harold and Maude y por qué eso puede gustarte y saturarte por igual ️ El giro de registro en Un burgués pequeño pequeño: por qué no te lo ves venir — y por qué eso es exactamente el punto Este episodio no viene a recomendarte comedias. Viene a recordarte que la risa y el llanto salen del mismo lugar. Harold and Maude (1971) Harold y Maude. Director Hal Ashby. Actores Bud Cort, Ruth Gordon. Being There (1979) Bienvenido Mr. Chance desde el jardin. Shampoo (1975). Coming Home (1978). Contracultural cinema. Anti-establishment. Cat Stevens Tea for the Tillerman. Vietnam War. Un borghese piccolo piccolo (1977) Un burges pequeno pequeno. Director Mario Monicelli. Actores Alberto Sordi, Shelley Winters, Romolo Valli. Guion Sergio Amidei, Mario Monicelli, Vincenzo Cerami. Commedia all'italiana. Amici miei (1975). La grande guerra (1959) La gran guerra. Cine italiano clasico. Ostre sledovane vlaky (1966) Closely Watched Trains Trenes Rigurosamente Vigilados. Director Jiri Menzel. Actores Vaclav Neckar, Jitka Bendova, Josef Somr, Vlastimil Brodsky, Vladimir Valenta. Guion Jiri Menzel, Bohumil Hrabal. Novela Bohumil Hrabal. Nueva Ola Checoslovaca Czech New Wave. Primavera de Praga Prague Spring. Milan Kundera. La insoportable levedad del ser The Unbearable Lightness of Being. Bohumil Hrabal. Milos Forman. Vera Chytilova. Mi dulce pueblecito My Sweet Little Village (1985). Alondras en el alambre Larks on a String (1969). Comedrama. Tragicomedia. Comedia negra. Black comedy. Cine de los 60. Cine de los 70. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: escuchaloen1.5podcast Con Pablo y Nicolas

Historieta a Martillazos 11 - La Enseñanza | "Polina" de Bastien Vivès ¿Aprendemos porque queremos... o porque alguien o algo nos obliga? ¿La enseñanza nos libera... o es la forma más sofisticada de disciplinar personas desde pequeñas? ¿Qué diferencia a un maestro que te cambia la vida de uno que te arma según lo que el sistema necesita que seas? ️ ¿Podemos distinguir cuándo enseñar es guiar y cuándo es domesticar? ¿Vamos a seguir bailando al paso que alguien más nos coreografió... o vamos a movernos al ritmo de nuestro propio sentir? ¿Cuántas horas le habremos dedicado a calcular derivadas, conocer cuántos moles tiene una banana, o —los que fuimos a escuelas religiosas— memorizando pasajes de un libro escrito hace dos mil años? Años de nuestras vidas. Y al final, el primer laburo fue de cadete, de delivery, o bancándonos puteadas en atención al cliente. Y sin embargo, ahí estamos. Saliendo a la calle para defender la educación pública. Con la misma fuerza con la que otros nos mandaron de chicos a ese colegio al que muchos no queríamos ir. Hay algo en esa contradicción que dice todo sobre lo que la educación nos hace, lo que nos da, y lo que todavía no terminamos de entender sobre ella. Eso es "Polina" — guión y dibujo de Bastien Vivès. Un coming of age de sensibilidad enorme que sigue a Polina Oulinov desde la infancia bajo la tutela del maestro Bojinsky: un tipo exigente hasta las bolas, controversial, con quien Vivès juega todo el tiempo con los puntos de vista. No hay héroe ni villano. Hay una pregunta que flota desde la primera página: ¿hasta dónde debe estar el maestro, y desde dónde debe estar ella misma? En este episodio cruzamos la obra de Bastien Vivès con: ⛓️ Michel Foucault — las instituciones no se evalúan por lo que declaran que hacen, sino por los cuerpos y subjetividades que producen. En esa academia de ballet, el poder disciplinario es total. La sumisión es condición para el éxito. Y cuando eso se convierte en el eje de toda una formación, somos las personas que aprendemos a soportar lo que soportemos, a no-decir lo que callamos, a no-sentir lo que dejamos de sentir ️ Pierre Bourdieu — las instituciones educativas elitistas como instrumentos para mantener el statu quo. Bojinsky enseña las reglas del juego pero no permite cuestionarlas. La duda, la pregunta, el cuestionamiento son percibidos como obstáculos en el camino hacia la perfección Paulo Freire — la "educación bancaria": el maestro deposita conocimiento en el alumno como en una cuenta corriente vacía. El peligro no es producir ignorantes: es producir gente que aprende muy bien a no pensar por cuenta propia. Enseñar no es transferir conocimiento, es crear las posibilidades para su producción Friedrich Nietzsche — el hombre del martillo: destruye lo que creés que sabés para reconstruirlo desde cero. La transformación genuina no viene sin dolor, sin primero destruir lo que ya estaba roto. Bojinsky, según desde dónde lo miremos, es el partero socrático y el martillo nietzscheano al mismo tiempo Carl Rogers — el verdadero aprendizaje surge en ambientes de confianza y respeto mutuo. No en el miedo. No en la subyugación. Esa es la tensión que Polina y Bojinsky negocian a lo largo de toda la obra Ivan Illich — ¿las escuelas realmente educan o simplemente fabrican la necesidad de ser educados? La institución educativa como aparato de control que no solo enseña el contenido: enseña la sumisión como virtud, el sufrimiento en silencio como señal de seriedad ❤️ Martha Nussbaum — las emociones no son un ruido a eliminar en el proceso educativo, sino inteligencia. Una educación que no incorpora la vida emocional no te hace más riguroso, te hace más incompleto. Aprender a pensar sin aprender a sentir produce gente muy eficiente para reproducir lo que ya existe, y muy poco capaz de imaginar algo nuevo Adriana Puiggrós — la escuela pública argentina fue construida sobre una promesa: integrar, incluir, dar a los que menos tienen una herramienta que nadie puede quitarles. Esa promesa sigue siendo real. Por eso sigue siendo amenazada Este episodio no viene a decirte quién es el buen o el mal maestro. Viene a martillar tu certeza sobre quién te enseñó a ser lo que sos. También exploramos la mayéutica socrática y el concepto de partero de ideas, la "educación bancaria" en "Pedagogía del Oprimido" de Paulo Freire, el poder disciplinario y la microfísica del poder en Michel Foucault, el capital cultural y la reproducción social en Pierre Bourdieu, la desescolarización de la sociedad en Ivan Illich, las emociones como inteligencia en Martha Nussbaum, la pedagogía de la autonomía y el aprendizaje significativo en Carl Rogers, la historia de la educación pública argentina y el pensamiento de Adriana Puiggrós, el coming of age como género en el cómic europeo, la obra de Bastien Vivès y las controversias en torno a "Los Melones de la Ira" y "Petit Paul" mencionadas en el episodio, el ballet como disciplina y metáfora política, y las conexiones con "Whiplash" de D

Esto es Historieta a Martillazos | Lo que conocías ya no es lo que hay - Director's Cut Lo que estás por escuchar no es un episodio nuevo. Si ya me escuchaste antes, lo que conocés ya no es lo que hay. ️ Si nunca me escuchaste, esto es exactamente el punto de entrada que necesitás. Historieta a Martillazos es un podcast sobre filosofía y cómics. Pero dicho así suena a algo que uno cierra apenas arranca. Entonces lo digo de otra forma: es un podcast donde una novela gráfica, una historieta, un manga, se sienta a conversar con un problema real. No con un problema de libro de texto. Con algo que nos pasa, que nos incomoda, que no sabemos muy bien cómo nombrar. La muerte. La libertad. La identidad. La angustia. El poder. La justicia. Y en lugar de respuestas, lo que hay son preguntas que se van abriendo. Porque ahí está lo lindo: en el espacio entre lo que es y lo que podríamos ser. Los primeros episodios tenían las ideas. Las tenían todas. Pero había mucho más para decir. Con el tiempo aparecieron los pensadores que faltaban, los enfoques que el tema pedía, las conexiones que en su momento no habían aparecido. Así que los rehíce. Los diez primeros. Más voces, mejor ritmo, ideas más desarrolladas. Si lo que quedó está a la altura, lo van a decir ustedes. Si ya escuchaste el podcast antes: vas a encontrar pensadores e ideas que no estaban, preguntas nuevas, enfoques que en la versión original no existían. El corazón está ahí, en cada episodio, como siempre estuvo. Si nunca lo escuchaste: arrancá por el episodio uno. Está pensado para eso. No necesitás saber nada previo. Solo estar dispuesto a que una historieta te haga pensar en algo que no esperabas. Esto es lo que hay hasta ahora: 01 ️ DIOS | "Dios en Persona" de Marc-Antoine Mathieu 02 ⏳ EL TIEMPO | "Yo Maté a Adolf Hitler" de Jason 03 LA OTREDAD | "Castillo de Arena" de Pierre Oscar Lévy y Frederik Peeters 04 ️ LA REALIDAD | "¿Quién Mató a Rexton?" de Diego Agrimbau 05 LA TRASCENDENCIA | "El Escultor" de Scott McCloud 06 LA PATRIA | "Turba" de Lauri Fernández 07 ⚙️ LA RAZÓN INSTRUMENTAL | "Pulp" de Ed Brubaker y Sean Phillips 08 LA IDENTIDAD | "Grand Dolls" de Osamu Tezuka 09 LA ANGUSTIA | "Los Combates Cotidianos" de Manu Larcenet 10 EL ARTE | "Yo, Asesino" de Antonio Altarriba y Keko 11 LA ENSEÑANZA | "Polina" de Bastien Vivès También exploramos en este podcast la filosofía a través de novelas gráficas, cómics, manga e historietas, cruzando obras de autores como Marc-Antoine Mathieu, Jason, Pierre Oscar Lévy, Frederik Peeters, Diego Agrimbau, Lauri Fernández, Ed Brubaker, Sean Phillips, Osamu Tezuka, Manu Larcenet, Antonio Altarriba, Keko y Bastien Vivès con pensadores como Friedrich Nietzsche, Søren Kierkegaard, Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir, Michel Foucault, Hannah Arendt, Slavoj Žižek, Paulo Freire, Silvia Federici, Ernesto Laclau, Benedict Anderson y muchos otros. Filosofía y cómics. Comiqueando y Escuchalo en 1.5. