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El artículo 732. 12 claves de guion de El Eternauta se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.
Hoy nos sumergimos en una adaptación que no solo recupera una obra mítica del cómic latinoamericano, sino que la reinterpreta para una nueva generación: El Eternauta, la serie de Netflix basada en el clásico de Héctor Germán Oesterheld. ¿Qué decisiones de guion de El Eternauta hicieron posible este viaje entre la fidelidad y la reinvención? Hoy te traigo 12 claves para entender cómo se construyó esta ambiciosa adaptación que transforma la nevada mortal en una metáfora de nuestro presente. Soy David Esteban Cubero y esto es el pódcast Guiones y guionistas.
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La adaptación de el guion de El Eternauta
1. La geografía como identidad
Filmar El Eternauta íntegramente en Buenos Aires —y en “español porteño” — no fue un capricho nostálgico, sino una cláusula que la familia Oesterheld impuso a Netflix para preservar la raíz cultural del cómic. La decisión convierte a la ciudad en algo más que un decorado: los puentes de la Panamericana, las avenidas vacías y los clubes de barrio son parte activa del conflicto, recordándole al público que la invasión sucede en su propio patio. Para lograrlo, el equipo escaneó decenas de manzanas y, con producción virtual, proyectó esos entornos sobre pantallas LED; así congelaron el Obelisco, Avenida General Paz o el Puente Pueyrredón bajo la nieve tóxica sin perder la textura del empedrado real.
Esa apuesta por la identidad local contrasta con la tendencia global a “neutralizar” escenarios para exportar contenidos. Bruno Stagnaro explica que el desafío no era replicar viñetas, sino “congelar” la esencia de la capital bajo una nevada tóxica y, al mismo tiempo, mostrar sus grietas reales —cables pelados, grafitis, veredas rotas— escaneadas en alta resolución y proyectadas en el Volumen LED.
2. Actualización temporal: del pasado al presente
El cómic se publicaba en 1957, en plena Guerra Fría, y su inspiración provino del auge de la ciencia ficción en los años 50, el miedo a la guerra nuclear y las películas estadounidenses del género, como El día que la Tierra se detuvo y La guerra de los mundos. Trasladar la invasión al ahora permite que la nevada dialogue con la sombra de las pandemias, el colapso climático o la desinformación viral: la paranoia ya no proviene del Soviet, sino del feed y del algoritmo. Stagnaro resume el giro: “Hablar del futuro siempre fue hablar de nuestra historia; hoy el futuro ya nos alcanzó”. Los autores intentaron respetar el espíritu de la obra original de hablar de “su tiempo” guion de El eternatua.
Ese presente hiperconectado permite metáforas nuevas: apps de delivery colapsan, celulares dejan de funcionar y con ellos las comunicaciones y las únicas noticias que llegan son boca a boca. El “nosotros” en riesgo deja de ser hipotético, nos puede pasar a cualquiera, como hemos visto recientemente en España con el apagón general durante muchas horas.
También permite revalorizar lo antiguo. La frase “Lo viejo funciona, Juan” se ha hecho viral. En un mundo donde la dependencia a la electricidad y la electrónica es total, los aparatos antiguos son los que se pueden utilizar: radio de onda corta, coches con encendido manual. Aparatos que fueron los que se usaron en el cómic original, pero que ahora se han convertido en “vintage”. En el comic, lo viejo funciona porque no depende de circuitos sofisticados, porque su mecánica directa lo vuelve más confiable cuando todo lo moderno falla.
3. La política subterránea del relato
Oesterheld usó la ciencia ficción para hablar de ocupación y resistencia en tiempos de censura; la serie hereda esa vena política y la actualiza. Las botas invisibles ya no son solo extraterrestres: también son monopolios mediáticos, software de control poblacional y fuerzas de seguridad que militarizan el espacio público.
Lejos de los discursos explícitos de los 70, el guion de El eternauta sugiere que la verdadera guerra es por el relato: quién posee la información y quién decide qué es verdad. Así, los cascarudos y Manos funcionan como capas de poder delegadas, una cadena de mando que desemboca en “Ellos”, alegoría perfecta del poder sin rostro que domina desde las sombras. Y todo esto en la serie se vive como un descubrimiento por parte de los protagonistas y los espectadores poco a poco.
