MUSICAS MILENIO 3 y CUARTO MILENIO

Magnífica obra del rey de los sintetizadores, ya en el año 1977 era capaz de crear estas maravillas. Del disco Spiral año 1977

Genial la música de los inigualables Pink Floyd. Esta es una versión en directo del concierto de 1994 en Londres en el Earls Court 20/10/94 incluída en su disco Pulse de 1995

Una excepcional música que recordé en un programa de Milenio 3 de hace unas semanas. Grande MIKE OLDFIELD!!!

Estrella del Norte otra genial obra del grandísimo Mike Olfield

Apurimac II (o Apurímac II) es un álbum de Música New Age del grupo alemán Cusco, lanzado en 1994. Este álbum es el segundo de la serie Apurímac. Combina música nativa de América con un toque europeo.

En 1997 Jarre firma un contrato con Sony Music y anuncia la continuación de su trabajo más significativo, Oxygene 7-13. Un álbum donde amalgama mágicamente los viejos sonidos con las nuevas tendencias de la electrónica. Brinda un concierto en Moscú donde más de 3.500.000 de personas disfrutaron del show, y del cual recientemente se ha publicado la edición en DVD. Además, en 1998 y con ocasión del mundial de fútbol, cierra los juegos con otro espectacular concierto bajo la Torre Eiffel y en donde se le unen diversos Dj's y músicos como Apollo 440, Tetsuya Komuro y Dj Cam, entre otros. Ellos también participan del álbum de remezclas Odyssey Through O2.

Himekami es un grupo japonés de música New Age. Su nombre deriva del monte Himekami en Morioka, Prefectura de Iwate, en Japón. El grupo fue fundado en 1980 por el compositor Yoshiaki Hoshi con el nombre de Himekami Sensheition incluye también a Yoshiki Hoshi en el sintetizador y a los vocalistas Wakako Nakajima, Tomoko Fujii, Junko Shiwa y Yoriko Sano. Cambió su nombre al actual en 1984. Ama Takami no Kuni fue el primer álbum de la banda en salir al mercado, en 1984, justo después de la muerte de su fundador ese mismo año.

A la misma época pertenecen otros álbumes como Beaubourg (1978), hermético, envolvente y extremadamente provocador en su aparente ausencia de melodías o esquemas rítmicos; el comercial Spiral (1977), que contiene el clásico To the Unknown Man junto a otras piezas electrónicas muy versionadas desde entonces, como Dervish D; China y Opera Sauvage (1979), ambos con abundancia de temas cortos y melódicos, fácilmente accesibles para el público general sin que por ello se renuncie a la búsqueda de profundidad artística. De ambos álbumes destacan, entre otros, los temas Himalaya y Rêve. En aquellas fechas, la película de Peter Weir El año que vivimos peligrosamente (The Year of Living Dangerously), adopta el tema L'Enfant, de Opera Sauvage, como sintonía principal.

Su siguiente álbum, basado casi íntegramente en una edición limitada de 3.000 ejemplares para coleccionistas que se había publicado en 1995, se trata de El Greco, probablemente uno de los más conseguidos de su discografía. El Greco es un tributo al genio del manierismo y a los sobrios ambientes religiosos y palaciegos de su época, capturando mediante diez movimientos el personal universo creativo del pintor cretense. Los movimientos III, V y VII, los relativamente más cálidos del disco, no corresponden a la partitura original del 95, sino que fueron añadidos en 1998.

Neuronium es una banda española de música electrónica creada por el artista belga afincado en España Michel Huygen en 1976. Según la biografía oficial, el álbum de debut de la banda, Quasar 2C361 fue el primer LP de música cósmica grabado en España. La banda tuvo sus orígenes con una formación de percusionista, guitarrista, bajista y dos teclistas. Tras diversas entradas y salidas de miembros, la banda quedará estable como un trío: Michel Huygen y Carlos Guirao como teclistas-sintetistas, junto al guitarrista Albert Giménez. Con esta formación editarán el mencionado primer álbum, Quasar 2C361, en 1977, seguido de Vuelo Químico en 1978 (ambos en el sello EMI-Harvest), a lo que seguirán los primeros conciertos. Tras este segundo LP, se producirán dos cambios importantes en el rumbo de la banda. En primer lugar, Albert Giménez abandonará la formación; en segundo, el dúo pasará a publicar a través de su propio sello, Neuronium Records, creado por el propio Huygen y en el que se publicarán los siguientes trabajos del grupo: Digital Dream (1980), The Visitor (1981) y Chromium Echoes (1982), en los cuáles Carlos Guirao tocará la guitarra, si bien la banda contará, a partir de "The Visitor", con la colaboración del guitarrista Santi Picó. Paralelamente, verán la luz sendos trabajos en solitario a cargo de cada uno de los miembros de la banda: Absence of reality de Huygen y Revelation de Guirao. En 1981 tendrá lugar la colaboración del grupo con Vangelis, de lo que resultará un reportaje televisivo y un álbum que será publicado años más tarde. El lanzamiento de "Chromium Echoes" irá seguido de una nueva circunstancia, que marcará la deriva de la banda en lo sucesivo: la marcha de Carlos Guirao. A partir de este momento, Neuronium será el proyecto exclusivo de Michel Huygen, que compaginará el lanzamiento de álbumes bajo la denominación de la banda y bajo su propio nombre. Así, desarrollará bajo el nombre del grupo el "Sonido Neuronium", quedando su propia firma personal para aquellos trabajos que se alejen del mismo. Michel Huygen aglutina ambas vías de expresión en una sola secuencia cronológica, dando como resultado más de treinta álbumes editados. La música desarrollada por Neuronium es denominada por el propio Huygen como Música psicotrónica, música destinada a lograr un especial estado de armonía entre el cuerpo y el alma. En un sentido más ordinario, puede decirse que la música de Neuronium cubre un amplio espectro, abarcando la música New Age, ambient y la música cósmica.

El disco Voices explora las diferentes posibilidades sonoras de la voz humana, desde el himno pseudo-comunista Voices hasta un tema pop junto a Paul Young. Las letras de los tres temas cantados fueron escritas por los propios vocalistas: Caroline Lavelle, Stina Nordenstam y el mencionado Paul Young.