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 19 - Accion de los 90's | Alerta Maxima, El Ultimo Gran Heroe y Contracara ¿El cine de accion de los 80 llego a su cuspide en los 90... o ya estaba en caida libre? ¿Bruce Willis fue el puente que le permitio a Nicolas Cage y Travolta intercambiarse la cara? ¿Schwarzenegger le arruino la carrera a Stallone sin querer queriendo? ¿El cine de superheroes se comio todo el deseo publico que antes consumia este genero? ¿Seagal tiene carisma real o nos mintieron toda la vida? Un cocinero Navy SEAL infiltrado en un acorazado tomado por terroristas. Tommy Lee Jones como villano. Gary Busey con la mandibula suelta. Y Steven Seagal rompiendo cuellos con una calma que no tiene ningun sentido. Eso es Alerta Maxima. Y eso es el punto de partida de este episodio. Porque los 90's no inventaron el cine de accion. Lo heredaron en su pico maximo, lo estiraron hasta el limite y lo mandaron a morir con dignidad — o sin ella, segun la pelicula. Alerta Maxima (1992) — Andrew Davis — La mejor pelicula de Steven Seagal, que tampoco es un gran merito pero tiene los suyos. Un cocinero que resulta ser Navy SEAL liquida uno por uno a un grupo de ex marines renegados que tomaron un acorazado. Davis, el mismo director que hizo Nico y despues El Fugitivo, saca de Seagal el unico carisma real que el tipo tuvo en pantalla. Con Tommy Lee Jones y Gary Busey de villanos memorables. Una explotacion inteligente del molde de Duro de Matar — Duro de Matar pero en un barco — que funciona porque hay un director de verdad atras. El Ultimo Gran Heroe (1993) — John McTiernan — Un nene entra al universo de su heroe de accion favorito y la pelicula se rie del genero mientras lo celebra. Meta-comedia que llego exactamente cuando el heroe musculoso de los 80 empezaba a mostrar signos de agotamiento. McTiernan, el mismo de Duro de Matar y Depredador, demuestra que puede hacer accion e ironia al mismo tiempo. Una carta de amor al cine de accion que llego demasiado pronto — antes de que el genero efectivamente muriera — y por eso no fue entendida en su momento. ️ Contracara (1997) — John Woo — John Travolta y Nicolas Cage intercambian rostros, identidades y actuaciones over the top. Woo importa el estilo hongkones: palomas, camara lenta, tiroteos coreografiados como ballet. La pelicula donde hay que suspender mas el verosimil de todas — y justamente por eso es la mas disfrutable. El film donde el exito de John Woo en Hollywood encuentra su maxima expresion. En este episodio tambien discutimos: La tesis Schwarzenegger vs. Stallone — como el exito de Arnold empujo a Sly al molde anabolico cuando el tenia otra vision, y la diferencia brutal entre Rambo I y Rambo II como prueba Duro de Matar como bisagra — por que Bruce Willis fue el heroe improbable que cambio el molde y le abrio la puerta a un tipo distinto de protagonista El villano carismatico — Alan Rickman como quiebre del estereotipo, y como a partir de los 90 Hollywood empezo a poner actores de peso en los roles de malo La generacion del cable y el VHS — Telefe, Space, Canal 4, Sabado de Cine: como estos tres peliculas las vimos de pibes antes de poder elegir que ver ⚙️ El cine de superheroes como asesino del genero — como Marvel y DC absorbieron todo el deseo publico que antes consumia el cine de accion clasico La jerarquia de la Serie B — Chuck Norris, Van Damme, Seagal, Michael Dudikoff: quien manda, quien sigue y por que Van Damme era el unico que realmente sabia pelear Este episodio no viene a convencerte de que estas peliculas son alta cultura. Viene a recordarte por que festejabas solo frente al televisor cuando todo explotaba. Tambien exploramos Alerta Maxima (Under Siege), El Ultimo Gran Heroe (Last Action Hero), Contracara (Face/Off), Duro de Matar (Die Hard), El Fugitivo (The Fugitive), Rambo, Rambo II: La Mision, Terminator, Commando (Comando), Arma Mortal (Lethal Weapon), Punto Limite (Point Break), Depredador (Predator), Depredador 2 (Predator 2), Mentiras Verdaderas (True Lies), El Demoledor (Demolition Man), Street Fighter, Rocky, Creed, Nico (Above the Law), Codigo de Silencio (Code of Silence), Conan el Barbaro (Conan the Barbarian), Steven Seagal, Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone, Jean-Claude Van Damme, Chuck Norris, Bruce Willis, Nicolas Cage, John Travolta, Tommy Lee Jones, Gary Busey, Erika Eleniak, Alan Rickman, Harrison Ford, Andrew Davis, John Woo, John McTiernan, Charles Dance, Austin O'Brien, Brigitte Wilson, el cine de accion de los 80 y los 90, la era del VHS y el cable en Argentina, el cine hongkones de accion, Jackie Chan, la Serie B del cine de accion, el cine de superheroes como sustituto del genero, y Gabriel Llagostera de Balance Negativo Podcast. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: @escuchaloen1.5podcast Con Pablo, Nicolas y Gabriel Llagostera (Balance Negativo Podcast)

Historieta a Martillazos 10 - El Arte | "Yo, Asesino" de Antonio Altarriba y Keko ¿Qué tienen en común la Capilla Sixtina, una película de Tarkovski, Watchmen y una banana pegada con cinta sobre una pared? ¿Puede el arte tener tanta potencia como para que dejemos la vida en él... o le quitemos la vida a otros en su nombre? ️ ¿Quién decidió qué es arte y qué no? ¿Y desde dónde lo decidió? ¿Cuando el arte se vuelve mercancía, decoración o colección... pierde su poder transformador? ️ ¿Dónde está el límite entre el gesto artístico y el gesto monstruoso? Había en la televisión argentina un tipo tremendamente excéntrico llamado Federico Klemm. Una especie de Andy Warhol rioplatense que presentaba arte en cable con un manierismo tan particular como espectacular. Y todos nos reíamos un poco de él. Hasta que leés "Yo, Asesino" y de repente un sudor frío te recorre la espalda. Porque quizás la distancia entre lo ridículo y lo siniestro no es tan grande como creemos. Eso es "Yo, Asesino" — guión de Antonio Altarriba, dibujo de Keko. Una novela gráfica española que toma al artista más extremo posible como protagonista: Enrique, profesor de Historia del Arte con una sórdida doble vida. Cada asesinato, una obra maestra. Cada víctima, un lienzo. Keko dibuja con una sobriedad asfixiante y usa el rojo con una precisión que da escalofríos — violento, perturbador y, eso es lo jodido, estéticamente impecable. En este episodio cruzamos la obra de Antonio Altarriba con: ️ Arthur Danto — el "fin del arte" como narrativa: después de Duchamp poniendo un mingitorio en un museo y Warhol replicando latas de Campbell, la dirección clara se rompió. Todo puede ser arte y nada necesariamente lo es. Eso puede ser una apertura radical... o la trampa donde una banana con cinta se vende por 120.000 dólares porque el mercado así lo decide Theodor Adorno — el arte como última resistencia contra el consumismo y la alienación. Desafiar la comodidad en la que la cotidianidad nos sumerge es un "deber ser" del arte. Cuando el arte le busca una utilidad, lo matás: lo convertís en un medio para un fin que siempre es externo al arte mismo Okakura Kakuzō — la ceremonia del té: el arte no está en el objeto ni en la taza. Está en el acto, en la atención plena, en la intención con que preparás y servís. No se trata de tener arte, sino de hacer arte, de vivirlo. No es lo mismo tener cien libros de poesía en un estante que leer un solo poema que te parta el bocho al medio ️ Ticio Escobar — el arte occidental se cree dueño de la definición. Pero el arte existe cientos de años antes de que existieran las galerías. Vive en la cerámica de los pueblos originarios, en los textiles, en los rituales. El primer ser humano que dejó una marca en una caverna para decir "yo estuve acá y yo sentí esto" ya estaba haciendo arte ️ Edward Said — cuando Occidente "descubre" el arte de otras culturas lo hace desde una posición de poder. Le otorga un carácter exótico, lo despoja de su contexto y su significado, y lo juzga con sus propios valores, no con los del lugar donde fue creado. Eso no es apreciar el arte: es colonizarlo ✊ Bell Hooks — el arte como práctica de libertad: tiene que salir de los márgenes, de los lugares incómodos, de las voces que el sistema no quiere escuchar. Cuando el arte se vuelve solo mercancía que la clase dominante posee y exhibe, pierde su poder transformador Este episodio no viene a decirte qué es el arte. Viene a martillar tu certeza de que sabés dónde están sus límites. También exploramos el concepto de "fin del arte" y el mundo del arte en Arthur Danto, la industria cultural y la dialéctica negativa en Theodor Adorno, la estética del wabi-sabi y la ceremonia del té en "El Libro del Té" de Okakura Kakuzō, el orientalismo y la colonialidad estética en Edward Said, la estética de los pueblos originarios latinoamericanos en Ticio Escobar, el arte como práctica de libertad en Bell Hooks, la mercantilización del arte desde los mecenas del Renacimiento hasta las subastas millonarias contemporáneas, el readymade de Marcel Duchamp y el pop art de Andy Warhol como hitos del quiebre narrativo del arte moderno, el arte de los cómics y la colección como acto de posesión vs. contemplación, la figura del psicópata esteta en la literatura y el cómic, las inteligencias artificiales y la reproducción vs. la producción genuina en el arte, y las conexiones con el cine de Andréi Tarkovski y la obra "Watchmen" mencionadas en el episodio. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 18 - Asesinos Seriales | Henry, The Chaser, La Chica del Dragon Tatuado y Los Ojos Sin Rostro ¿Puede una pelicula sobre un asesino serial ser demasiado realista para el cine mainstream? ️ ¿Es morbo, fascinacion o algo mas oscuro lo que nos hace seguir mirando? ¿Que diferencia hay entre la crueza sucia de McNaughton y la elegancia calculada de Fincher mostrando lo mismo? ️ ¿Henry es un personaje o un espejo que el director te acerca demasiado? ¿Por que el asesino serial sigue siendo uno de los arquetipos mas fascinantes del cine de todos los tiempos? Un asesino que mata sin metodo, sin mascara y sin justificacion. Filmado como si fuera un documental violento con 110 mil dolares de presupuesto. Una pelicula que tardo cuatro anos en estrenarse porque era demasiado para el sistema. Eso es Henry. Y eso es el punto de partida de este episodio. Cuatro peliculas. Cuatro paises. Cuatro formas completamente distintas de mostrar lo mismo — la mente de alguien que mata. Desde el blanco y negro elegante del cine frances de los 60 hasta el thriller coreano que no te suelta hasta el ultimo segundo. Henry, Retrato de un Asesino (1986) — John McNaughton — Michael Rooker en el primer largometraje de su carrera, con 110 mil dolares de presupuesto y una propuesta casi documental: sin artificio, sin musica de suspenso, sin mascara. Henry mata y listo. Lo que hace la pelicula mas perturbadora no es lo que muestra sino como te convierte en voyeurista sin que te des cuenta. La camara aparece en la trama como un personaje mas y cambia completamente la dinamica entre los personajes — y entre la pelicula y vos. Censurada por anos, estrenada con cortes, version definitiva recien en 1990. La Chica del Dragon Tatuado (2011) — David Fincher — Daniel Craig investiga secretos familiares enterrados durante decadas. Rooney Mara es Lisbeth Salander definitiva — hacker, vengativa, implacable, incomoda desde el primer fotograma. La estetica cuidadisima de Fincher en las antipodas de McNaughton: mismo tema, universo visual completamente opuesto. Adaptacion de la primera novela de la trilogia Millennium de Stieg Larsson. Filmada enteramente en Suecia por imposicion de Fincher, que se nego a trasladar la produccion a Estados Unidos. The Chaser (2008) — Na Hong-jin — Ex detective que busca a sus chicas desaparecidas se topa con un asesino implacable. Thriller surcoreano que rompe la estructura del genero a los 30 minutos: el asesino deja de matar y la pelicula va hacia otro lado completamente. Una de las mejores peliculas del cine coreano contemporaneo — y la confirmacion de que ese cine maneja los codigos del thriller policial con una crueldad y una precision que el cine norteamericano perdio hace rato. Los Ojos Sin Rostro (1960) — Georges Franju — Un cirujano intenta reconstruir el rostro de su hija desfigurada al precio de nuevas victimas. Elegancia y pesadilla francesas en partes iguales. Blanco y negro, anos 60, y sin embargo mas inquietante que la mayoria de las peliculas de terror modernas. La pelicula que influyo en la mascara de Michael Myers, en La Piel que Habito de Almodovar y en el body horror de Cronenberg — sin que casi nadie lo cite directamente. En este episodio tambien discutimos: La fascinacion cultural por los asesinos seriales — docuseries, romantizacion, morbo y lo que dice eso de nosotros como audiencia El cine de animacion y el cine argentino como dos generos igualmente ninguneados por el espectador normie ️ El abanico geografico del episodio — Norteamerica, Corea del Sur, Francia y el indie estadounidense de los 80 mostrando cuatro formas de abordar lo mismo La camara como personaje en Henry — como su aparicion en la trama cambia completamente la dinamica entre los personajes La censura como dato cinematografico — por que algunas peliculas tardan anos en llegar y que dice eso del sistema El cine policial coreano como modelo posible para el policial latinoamericano — por que es mas facil creerle a un policia coreano torpe que a un detective incorruptible yankee La historia de Stieg Larsson — periodista militante, cazador de nazis suecos, muerto a los 50 de un paro cardiaco antes de ver publicada su trilogia Este episodio no viene a explicarte la mente de un asesino. Viene a preguntarte por que no podias dejar de mirar. Tambien exploramos Henry, Retrato de un Asesino (Henry: Portrait of a Serial Killer), La Chica del Dragon Tatuado (The Girl with the Dragon Tattoo), The Chaser (Chugyeogja), Los Ojos Sin Rostro (Eyes Without a Face / Les Yeux sans visage), John McNaughton, David Fincher, Na Hong-jin, Georges Franju, Michael Rooker, Rooney Mara, Daniel Craig, Ha Jung-woo, Kim Yoon-seok, Pierre Brasseur, Alida Valli, Edith Scob, Stieg Larsson y la saga Millennium, Los Hombres que no Amaban a las Mujeres (Man som hatar kvinnor), Natural Born Killers de Oliver Stone, Zodiac de David Fincher, Seven (Se7en) de David Fincher, Fight Club de David Fincher, La Red Social (The Social Network) de David Fincher,

Escuchalo en 1.5 - Episodio 17 - Genios Lado B Parte 3 | Vidas al Limite, La Conversacion, Bug y Duel ¿Que pasa cuando un director en su pico hace una pelicula que el mundo no supo ver? ¿Puede una pelicula sobre un ambulanciero loco ser la mejor despedida de una ciudad entera? ️ ¿La paranoia es un estado mental o simplemente prestarle atencion a lo que pasa? ️ ¿Que queda de un genio cuando lo sacas de su obra mas famosa? ¿Friedkin despues del Exorcista? Peor. Mucho peor. Para el personaje, digo. Un ambulanciero que no puede salvar a nadie. Un experto en vigilancia que escucha todo pero no controla nada. Una mujer en un motel barato que empieza a ver bichos que quizas no existen. Un conductor normal perseguido por un camion sin rostro en una ruta vacia. Cuatro peliculas. Cuatro directores en estado de gracia. Ninguna en el top de nadie. Esta es la tercera parte de nuestra trilogia sobre las obras menos canonicas de Scorsese, Spielberg, Coppola y Friedkin — las que quedaron tapadas por El Padrino, Tiburon, Apocalypse Now y El Exorcista, y que sin embargo tienen tanto o mas para decir. Vidas al Limite (1999) — Martin Scorsese — Nicolas Cage hace de ambulanciero al borde del colapso en una Nueva York que esta en sus ultimos anos de ser esa ciudad fantasmagorica y gotica que Scorsese retrato toda su carrera. Escrita por Paul Schrader, el mismo de Taxi Driver. El montaje frenético no es un capricho: es el ritmo de la falopa desde adentro. La pelicula transcurre en el 93, justo antes de que Giuliani "limpiara" la ciudad. Es la despedida de esa Nueva York. ️ La Conversacion (1974) — Francis Ford Coppola — Mientras todos lo asociaban con El Padrino, Coppola saco este thriller psicologico sobre un experto en vigilancia obsesionado con la privacidad y la paranoia. Gene Hackman como un hombre que escucha todo pero no puede controlar su propio destino. Gano la Palma de Oro en Cannes el mismo ano que El Padrino II. Mas vigente que nunca. Bug (2006) — William Friedkin — Ashley Judd y Michael Shannon encerrados en un motel barato de Oklahoma. El descenso a la locura paranoica filmado como obra de teatro — porque lo es: adaptacion de la obra de Tracy Letts, el mismo de Killer Joe. Si pensabas que El Exorcista era lo mas perturbador que Friedkin podia hacer, esta pelicula te corrige. Intensa, claustrofobica, fuera de cualquier radar. Duel (1971) — Steven Spielberg — La primera pelicula de Spielberg. Un conductor normal en una ruta vacia es perseguido por un camion sin rostro ni razon aparente, escrito por Richard Matheson. Puro suspenso sin explicacion. Clase magistral de tension con cero presupuesto. El embrion de todo lo que vino despues. En este episodio tambien discutimos: La etapa rara de Scorsese entre Casino y Los Infiltrados — Kundun, Pandilla de Nueva York, y por que Vidas al Limite quedo enterrada en el medio de todo eso Nicolas Cage en su prime — antes del meme, despues del Oscar, haciendo de heroe de accion Y actor de caracter al mismo tiempo La Nueva York de Scorsese como personaje — y esta pelicula como su despedida de esa ciudad pre-Giuliani ✍️ Paul Schrader como escritor — Taxi Driver, Toro Salvaje, y por que siempre esta haciendo la misma pelicula sobre personajes al borde de la redencion Robert Richardson como director de fotografia — la conexion estetica con Oliver Stone y Natural Born Killers que se cuela en el montaje frenético La paranoia como hilo conductor — las cuatro peliculas hablan de exceso, descontrol y miedo desde adentro Este episodio no viene a darte el top de estos directores. Viene a mostrarte lo que dejaste pasar. Tambien exploramos Vidas al Limite (Bringing Out the Dead), La Conversacion (The Conversation), Bug, Duel, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, William Friedkin, Nicolas Cage, Gene Hackman, Ashley Judd, Michael Shannon, Patricia Arquette, Tom Sizemore, Ving Rhames, John Goodman, Marc Anthony, Cliff Curtis, Paul Schrader, Robert Richardson, Tracy Letts, Richard Matheson, Walter Murch, Taxi Driver, Toro Salvaje (Raging Bull), Casino, After Hours, Pandilla de Nueva York (Gangs of New York), Los Infiltrados (The Departed), El Lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street), El Padrino (The Godfather), El Padrino II (The Godfather Part II), Apocalypse Now, El Exorcista (The Exorcist), Tiburon (Jaws), Kundun, Carretera Perdida (Lost Highway) de David Lynch, True Romance, Ed Wood, Natural Born Killers de Oliver Stone, The Wire, Fear The Walking Dead, Enemigo del Estado (Enemy of the State), La Noche Se Mueve (Night Moves), Take Shelter, Killer Joe, el libro In the Blink of an Eye (El Momento del Parpadeo) de Walter Murch, el cine de los 90 y su estetica MTV, la Nueva York pre-Giuliani, la paranoia nixoniana y el Watergate, el genero fantastico norteamericano, True Detective, Liberacion (Deliverance), Perros de Paja (Straw Dogs), Relatos Salvajes, Christine de Stephen King, Joy Ride (Frecuencia Mortal), y el cine de la generacion de directores de los 70. 