La Traviata

El pasado 16 de agosto de 2023 falleció a los 89 años de edad la última gran diva del canto lírico, a decir de los expertos: la soprano italiana Renata Scotto. Convertida en una gran figura de la lírica a partir de la segunda mitad del siglo XX y totalmente instalada en el personaje de prima donna, la soprano italiana tuvo una destacada trayectoria, que comenzó cuando tenía apenas 18 años. Ya a esa edad, en 1952, en Savona, que también fue su ciudad natal, dio sus primeros pasos en la lírica con La Traviata, de Verdi. Y fue apenas un año más tarde cuando llegó a pisar el escenario de La Scala de Milán, cuando compartió escenario con Mario del Mónaco y Renata Tebaldi. Scotto perteneció a esa camada de intérpretes que revitalizaron el bel canto acuñado en el siglo anterior. Con el paso de los años, también hizo que su tarea en el mundo de la ópera girase hacia la dirección de escena. Y cuando se retiró de los escenarios, siguió abrazada al mundo del canto a través de la docencia, como maestra en la Academia Nacional de Santa Cecilia, en Roma, y en la Juilliard School de Nueva York. En junio de 2013 recibió el Premio Presidente della Repubblica Italiana por su contribución a las artes. Hoy repasamos algunas de sus intervenciones más icónicas en los escenarios. Descanse en paz

Cavalleria rusticana, en italiano, se puede traducir como "caballerosidad pueblerina", aunque en castellano suena bastante extraño. El argumento se desarrolla en tierras de Sicilia y, como es de esperar en un entorno así, el drama acaba con un enfrentamiento a muerte -con mordisco en la oreja incluído, al modo siciliano para solucionar las vendettas- entre los dos protagonistas por el amor de una mujer. Mascagni inauguró con esta ópera el estilo verista, dando la espalda al belcanto que había primado en la ópera hasta entonces. Junto con Pagliacci de Leoncavallo, Cavalleria rusticana constituye el inicio de un estilo que, derivado del naturalismo en la literatura, intenta representar la realidad, huyendo de historias de héroes y heroínas: la gente del pueblo, corriente, pobre, con sus miserias y sus circunstancias están en el foco del nuevo estilo verista en la ópera. También, con esta ópera, Mascagni inaugura la moda de escribir óperas en un solo acto.

Repasamos algunos de los musicales que, convertidos a la gran pantalla, han puesto la música de fondo de varias generaciones. Los paraguas de Cherburgo, La bella y la bestia, El mago de Oz, West Side Story, Cantando bajo la lluvia, Cabaret o , más recientemente, La la Land son algunos de los musicales que visitamos.    

Contenido: Probablemente Don Pasquale sea la última gran ópera bufa de la historia operística. Escrita por Donizetti dentro del estilo llamado belcantista donde prima el virtuosismo, las coloraturas, los grandes fraseos y el canto silabato (casi un trabalenguas), el argumento es el de una comedia de enredo donde, como siempre, hay un triángulo amoroso extraño: Pasquale es un rico y viejo ricachón que quiere casar a su sobrino con una dama de rango y abolengo, pero el sobrino prefiere a una jovencita recién viuda. Su tío no lo consiente y le deshereda, al tiempo que decide casarse él mismo. Y ahí llega el engaño (no voy a hacer spoiler) que, como siempre en las óperas bufas, acaba bien para todo el mundo.  

Pagliacci (Payasos) es un drama en un prólogo y dos actos con música y libreto de Ruggero Leoncavallo (Nápoles, 1857 – Montecatini Terme, 1919). La obra relata la tragedia de un esposo celoso y su esposa en una compañía teatral de la comedia del arte. Alrededor del año 1890, el éxito de Cavalleria rusticana de Mascagni le inspiró a Leoncavallo la escritura de un nuevo libreto, destinado a una ópera de características afines que terminó por insertarlo en el campo del verismo. La trama de la ópera se basa en una historia verdadera que había visto de pequeño. Leoncavallo afirmó que un criado lo había llevado a una representación de la comedia del arte en la que los acontecimientos de la ópera habían realmente ocurrido. También dijo que su padre, que era un juez, había llevado a cabo la investigación criminal, y que tenía documentos que apoyaba estas alegaciones. Pagliacci se estrenó en el Teatro Dal Verme de Milán el 21 de mayo de 1892, bajo la dirección de Arturo Toscanini Esta obra es una de las óperas representantes del verismo italiano.