En su formación original, Milladoiro estaba compuesto por: Rodrigo Romaní: Arpa Celta, Guitarras, Bouzouki, Ocarina y Voz. Xosé V. Ferreirós: Gaita, Oboe, Uillean Pipes, Whistles, Mandolina y Bouzouki Nando Casal: Gaita, Clarinete, Whistles, Cromorno. Xosé A. F. Méndez: Flauta Travesera, flautas de pico Moncho García: Bodhram, Tamboril, Percusión. Laura Quintillán: Violín. Antón Seoane: Guitarra, Acordeón, Teclados. La formación permanecería estable exceptuando el puesto de violinista, que ocuparían sucesivamente Michel Canada (1980-1991), Antón Seijo (1991-1998) y Harry.c desde 1998 hasta la actualidad. En el año 2000, Rodrigo Romaní, quien para muchos era la cabeza visible de la formación, abandona el grupo para seguir un camino en solitario, necesitando el grupo dos nuevos músicos para cubrir su falta: Manu Conde (Guitarra, bouzouki) y Roi Casal (2000-2009) (hijo de Nando Casal, Arpa Celta)

Milladoiro es un grupo gallego de música folk, nacido a finales de la década de 1970 de la unión de la formación tradicional Faíscas do Xiabre con los músicos Antón Seoane y Rodrigo Romaní. Han realizado durante años una larga e incansable labor de recuperación y reivindicación de la tradición musical gallega. Emplean instrumentos locales como la gaita gallega, el pandero o la zanfona, junto a otros más universales como el clarinete, la flauta travesera, el violín o el bouzouki. Su primer concierto fue el 15 de mayo de 1979 en el Colegio Salesianos de La Coruña (Galicia). Su versatilidad, demostrada no sólo en sus trabajos como grupo, sino en otras producciones y colaboraciones, les sirvió para ganar un Premio Goya en 1986 por la banda sonora original de la película La mitad del cielo, de Manuel Gutiérrez Aragón, así como diversos premios y reconocimientos oficiales de la Xunta de Galicia (Premio Castelao 2004) y de otras organizaciones. Milladoiro es uno de los principales embajadores de la cultura gallega por todo el mundo, además de participar en el campo de la fusión e investigación de nuevas formas artísticas.

Homodigitalis, antes The Lab (1993), es un dúo español de música electrónica formado por José Corredera y Miguel Lázaro José Corredera y Miguel Lázaro (Madrid, 1980) comenzaron su proyecto musical con el pseudónimo de VMG con 13 años. Bajo una concepción visual de la música, y utilizando instrumentos e influencias electrónicas, desarrollaron un trabajo experimental durante estos primeros años. En 1998 editaron el álbum "Escuchando Imágenes", que formó parte de la banda sonora de la primera exposición de arte electrónico realizada en España, junto al diseñador gráfico Bernardo Rivavelarde. Después de esta primera etapa, editaron como THE LAB su primer CD titulado "HOMODIGITALIS", que así mismo fue la banda sonora de la película del mismo nombre, creada de nuevo en colaboración con el diseñador gráfico Bernardo Rivavelarde, y que fue estrenada en la Biblioteca Nacional (Madrid) en 2003. En 2009, The Lab "liberó" su disco Homodigitalis, ofreciéndolo en descarga gratuita a través de su web www.thelabsound.com, además de editar una remasterización del álbum con contenido extra. Actualmente The Lab trabaja en una nueva colaboración artística con Rivavelarde llamada "Future Nature" y en la finalización de su nuevo disco "A Day In The Life Lab".

James Horner (n. Los Ángeles, California, EE. UU.; 1953) es un compositor y director de orquesta estadounidense, dedicado principalmente a componer bandas sonoras para películas. Estudió en la Royal College of Music de Londres y en la University of Southern de California. Entró en la composición cinematográfica de la mano de obras menores, pero que fue creando cierta fama. En los años 1980 y principio de los 1990 se convierte en uno de los pilares de la música de cine, y constante referencia para los aficionados y nuevos creadores. Su estilo se nutre de la sinfonía, al igual que Jerry Goldsmith y John Williams, pero también se atreve con el sintetizador, siendo un gran virtuoso e integrándolo perfectamente en la gran orquesta. Su obra está llena de grandes éxitos llegando a la cúspide a mediados de los años 1990, y entrando en crisis a partir de esos años. Actualmente su obra está volviendo a cobrar importancia. La elección El cartero y Pablo Neruda de Luis Enrique Bacalov como ganador del Óscar de 1995 en vez de una de sus grandes obras, Braveheart, fue muy duramente criticada en su tiempo, pero dos años después se le concedió este premio por una música muy similar para la película Titanic. Ha sido nominado al Óscar en el apartado a la mejor Banda Sonora en 8 ocasiones: Aliens, el regreso (1986), Campo de sueños (1989), Braveheart (1995), Apolo 13 (1995), Titanic (1997), Una mente maravillosa (2001), Casa de arena y niebla (2003), Avatar (2009), consiguiéndolo doblemente con Titanic tanto en el apartado a la mejor música como a la mejor canción.