4. Juan Salvo envejece y sus vínculos se reescriben
Una de las decisiones más significativas de la adaptación fue elegir a Ricardo Darín como Juan Salvo. A sus 66 años, el actor exigía una reescritura del personaje. Ya no era el “hombre común” del cómic con 40 años, sino alguien con un pasado denso. Por eso, en la serie, Salvo es un excombatiente de Malvinas. Tiene entrenamiento, culpa, cicatrices nacionales. Los flashbacks del Monte Longdon, los silencios marcados por el trauma, y ciertos sonidos que solo los veteranos reconocen, construyen una nueva densidad emocional. El director explicó que solo cuando inventaron ese backstory al personaje pudieron confirmar que Darín sería el protagonista de la historia.
Pero el cambio en el guion de El eternauta no es solo suyo. Elena, la esposa en el cómic, ahora es su exesposa, interpretada por Carla Peterson. De ama de casa pasa a médica voluntaria y estratega logística. Tiene enfado, rabia, contradicciones. Y su hija, que en la historieta era Martita, una niña con poco protagonismo, se convierte en Clara, una joven de unos 20 años. Su desaparición impulsa los dos primeros capítulos. Su búsqueda es el motor emocional de Juan Salvo. Ya no parte como salvador de la humanidad; parte como padre desesperado, lo que vuelve la odisea más íntima y urgente.
5. Voces femeninas fortalecidas
La serie amplía el coro femenino con Elena, Clara y nuevas supervivientes como Inga o Pecas. Cada una aporta una mirada distinta sobre el desastre: desde la medicina de campaña hasta la logística de refugios improvisados, desplazando la narrativa de “héroe masculino” hacia un mosaico coral. Carla Peterson, como Elena, tiene un arco completo de duelo, lucha y liderazgo. Su vínculo con Juan no es nostálgico: es tenso, real, adulto. Inga es venezolana, representando a la inmigración presente en nuestros días, pero su pasado militar le permite el rol de luchar con experiencia.
Que el relato de el guion de El eternauta ya no sea solo masculino, responde al ADN del original, donde la resistencia era colectiva, pero poco representaba a las mujeres. Al equilibrar géneros, la adaptación subraya que la supervivencia —y la épica— es tarea de todos, no de un solo tipo de héroe.
Clara, por su parte, no es solo una hija perdida, aporta cierta extrañeza en su comportamiento que hace al espectador sospechar. En la última imagen de la primera temporada nos muestran cómo probablemente ha sido tomada mentalmente por los extraterrestres.
6. Del narrador al presente y el doble objetivo
En el cómic, el Eternauta viajaba en el tiempo y le contaba su historia a Oesterheld. Era una historia dentro de otra. En la serie, ese marco desaparece. No hay narrador. No hay relato retrospectivo. Desde el primer minuto, estamos dentro. La nieve cae, y estamos ahí. Respiramos su miedo. Caminamos a su lado.
Este cambio elimina los monólogos expositivos. Todo se cuenta a través de la acción, los diálogos, el silencio. Y para sostener la tensión, los guionistas aplican un recurso moderno: el “doble objetivo”, según el analista David Siegel. En el primer acto, Juan busca a Clara. Ese es su motor. Pero cuando la encuentra, la historia no termina: comienza otra. Ahora debe liderar la resistencia. El conflicto escala. El objetivo íntimo se transforma en uno colectivo. El héroe cambia, y con él, el mundo que lo rodea. La búsqueda familiar es el motor de una guerra mayor.
7. El ADN de cliffhanger seriado al streaming
En Hora Cero, el cómic original se publicaba a razón de tres páginas por semana. Eso exigía un cliffhanger cada pocas viñetas. En la serie, Stagnaro traslada ese ritmo al formato Netflix: mini-cliffhangers cada ocho minutos, y un gran gancho al final de cada episodio que invita al binge-watch. No es una fórmula exacta, pero es un pulso emocional constante.
Los giros no buscan solo el suspenso. Cada uno plantea dilemas morales: ¿salvar a un extraño o proteger a tu grupo? ¿Mentir para conservar la calma o decir la verdad y desatar el pánico? Así, el ritmo narrativo conecta con la tradición serial del cómic y, al mismo tiempo, con la lógica del espectador que maratonea episodios en busca de resolución emocional, no solo de acción.
