El Faro del JAZZ

​​Comienza este viaje por la interesante obra y la tortuosa vida del trompetista Chet Baker Chet fue un músico lleno de luces y sombras, alguien tocado por una varita mágica que le permitió desarrollar una fascinante carrera musical, aunque sus debilidades como ser humano no le permitieron progresar debidamente y acabaron con su vida de forma trágica y temprana. Durante algunos programas voy a relataros la historia de Chet y, sobre todo, mostraros su música. En este primer capítulo me centraré en sus orígenes, por lo que también escucharemos a los músicos que le inspiraron desde su niñez, como el trompetista Bix Beiderbecke, y en su juventud, cuando el bebop nació con fuerza y Charlie Parker, junto a otros boppers, fascinaron a cierto sector de la juventud estadounidense ávida de sensaciones fuertes. Poco a poco llegaremos a sus propios discos con el cuarteto de Gerry Mulligan primero y como líder de sus propias formaciones algo más tarde, encuadradas ya en lo que se denominó cool jazz o west coast jazz. Dejaremos a Chet en un momento bastante crítico, ya enganchado a las drogas y de vuelta de su primera gira por Europa. Para el resto, y os aseguro que habrá acontecimientos y músicas más que interesantes, tendréis que esperar al próximo episodio.

En mi juventud encontré músicos y bandas que me ayudaron a entrar con facilidad en el mundo del jazz, algo no siempre sencillo si no tienes una manera adecuada de ir comprendiendolo. Uno de ellos fue el pianista Dave Brubeck y su socio, el saxofonista Paul Desmond, con algunos discos de su clásico cuarteto de los años 50 y 60. Aunque es una música que ha sido algo denostada por los críticos y otros músicos, a mi me parece que sí que tiene algunos detalles importantes dentro de la historia de este estilo musical, por lo que me ha parecido adecuado realizar un par de programas para adentrarnos en ese universo tan particular de Brubeck. Veremos sus inicios, quizá los más experimentales, como alumno de Darius Milhaud, y cómo aplicó a su forma de tocar jazz sus enseñanzas sobre la politonalidad y ciertas influencias clásicas, como las fugas o el contrapunto. Eso podremos comprobarlo con las primeras grabaciones del octeto de Dave. Tras aquello llegó la fama, cuando se asoció con Paul Desmond y comenzaron a viajar por todo el pais, tocando en auditorios y universidades. Su aparición en la revista Time y su posterior disco Time Out (1959), que incluye el archifamoso "Take Five" fueron el detonante que los convirtió en uno de los cuartetos de jazz más famosos de su época. Y, aunque no fueron tan respetados y valorados como el Modern Jazz Quartet, creo que también hicieron aportaciones fantásticas a lo que se llamó "la tercera corriente", es decir, la unión del jazz con ciertos aspectos de la música clásica. También fueron bien conocidos por su experimentación con compases irregulares como ese 5/4 del Take Five, o incluso algunos mucho más enrevesados como 11/8 o 7/8. Así que en esta primera parte abordaremos esa ascendencia del cuarteto clásico de Brubeck, con Desmond como mano derecha, tan importante como él para conseguir el éxito y la celebridad, y dejaremos la segunda parte para continuar con algunos otros discos de esa fabulosa asociación, así como experiencias posteriores de Brubeck con otros músicos.

​Cuando en el mundo del jazz aparece un producto audiovisual que merece la pena, hay que contarlo, porque no es lo habitual. En su día, películas como Round´Midnight (de Tavernier) o Bird (de Clint Eastwood) supieron tratar con dignidad el mundo del jazz, con su grandeza y sus miserias. En el mundo de las series televisivas también tuvimos la excelente Treme, pero la más reciente The Eddy es un perfecto ejemplo de cómo hacer un trabajo interesante, a nivel dramático, y que guarde gran verosimilitud con ese mundo tan desconocido, el de los músicos de jazz. En ​e​ste episodio he querido mostraros, sobre todo, la estupenda música de la banda sonora de la serie, ​pero también hablaros un ​p​oco sobre sus músicos, que también ​son actores en la misma, y contar, con cuidado de no caer en los peligrosos spoilers, un poco de su sinopsis. Espero que os guste este capítulo​ de El faro del jazz, un poco diferente a lo que suelo hacer en este programa, y que os sirva para animaros a ver una serie tan interesante.