En 1992, y tras la tibia acogida de The City (primer trabajo en el sello Warner - East West) Vangelis obtiene el espaldarazo necesario para continuar en la cima durante la nueva década. Lo consigue con el gran éxito de su banda sonora para 1492: La conquista del paraíso (1492: Conquest of Paradise) (de nuevo junto a Ridley Scott). El tema central, Conquest of Paradise, es una de las piezas más conocidas del músico, tanto que John Williams y Klaus Schulze han grabado sus propias versiones de este himno coral. La celebridad de Conquest of Paradise alcanza con rapidez el mundo de la publicidad, como había ocurrido en innumerables ocasiones con la música de Vangelis, siendo adoptado este tema por el boxeador Henry Maske para sus propias campañas de imagen. La colaboración con Ridley Scott en estos años no concluye con la película sobre Colón, sino que el director británico estrena con posterioridad Blade Runner: el montaje del director, en la que la eliminación de los monólogos de Harrison Ford da mayor notoriedad a la banda sonora. La trascendencia de este reestreno anima a Vangelis a publicar finalmente el álbum con su música original, aprovechando la ocasión para añadir algunos temas descartados en 1982, así como piezas totalmente nuevas que contienen fragmentos de diálogos entre los personajes. En la portada de Blade Runner no se especifica que se trate de la música original de la película, y esto es un ejercicio de objetividad por parte del griego, pues el álbum en su conjunto se puede entender más como una obra conceptual que como una banda sonora al uso. Ciertamente, y aunque los temas clásicos de la película son respetados escrupulosamente (no son retocados ni regrabados), los cortes del disco van ligados unos a otros, como ya venía siendo costumbre en las obras de Vangelis. En adelante, y aunque Vangelis y Scott no han vuelto a coincidir en un mismo proyecto, el director ha contado habitualmente con Hans Zimmer para sus bandas sonoras, un músico que, considerando su estilo compositivo, podría tener a Vangelis entre sus más importantes influencias creativas.

Nace el 24 de agosto de 1948 en Lyón, Francia. Hijo de France Pejot y el destacado compositor de bandas sonoras, Maurice Jarre (Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia, Ghost y El Club de los Poetas Muertos, por mencionar algunos). Sin embargo, debido al trabajo y a la posterior separación de sus padres, Jarre no fue muy influenciado por las ideas de Maurice. A la edad de cinco años comenzó sus primeras clases de piano, y junto a su madre frecuentaba el club de Jazz más popular de París, "Le Chat qui Pêche" donde conoció al destacado trompetista Chet Baker. Más adelante se integró al "Grupo de buscadores musicales de Sudes", liderado por el maestro Jorge Gentile, el Rey Sudes, quien cultivaba en sus alumnos la idea de que se podía componer música con cualquier objeto o instrumento. Así experimentó en diversos frentes: Su primera banda de rock, "The Dustbins", donde era vocalista y primera guitarra; sus primeros singles, "La Cage - Eros Machine", "Hypnose", "Happiness is a Sad Song"; colaborando con otros artistas, componiendo música para comerciales de televisión, películas e incluso para la ópera de París, con su trabajo "AOR". En fin, su camino lo llevaba para muchos lados en pos de descubrir su orientación definitiva.

Durante las sesiones, Mike tocó más de 20 instrumentos y se grabaron aproximadamente 2000 cintas de prueba. La música fue interpretada casi al completo por él mismo, con la excepción de Viv Stanshall (voces), Jon Field (flauta), Steve Broughton (percusión) y Mundy Ellis (voces); Newman y Simon Heyworth recibieron crédito como co-productores. Cuando terminaron las sesiones, Branson se llevó las cintas de Tubular Bells a la feria de la industria musical, MIDEM, en Cannes en enero de 1973. Un ejecutivo de la compañía americana Mercury Records le dijo, "si le pones letra te lo compró por 20.000 $". Como nadie se mostraba interesado en respetar el concepto original, Branson y Draper decidieron editar el álbum ellos mismos en su nueva discográfica, Virgin Records. Tubular Bells vio la luz el 25 de mayo de 1973. Surgió de un proceso de grabación y mezcla al que hubiera podido llamarse arte en estado puro. Los críticos hicieron lo que pudieron para definirlo, pero los aplausos fueron unánimes: el público simplemente abrió su corazón al nuevo artista y su magistral debut. La prensa británica se quedó perpleja. El influyente radio-DJ de la BBC John Peel escribió que aquel era "un disco que cubría genuinamente un nuevo e inexplorado territorio", con música que "combina lógica con sorpresa, sol con lluvia". "Una extensa obra, casi clásica en su estructura y en la forma en cómo el tema está establecido y diestramente trabajado", dijo el Melody Maker. Algunos entrevistadores incluso creían poder enumerar las influencias de Mike : "La textura de Tubular Bells recuerda bastante a Sibelius, Vaughan Williams, Michel Legrand y The Last Night of the Proms", escribió el productor televisivo Tony Palmer. Tubular Bells siempre se recordará como un momento en la historia de la música rock que cautivó el corazón y la imaginación de mucha gente. Fue también un punto de partida desde el cual poder apreciar los muchos cambios y descubrimientos hechos por este creador que, a partir de los 19 años, fue creciendo en madurez. El álbum entró en las listas del Reino Unido en julio y pronto llegó al primer puesto. Tubular Bells comenzó a venderse masivamente en toda Europa. En junio de 1973, Tubular Bells se presentó en vivo en el Queen Elizabeth Hall de Londres. Para esta ocasión, se unieron a Mike los guitarristas Mick Taylor (de The Rolling Stones), Steve Hillage (de Gong), Fred Frith (de Henry Cow) y Ted Speight. También participaron David Bedford, Kevin Ayers y Pierre Moerlen, el percusionista de la vanguardista banda de rock Gong, y que sería uno de los nombres fijos en la plantilla de músicos de Mike durante muchos años. La respuesta del público fue descrita por un periodista del New Musical Express así: "Todo el público se puso de pie y empezó a pedir más. Eso sólo fue una de esas raras y espontáneas muestras de agradecimiento". Tubular Bells también se editó en los Estados Unidos, pero allí todo estaba sucediendo de una forma más lenta. El empujón necesario para que las ventas del disco subieran como la espuma vino cuando el director de cine William Friedkin, animado por Richard Branson, decidió usar un extracto de 4 minutos en la película de terror El Exorcista. Mike no fue consultado respecto a la asociación de su obra con aquella película, y más tarde diría a los periodistas que aquello no le había gustado del todo. En el Reino Unido, se lanzó un single de Tubular Bells con una versión remezclada del álbum en versión "cuadrofónica", un sistema que necesitaba de cuatro altavoces para su pleno aprovechamiento. Para mostrar las maravillas de aquel novedoso sistema, el Tubular Bells Quad incluía una secuencia extra de un avión que parecía moverse alrededor del oyente, y que fue grabado después de The Sailor's Hornpipe.