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Historieta a Martillazos 09 - La Angustia | "Los Combates Cotidianos" de Manu Larcenet ¿La angustia viene de afuera... o es exactamente lo que no podés fotografiar ni poner a distancia? ⏳ ¿La conciencia de que todo va a terminar te paraliza... o es lo único que te obliga a elegir? ¿Por qué elegir duele tanto si se supone que la libertad es lo que más queremos? ️ En el núcleo de la angustia... ¿hay un culpable, o simplemente estás acá y tenés que lidiar con eso? ❓ ¿Cómo hacemos para seguir eligiendo cuando elegir duele? Hay una imagen que le hace justicia a la angustia: estar en la profundidad de un océano, nadando hacia la superficie, con una mochila llena de piedras. Querés escapar hacia cualquier lado, hacia ningún lugar, hacia adentro. Pero la angustia no está afuera. Está adentro. Y no te podés alejar de ella. Eso es "Los Combates Cotidianos" — guión y dibujo de Manu Larcenet. Una novela gráfica con un dibujo amable, casi cartoonish, que contiene una de las historias más honestas sobre el peso de existir que dio el cómic europeo. Marco, el protagonista, es un fotógrafo de guerra. Puede lidiar con cadáveres, ciudades destruidas, violencia abyecta. Mantiene la compostura. Pero no puede con que su pareja le pregunte si quieren tener hijos. Porque los horrores de la guerra están afuera. La angustia existencial, no. En este episodio cruzamos la obra de Manu Larcenet con: ☠️ Martin Heidegger — el ser-para-la-muerte: la muerte no es algo que nos pasa al final como un evento más. Es constitutiva de nuestra existencia. Existimos muriendo lentamente. Y cuando tomamos conciencia real de eso, ahí aparece la angustia. No el miedo a algo concreto: la angustia frente a la nada, a la posibilidad de la no-existencia Søren Kierkegaard — el vértigo de la libertad: la angustia no viene de la falta de opciones sino de tener demasiadas. La libertad absoluta viene con una responsabilidad de igual magnitud. Cuando elegís, siempre está la posibilidad de elegir mal. Y elegir mal, siendo conscientes de nuestra finitud, significa desperdiciar la existencia Albert Camus — el absurdo y el mito de Sísifo: buscamos sentido sabiendo que probablemente no lo hay. Construimos sabiendo que se va a destruir. Amamos sabiendo que vamos a perder. Y sin embargo, lo hacemos. Camus propone algo radical: imaginar a Sísifo feliz. No a pesar del absurdo, sino precisamente por haberlo aceptado Jean-Paul Sartre — no elegir también es una elección, y esa elección también tiene consecuencias. La libertad existencial no es empoderamiento ni "poder hacer lo que querés". Es la condena de tener que elegir sabiendo que cada elección implica una pérdida irreversible Simone de Beauvoir — no hay respuestas claras ni manual de instrucciones para vivir bien. Cada situación es única, cada decisión es compleja, y en las cosas importantes tenés que elegir sin certezas. Y aun así, tenés que seguir. Levantarte cada día y enfrentar la incertidumbre Emil Cioran — el pensamiento que no busca consolarte sino nombrarte con precisión quirúrgica. La angustia como condición, no como patología Este episodio no viene a calmarte. Viene a martillar todo lo que dabas por sentado sobre el peso de estar acá. También exploramos el concepto de angustia existencial en Martin Heidegger y su diferencia con el miedo concreto, el vértigo ante la libertad en "El Concepto de la Angustia" de Søren Kierkegaard, el absurdo y la rebelión en "El Mito de Sísifo" de Albert Camus, la libertad como condena en "El Ser y la Nada" de Jean-Paul Sartre, la ética de la ambigüedad en Simone de Beauvoir, el pesimismo lúcido de Emil Cioran, la angustia como experiencia corporal y no solo filosófica, la ansiedad como manifestación somática de la angustia existencial, el slice of life como género narrativo en el cómic europeo, las referencias cruzadas con "Maus" de Art Spiegelman, "Adolf" de Osamu Tezuka y "Arrugas" de Paco Roca como obras de peso emocional comparable mencionadas en el episodio, y "El Síndrome Guastavino" de Carlos Trillo y Lucas Varela como referente del dibujo amable que contiene historia densa. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Historieta a Martillazos 08 - La Identidad | "Grand Dolls" de Osamu Tezuka ¿Quién sos cuando nadie te está mirando... o cuando todos te están mirando demasiado? ¿Cuánto de lo que creés que sos lo elegiste vos... y cuánto te lo dijeron que eras? ¿Cambiar de opinión es traicionarte a vos mismo... o es exactamente lo contrario? ¿La identidad es algo que tenés... o algo que hacés todos los días? ️ Si te sacás todas las etiquetas con las que te definís o te definen... ¿qué queda? Imaginá esto: alguien se aparece y te dice que detrás de una cortina vas a encontrar quién sos realmente. La cruzás. Y lo que encontrás es una puerta con tu nombre y un cartel que dice "este sos vos, en toda tu esencia". La atravesás. Y del otro lado... es el día después de tu descubrimiento. Entonces, ¿qué vas a buscar después de haber terminado la búsqueda de vos mismo? Eso es "Grand Dolls" — guión y dibujo de Osamu Tezuka. 230 páginas que agarran el cliché de los usurpadores de cuerpos, el pánico de la Guerra Fría, el miedo a ser reemplazado desde adentro, y lo convierten en una bomba filosófica disfrazada de manga para pibitos. Tezuka era un embaucador. En el mejor sentido posible. En este episodio cruzamos la obra de Osamu Tezuka con: Jean-Paul Sartre — la existencia precede a la esencia: primero existís, y a partir de tus decisiones vas creando quién sos. No hay un "yo verdadero" esperándote al final. Eso es liberador y aterrador al mismo tiempo David Hume — no hay un "yo" permanente. Lo que llamamos identidad es una colección de percepciones y experiencias que cambian constantemente. No podés bañarte dos veces en el mismo río John Locke — lo que nos da continuidad es la memoria. Pero si la memoria puede fallar, ser alterada o generar recuerdos falsos pero genuinos... ¿qué tan sólida es tu identidad? ⚡ Michel Foucault — el poder no reprime tu identidad: la crea. La familia, la escuela, el trabajo, los medios te constituyen como sujeto. Pero si el poder te crea, también podés re-crearte. Resistir es posible Slavoj Žižek — la ideología opera como unos lentes que no podés sacarte. Ves el mundo a través de estructuras de control tan naturalizadas que ni siquiera las cuestionás. Grand Dolls, como "They Live" de Carpenter, las hace visibles ️ Gloria Anzaldúa — las "borderlands": la identidad híbrida, mestiza, contradictoria no es una falta de identidad pura. En la frontera, en el mestizaje, hay una potencia enorme. La identidad que no se deja fijar resiste la clasificación Stuart Hall — la identidad no es un ser, es un devenir. No tenés una identidad: tenés múltiples identidades posicionales que ocupás según el contexto. Ninguna es más verdadera que las otras Este episodio no viene a decirte quién sos. Viene a martillar tu certeza de que ya lo sabés. También exploramos el esencialismo aristotélico y su crítica en la filosofía existencialista de Jean-Paul Sartre, el "yo" como haz de percepciones en David Hume, la memoria como fundamento de la identidad personal en John Locke, los dispositivos de poder y la constitución del sujeto en Michel Foucault, la ideología como estructura invisible en Slavoj Žižek y su análisis de "They Live" de John Carpenter, la identidad posicional y la posmodernidad en Stuart Hall, las "borderlands" y la conciencia mestiza en "Borderlands/La Frontera" de Gloria Anzaldúa, el principio ordenatorio como herramienta de control político, la figura del doppelganger como metáfora de la usurpación ideológica, el manga de Osamu Tezuka como dispositivo político y filosófico, "La invasión de los usurpadores de cuerpos" versión 1978 como referente cinematográfico mencionado en el episodio, y la desobediencia como práctica de creación de identidad propia. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Historieta a Martillazos 07 - La Razón Instrumental | "Pulp" de Ed Brubaker y Sean Phillips ⚙️ ¿Por qué cuando alguien te pregunta "¿para qué sirve esto?" automáticamente empezás a justificar? ¿De qué sirve llegar a viejo en una sociedad que solo valora lo que produce? ¿Cuándo fue que dejaste de ser una persona y te convertiste en "capital humano"? ¿El trabajo que sostiene la vida pero no genera ganancia directa... simplemente no existe? ️ ¿Y si la trampa no fuera no tener respuesta... sino creer que tenés que responder? Hay una frase muy argentina, con la sabiduría de las frases cortas bien dichas: "El tango te espera." Te la dicen cuando sos pendejo y querés que todo sea ahora, radical, inmediato. Y tiene razón. Pero hay algo más que también te espera: la vejez. Y la pregunta que la sociedad le hace a la vejez — no siempre con palabras, a veces solo con políticas públicas — es la más brutal de todas: ¿para qué sirven? Eso es "Pulp" — guión de Ed Brubaker, dibujo de Sean Phillips, colores de Jacob Phillips y Elizabeth Breitweiser. 72 páginas que agarran a Max, un ex cowboy del salvaje oeste reconvertido en escritor de historietas de western, viejo, descartado, ninguneado. Y le devuelven la dignidad. No porque sea útil a ninguna industria. Sino porque es un ser humano con historia, con experiencia, con dignidad. En este episodio cruzamos la obra de Ed Brubaker con: ⚙️ Max Horkheimer — la razón instrumental: calculamos medios para fines al menor costo posible. Impecable para cadenas de producción. Un tumor cuando se aplica a las ideas, el arte y las relaciones humanas Herbert Marcuse — la sociedad unidimensional: cuando la única racionalidad aceptada es la instrumental, todo lo que no sirve para algo se vuelve irracional. Y lo irracional se reprime — no siempre con violencia física, sino con burla, desprecio y ninguneo Max Weber — los medios más racionales pueden llevar a los fines más irracionales. La energía atómica es el ejemplo perfecto: cálculo científico perfecto al servicio de pulverizar dos ciudades civiles Silvia Federici — el trabajo reproductivo y de cuidado: todo ese laburo que sostiene la vida pero no genera ganancia directa. Sistemáticamente invisibilizado. Y cuando las mujeres que lo hicieron toda la vida llegan a viejas, la sociedad les pregunta: ¿para qué sirven ahora? Bolívar Echeverría — valor de uso vs. valor de cambio: una persona no vale por lo que ES, vale por lo que PRODUCE. Cuando dejás de producir al ritmo que el mercado exige, te convertís en descartable Este episodio no viene a decirte para qué sirve la filosofía. Viene a martillar tu certeza sobre para qué —y para quién— tenés que justificar tu propia existencia. También exploramos el concepto de razón instrumental en "Crítica de la Razón Instrumental" de Max Horkheimer, la sociedad unidimensional en "El Hombre Unidimensional" de Herbert Marcuse, la racionalización y la jaula de hierro del capitalismo en Max Weber, el trabajo reproductivo y la economía del cuidado en Silvia Federici, la distinción entre valor de uso y valor de cambio en Bolívar Echeverría, la cosificación de las relaciones humanas bajo la lógica productivista, la obsolescencia programada de las personas en el capitalismo tardío, la figura del jubilado y las amas de casa como descartados del sistema, el western post-crepuscular como género y la obra de Ed Brubaker y Sean Phillips, las conexiones con "Érase una vez en Hollywood" de Quentin Tarantino como referente cinematográfico mencionado en el episodio, y el rebranding de "Recursos Humanos" a "Capital Humano" como síntoma ideológico. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 16 - Genios Lado B Parte 2 | Sorcerer y Munich ¿Podés hacer la mejor pelicula de tu carrera y que nadie la vea porque salió el mismo año que Star Wars? ¿Que pasa cuando Spielberg saca el filtro del pochoclo y te deja solo con un nudo en el estomago? ️ ¿Hay diferencia real entre venganza y terrorismo cuando los dos terminan exactamente en lo mismo? ¿Puede una pelicula de accion en la selva ser tambien una meditacion sobre el destino y la redencion? ¿Que queda de un tipo cuando ya no puede volver a ser el que era antes de hacer lo que hizo? Cuatro criminales transportando nitroglicerina por la selva. Un comando de elite cazando responsables de un atentado real por toda Europa. Dos directores en estado de gracia haciendo exactamente lo que quisieron — y pagandolo caro. Continuacion directa de Parte 1. Seguimos con las obras menos canonicas de los gigantes del Nuevo Hollywood — las que quedaron tapadas por la historia y que sin embargo tienen tanto o mas para decir que sus peliculas mas famosas. Sorcerer (1977) — William Friedkin — Cuatro exiliados con el peor curriculum posible llegan a un pueblo del infierno en algun lugar de America Latina. La unica salida: transportar camiones llenos de nitroglicerina por caminos de selva, donde cualquier sacudon puede volarlos por los aires. Friedkin filmo esto en condiciones de produccion casi apocalipticas — enfermedades tropicales, puentes que se llevaba la corriente, un piromano real contratado para volar un tronco. El resultado es un thriller de nervio puro que tuvo la mala suerte de salir el mismo año que Star Wars. Perdio contra Luke Skywalker en la boleteria. Pero si la ves hoy, te vuela la peluca. Munich (2005) — Steven Spielberg — Basada en los atentados durante los Juegos Olimpicos de Munich de 1972, donde un comando de Black September tomo como rehen a la delegacion israelita. La pelicula no se queda ahi: sigue al equipo del Mossad que salio a cazar a los responsables por toda Europa. No hay heroes. No hay redencion. Solo tipos atrapados en un ciclo de violencia que no pueden parar aunque quieran. Spielberg sin el filtro del pochoclo. Spielberg incómodo, crudo, que no te suelta la mano pero tampoco te da el abrazo que esperabas. En este episodio tambien discutimos: El año de Star Wars y por que Sorcerer no tuvo chance — lo que pasa cuando una obra maestra choca de frente con el nacimiento del blockbuster moderno La banda sonora de Tangerine Dream — como la musica electronica de los 70 le da a Sorcerer un tono que ninguna orquesta clasica hubiera logrado La escena del puente colgante — filmada de verdad, en produccion caótica, sin pantalla verde, con un puente que se lo llevó la corriente y tuvieron que buscar otro Friedkin y Buñuel — por que Francisco Rabal esta en esta pelicula y la historia del mal encargo en The French Connection La iluminacion de Munich como lenguaje — la paleta calida cada vez que aparece la familia, cada vez mas apagada a medida que Avner se va perdiendo ️ Los thrillers de paranoia de los 70 como referencia — El Dia del Chacal, Tres Dias del Condor, como Munich esta mas cerca de eso que del Spielberg de ET Este episodio no viene a darte el top de estos directores. Viene a mostrarte lo que dejaste pasar. Tambien exploramos Sorcerer, Munich, William Friedkin, Steven Spielberg, Roy Scheider, Francisco Rabal, Eric Bana, Daniel Craig, Mathieu Kassovitz, Geoffrey Rush, Ciaran Hinds, Tangerine Dream, John Williams, Walter Murch, Henri-Georges Clouzot, El Salario del Miedo (Le Salaire de la Peur, The Wages of Fear), The French Connection (Contacto en Francia), El Exorcista (The Exorcist), Tiburon (Jaws), La Lista de Schindler (Schindler's List), Rescatando al Soldado Ryan (Saving Private Ryan), los Juegos Olimpicos de Munich 1972 (Munich Olympics 1972), el atentado de Black September (Black September attack), el Mossad, la masacre de Munich, Luis Buñuel, Francisco Raval, Star Wars, el nacimiento del blockbuster, el Nuevo Hollywood (New Hollywood), los thrillers politicos de los 70, El Dia del Chacal (The Day of the Jackal), Tres Dias del Condor (Three Days of the Condor), el conflicto israelo-palestino, Operacion Ira de Dios (Operation Wrath of God), la pelicula Angry, la coproduccion europea en los 70, y el libro Vengeance de George Jonas en el que esta basada Munich. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: @escuchaloen1.5podcast Con Pablo y Nicolas