8. La nevada tóxica como detonante visual y narrativo
La nieve que mata al contacto es, quizá, la imagen más poderosa del Eternauta. Blanca, suave, silenciosa… y letal. Para recrearla, el equipo de producción utilizó polímeros ecológicos, capas de efectos digitales y un diseño sonoro minimalista. El silencio es clave: autos detenidos sin bocina, plazas vacías, el crujido de pasos sobre hielo que no debería estar ahí.
Narrativamente, la nieve impone reglas claras: nadie puede salir. Y eso obliga a mirar al otro. ¿Con quién estás encerrado? ¿En quién confías? La introducción inicial de personajes nuevos en la casa, como Omar e Inga, ayuda a generar ese estado de desconfianza. La amenaza exterior vuelve urgente el conflicto interior. La nieve como frontera dramática. Como elemento estético, marca el tono: monocromático, austero, distinto de las distopías neón a las que nos tiene acostumbrados la ciencia ficción más comercial.
9. La tensión entre lo íntimo y lo épico
Sí, hay tanques, explosiones, monstruos. Pero El Eternauta vuelve una y otra vez al club de barrio, al comedor, al chalé de Villa Urquiza. Las grandes decisiones se toman con una olla de arroz al fuego, mientras un niño con fiebre llora en una esquina. Esa escala humana es lo que hace que todo lo demás importe.
La épica nace de lo cotidiano. Cada plano general de una Buenos Aires vacía está anclado en lo emocional: lo que está en juego no es solo la ciudad, sino los vínculos. El guion lo sabe y lo respeta. Por eso, incluso en los momentos más espectaculares, lo que brilla es la humanidad.
10. Los enemigos sin rostro: alegoría del poder invisible
En la serie, como en el cómic, los enemigos se presentan por capas: primero la nevada, luego los cascarudos, y terminamos con los Manos… aunque los que han leído el cómic saben que por encima de todo están los Ellos. Cada uno revela al siguiente, como una cadena de dominación. Pero nunca los vemos del todo. Nunca los comprendemos del todo. No tienen rostro.
Este diseño escalonado permite dosificar revelaciones y, al mismo tiempo, sugerir que cada capa podría representar un sistema distinto: capital financiero, algoritmos, Estados autoritarios. La metáfora sigue funcionando porque, en 2025, la sensación de pelear contra “nadie” es más actual que nunca. No hay bandera, no hay idioma, no hay ideología clara. Solo control. Solo sumisión. Y esa ausencia de rostro impide caer en lecturas nacionalistas. Escuchamos por la radio que es un problema planetario. Los enemigos pueden estar en cualquier parte. Incluso dentro de nosotros.
11. El legado de Oesterheld como subtexto
Héctor G. Oesterheld fue secuestrado y desaparecido en 1977 junto con sus cuatro hijas; su obra se convirtió en símbolo de resistencia cultural. Cada plano de la serie lleva ese eco: el héroe colectivo que se levanta contra un poder invisible es también un acto de memoria.
Al poner El Eternauta en la vidriera global de Netflix, los creadores no solo adaptan un clásico: envían el mensaje de Oesterheld —“nadie se salva solo”— a millones de espectadores nuevos. El viajero del tiempo vuelve a cruzar la cuarta pared, recordándonos que la ficción puede seguir combatiendo décadas después de escrita. “El héroe verdadero de El Eternauta es un héroe colectivo, un grupo humano. Refleja así, aunque sin intención previa, mi sentir íntimo: el único héroe válido es el héroe ‘en grupo’, nunca el héroe individual, el héroe solo”, resumió el autor en la introducción de la edición completa de su clásico.
La serie se estrenó justo la semana del aniversario de su desaparición. Y para muchos espectadores de Netflix —sobre todo los que no conocían el cómic— esta versión será su primer contacto con su obra. Es, al mismo tiempo, una adaptación, un homenaje, y una puerta de entrada a la memoria política argentina.
- Preparar el terreno para la franquicia
Netflix confirmó la segunda temporada a los cinco días del estreno; productores y director ya trabajan en ocho nuevos episodios. El guion de la T1 siembra pistas—la presencia de un “ente superior” que controla humanos y bichos, mensajes de radio ininteligibles, la posibilidad de que Clara esté controlada por el ente—y cierra lo justo para dejar a la audiencia en vilo, emulando la lógica de saga que el cómic también adoptó en sus secuelas.
El artículo 732. 12 claves de guion de El Eternauta se publicó primero en Academia Guiones y guionistas.