El magnífico ambiente que reinaba en el estudio y la actitud de Newman y Heyworth dieron a Mike la oportunidad de grabar una nueva maqueta basada en los mismos desarrollos instrumentales que ya manejaba desde hacía tiempo. A Heyworth y Newman les encantó y asombró el abanico de ideas de Oldfield, y emprendieron una campaña de persuasión a Branson para que editara aquello y les dejara el estudio durante algún tiempo para grabarlo. De entrada parecía que aquel no era el momento apropiado; el proyecto debía esperar un poco a la llegada de Simon Draper (que se uniría a Branson, poseedor de una cadena de tiendas de discos) para crear una discográfica propia. Draper tenía un amplio conocimiento musical, y cuando escuchó las ideas de Mike, las apoyó inmediatamente. Mike continuó desarrollando y refinando sus ideas, a las que ahora podía dar un nombre: Tubular Bells aunque en principio se barajasen nombres como Breakfast in Bed (Desayuno en la cama) y Opus One (Opus 1). Casi se había agotado la paciencia de Mike Oldfield cuando Draper le ofreció una semana de tiempo de estudio en The Manor. Una amplia selección de instrumentos fue llevada al estudio, y comenzó el trabajo. Durante esa semana se grabó algo más de la primera parte del álbum, y el resto emergió durante sesiones repartidas a lo largo de los siguientes meses. Desde el principio Mike ponía las facilidades que le daba la tecnología de la época al límite para hacer sus grabaciones; muy pronto empezó a usar 16 pistas. Como se iban añadiendo a la grabación más y más instrumentos, las sesiones también fueron una prueba para la inventiva de Newman y Heyworth, que mezclaron aquello todo lo bien que les fue posible en un período limitado de tiempo. El equipo de que disponía el estudio no estaba automatizado, y todo el trabajo fue hecho manualmente por Mike, ya que Simon Heyworth y Tom Newman ya usaban todos los dedos de que disponían en la mesa de mezclas; esto hacía menos cercana la relación entre productores y artista, pero aun así cada uno de los tres aprendió muchas cosas de sus otros dos compañeros.

Coincidiendo con la publicación del álbum Oceanic, aparece en Internet la que iba a convertirse en página web oficial del músico, www.vangelisworld.com, que sin embargo nunca llegó a quedar terminada.

El resto de los años ochenta están marcados por la alternancia de trabajos muy comerciales con otros más arriesgados, en los que Vangelis amplía sus registros musicales, obteniendo una respuesta irregular por parte de crítica y público. Ejemplos del primer tipo son Antarctica, banda sonora para una exitosa película japonesa, y Direct, grabado para su nueva compañía discográfica, y que presenta un sonido algo más aséptico y despersonalizado, destacándose los temas Elsewhere, Ave, e Intergallactic Radio Station. Al segundo tipo de álbumes corresponden Soil Festivities, con un carácter atmosférico y ambiental, e Invisible Connections, primer disco publicado por el sello alemán de música clásica Deutsche Grammophon de un compositor procedente de la esfera pop, y dominado por el carácter atonal e indescifrable de la música culta contemporánea. A medio camino entre ambas tendencias se encuentra Mask, ambicioso en su sonoridad y accesible, por otra parte, para el público no iniciado. Este álbum influiría decisivamente en algunas de sus grabaciones más conocidas de la siguiente década, especialmente en Mythodea.

Equipo actual Iker Jiménez (dirección y presentación) Carmen Porter (subdirección y copresentación) Javier Sierra (colaboración especial) Diego Marañón (colaboración especial) Santiago Camacho (redacción) Carlos Largo (redacción) Fermín Agustí (redacción) Luis Álvarez (redacción) Noel Calero (sonido) Guillermo León (webmaster y equipo técnico)

Los años noventa suponen para el artista un mayor acercamiento a los esquemas compositivos y la gravedad de la tradición clásica, sin insistir tanto en la creación de música experimental como lo hiciese en décadas anteriores. El disco Voices explora las diferentes posibilidades sonoras de la voz humana, desde el himno pseudo-comunista Voices hasta un tema pop junto a Paul Young. Las letras de los tres temas cantados fueron escritas por los propios vocalistas: Caroline Lavelle, Stina Nordenstam y el mencionado Paul Young. Oceanic, por otra parte, es un disco conceptual sobre los océanos, inspirado por las películas de nadadoras de los años 50. Es difícil calificarlo como un trabajo arriesgado, si bien es cierto que cosechó un aceptable éxito comercial y crítico entre los seguidores de la música New Age. Su siguiente álbum, basado casi íntegramente en una edición limitada de 3.000 ejemplares para coleccionistas que se había publicado en 1995, se trata de El Greco, probablemente uno de los más conseguidos de su discografía. El Greco es un tributo al genio del manierismo y a los sobrios ambientes religiosos y palaciegos de su época, capturando mediante diez movimientos el personal universo creativo del pintor cretense. Los movimientos III, V y VII, los relativamente más cálidos del disco, no corresponden a la partitura original del 95, sino que fueron añadidos en 1998. Coincidiendo con la publicación del álbum Oceanic, aparece en Internet la que iba a convertirse en página web oficial del músico, www.vangelisworld.com, que sin embargo nunca llegó a quedar terminada.

Oxygène es un álbum de música electrónica del compositor francés Jean Michel Jarre, creado en 1976. Fue publicado por el sello discográfico Disques Dreyfus y licenciado por Polydor. Jarre grabó el álbum en su casa usando varios sintetizadores analógicos y otros instrumentos electrónicos. Llegó a ser un superventas y muy influyente en el desarrollo de la música electrónica. Ha sido descrito como el álbum que «lideró la revolución de los sintetizadores en los años setenta».

En 1992, y tras la tibia acogida de The City (primer trabajo en el sello Warner - East West) Vangelis obtiene el espaldarazo necesario para continuar en la cima durante la nueva década. Lo consigue con el gran éxito de su banda sonora para 1492: La conquista del paraíso (1492: Conquest of Paradise) (de nuevo junto a Ridley Scott). El tema central, Conquest of Paradise, es una de las piezas más conocidas del músico, tanto que John Williams y Klaus Schulze han grabado sus propias versiones de este himno coral.