Llegó el momento de dedicar un especial a una de las pianistas más explosivas y talentosas del jazz del siglo XXI, la japonesa Hiromi Uehara. Descubierta por Chick Corea a los diecisiete años, esta menuda y sonriente pianista decidió emprender una carrera en solitario que no ha dejado de sorprendernos a los aficionados al jazz que no tenemos miedo a las fusiones (puristas, absténganse). Hiromi grabó su primer disco, Another Mind (2003) a trio, y su progresión ha sido espectacular desde entonces. En este programa realizamos un recorrido por toda su discografía, por lo que prestaremos atención al resto de sus discos a trio de los inicios, como Brain (2004) o Spiral (2006), su primer proyecto colectivo, Hiromi´s Sonicbloom, con discos como Time Control (2006) o Beyond Standard (2008) o su primer disco a piano solo, Place to be (2009) Por supuesto, sonarán temas de su proyecto más mediático, con Anthony Jackson y Simon Philips, The Trio Project, con discos como Voice (2011) o Alive (2014), revisaremos otro de sus discos más íntimos, Spectrum (2019), su paso por la third stream con el proyecto Silver Lining Suite (2021) y su última locura, a cuarteto, con el Hiromi´s Sonicwonder, con los que ha editado, por ahora, dos excelentes trabajos: Sonicwonderland (2023) y Out There (2025). El viaje por la música de Hiromi es una montaña rusa de emociones, un "mundo de maravillas sónico", como ella misma denomina a su último proyecto, así que os invito a este viaje del que, a buen seguro, no regresareis indiferentes. Bienvenidos al luminoso mundo de Hiromi.

Comenzamos la séptima temporada de El Faro del Jazz prestando atención a la trayectoria del pianista franco-norteamericano Jacky Terrasson. Definido en ocasiones como "el pianista de la felicidad", y ganador en 1993 del premio Thelonious Monk, Jacky posee esa mágica combinación entre la técnica y la imaginación desbordante a la hora de hacer solos y arreglos, que lo convierten en uno de los pianistas más interesantes de las últimas generaciones. Empezaremos escuchando algunos temas en los que participó como sideman en discos del saxofonista Jesee Davis o de la cantante Diane Reeves, para después centrarnos en su carrera como líder, que comenzó con sus trabajos en el prestigioso sello Blue Note. Discos como "Jacky Terrason" (1994), "Reach" (1995), "What it is" (1999) o su colaboración con Cassandra Wilson en "Rendezvous" (1997).

Un programa especial dedicado al recientemente fallecido Al Foster, uno de los baterías mas importantes de la historia del jazz. Sus participaciones en innumerables grabaciones hacen dificil una recopilación de sus mejores momentos, así que me he limitado a buscar en mi colección de discos aquellos en los que la participación de Foster ha sido decisiva. En primer lugar no podia faltar su primera sesión de grabación, realizada con el trompetista Blue Mitchell allá por 1964. A partir de ahí, la selección ha sido cronológica pero muy personal. El disco 'Biting The Apple' (1976) de Dexter Gordon, el 'So in love' (1979) de Art Pepper, una joya de Tete Montoliu llamada Wanna Talk About You (1980) o uno de los mejores discos a trio de la historia, el 'Giant Steps' (1982) de Tommy Flanagan. No podía faltar Miles Davis, con un tema extraido de 'Amandla' (1989) donde participó Al, así como el precioso disco de Joanne Brackeen 'Fi fi goes to heaven' (1987) o, para cerrar en alto, el homenaje a Coltrane de McCoy Tyner 'McCoy Tyner Plays John Coltrane - Live at the Village Vanguard' (2001). Todas estas grabaciones tienen un denominador común: la destreza y el swing a las baquetas del gran Al Foster.