El vínculo entre Verdi y España no fue gracias a la visita que realizó en 1863 a nuestro país para el estreno en Madrid de La forza del destino. El talante liberal del compositor no encajaba mucho con el conservadurismo de la corte española. En dicho estreno, además estaba el autor del drama, Ángel de Saavedra, el Duque de Rivas, que no andaba muy de acuerdo con la adaptación que hizo Francesco Maria Piave de su obra, Don Álvaro o la fuerza del sino. No, el vínculo, y de lo que queremos hablar está en las cuatro óperas que Verdi escribió y que tienen por escenario algún lugar de España. Lo cierto es que no sólo Verdi situó la acción de algunas óperas en España, otros compositores, sobre todo románticos también lo hicieron. En el romanticismo se tendía a situar la acción de muchos dramas en lugares exóticos, y como por aquel entonces las distancias eran muy difíciles de superar, para un italiano o un francés, España les debía parecer de lo más original y desconocido. En las óperas españolas de Verdi, aparecen gitanos, frailes, nobles, bandoleros, reyes y la Inquisición; todos estos componentes eran difíciles de situar en otros entornos. Vamos a ver, por orden cronológico algunas escenas de estas óperas que unen a Verdi y España: Ernani (1844), Il trovatore (1853), La forza del destino (1862) y Don Carlo (1867)

Repaso a la vida y obra de uno de los tenores españoles con más talento y proyección internacional. Con un timbre de tenor lírico-ligero, Kraus cantó ópera, zarzuela, canciones y ejerció la docencia en diversas cátedras de canto en España e Italia. Todo un referente para la generación actual de cantantes líricos por su depurada técnica y su dicción, color de voz y expresividad en un canto legato, dulce e inimitable.   GRAN SORTEO DE CELEBRACIÓN DEL PROGRAMA 150 DE ¡MÚSICA, MAESTRA!   Sorteamos 4 entradas dobles, 2 dobles para el jueves 1 y otras 2 dobles para el viernes 2 de junio en el palacio Euskalduna a las 19:30 para asistir al CONCIERTO DE FINAL DE TEMPORADA DE LA BOS, con la interpretación del REQUIEM DE MOZART.   Estas 4 dobles invitaciones se sortearán entre los acertantes a la siguiente pregunta: ¿Cuál es el grito de guerra que empleo en el programa de ¡Música, maestra!, para dar paso a la primera obra musical de cada programa? Para participar sólo hay que enviar un mensaje de voz o texto al whatsapp 688713512 antes del 31 de mayo, miércoles a las 12:00 del mediodía.  

La ópera se desarrolló más lentamente en España en comparación con Francia e Italia, y en menor medida con Alemania en los inicios del siglo xvii. Una de las razones de su lento desarrollo fue la existencia de una fuerte tradición del drama hablado en España que hizo creer a algunos críticos que la ópera era una forma de arte menos valiosa. Sin embargo, existía una tradición de canciones en obras habladas que empezó a principios del siglo xvi con notables compositores como Juan del Encina. Las primeras óperas aparecieron a mediados del siglo xvii con libretos de escritores famosos como Calderón de la Barca y Lope de Vega. Estas primeras óperas, sin embargo, fracasaron en llamar la atención del público español. No fue hasta que alcanzaron popularidad la Ópera de baladas y la Ópera comique que la ópera en España empezaría a ganar impulso, porque el uso del idioma vernáculo animó inevitablemente a los compositores españoles a desarrollar su propio estilo nacional de ópera: la zarzuela.   Hoy repasamos algunas de las óperas más representativas del panorama español entre la última década del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX.  

Hoy repasamos los orígenes de la ópera bufa, nacida en Nápoles en la primera mitad del siglo XVIII, y difundiéndose desde allí a Roma y el norte de Italia. La ópera bufa no fue en sus principios más que un intermedio amplificado de una ópera seria o melodrama. La expresión cómica de los melodramas de principios del siglo XVII, fue adquiriendo poco a poco una independencia relativa, que tuvo su apogeo en los llamados Intermezzo, antes de adquirir la forma de una obra artística independiente. Como el argumento de la ópera bufa desarrollaba escenas populares, bastaba como escena una plaza, una calle, una habitación y un jardín. Según parece, a los personajes de la comedia, siendo más reales, se les concedía el derecho de moverse, desesperarse, luchar, dialogar vivamente, en una palabra, ser más humanos, lo que no sucedía con los de la tragedia musical. Los primeros teatros públicos se mantienen con los ingresos de taquilla y, por eso, necesitan de la diversión como reclamo. El mundo estirado, arcaico y artificioso de castrati, monarcas y héroes idealizados se ve sustituido por un universo de personajes reales mezclados con estereotipos propios de la commedia dell’arte que se expresan con una música de diálogos fluidos, ágil dramaturgia y chispeante modernidad. La irrefrenable expansión de la ópera bufa provocará la reestructuración de su hermana seria, produciéndose casi al mismo tiempo las dos reformas de mayor peso de la historia del género a manos de un veneciano y un alemán: Goldoni y Gluck

Hoy proponemos un pequeño pero jugoso ágape musical con piezas musicales muy diversas, pequeñas delicatessen con las que queremos celebrar este aniversario tan especial: 50 semanas de emisión de este programa semanal. Repasamos un poco de coros de ópera y zarzuela, arias y romanzas solistas, opereta, ópera-tango, teatro musical, canción italiana... Música para todos los públicos, pequeños canapés sonoros para degustar con calma. Gracias por seguirnos tan de cerca durante 50 semanas. brindamos por que cumplamos otras 50 más.