Zoolook es el quinto álbum de Jean Michel Jarre, que fue lanzado en el año 1984 por Disques Dreyfus. Hace un uso extenso de técnicas de grabación digital y sampling. Es considerado por muchos fans como el álbum más experimental de Jean Michel Jarre hasta la actualidad. La mayoría de la música está creada por el sonido y la pronunciación de varios idiomas diferentes, junto con el sonido de sintetizadores, así como otros instrumentos más tradicionales. Muchos de los tonos de este álbum parecen estar influenciados por elementos de la musique concrète y por la etapa de Jarre como estudiante de Pierre Schaeffer. Partes de este álbum son trabajos en material que ya había aparecido en el álbum Musique pour supermarché, grabado el año anterior, del que sin embargo, se conserva sólo una copia en todo el mundo, como parte de una particular inciativa artística de Jarre.

Voyager Más tarde, en 1996, sale a la luz Voyager, un disco con el que quiso volver a acercarse a las raíces celtas que tanto influyeron en discos como Ommadawn y Hergest Ridge. El disco se compone de 9 canciones cortas en las que hace buen uso de la guitarra eléctrica y otros elementos del rock sinfónico tradicional, aunque acompañado por efectos realizados con sintetizador. La última pista es la única composición de más de 10 minutos de la "etapa WEA", y se trata de una composición orquestal. En el disco hay varias versiones de temas tradicionales como The woman of Ireland y contiene una versión de "O son do ar" ("The song of the Sun") de Luar na Lubre. Además, y durante el periodo en que fue grabado el disco, el propio Mike no estuvo en el mejor ambiente: se compró una casa en Ibiza con vistas al mar para, como él dijo, "buscar la unión con los elementos" y relajarse. Ibiza es conocida por su movida y sus discotecas, y eso no pasó desapercibido para Mike, que era visto frecuentemente trasnochando en muchas de ellas. Incluso protagonizó un incidente un día en que volvía borracho de madrugada en su Mercedes y lo estrelló contra un árbol. Vivió en Ibiza durante dos años, en los que dio origen y forma a su siguiente creación. El álbum fue nominado para los premios Grammy en el año 1998 como mejor álbum de música New Age, compitiendo en esta categoría junto con el disco Oracle del entonces fallecido Michael Hedges, ganando este último a título póstumo. También estuvieron nominados en esta categoría Le Roi Est Mort, Vive Le Roi! de Enigma, Oceanic de Vangelis y Canyon Lullaby, de Paul Winter.

De pequeño recibió clases de piano, más tarde se trasladó a Londres entrando en el mundo de la música durante una larga colaboración con su mentor Stanley Myers. A comienzos de los ochenta se sumergió en el mundo del synthpop y new wave, formando The Camera Club con Bruce Woolley, de The Buggles, y Thomas Dolby, y después, Helden, al lado de Warren Cann, baterista de Ultravox, y Zaine Griff. Cabe destacar que acompaño al grupo español Mecano en un concierto celebrado en Segovia en 1984. En 1986 realizó su primer trabajo autónomo en Vardo, aunque siguió colaborando con Myers hasta 1988. En 1988, compuso la banda sonora de Rain Man del director Barry Levinson. Con esto, el mundo cinematográfico fijó su atención en el entonces joven compositor, autor de melodías muy rítmicas, con temas muy identificativos y totalmente acoplables a una película. Tras el éxito de Rain Man, Hans Zimmer se integra en Hollywood y realiza dos trabajos muy importantes: Black Rain y Driving Miss Daisy, junto a otros en películas más comerciales pero con su sello inconfundible, como Days of thunder. El trabajo que desarrollo en 1994 para Walt Disney en The Lion King (El Rey León) le valió el premio Óscar a la mejor banda sonora consagrándose así como uno de los mejores compositores de Hollywood. En 1998 se realiza una ambiciosa producción animada de la DreamWorks, Prince of Egypt (El príncipe de Egipto) donde realiza un buen trabajo. Las melodías muestran claramente la mano de Zimmer.

La posición acomodada de la familia Papathanassiou hizo que Vangelis, quien ya realizaba pequeños conciertos con sus propias composiciones a los seis años de edad, fuese uno de los primeros poseedores de un sintetizador en Grecia. Debuta en el mercado discográfico como teclista del grupo The Forminx, una de las muchas bandas juveniles que se forman a mediados de los sesenta para seguir la estela musical y estética de The Beatles. En 1967, Vangelis tiene la oportunidad de realizar la banda sonora de 5000 Psemmata, una película cómica griega. Más tarde, Vangelis entra a formar parte de la banda de rock progresivo Aphrodite's Child junto a Demis Roussos (primo del artista) y Lucas Sideras. El trío consigue notables éxitos -sobre todo en Europa- con temas como Spring Summer Winter and Fall, Rain and Tears y Let Me Love, Let Me Live. Los Aphrodite's Child publican tres álbumes de estudio, siendo el más destacado 666 (The Apocalypse of John, 13/18), un doble vinilo conceptual sobre el Apocalipsis de San Juan que por un lado les vale el reconocimiento de la crítica como pioneros del rock sinfónico, y por otro, la censura en algunos países debido a los supuestos mensajes satánicos y/u obscenos que contendría dicha obra. En uno de los temas, la actriz Irene Papas grita repetidamente una frase ambigua en una mezcla de éxtasis alucinógeno y orgásmico, y el segundo vinilo concluye con la frase "do it", "hazlo", que fue suprimida en Estados Unidos. 666 es considerado como uno de los álbumes más influyentes de su época y todo un hito de la música conceptual, alabado, entre otros, por el pintor Salvador Dalí. El rumbo experimental impuesto en este último disco por Vangelis, espina dorsal de los Aphrodite's Child, trae como resultado la separación del grupo. A partir de este momento, el teclista iniciará una peregrinación por las principales capitales culturales europeas que le llevará a grabar varios álbumes en ciudades como París o Londres, llegando a construir en la segunda su propio estudio de grabación, al que bautiza como Nemo. Es en esta época cuando Vangelis publica varios singles bajo pseudónimo, tal vez tanteando la reacción del público ante el sonido que podría adoptar para su carrera como solista, o quizá utilizando estas incursiones como una forma de dar salida a facetas poco conocidas de su creatividad en lo que a amplitud de géneros se refiere, sin comprometer con ello su imagen ante sus seguidores.