Prestamos atención a uno de los músicos más interesantes de la historia del jazz, un bopper elegante como ninguno, uno de los mejores herederos de las enseñanzas y descubrimientos de Charlie Parker, el señor Phil Woods. Ante el inmenso legado discográfico del saxofonista, he querido dar un somero repaso a sus discos más relevantes o los que, a criterio mi criterio, son más significativos, comenzando por una de sus primeras grabaciones, Woodlore, de 1955, recuperando tambien alguna sesión previa de su juventud con el guitarrista Jimmy Rane. Despues pasamos por discos como 'Pairing off' (1956), 'Warm Woods' (1957), ‘Rights of swing’ (1961), ‘Alive and well in Paris’ (1968), 'Recorded live at Jimmy´s (con Michel Legrand)' (1975), 'The New Phil Woods Album' (1975), 'I Rewmember' (1978) y 'Dizzy Gillespie Meets Phil Woods Quintet’ (1986) En cada una de las composiciones mostradas, Phil demuestra la gran pericia con su instrumento, el saxo alto, así como su buen gusto para el fraseo y genialidad como compositor. No menos importantes son los músicos con los que se ha ido cruzando a lo largo de su vida, y en este programa nos encontraremos con otros historicos del jazz como Teddy Kotick, Joe Morello, Tommy Flanagan, Philly Joe Jones, Gene Quill, Dizzy Gillespie, Curtis Fuller, Sahib Shihab, Henry Texier, Daniel Humair, Michel Legrand, Grady Tate, Hal Galper o Tom Harrell.

​En este nuevo episodio de El faro del jazz damos un repaso a la carrera en solitario de uno de los mejores guitarristas de nuestro país, Andrés Olaegui. Co-fundador de la banda Guadalquivir, junto a su compañero Luis Cobo 'Manglis', solo ha publicado cinco discos a su nombre, pero cualquiera de ellos despierta el máximo interés por su evidente calidad, tanto instrumental como a nivel compositivo. Todos ellos están muy entroncados con el jazz, pero Andrés nunca ha dejado de imprimir a su música ese sabor andaluz que caracterizó en los 70 a la música de aquella mítica formación, Guadalquivir. Comenzaremos por su primer trabajo 'Siguiendo mi camino' (2023) integrado por temas grabados a finales de los 80, pero que ha sido publicado recientemente por el sello 5 Lunas. Seguiremos con 'Como niños' (2005), un disco a trío que, posiblemente, es el más jazzistico y sobrio de su carrera. En 'Ave Fenix' (2008) amplió su banda a cuarteto y con 'Espíritu salvaje'(2018) se evidencian mucho más las influencias del jazz norteamericano, con cierto sabor a smooth jazz. Por último, escucharemos también algunos temas del precioso 'Paisaje Andaluz' (2022), donde aparecen las influencias de todo lo aprendido hasta la fecha, incorporando incluso a su formación base un cuarteto de cuerda clásico. En definitiva, un programa necesario con el que espero que conozcáis mucho mejor a este gran músico gaditano y universal, Andrés Olaegui.

Segunda y última parte del monográfico dedicado al gran Ornette Coleman, uno de los puntales del free jazz. En esta ocasión retomamos el programa tras la temporal retirada de Ornette de la vida pública, en 1962, algo cansado por trato recibido por managers y promotores, así como por la incomprensión hacia su música Tras su retorno un par de años después, analizamos discos tan interesantes como el "Chappaqua Suite" (1965), compuesto para una banda sonora que finalmente no fue o la incorporación a su banda como batería de su hijo Denardo, con solo diez años de edad, en el disco "The Empty Foxole" (1966). También descubriremos la participación en sus discos de otros saxofonistas tan míticos como Dewey Redman o Pharoah Sanders o sus experimentos con la música clásica y las orquestas sinfónicas en obras como "Skies of America" (1972). Llegamos también a sus primeras incursiones en el jazz eléctrico, con discos como "Science Fiction" (1971), que desembocaron en una electrificación más intensa tras la creación del grupo Prime Time, en discos como "Dancing in your head" (1977), "Body Meta"(1978) o "Of human feelings..." (1979). Acabamos con otro de sus grandes discos, ya metidos en la década de los 80, "In all languages" (1987) donde alterna su cuarteto clásico con su banda eléctrica. En definitiva, hemos dado un paseo por las etapas más rompedoras de este genio del jazz, que espero animen a los oyentes a rescatar su discografía posterior, también bastante interesante.