Historieta a Martillazos 06 - La Patria | "Turba" de Lauri Fernández ️ ¿La patria es algo que tenés... o algo que te construyeron sin preguntarte? ¿Qué diferencia real hay entre defender un territorio e invadir uno? ¿Podés quitarte la bandera para responder honestamente? ¿El himno que cantaste en el patio de la escuela te une... o te encierra en un relato que alguien necesitaba que creyeras? ⛓️ ¿Quién escribió el relato de lo que sos? ¿Y qué voces quedaron deliberadamente afuera? ️ ¿De qué patria hablamos? ¿La del pibe que volvió a vender rifas en el tren... o la de los que lo mandaron a poner el cuerpo? Dos ejércitos. Dos relatos. Dos versiones de la misma guerra donde los pibes pusieron el cuerpo y el poder movió las fichas como en un juego de dominó. Andrés Accorsi dijo que no entendía cómo Turba no era lectura obligatoria en todos los colegios del país. Suena exagerado hasta que lo leés. Después no podés dejar de repetirlo. Eso es "Turba" — guión y dibujo de Lauri Fernández. 140 páginas que no cuentan UNA versión de Malvinas: cuentan muchas. Argentinos y británicos. Soldados y civiles. Oficiales y conscriptos. Familias que perdieron hijos. Pibes que volvieron rotos. Una polifonía que va contra la narrativa oficial, contra la Historia con mayúscula, contra la versión única. Nuestro propio Maus. No como logro — como cicatriz. En este episodio cruzamos la obra de Lauri Fernández con: Hannah Arendt — el amor a la patria no es lo mismo que el nacionalismo. El primero es conexión genuina. El segundo es la idea de que tu nación está en la cima de la pirámide, y que los otros son una amenaza a la pureza ideológica ️ Benedict Anderson — las naciones son comunidades imaginadas: no son algo natural ni eterno, son construcciones mentales colectivas que se sostienen en narrativas sobre quiénes somos y qué nos diferencia de los otros Eric Hobsbawm — la "invención de la tradición": los himnos, los próceres, las ceremonias escolares tienen una fecha de nacimiento concreta. Fueron diseñados para generar el sentimiento de pertenencia común. Y si fueron inventados una vez, pueden ser cuestionados ⛓️ Silvia Rivera Cusicanqui — nuestras naciones latinoamericanas fueron imaginadas desde el poder colonial. Las fronteras las trazaron las metrópolis. Los próceres los eligió una narrativa oficial que silenció otras voces. La descolonización debe ser también mental: ¿quién construyó la idea de lo que sos? Jacques Derrida y Homi Bhabha — la identidad nacional no es algo fijo que tenés o no tenés. Es un relato que se cuenta constantemente, que se repite, que se transforma. No existe "el verdadero argentino": eso es una ficción que alguien quiere imponer como verdad Este episodio no viene a decirte qué es la patria. Viene a martillar tu certeza sobre a qué — y a quién — le pertenecés realmente. También exploramos el concepto de comunidades imaginadas en "Comunidades Imaginadas" de Benedict Anderson, la invención de la tradición en "La Invención de la Tradición" de Eric Hobsbawm, el totalitarismo y la condición humana en la obra de Hannah Arendt, la colonialidad del poder y la descolonización mental en Silvia Rivera Cusicanqui, la identidad nacional como narración en Homi Bhabha, los mecanismos de las narrativas hegemónicas, la Guerra de Malvinas y las Islas Falklands como dispositivo político de la última dictadura militar argentina y del gobierno de Margaret Thatcher, el nacionalismo como herramienta de control político, la soberanía territorial y la construcción del enemigo externo, los veteranos de Malvinas y su abandono institucional, la polifonía narrativa como gesto político en "Turba" de Lauri Fernández, y las conexiones con "Maus" de Art Spiegelman y "Los Surcos del Azar" de Paco Roca como referentes del género testimonial en historieta. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 15 - Genios Lado B Parte 1 | Tucker: The Man and His Dream y After Hours ¿Que pasa cuando un genio tiene mas ideas que billetera y el sistema decide que eso es un problema? ¿Puede la peor noche de tu vida ser una comedia... o es una comedia exactamente porque es la peor noche de tu vida? ️ ¿El sueño americano es una promesa o una trampa que te deja bien entretenido mientras te aplasta? ¿Como hacen estos directores para dejarte su marca en una pelicula que filmaron con dos mangos? ¿Que le queda por contar a un genio cuando ya hizo su obra maestra? Preston Tucker quiso revolucionar la industria automotriz norteamericana con un auto adelantado a su epoca. Los tiburones de Detroit lo aplastaron. Un oficinista de Manhattan solo queria pasarla bien una noche. Nueva York lo vomito en una espiral de desgracias que no terminaba nunca. Dos directores del Nuevo Hollywood en sus peliculas mas olvidadas. Dos peliculas que tienen tanto para decir como las obras que les taparon el sol. Esta es la Parte 1 de nuestro especial sobre el lado B de los genios del cine — Coppola, Scorsese, Spielberg y Friedkin. Las joyas que pasaron por abajo del radar y que merecen su revindicacion. Tucker: The Man and His Dream (1988) — Francis Ford Coppola — Jeff Bridges como Preston Tucker, el soñador que quiso enfrentarse a la industria automotriz de Detroit con un auto del futuro y termino aplastado por la burocracia, los lobbies y la corrupcion. Es la primera pelicula que filmo Coppola despues de la muerte de su hija y se nota: es catartica, idealista, casi autobiografica. Coppola usando a Tucker para hablar de su propia pelea con los estudios de Hollywood. Con fotografia de Vittorio Storaro, Martin Landau haciendo de contador con secretos, y Diane Lane como la musa de la generacion. Film good movie de alto voltaje que no te aburre un segundo. After Hours (1985) — Martin Scorsese — Griffin Dunne como un oficinista gris de Manhattan que sale a buscar garchar y termina atrapado en una noche interminable donde todo lo que puede salir mal sale mal. Comedia negra filmada en produccion minima, toda de noche, que parece un especial de terror de Seinfeld escrito por Kafka. La Nueva York de Scorsese como laberinto gotico. Con Rosanna Arquette, Linda Fiorentino, Teri Garr, fotografia de Michael Ballhaus y musica de Howard Shore. La pelicula oculta de Scorsese que con el tiempo se fue convirtiendo en de culto. En este episodio tambien discutimos: El Nuevo Hollywood — Roger Corman como escuela de cine, la crisis financiera de los estudios, la Nouvelle Vague como influencia, y como todo ese milagro se corto rapido ️ Vittorio Storaro en Tucker — el director de fotografia de Bertolucci y Coppola y esas superposiciones de imagenes luminicas que hacen pequena produccion parecer grande Coppola en los 80 — despues de Corazonada, como el tipo que siempre apostaba todo y siempre iba al limite, Tucker como la pelicula donde procesa la derrota con dignidad La Nueva York de Scorsese como personaje — After Hours, Taxi Driver, Calles Salvajes: la misma ciudad en distintos momentos del dia, siempre como un infierno o un purgatorio Howard Shore en su primera colaboracion con Scorsese — como la musica le da el ritmo de pesadilla a una pelicula que en papel parece una comedia Michael Ballhaus y Thelma Schoonmaker — como el director de fotografia que venia de Fassbinder y la montajista de toda la carrera de Scorsese construyen juntos el estilo de la pelicula Este episodio no viene a darte el top de estos directores. Viene a mostrarte lo que dejaste pasar. Tambien exploramos Tucker: The Man and His Dream, After Hours, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Jeff Bridges, Griffin Dunne, Martin Landau, Diane Lane, Lloyd Bridges, Joan Allen, Rosanna Arquette, Linda Fiorentino, Teri Garr, Cheech and Chong, Dick Miller, Vittorio Storaro, Howard Shore, Michael Ballhaus, Thelma Schoonmaker, Roger Corman, el Nuevo Hollywood (New Hollywood), la Nouvelle Vague, Easy Rider, Tucker Preston Tucker, la industria automotriz de Detroit, Taxi Driver, Calles Salvajes (Mean Streets), Toro Salvaje (Raging Bull), Buenos Muchachos (Goodfellas), El Rey de la Comedia (The King of Comedy), El Color del Dinero (The Color of Money), La Ultima Tentacion de Cristo (The Last Temptation of Christ), New York New York, El Padrino (The Godfather), El Padrino II (The Godfather Part II), Corazonada (One from the Heart), La Ley de la Calle (Rumble Fish), Apocalypse Now, Ford contra Ferrari (Ford v Ferrari), Tropico de Cancer de Henry Miller, el homenaje a los Lumiere en la apertura de After Hours, el sueño americano, la paranoia urbana en los 80, y el cine de la generacion del Nuevo Hollywood. Spotify | Apple Podcasts | iVoox Instagram: @escuchaloen1.5podcast Con Pablo y Nicolas

Historieta a Martillazos 05 - La Trascendencia | "El Escultor" de Scott McCloud ¿Si pudieras crear algo que sobreviva mil años... pero te costaría la vida, lo harías? ¿El miedo a ser olvidado es más fuerte que el miedo a morir? ⏳ ¿La finitud es una condena... o es lo único que hace que lo que hacés importe? ❤️‍ ¿Trascendemos a través del arte... o también a través de las personas que cambiamos para siempre? ¿Qué queda cuando ya no estás? ¿Algo tuyo sigue ahí del otro lado del tiempo... o todo se apaga? Un escultor sin futuro. Un tío muerto que aparece con una oferta. Poder ilimitado para crear cualquier cosa que imagines, darle forma física a todo lo que pase por tu cabeza, sin límites técnicos, sin materiales que te frenen. El precio: doscientos días de vida. Ni uno más. Ni uno menos. David acepta sin pensarlo dos veces. Porque está desesperado. No por el éxito — por el reconocimiento. Por ser recordado. Eso es "El Escultor" — guión y dibujo de Scott McCloud. El mismo tipo que escribió "Understanding Comics" (o como se tituló en su edicion de Astiberri "Entendiendo el cómic") y logró algo que parecía imposible: explicar cómo funciona la historieta usando la historieta misma. Acá demuestra que no solo entiende el lenguaje — lo domina por completo. Una novela gráfica agridulce, metafísica y costumbrista al mismo tiempo, que no te suelta hasta que terminás de pensar qué estás haciendo vos con el tiempo que tenés. ️ En este episodio cruzamos la obra de McCloud con: Martin Heidegger — el "ser-ahí": una humanidad que ES en un tiempo y espacio determinado. ¿Por qué HAY cuando pudo no haber