Actualmente su única edición semanal se emite en la madrugada del sábado al domingo, de 1:00 a 4:00, pudiéndose también descargar los contenidos del programa desde la web del mismo o a través de su podcast. En temporadas anteriores, el espacio se emitía en dos ediciones semanales (inicialmente los sábados y domingos, y posteriormente los viernes, de 1:30 a 3:00, y sábados, de 1:00 a 3:00), pero a partir de la 8ª temporada (2008-2009) Milenio 3 se redujo a una edición semanal por petición expresa del equipo del programa, según reconoció el propio director del mismo. Para su 10ª temporada (estrenada el 5 de septiembre de 2010), el veterano espacio contará, como colaborador fijo, con el periodista y escritor Javier Sierra (que ya participó en la primera emisión de Milenio 3, el 1 de junio de 2002, y, desde entonces, en otras muchas colaboraciones esporádicas), y con nuevas secciones: El túnel del tiempo, coordinada por Diego Marañón; La España secreta, con Santiago Camacho; Efemérides Milenarias, con Carlos Largo, y Así lo contó la SER. Además, la interactividad permanente y en tiempo real con los oyentes, a través de correo electrónico, mensajes de móvil o llamadas telefónicas, seguirá siendo la principal seña de identidad del programa gracias a Guillermo León y Carmen Porter.

Milenio 3 es un programa de radio español, dirigido y presentado por Iker Jiménez junto a Carmen Porter, que se emite todos los fines de semana en la Cadena SER. En él se tratan temas relacionados con el denominado periodismo del misterio o periodismo de lo desconocido: misterios no resueltos, fenómenos paranormales, sucesos extraños, enigmas y leyendas, etc. Tras más de ocho años de emisión y nueve temporadas, el espacio es líder indiscutible de audiencia en su franja horaria (con 584.000 oyentes, según el último Estudio General de Medios) y es además el espacio radiofónico de madrugada más escuchado de la radio española. Desde noviembre de 2005, Milenio 3 cuenta con un programa "hermano", titulado Cuarto Milenio y capitaneado por el mismo equipo, en el canal de televisión Cuatro.

Hans Zimmer (Fráncfort, Alemania, 12 de septiembre de 1957) es un compositor de bandas sonoras cinematográficas, pionero en la integración de música electrónica y arreglos orquestales tradicionales. Hoy día es considerado uno de los compositores más sobresalientes de Hollywood, apodado por gran parte de la crítica como "el omnipresente Zimmer" por sus numerosas apariciones, ya sea como compositor principal o como colaborador con uno de sus múltiples

Evángelos Odiseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis (nacido 29 de marzo de 1943) es un famoso teclista y compositor griego de música electrónica. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas Carros de fuego (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), Blade Runner (1982), y 1492: La conquista del paraíso (1992). Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica acontecida a mediados de los años 1970. Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión, Vangelis ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: Elektra (1983), Medea (1992), Las troyanas (2001), The Tempest (2002). También ha compuesto para ballet: R. B. Sque (1983), Frankenstein: Modern Prometheus (1985), The Beauty and the Beast (1986). Desarrolla una carrera paralela como pintor, habiendo realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia. En su honor, la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: (6354) Vangelis.

The Green Mile es una película estadounidense de 1999, escrita, producida y dirigida por Frank Darabont. Protagonizada por Tom Hanks, Michael Clarke Duncan, David Morse, James Cromwell, Doug Hutchison, Michael Jeter, Bonnie Hunt, Eve Brent, Harry Dean Stanton, Sam Rockwell, Dabbs Greer en los papeles principales. Basada en la novela de Stephen King (The Green Mile) publicada en español con el título El pasillo de la muerte. Galardonada con el Premio Saturno 2000: a la mejor película, al mejor actor secundario (Michael Clarke Duncan), y a la mejor actriz secundaria (Patricia Clarkson). La película narra la vida de Paul Edgecomb, que siendo un anciano de 108 años, cuenta su historia como oficial del corredor de la muerte en la penitenciaría Cold Mountain en el estado de Luisiana, durante la década de 1930. Edgecomb tiene entre sus presos a un personaje con poderes sobrenaturales que es capaz de sanar a personas y hacer otros tipos de actos sobrenaturales.

La Pasión de Cristo es una película del año 2004, dirigida por Mel Gibson, y relata la pasión y muerte de Jesucristo según el Nuevo Testamento. Recrea los agónicos y redentores eventos que tuvieron lugar durante las últimas doce horas en la vida de Jesús de Nazaret desde el momento en que acude al Huerto de los Olivos (Getsemaní) con los apóstoles a orar tras la Última Cena. Desde el estreno levantó una gran polémica, y más entre la comunidad judía (quienes además la declararon antisemita, aunque en esencia resulta fiel al contenido de los Evangelios), motivada principalmente por las violentas escenas que se dan a lo largo de la película (ver más abajo el apartado "Críticas"). Mel Gibson ya había avisado su intención de rodar la película más realista de la historia sobre la figura de Jesucristo. La película tiene una peculiaridad, y es que se rodó en latín, hebreo y arameo con subtítulos. Fue nominada a tres Óscars de la Academia : mejor maquillaje, mejor banda sonora y mejor fotografía. Ganó 17 premios de cine y fue nominado a otros 13.

Evángelos Odiseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis (nacido 29 de marzo de 1943) es un famoso teclista y compositor griego de música electrónica. Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas Carros de fuego (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), Blade Runner (1982), y 1492: La conquista del paraíso (1992). Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque es habitual que se le incluya entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista puramente New Age, ya que incluso es considerado uno de los pioneros de la vanguardia de la música electrónica acontecida a mediados de los años 1970. Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine y televisión, Vangelis ha logrado reconocimiento tanto por sus bandas sonoras como por sus discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro: Elektra (1983), Medea (1992), Las troyanas (2001), The Tempest (2002). También ha compuesto para ballet: R. B. Sque (1983), Frankenstein: Modern Prometheus (1985), The Beauty and the Beast (1986). Desarrolla una carrera paralela como pintor, habiendo realizado varias exposiciones internacionales. Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia. En su honor, la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: (6354) Vangelis.