Continuamos la segunda parte del monográfico que comenzamos en el programa anterior con una selección de otras 10 arias famosas y paradigmáticas de ópera para soprano, mezzosoprano, tenor, barítono, bajo y contratenor. En esta entrega visitamos las óperas: La flauta mágica (Mozart), Il trovatore (Verdi), La Boheme (Puccini), Turandot (Puccini), Norma (Bellini), L'elisir d'amore (Donizetti), Gianni Schicchi (Puccini), La hija del regimiento (Donizetti), Madama Butterfly (Puccini), Il Giustino (Vivaldi) y Porgy and Bess (Gershwin). Un lujo de música. Sorteo para celebrar el programa nº50 de La Traviata 💥 Sorteamos una cena-menú para 2 personas en La terraza de Luisa, para celebrar el programa nº50 de La Traviata 🧐 ¿Cuál es el eslogan de La Traviata? 📲 Envía un WhatsApp al 688 713 512 contestando a la pregunta anterior. Tienes hasta este domingo 23 de abril a las 23:59. 👉 Anunciaremos el ganador/a el próximo martes 25 de abril a las 21:00

Repasamos algunas de las arias para tenor, soprano, mezzosoprano, barítono y bajo más de las historia de la ópera. En esta primera entrega, que continuará en el siguiente programa, disfrutamos de arias de La flauta mágica (Mozart), Riigoletto (Verdi), El barbero d Sevilla (Rossini), La sonnambula (Bellini), La traviata (Verdi), Carmen (Bizet), Tosca (Puccini) y Los cuentos de Hoffman (Offenbach).  

Son muchos los compositores que a lo largo de la historia han compuesto música para la Misa de difuntos, es decir, Requiems. A capella durante la época del canto Gregoriano, o bien con orquesta, coros y solistas, más adelante, generalmente estos Requiems han mantenido el canon de la iglesia cristiana con números fijos de la liturgia para este tipo de celebraciones: Introito, Kyrie, Dies Irae, Recordare, Dominu Iesu Christie, Sanctus, Agnus Dei y Comunión. No obstante, en el período romántico, los compositores han integrado dentro de estos números de la liturgia sagrada otros, intercalando asimismo el latín con otras lenguas. Compositores agnósticos, como Verdi o Brahms, no dudaron en poner música a una obra con un trasfondo religioso tan marcado y consiguieron integrar en sus requiems la espiritualidad y la sensibilidad necesarias para transmitir el perdón, la esperanza, misericordia, compasión e, incluso, optimismo. Hoy visitamos los Requiems de Mozart, Verdi, Brahms, Dvorak, Britten, Fauré, Jenkins y Lloyd Weber.

La música sacra cristiana fue una forma de expresión musical nacida desde el comienzo del cristianismo, en un principio herencia de la música judía (cantilación) siendo desarrollada durante los siglos posteriores en multitud de formas, relacionadas con los distintos ritos. Desde su aparición hasta la actualidad, la música sacra occidental ha producido formas musicales tales como la misa, el Réquiem, el Te Deum, el Magníficat, el Stabat Mater, el Oratorio, la Cantata, el Motete, el Salmo o el Villancico, entre otras. Hoy repasamos algunas de estas formas vocales sacras partiendo desde el Canto Gregoriano y visitando el Gloria a 7 voces de Monteverdi, el Gloria de Vivaldi, el Motete BWV 227 de Bach, la Missa Brevis nº 9 de Mozart, el Te Deum de Charpentier, el Stabat Mater de Kódaly y, para finalizar, el Ave María de Margarita Lorenzo de Reizabal. El volumen II de LA MÚSICA VOCAL SACRA abordará un monográfico sobre Réquiems.

Ópera barroca del compositor inglés Henry Purcell sobre un libreto a partir de La Eneida de Virgilio. Obra maestra de Purcell, con una obertura y tres actos, orquestada para orquesta de cuerda con continuo y de una duración aproximada de 1 hora y 15 minutos. Dido y Eneas es una de las óperas más importantes del barroco y está considerada la primera ópera nacional inglesa. La música de Dido y Eneas demuestra que Purcell era capaz de incorporar a su propio estilo tanto los logros de la escuela músico-teatral inglesa del siglo XVII, como las influencias que otras fuentes continentales ejercieron sobre la misma. De esta forma, esta obra maestra incluye danzas y coros, elementos propios de la tradición francesa, constituyendo estos últimos una parte importante de la obra, ya que se mezclan libremente con los solos durante toda la ópera. La orquesta consta de cuerdas y continuo y los recitativos no son ni el rápido parloteo del recitativo secco italiano, ni los ritmos estilizados del recitativo operístico francés, sino que se encuentran a caballo entre ambos. La acción transcurre en Cartago tras la caída de Troya. Cuando el príncipe troyano Eneas y su tropa naufragan en Cartago, él y la reina Dido se enamoran. Pero, por envidia a Dido, las brujas se confabulan y le hacen creer al héroe que debe partir y que su destino es refundar Troya. Dido, se lamenta ya que no puede vivir sin su amor, sin embargo, cuando Eneas decide quedarse, ella lo rechaza, y se deja morir.