habido nada? Søren Kierkegaard — la angustia existencial que surge cuando te das cuenta de que tu vida es finita. Puede paralizarte. O puede ser el impulso que te empuje a crear Jorge Luis Borges — la paradoja de "El inmortal": si viviéramos eternamente, nada de lo que hacemos tendría valor. Es la finitud la que hace que importe lo que hacemos con ese tiempo Jorge Luis Borges también en "Funes el memorioso" — necesitamos el olvido tanto como la memoria. Cuando creamos algo, estamos eligiendo qué queremos que se recuerde ❤️‍ Simone de Beauvoir — la muerte no es el fin del sentido, es lo que le da urgencia a la vida. Elegir amar a alguien sabiendo que lo vas a perder es una de las formas más radicales de ejercer tu libertad Ernesto Sábato — el arte es una forma de salvación frente al absurdo. No en un sentido religioso. En el sentido de que hace que valga la pena haber estado acá Khalil Gibran — trascendemos no solo a través de lo que creamos con las manos, sino a través de cómo afectamos a los demás. No hace falta ser artista para trascender. Hace falta dejar huella en alguien Este episodio no viene a decirte cómo vivir eternamente. Viene a martillar tu certeza sobre para qué creás y qué querés dejar. También exploramos el pacto fáustico como dispositivo narrativo en "El Escultor" de Scott McCloud, el concepto de ser-ahí o Dasein en la obra de Martin Heidegger, la angustia existencial como impulso creativo en Søren Kierkegaard, la paradoja de la inmortalidad en "El inmortal" de Jorge Luis Borges, el exceso de memoria como parálisis en "Funes el memorioso" de Jorge Luis Borges, la libertad radical ante la muerte en Simone de Beauvoir, el arte como salvación frente al absurdo en Ernesto Sabato, la trascendencia a través del otro en "El Profeta" de Khalil Gibran, y el metadiscurso visual de "Understanding Comics" de Scott McCloud como forma de trascendencia pedagógica. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Historieta a Martillazos 04 - La Realidad | "¿Quién Mató a Rexton?" de Diego Agrimbau ️ ¿Ves la realidad... o ves lo que tus lentes ideológicos te dejan ver? ¿Confiar en tus sentidos requiere más fe que creer en Dios? ¿Quién te está dibujando el mundo sin que te des cuenta? ¿Hay hechos objetivos... o solo interpretaciones que lograron imponerse como LA realidad? ️ ¿Si la realidad puede cambiar, por qué les da tanto terror a los que mandan que lo sepas? Si googleás "qué es lo real" la respuesta más común es "lo obvio". "Lo que se condice con la realidad." Usar una palabra para definirse a sí misma. Circular, vacía, y que no te dice absolutamente nada. Entonces cambiemos la pregunta: ¿cómo me relaciono con la realidad? Y ahí arranca a complicarse todo. Porque si mi relación con la realidad es a través de los sentidos... los sentidos son menos confiables que un político en campaña. Fácilísimos de alterar. Fiebre, duelo, euforia, LSD — la realidad no cambia, pero nuestra visión de ella se va por las nubes. ¿Cómo sabemos qué hay ahí afuera de verdad si nunca podemos verlo sin filtro? Eso es "¿Quién Mató a Rexton?" — guión de Diego Agrimbau, dibujos de Patricio Delpeche, Gabriel Ippóliti, Fernando Baldó, Dante Ginevra, Pietro y Gato Fernández. Una novela gráfica argentina brutalmente metacomiquera que debería estar gastando las fotocopiadoras de la Facultad de Filosofía y Letras. La premisa parece un policial clásico: hay un muerto, Víctor Rexton, historietista despreciable. Hay sospechosos, motivos, versiones contradictorias. Pero acá viene la muñeca de Agrimbau: cada sospechoso es, dentro de la ficción, un historietista. Y su declaración es la historieta que él dibujó sobre los hechos. Cada dibujante real tiene un estilo completamente distinto — uno más realista, otro caricaturesco, otro oscuro, otro con movimiento. Cada estilo es una forma de ver. Cada forma de ver es una realidad distinta. Y Agrimbau no te lo oculta. Te lo pone en la cara. Te hace cómplice. En este episodio cruzamos la obra de Agrimbau con: ️ Slavoj Žižek — la ideología no es algo que "tenés", es la estructura misma de tu percepción. Los lentes que llevás puestos y no podés sacarte aunque creas que sí Ernesto Laclau — hegemonía: cómo un relato particular se naturaliza como LA realidad universal, hasta que cuestionarlo se vuelve un acto subversivo Gianni Vattimo — los medios masivos no te muestran la realidad, te muestran UNA versión de la realidad. La que les conviene que veas Protágoras — "el hombre y la mujer son la medida de las cosas": somos nosotros quienes les damos sentido a lo que llamamos real ⚖️ Immanuel Kant — hay estructuras universales de percepción que compartimos todos, pero el sujeto y el objeto se alteran mutuamente ✒️ Friedrich Nietzsche — "No hay hechos, solo interpretaciones" ️ Walter Mignolo — la colonialidad del saber: ¿quién decidió que el conocimiento occidental era el único válido? Edward Said — el orientalismo: cómo Occidente construyó una "realidad" sobre Oriente que no surgió de preguntarle a los orientales cómo se veían a sí mismos Este episodio no viene a decirte qué es real. Viene a martillar todo lo que dabas por sentado sobre lo que ves. También exploramos el concepto de ideología en relación a "They Live" de John Carpenter, el relativismo de Protágoras, el universalismo de Immanuel Kant, el perspectivismo de Friedrich Nietzsche, la teoría de la hegemonía de Ernesto Laclau, la colonialidad del saber de Walter Mignolo, el orientalismo de Edward Said, y la construcción mediática de la realidad según Gianni Vattimo — todo cruzado con la estructura narrativa y visual de "¿Quién Mató a Rexton?" de Diego Agrimbau con dibujos de Patricio Delpeche, Gabriel Ippóliti, Fernando Baldó, Dante Ginevra, Pietro y Gato Fernández. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 14 - Terror Rioplatense | Aterrados, Muere Monstruo Muere, Ojos de Madera y Al Morir la Matinee ¿Puede el terror argentino y uruguayo sacarse de encima los codigos yanquis y contar algo verdaderamente propio? ️ ¿Por que el conurbano bonaerense —Haedo, zona oeste— se convirtio en la escenografia perfecta del horror contemporaneo? ¿Giallo o Slasher? ¿Importa la etiqueta si la pelicula te deja pensando al dia siguiente? ️ ¿Que tiene que decir una pelicula de terror sobre los femicidios que una nota periodistica no puede? ️ ¿Y si el cine de barrio que se esta muriendo fuera el ultimo lugar donde todavia pasa algo que vale la pena ver? Estreno internacional. Primer invitado del otro lado del charco. Gabriel Llagostera de Balance Negativo y Conexion Comiquera cruza el Rio de la Plata para hablar de lo que nadie habla: el terror con acento rioplatense. Cuatro peliculas. Dos argentinas. Dos uruguayas. Todas filmadas con pocos recursos, mucha inventiva y algo que Hollywood hace decadas que perdio: identidad. Ojos de Madera (2017) — Roberto Suarez y German Tejeira — Opera prima en blanco y negro que funciona como un cuento de terror para adultos. Victor, un nino de 11 anos, pierde a sus padres en un accidente y llega a vivir con sus tios a un pueblo decadente. No habla. Ve cosas. Y la pelicula te hace ver con el. El color aparece solo una vez: en el flashback del accidente. La vida feliz que fue. Todo lo demas es oscuro. Influencias de Polanski, Truffaut, el terror clase B clasico. Una hora y pico que cuenta mas que muchas peliculas de presupuesto millonario. Esta en YouTube, gratis, en 1080p. ️ Aterrados (2017) — Demian Rugna — El director que despues haria la pelicula de terror argentina mas taquillera de la historia comenzo aca. Un barrio del conurbano bonaerense donde algo no cierra. Vecinos que se comportan raro. Apariciones. Fenomenos que desafian cualquier logica. Rugna cambia el punto de vista tres veces antes de asumir el personaje que llevara el climax, y eso solo ya es una decision narrativa que pocas peliculas de genero se animan a hacer. El terror en tu casa. El horror en lo familiar. El escepticismo argentino frente a lo sobrenatural como material dramatico perfecto. Muere, Monstruo, Muere (2018) — Alejandro Fadel — En el Valle de Uco, Mendoza, aparecen mujeres asesinadas. El oficial Cruz investiga. El marido dice que fue un monstruo. Y tiene razon. El monstruo existe y es exactamente tan perturbador como suena: visceral, sexual, brutal, con toda la cordillera de los Andes de fondo en pleno invierno. Fadel mezcla thriller rural, femicidios como subtexto, Cronenberg, Carpenter, y un mundo onirico que no le da tregua al espectador. Seleccionada en la seccion Un Certain Regard del Festival de Cannes 2018. Al Morir la Matinee (2020) — Maximiliano Contenti — Montevideo, 1993. Un cine viejo, casi vacio. Una proyeccion de terror italiana. Un asesino que entra y empieza a matar. La pelicula es a la vez slasher, giallo, homenaje y elegia al cine como espacio fisico y como experiencia colectiva que se esta yendo. El actor y director de terror uruguayo Ricardo Islas —mitico del videoclub de los 90— como asesino. La sala que se tine de rojo con la sangre del proyector. Un nino que lo ve todo y queda marcado. La pregunta que nadie hace en voz alta: cuando el cine muera, ¿quien va a llorar? En este episodio tambien discutimos: Por que el conurbano bonaerense se