Dedicamos un monográfico a uno de los fundadores del sub estilo más controvertido del jazz, el free. Ornette Coleman, el genial saxofonista de Texas fue uno de los revolucionarios que liberó al jazz de muchas de las ataduras heredadas de la música 'de los blancos'. El blues más visceral, la preeminencia del ritmo (herencia de sus antepasados africanos) y la casi constante improvisación, en ocasiones colectiva, son algunos de los principales signos de distinción del free jazz. Lo mejor para introducirse en una música tan compleja como fascinante es acompañar a Ornette Coleman desde sus inicios. En esta primera parte haremos eso, comenzando por su primer disco 'Something Else!' donde aún se encuentran muchos ecos del be bop, y caminando con él en sus descubrimientos musicales, junto a luminarias del jazz como Charlie Haden, Billy Higgings o Don Cherry. Escucharemos temas de su etapa en el sello Contemporary, así como sus trabajos en Atlantic, como 'The shape of jazz to come' (1959), 'Change of the century' (1959), 'This is our music' (1961) o 'Free Jazz' (1961). Finalizaremos el capítulo con su 'Live at Town Hall' (1962), momento en el que Ornette decidió retirarse temporalmente de la música.

Terminamos con la tanda de monográficos dedicados al gran pianista gaditano Chano Domínguez dedicando esta cuarta parte a las producciones más recientes de este gran músico. Retomamos por donde lo dejamos en el capítulo anterior, el disco 'Chano & Josele' (2014), en el que realiza un elegante dúo con el guitarrista almeriense Niño Josele. También pasamos por varios trabajos en directo, como el que realizó con la WDR Big Band de Colonia, 'Soleando' (2015), un nuevo paso por el proyecto Jazzpaña, con 'Jazzpaña Live' (2015), su disco a piano solo 'Over the rainbow' (2017) o 'Chano & Colina' (2017) en el que se reencuentra con su antiguo colega contrabajista Javier Colina. Entre sus discos más recientes se encuentran el grabado con la Spanish Brass, 'Puro de oliva' (2018), una excelente y original colaboración con la flautista israelí Hadar Noiberg en 'Páramus' (2019), un nuevo encuentro con Martirio en forma de homenaje en 'A Bola de Nieve' (2019) o la curiosa experiencia versionando standards norteamericanos con traducción al castellano interpretados por el cantaor y saxofonista Antonio Lizana, 'Estándares' (2021) Como colofón a esta carrera tan interesante, el programa se despide con el disco más reciente del pianista, 'Chabem' (2022), en colaboración con el percusionista Rubem Dantas y el bandolinista Hamilton de Hollanda.

Terminamos en este segundo capítulo de la sexta temporada de El faro del jazz con el respaso a la carrera de Ella Fitzgerald, la "Primera Dama del Jazz". En este caso comenzamos ya en la década de los 60, donde los grandes cambios producidos en la música popular afectaron claramente a la famosa cantante. Comenzó la década con un disco dedicado al blues,'These are the blues' (1964), pero la salida de la discográfica Verve la llevaron a hacer algunos discos algo insustanciales, aunque no dejaban de tener encanto gracias a su voz y su técnica. Nos referimos a aquellos que dedicó a los himnos religiosos, 'Brighten The Corner0 (1967), a las canciones navideñas con 'Christmas With Ella Fitzgerald' (1967) o, incluso, a los éxitos de la música country 'Misty Blue' (1968). No obstante, su carrera se fue recuperando, y mostramos también algunos temas de su disco 'Sunshine of Your Love' (1969), donde versionaba ya a algunos de los más destacados compositores de los sesenta (Lennon/McCartney o Bacharach/Leonard). El programa terminará con un tema de su estupendo directo en el Newport Jazz Festival y con una de sus colaboraciones con el gran pianista canadiense Oscar Peterson, en su disco 'Ella & Oscar' (1975).