El espinazo del diablo es una película dirigida por el mexicano Guillermo del Toro y producida por El Deseo (productora de los hermanos Almodóvar). En el orfanato de Santa Lucía, durante la Guerra Civil Española, Carlos (Fernando Tielve) descubre la presencia de un fantasma que le guiará hasta descubrir un oscuro secreto. Mientras tanto, el orfanato sirve de refugio a unos maduros profesores republicanos: Carmen (Marisa Paredes) directora del centro, Casares (Federico Luppi), Conchita (Irene Visedo) y Jacinto el portero (Eduardo Noriega). Carlos y los demás estudiantes, casi todos niños y que comparten algo en común en su pasado, corren un grave peligro de ser descubiertos por el ejército franquista español, al mismo tiempo que son asediados sin saberlo por culpa de un pequeño tesoro de lingotes de oro que Carmen oculta en el orfanato.

The Ring (titulada El aro en Hispanoamérica, La llamada en Argentina y La señal en España) es una película de terror estadounidense del año 2002 consistente en un remake de la cinta japonesa Ringu (1998). Fue dirigida por Gore Verbinski, escrita por Ehren Kruger y los principales papeles están interpretados por Naomi Watts y Martin Henderson. La película está basada en la novela del escritor japonés Kôji Suzuki. Esta película constituyó un importante éxito comercial recaudando tan sólo en los cines estadounidenses una cifra cercana a los 130 millones de dólares. También supusó la llegada al gran público europeo y norteamericano de numerosas otras películas de terror japonesas. Existe una continuación de esta película, The Ring Two, estrenada en los Estados Unidos el 18 de marzo de 2005 y dirigida por Hideo Nakata, el director original del film japonés Ringu. De menor realce psicológico que la primera parte, da un alcance de la procedencia de los principales hechos de la saga. Desde el estreno de la película en Japón, hasta la producción americana, se han hecho diversas especulaciones en cuanto a la posibilidad de que esta película esté basada en hechos reales o bien, en algún mito urbano, e incluso han llegado a atribuírsele responsabilidad por algunas muertes misteriosas en algunas zonas del continente asiático, e incluso llego a especularse que también se habían visto involucradas algunas zonas de América sobre todo en Norte y Centroamérica. Después de investigaciones, se le ha preguntado directamente al escritor de las novelas originales Kôji Suzuki, el cual ha aclarado siempre que pese a que agradece la pasión con la que los fans han acogido la historia, intentando buscarle explicaciones racionales y cabida dentro del mundo real, esta no está basada en ningún mito o leyenda; dentro de la historia original llegan a mencionarse personajes reales dentro del folclore japonés, sin embargo la idea de una Samara Morgan, o en el caso de la versión Japonesa, Yamamura Sadako, resulta inconcebible, e incluso, nos explica, la idea de un video maldito surgió cuando al momento de concebir la idea de la primera novela, se encontraba sobre su escritorio una cinta VHS sin marcar.

Drácula (mejor conocida como Drácula, de Bram Stoker)[1] es una película estadounidense de los géneros de terror y romance, rodada en 1992 por el director Francis Ford Coppola y escrita por James V. Hart, basándose en la novela Drácula, original de Bram Stoker. Fue producida por Columbia Pictures. El reparto cuenta con Gary Oldman, (interpretando el papel del conde Drácula), Keanu Reeves, Anthony Hopkins y Winona Ryder. La banda sonora fue compuesta por Wojciech Kilar, pero su tema final, Love Song for a Vampire (Canción de amor para un vampiro) fue escrita por Annie Lennox. La película tuvo una buena acogida por el público, y obtuvo 4 nominaciones a los premios de la Academia en 1993, de los que ganó tres: Mejor diseño de vestuario, Mejor Maquillaje y Mejor edición de sonido. Esta película es una de las múltiples adaptaciones cinematográficas de la novela de Stoker, pero está considerada como su adaptación oficial, ya que es la película más fiel a la novela, además de introducir en ella a personajes que nunca se adaptaron en versiones anteriores como Quincey P. Morris, o Arthur Holmwood. La historia nos relata la historia del conde Drácula, un antiguo voivoda y líder de un gran ejército valaco, que reside en un viejo castillo de los Cárpatos, en Transilvania. El conde es un no muerto, es decir, un vampiro, cuyo único alimento es la sangre humana. Este ser tiene el poder de manejar a su antojo la fauna de la naturaleza, poder convertirse en niebla, volar, e incluso adaptar la forma de un murciélago o un lobo. En esta película, se nos muestra un Drácula más romántico que monstruoso, ya que vemos como pierde a su amada trágicamente y después se enamorara perdidamente de Mina Harker, y vemos como ambos entran en una profunda historia de amor platónico. La película cosechó un gran número de espectadores, que harían que su recaudación fuese de 215.862.692 dólares por todo el mundo. Este sería el retorno al éxito del director Francis Ford Coppola, y también su salvación financiera, ya que se encontraba en problemas económicos debido a películas de elevado coste pero escaso beneficio como El Padrino III y Apocalypse Now.