convirtio en el epicentro del terror argentino independiente, desde Plaga Zombie en los 90 hasta Rugna hoy — y por que siempre fue Haedo y zona oeste ️ Las locaciones del sur como herramienta narrativa: Mendoza, Montevideo, el pueblo rural uruguayo que no necesita un castillo para dar miedo El consumo de contenido en la era de las plataformas y por que peliculas como estas quedan fuera del radar aunque esten disponibles en Cine.ar completamente gratis El debate giallo vs slasher: donde termina uno y empieza el otro, y si la etiqueta ayuda o destruye la experiencia Este episodio no viene a convencerte de que el terror rioplatense es mejor que nada. Viene a demostrarte que hay algo ahi que no sabias que necesitabas ver. Tambien exploramos la filmografia de Demian Rugna (Aterrados / Terrified, Cuando acecha la maldad / When Evil Lurks), la obra de Alejandro Fadel como director (Los salvajes, Muere Monstruo Muere / Die Monster Die) y su trabajo como guionista en Leonera, Carancho y Elefante Blanco de Pablo Trapero, la opera prima de Roberto Suarez y German Tejeira (Ojos de Madera / Wooden Eyes), la filmografia de Maximiliano Contenti (Al Morir la Matinee, Neptunia), el terror independiente argentino y la influencia fundacional de Plaga Zombie, las referencias al giallo italiano de Dario Argento (Opera, Suspiria) y al slasher norteamericano, el actor y director uruguayo Ricardo Islas y su carrera en el terror de los anos 90 (Frankenstein Day of the Beast), el conurbano bonaerense como geografia del horror contemporaneo latinoamericano, l

Historieta a Martillazos 03 - La Otredad | "Castillo de Arena" de Pierre Oscar Lévy y Frederik Peeters ❓ ¿Quién sos realmente... o sos una construcción hecha de pedazos de otros? ¿El otro te da miedo porque es diferente... o porque su existencia te obliga a repensarte? ⛓️ ¿Cuántos centímetros te separan de ser vos el árabe de la playa? ¿El extraño que sobra? ¿Te entrenaron para ver al otro como descartable... y ni te diste cuenta? ️ ¿Y si el hecho de que seamos todos diferentes fuera justamente la característica que nos iguala? "Lo que Juancito dice de otros, habla más de Juancito que de los otros." Frase de patio de primaria. Pero en un momento donde el individualismo se vende como algo cool y la empatía se llama debilidad... nunca estuvo tan cargada. Una pareja de cuarentones en la playa. Aparente paz y serenidad. Hasta que aparece un árabe. Nadie lo invitó. Y eso solo ya es suficiente para que todo se desmorone. Eso es "Castillo de Arena" — guión de Pierre Oscar Lévy, dibujo de Frederik Peeters. Una novela gráfica cruda, ideológica y filosóficamente densa que te mete de lleno en las preguntas más incómodas sobre quién sos y quién es el que tenés al lado. Una de las más potentes de los últimos quince años. Por lo menos. En este episodio cruzamos la obra de Lévy y Peeters con: Emmanuel Lévinas — el YO que totaliza: cataloga al otro, lo incorpora a su narrativa, lo descarta cuando no lo entiende. Y los "muros de la totalidad" que nunca terminan de cerrar del todo Jacques Derrida — el "radicalmente otro": el que no encaja en ninguna categoría y nos obliga a repensar todo lo que creíamos saber Martin Buber — "Toda vida auténtica es encuentro": sin el otro no hay pensamiento complejo, no hay cultura, no hay humanidad ⛓️ Frantz Fanon — ¿hay tanta diferencia entre el imperialismo del siglo XVIII y los slogans de campaña de hoy? Rita Segato y su "pedagogía de la crueldad": el capitalismo no solo permite ver al otro como descartable — nos entrena activamente para que lo hagamos ❤️‍ Bell Hooks — el amor no es un sentimiento, es una acción política. Construir comunidad es la forma más concreta de resistencia Este episodio no viene a darte respuestas. Viene a martillar tu certeza sobre quién sos realmente. También exploramos los aportes de Georg Hegel sobre la imposibilidad del individuo aislado, el concepto de otredad en el lenguaje como sistema de diferencias, la xenofobia como mecanismo de control político, y la representación visual de los muros de la totalidad en el trabajo gráfico de Frederik Peeters. Columna completa en comiqueando.com.ar Instagram: @escuchaloen1.5podcast Música: La Chancha Muda

Escuchalo en 1.5 - Episodio 13 - Western | My Darling Clementine, El Hombre que Mato a Liberty Valance, Habia una Vez en el Oeste y The Proposition ️ ¿El western murio o solo cambio de piel y de territorio? ¿Por que el tren da mas miedo que cualquier pistolero? ¿Y a quien representa realmente? ⚖️ ¿Cuando la leyenda se convierte en hecho, que conviene mas: la verdad o la leyenda? ¿Por que Argentina — con gauchos, bandidos rurales y campanas del desierto — nunca desarrollo su propio western? ️ ¿Puede la civilizacion fundar un pais sin sangre? ¿O la barbarie siempre viene incluida? Un genero que Estados Unidos uso para explicarse a si mismo. Sus mitos de origen. Sus heroes y sus villanos. El territorio indomable. El hombre con el arma y el codigo de honor que termina siempre siendo desplazado por el progreso que dice defender. Cuatro peliculas. Ochenta anos de evolucion. Del clasico fordiano al western australiano del siglo XXI. My Darling Clementine (1946) — John Ford — El western clasico en su estado mas puro. Henry Fonda es Wyatt Earp: impecablemente afeitado, mas preocupado por su imagen que por los pistoleros. Ford narra el legendario tiroteo en el O.K. Corral de Tombstone, pero en realidad esta contando una tragedia griega sobre el amor, la familia y el sacrificio. Los arquetipos no podrian ser mas claros: el heroe rubio y limpito, el villano sucio y oscuro, la mujer decente y la fatal. Victor Mature como Doc Holliday — tuberculoso, alcoholico, con un pie en el infierno — como el personaje mas gris de toda la pelicula. ⚖️ El Hombre que Mato a Liberty Valance / The Man Who Shot Liberty Valance (1962) — John Ford — Veinte anos despues, el mismo director, otro western completamente distinto. Filmado en blanco y negro cuando casi nadie lo hacia, en interiores de estudio cuando Ford siempre amaba los exteriores de Monument Valley. Jimmy Stewart, John Wayne y Lee Marvin en un triángulo donde ya no hay buenos y malos claros sino codigos en colapso. La pelicula que tiene la frase mas honesta sobre como se construye la historia: cuando la leyenda se convierte en hecho, es mejor publicar la leyenda. El western que le da cierre al western clasico, con la propia conciencia del genero. Habia una Vez en el Oeste / Once Upon a Time in the West (1968) — Sergio Leone — El italiano que amo tanto al western de Ford que hizo la pelicula que Ford no podia hacer. Henry Fonda como villano — uno de los mayores riesgos del casting de la historia del cine. Quince minutos de apertura en una estacion de tren que son pura tension sin una sola palabra de mas. Charles Bronson. Jason Robards. Claudia Cardinale. Ennio Morricone dandole a cada personaje su propio tema musical. Filmada en Monument Valley, Almeria y Cinecitta. El ferrocarril — y el empresario que lo representa — como el verdadero villano del oeste: la civilizacion que viene a someter. The Proposition (2005) — John Hillcoat — El western que se fue a Australia y no romantico nada. Guy Pearce, Ray Winstone, John Hurt. Guion y musica de Nick Cave. Australia colonial a fines del siglo XIX: una colonia penal, un desierto que quiere matarte, familias de forajidos que resistieron al Imperio. El mito de Cain y Abel. Un pacto faustico en el primer acto. Un viaje al corazon de las tinieblas — mas Apocalipsis Now que Monument Valley — hacia el hermano mayor escondido en las colinas. El personaje de Ray Winstone como el unico con algun codigo moral, atrapado entre la barbarie de los bandidos y la barbarie apenas mas vestida de los milicos britanicos. En esta pelicula no podes ir con nadie. Esa es la pelicula. En este episodio tambien discutimos: Por que Argentina nunca desarrollo su propio western — teniendo gauchos, bandidos rurales y frontera con pueblos originarios — y que paralelo existe con el gaucho literario de Martin Fierro y la tradicion criollista El tren como simbolo del progreso y la civilizacion en el western: el elemento que termina con el salvaje oeste y convierte a sus pistoleros en reliquias del pasado El Spaghetti Western: como la crisis de los estudios norteamericanos en los 60 llevo a filmar en Espana e Italia, y como esa mirada externa enriquecio y transgredio el genero La evolucion del western clasico (Ford 40s) al crepuscular (Ford 60s) al europeo (Leone 60s) al contemporaneo (Hillcoat 2000s) — y por que el genero sigue vivo aunque cambie de territorio Este episodio no viene a convencerte de que el western es el mejor genero de la historia. Viene a demostrarte que lo estuviste viendo toda tu vida sin darte cuenta. Tambien exploramos la filmografia de John Ford (Stagecoach / La Diligencia, My Darling Clementine / Pasion de los Fuertes, The Man Who Shot Liberty Valance / El Hombre que Mato a Liberty Valance), la obra de Sergio Leone (Once Upon a Time in the West / Habia una Vez en el Oeste, The Good the Bad and the Ugly / El Bueno el Malo y el Feo, Once Upon a Time in America), el trabajo de John Hillcoat (The Proposition, The Road / La Carretera, Lawless), las act