Comenzamos la sexta temporada de El faro del jazz a lo grande, dedicándolo a la conocida como 'Primera Dama del Jazz', la cantante norteamericana Ella Fitzgerald. Ella Fitzgeral está considerada como una de las mejores intérpretes de jazz de la historia, así como una de las mayores especialistas en el 'scat'. En esta primera parte nos centraremos en sus inicios, cuando comenzó a despuntar en la orquesta del batería y director Chick Webb. También escucharemos algunas de sus piezas grabadas en los años 40 con grandes de la época, como Louis Armstrong, Hank Jones, Ray Brown o Buddy Rich. En la última parte del programa nos centraremos en sus conocidisimos 'Songbooks', una colección de discos producidos por Norman Granz y grabados para el sello Verve, en los que la cantante rindió homenaje a los grandes compositores del cancionero americano: Cole Porter, Irvin Berlin, Rodgers & Hart, George & Ira Gershwin, Duke Ellington o Harold Harlem.

Seguimos con los monográficos estivales dedicados a una de las grandes figuras del jazz de nuestro país, el pianista Chano Domínguez. Retomamos la historia en 2006 con su trabajo a trio "Acércate más". También recordaremos "New Flamenco Sound" (2006), uno de sus trabajos más sólidos y recordados en el que se adentró con todas las de la ley en la experimentación entre el flamenco, el jazz y otras muchas influencias musicales que le interesaban, como la música medieval o la hindú. Tambien escucharemos algún corte de su colaboración con el cubano Paquito D´Rivera o su interesante disco "Piano ibérico" (2009) donde pone en valor a compositores como Albéniz, Falla, Granados o Mompou. Una de las colaboraciones mas interesantes de la siguiente década es la que llevó a Chano a colaborar nuevamente con el trompetista norteamericano Wynton Marsalis, que contó con él en su "Vitoria Suite" (2010). El propio Chano quiso experimentar un par de años mas tarde con otro clásico del jazz y el resultado fue su interesante directo "Flamenco Sketches" (2012), donde recreó, en el Jazz Standard de Nueva York, todos los temas del mítico "Kind of Blue" de Miles Davis, trasladándolos al universo del flamenco. El programa termina con "Chano & Josele" (2014), un disco producido por Fernando Trueba para su sello Calle 54 Records en el que Chano realizó un dúo con el guitarrista almeriense Niño Josele.

Continuamos con los monográficos de verano dedicados a una de las grandes figuras del jazz de nuestro país, el pianista Chano Domínguez. En el primer capítulo le dejamos a finales del siglo XX, cuando editaba su 'En directo. Piano solo' (1997), grabado en el Café Central de Madrid, y con ese disco retomamos la historia. A continuación repasaremos algunos de sus discos más importantes editados en los inicios del siglo XXI. Trabajos tan destacados como 'Imán' (2000) u 'Oye como viene' (2022), en los que su inmersión en el flamenco ya es mucho más evidente, contando incluso con algunos excelentes cantaores como Enrique Morente o Blas de Córdoba 'El Kejío'. También por esa época editó su disco 'Tú no sospechas'(2000), a dúo con la cantante cubana Marta Valdéz, más orientado al bolero, así como su participación en el proyecto Jazzpaña, que presentaba su segunda entrega en aquel mismo año. Tras su participación en el documental 'Calle 54', de Fernando Trueba, Chano obtuvo un gran impulso a nivel internacional, que le llevó a grabar el disco con el que finalizamos este episodio, 'Con alma' (2003), acompañado de dos pesos pesados del jazz norteamericano, el contrabajista George Mraz y el batería Jeff Ballard.