Drácula (mejor conocida como Drácula, de Bram Stoker)[1] es una película estadounidense de los géneros de terror y romance, rodada en 1992 por el director Francis Ford Coppola y escrita por James V. Hart, basándose en la novela Drácula, original de Bram Stoker. Fue producida por Columbia Pictures. El reparto cuenta con Gary Oldman, (interpretando el papel del conde Drácula), Keanu Reeves, Anthony Hopkins y Winona Ryder. La banda sonora fue compuesta por Wojciech Kilar, pero su tema final, Love Song for a Vampire (Canción de amor para un vampiro) fue escrita por Annie Lennox. La película tuvo una buena acogida por el público, y obtuvo 4 nominaciones a los premios de la Academia en 1993, de los que ganó tres: Mejor diseño de vestuario, Mejor Maquillaje y Mejor edición de sonido. Esta película es una de las múltiples adaptaciones cinematográficas de la novela de Stoker, pero está considerada como su adaptación oficial, ya que es la película más fiel a la novela, además de introducir en ella a personajes que nunca se adaptaron en versiones anteriores como Quincey P. Morris, o Arthur Holmwood. La historia nos relata la historia del conde Drácula, un antiguo voivoda y líder de un gran ejército valaco, que reside en un viejo castillo de los Cárpatos, en Transilvania. El conde es un no muerto, es decir, un vampiro, cuyo único alimento es la sangre humana. Este ser tiene el poder de manejar a su antojo la fauna de la naturaleza, poder convertirse en niebla, volar, e incluso adaptar la forma de un murciélago o un lobo. En esta película, se nos muestra un Drácula más romántico que monstruoso, ya que vemos como pierde a su amada trágicamente y después se enamorara perdidamente de Mina Harker, y vemos como ambos entran en una profunda historia de amor platónico. La película cosechó un gran número de espectadores, que harían que su recaudación fuese de 215.862.692 dólares por todo el mundo. Este sería el retorno al éxito del director Francis Ford Coppola, y también su salvación financiera, ya que se encontraba en problemas económicos debido a películas de elevado coste pero escaso beneficio como El Padrino III y Apocalypse Now.

The Green Mile es una película estadounidense de 1999, escrita, producida y dirigida por Frank Darabont. Protagonizada por Tom Hanks, Michael Clarke Duncan, David Morse, James Cromwell, Doug Hutchison, Michael Jeter, Bonnie Hunt, Eve Brent, Harry Dean Stanton, Sam Rockwell, Dabbs Greer en los papeles principales. Basada en la novela de Stephen King (The Green Mile) publicada en español con el título El pasillo de la muerte. Galardonada con el Premio Saturno 2000: a la mejor película, al mejor actor secundario (Michael Clarke Duncan), y a la mejor actriz secundaria (Patricia Clarkson).

Hostel (traducida como Hostal) es una película de terror de 2006 escrita, producida y dirigida por Eli Roth, protagonizada por Jay Hernandez, Derek Richardson, Jennifer Lim, Eythor Gudjonsson y Barbara Nedeljáková. El guión original fue desarrollado por Quentin Tarantino, que también es uno de los productores de la película. Debido a la naturaleza gráfica de la cinta, su estreno fue restringido en algunos países, especialmente en aquellos con estrictas normas de censura. La secuela, Hostel: Part II, fue estrenada el 8 de junio de 2007.

Constantine es una película de 2005 basada en el personaje de John Constantine de los cómics de Hellblazer. El cómic fue creado en los años 1980 por el guionista Jamie Delano y el dibujante John Ridgeway en una línea de cómics destinada al público adulto (Editorial Vertigo). El personaje de John Constantine fue creado por Alan Moore en La cosa del pantano inspirándose en el cantante británico Sting. Constantine es un hechicero irreverente e investigador de lo oculto que se enfrenta a los demonios en la Tierra intentando alcanzar su redención. John Constantine (Keanu Reeves) posee un don que considera una maldición: puede ver a ángeles y a demonios disfrazados como humanos. Después de un suicidio que le llevó a estar dos minutos muerto clínicamente, Constantine sabe que debe vivir con ello. Ahora la escéptica detective Angela Dodson (Rachel Weisz) le pedirá ayuda cuando su hermana gemela muera en extrañas circunstancias. Aunque el personaje original era típicamente británico, en la película, Constantine es americano y la acción transcurre en la ciudad de Los Ángeles. La película fue prohibida en algunos países islámicos por su visión de algunos aspectos religiosos.

Palabras de Iker Jimenez sobre Santi Camacho: Santi Camacho, un poco el padre de toda la familia reporteril en la que, por supuesto, me incluyo. Siempre afable, conciliador, mago de la palabra y del sarcasmo, capaz de ver el otro lado de las cosas cuando el resto solo ve la simpleza y no repara en la tramoya misteriosa que se oculta en casi todo. Sabio Santi, analista Santi, Séneca Santi al que veo ahora como niño con zapatos nuevos, en esta aventura trepidante que nos ha roto el ritmo apacible de antaño, pero en la que lo estamos pasándolo en grande.

El espinazo del diablo es una película dirigida por el mexicano Guillermo del Toro y producida por El Deseo (productora de los hermanos Almodóvar). En el orfanato de Santa Lucía, durante la Guerra Civil Española, Carlos (Fernando Tielve) descubre la presencia de un fantasma que le guiará hasta descubrir un oscuro secreto. Mientras tanto, el orfanato sirve de refugio a unos maduros profesores republicanos: Carmen (Marisa Paredes) directora del centro, Casares (Federico Luppi), Conchita (Irene Visedo) y Jacinto el portero (Eduardo Noriega). Carlos y los demás estudiantes, casi todos niños y que comparten algo en común en su pasado, corren un grave peligro de ser descubiertos por el ejército franquista español, al mismo tiempo que son asediados sin saberlo por culpa de un pequeño tesoro de lingotes de oro que Carmen oculta en el orfanato.

La banda sonora original estaba compuesta por el compositor polaco Wojciech Kilar, que conocería a Coppola en uno de sus conciertos en Francia, y este le ofrecería un debut en los Estados Unidos componiendo la música de la película. Su banda sonora estuvo a punto de ser seleccionada para una nominación a los Oscars, pero por determinaciones desconocidas de los productores, no querían que la música de Kilar fuera seleccionada. El tema principal de la película "Love Song for a Vampire" (Canción de amor para un vampiro) fue escrita por Annie Lennox, que juntándola con el trabajo de Kilar, saldría al mercado un disco con la banda sonora y los temas interpretados por Lennox. Este disco cosechó un gran éxito por los Estados Unidos, y también por parte de Europa, especialmente en Polonia, con la razón de que era el debut de un compositor polaco en el cine estadounidense.