Primera parte de los monográficos dedicados a una de las grandes figuras del jazz de nuestro país, el pianista gaditano Chano Domínguez. Chano comenzó a destacar a finales de la década de los setenta en el grupo de rock andaluz Cai, para inmediatamente después comenzar a especializarse en la música que lo cautivó, el jazz, aportándole siempre su personal toque inspirado por el flamenco y la música andaluza. Tras su paso por grupos como Hiscadix, Decoy o Neo Bop, así como su dúo con Tito Alcedo, en la década de los noventa llegaron sus primeras obras como líder. En esta primera parte nos vamos a centrar sus discos 'Memorias' (1989), 'Chano'(1993), '10 de Paco' (1995), 'Hecho a mano' (1996) y 'En directo. Piano solo' (1997).

Seguimos con el monográfico sobre la carrera de una de las bandas más importantes en el mundo de la fusión en el jazz, los norteamericanos Yellowjackets. En este capítulo nos centramos en su etapa durante la década de los 90, donde escucharemos temas de sus discos 'Like a River', 'Run for Your life', 'Dreamland', 'Blue Hats' y 'Club Nocturne'. Además de los cuatro miembros clásicos del cuarteto (Ferrante, Mintzer, Haslip y Kennedy) escucharemos a invitados de lujo como Robben Ford, Bobby McFerrin, Brenda Russell o Kurt Elling. Seguimos disfrutando, pues, con el excelente jazz rock con toques de funk y rhythm´n´blues de estos maestros.

Una de las bandas más longevas en el mundo del jazz rock son los norteamericanos Yellowjackets. Continúan en activo y en muy buena forma, aun siendo un referente para muchos músicos del mundo desde que comenzaron su carrera en la década de los 80. Se conocieron al coincidir como músicos de sesión del guitarrista Robben Ford, y fue entonces, a finales de los setenta, cuando decidieron montar una nueva formación por su cuenta en la que pudiesen dar rienda suelta a su imaginación. En este programa, primera parte de un monográfico que tendrá como mínimo dos partes más, bucearemos en esos orígenes en la banda de Robben y después pasearemos por todos los discos de estudio que editaron durante la década de los ochenta, cuando su estilo estaba cerca de bandas como Spyro Gyra y se vieron afectados, como casi todo el mundo, por las producciones típicas de ese periodo. Aun así, consiguieron facturar una música de tremenda calidad que oscilaba entre el jazz, el funk, el rhythm´n´blues y también algo de pop-rock.

La copla es un estilo musical que nació en España a principios del siglo XX y que durante los años de la dictadura estuvo intrínsecamente asociado a ese régimen político. Esto ocasionó que, con la llegada de la democracia, a finales de los setenta, viviese momentos de rechazo por parte de la juventud, que buscaban músicas muy diferentes. No obstante, algunos artistas decidieron volver a poner estas canciones, de tremenda calidad musical y poética, en el lugar que merecían, y entre ellos surgió Martirio. Empezó asociando la copla con el rock, pero en pocos años se dio cuenta de que el jazz era un tipo de música que casaba mucho mejor con sus melodías y esas letras tan sentidas y pasionales. Su asociación con el pianista Chano Domínguez fue crucial, y juntos parieron lo que ya es una obra imprescindible y podríamos decir que única, 'Coplas de Madrugá' (1997), un disco en el que repasan algunas de las coplas más conocidas del cancionero español, con unos arreglos e instrumentación puramente jazzísticos. Después llegó 'Acoplados' (2004), donde acometieron el más difícil todavía, contando con la orquesta de RTVE y una big band de jazz. A ambos discos he querido dedicar este nuevo capítulo de El Faro del Jazz, aprovechando también que Martirio y Chano están celebrando de nuevo la publicación de estos discos girando por muchas ciudades del país. El próximo 30 de enero el director y presentador de El Faro los disfrutará en directo en Clasijazz, Almería, y no encontraba mejor manera de preparar ese concierto que dedicarles este episodio. De paso, también escucharemos alguna copla instrumental interpretada por Chano, y algunos fragmentos de las coplas originales en la voz de los grandes de género, como Miguel de Molina, Concha Piquer, Juanita Reina o Marifé de Triana. Un programa peculiar pero que estoy seguro os va a interesar.